Pourquoi devrions-nous prêter attention à l’artiste hongroise Ilona Keserü

C’est son amour de l’art qui fait de Ilona Keserü une artiste aussi accomplie. C’est son appréciation de l’art des autres, et de l’art d’autres époques, qui l’a aidée à devenir l’une des plus grandes artistes de notre temps. Keserü réussit parfois si bien à exprimer les sentiments et structures sous-jacents de la réalité qu’on pourrait la qualifier de réaliste, bien qu’un tel commentaire n’ait guère de sens, car son œuvre est si purement et élégamment abstraite. Peut-être ce que je veux dire, c’est que son travail incarne chaque aspect de la nature et de l’univers physique ; elle voit au-delà de la surface des choses, et fait ressortir les vérités profondes. Prenons par exemple son œuvre « Space Taking Shape » (1972). L’œuvre est accrochée au mur mais est sculpturale. Son cadre en bois a été sculpté en une série d’ondes horizontales pulsantes. Recouvert