Pourquoi devrions-nous prêter attention à l’artiste hongroise Ilona Keserü

C'est son amour de l'art qui fait d'Ilona Keserü une artiste à succès. C’est son appréciation pour l’art des autres et pour l’art d’autrefois qui l’a aidée à devenir l’une des plus grandes artistes de notre époque. Keserü réussit parfois si bien à exprimer les sentiments et les structures sous-jacentes de la réalité qu'elle pourrait être qualifiée de réaliste, même si un tel commentaire n'a pas de sens, car son travail est si purement et élégamment abstrait. Peut-être que ce que je dis, c'est que son travail incarne tous les aspects de la nature et de l'univers physique ; elle voit au-delà de la surface des choses et met en lumière les vérités sous-jacentes. Prenez par exemple sa pièce « Space Taking Shape » (1972). L'œuvre est accrochée au mur mais est sculpturale. Son cadre en bois a été sculpté en une série d’ondes horizontales pulsées. Recouvert de linoléum et de toile, le cadre a ensuite été peint d’un essaim arc-en-ciel d’hexagones, se rapprochant d’un déluge de couleurs ondulées en nid d’abeille. Le spectacle complet de la nature est présent dans cet objet unique : les couleurs du spectre ; la géométrie cachée de la biosphère ; les modèles et les structures du vent et de l'eau ; un chaos biomorphique évoluant vers une logique architectonique au fil du temps et de l'espace. C'est l'une des œuvres d'art les plus étranges et les moins attendues que j'aie jamais vues, mais dès la seconde où je l'ai vue, j'ai eu l'impression d'être en présence d'une famille, d'un parent esthétique lointain, ancien et universel. Je comprends son travail peut-être parce qu'il exprime quelque chose que Keserü comprend et qui me concerne également ; quelque chose de heureux, de satisfaisant et de logique ; quelque chose qu'elle a remarqué par observation puis traduit dans son propre langage, un langage qui prouve que même si nous sommes des milliards, il n'y a qu'un seul art.

Libre pour toujours

Keserü est née à Pécs, en Hongrie, en 1933. Elle dessinait et peignait de manière compulsive lorsqu'elle était enfant, mais sa capacité à créer de l'art était grandement entravée par les circonstances de l'endroit et du moment où elle vivait. La Hongrie a rejoint les puissances de l'Axe pendant la Seconde Guerre mondiale. Derrière les lignes nazies, il n’y avait pas de liberté, peu de joie et peu de temps et de ressources pour les choses imaginaires. Keserü se souvient, en désespoir de cause, de sa peinture sur du papier toilette. Pourtant, elle a aussi dit un jour : « J’ai été libre toute ma vie. En fin de compte, pour ceux qui se consacrent à l’art, la liberté est le point de départ. Lorsque sa ville a été libérée par les Russes, elle et quelques amis ont fouillé les décombres à la recherche de cartons et de crayons, tout ce qu'ils ont pu trouver pour leur permettre de créer de l'art. Cette passion et ce dévouement transparaissent dans la qualité de son travail. Alors que le nouveau régime soviétique établissait sa présence, Keserü a bénéficié de la recherche officielle de nouveaux jeunes talents hongrois. Elle a eu la chance d'étudier l'art à l'école et a même été repérée par Ferenc Martyn, qui avait passé des années à Paris au sein du Abstraction Creation Group. Martyn venait d'ouvrir une nouvelle école et il a invité Keserü à la rejoindre. Elle lui attribue le mérite de lui avoir appris non seulement à voir le monde à travers les yeux d'un artiste, mais aussi à se consacrer au travail nécessaire pour devenir un maître.

Ilona Keserü - L'espace prend forme, 1972. Huile sur linoléum entoilé sur cadre en bois façonné. 70 9/10 × 43 3/10 × 4 9/10 po ; 180 × 110 × 12,5 cm. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Stephen Friedman Gallery, Londres

Ironiquement, Martyn n’a pas appris à Keserü comment peindre de manière abstraite. Bien au contraire. Il lui a plutôt appris à observer le monde réel. Elle se souvient qu'il l'avait fait asseoir et regarder par la fenêtre les scènes à l'extérieur. Elle a peint le monde réel qu’elle voyait sous cet angle, mais pas de manière précise. Elle a plutôt traduit les différentes composantes du monde qu’elle pouvait voir d’une manière qui révèle à la fois ce qui est visible et ce qui est caché. Les peintures et sculptures que Keserü réalise depuis sont définies par la couleur, la forme et la structure. Ils rappellent cette première leçon. Ce ne sont pas des images d’arbres, ni de fleurs, ni de paysages, ni de bâtiments, ni de personnes. Et pourtant, ce sont en quelque sorte des images de ces choses. Ils véhiculent la structure du corps humain ; le rythme de la forêt ; l'explosion des couleurs printanières. L'une de ses œuvres les plus célèbres est une tapisserie intitulée « Wall-Hanging with Tombstone Forms » (1969). Il prend comme base un motif commun de pierre tombale en forme de cœur. Keserü répète la forme selon un motif, chaque pierre tombale reflétant sa propre image. Elle utilise la couleur, la forme et le motif de manière harmonieuse et réconfortante, une représentation paisible des limites les plus dures de la vie.

Ilona Keserü - Tenture murale avec formes de pierres tombales (Tapisserie), 1969. Couture sur lin teint chimiquement. 61 3/8 x 145 5/8 pouces, 156 x 370 cm. Avec l'aimable autorisation de l'artiste, Elizabeth Dee New York et Kisterem Budapest

Rien ne manque

Keserü a longtemps été tenue en haute estime dans son Hongrie natale. Son travail a été largement exposé là-bas, lors d'expositions individuelles dans les musées les plus importants. Pourtant, ce n'est que récemment que le reste du monde a pris conscience de son œuvre. Elle a été incluse dans de récentes rétrospectives à grande échelle de l'art d'avant-garde hongrois des années 1960 et 70 à New York et Londres. Et en décembre 2018, son "Mur suspendu avec des formes de pierre tombale" partagera l'espace de la galerie au Metropolitan Museum of Art à New York avec les œuvres des noms les plus importants de l'art abstrait moderne et contemporain, dans Epic Abstraction: Pollock to Herrera, une exposition de plus de 50 œuvres abstraites à grande échelle.

Ilona Keserü - Juin Variation E, 1976. Sérigraphie sur papier. 37 4/5 × 28 pouces ; 96 × 71 cm. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la Stephen Friedman Gallery, Londres

Ce spectacle constitue un environnement idéal pour présenter au grand public ce que fait Keserü. Elle parle souvent de l'importance d'aller voir les œuvres d'autres artistes. Elle dit à ses étudiants : « L’art est un immense courant en constante évolution, un club vivant auquel vous pouvez appartenir en tant qu’artiste si vous avez la chance. Vous pouvez nouer librement une relation avec les autres membres, qu'ils soient vivants ou non. Parce que les œuvres sont vivantes ! Les spectateurs qui verront son travail parmi les œuvres de ses contemporains les plus accomplis verront que rien ne manque : tout dans l'univers est là, si vous regardez. Et nous espérons qu’ils se sentiront également inspirés par le fait d’être en présence réelle de l’œuvre – non pas en la voyant en ligne ou dans un livre, mais en étant là avec elle. Lorsque Keserü réussit, même si rien ne manque, nous nous sentons obligés de sortir et d'ajouter à ce qu'elle a fait, de suivre son exemple et d'étendre le courant universel et en constante évolution de l'art.

Image en vedette : Ilona Keserü - exposition personnelle à la galerie Stephen Friedman, vue de l'installation. Photo gracieuseté de la galerie Stephen Friedman
Toutes les images utilisées à des fins d'illustration uniquement
Par Phillip Barcio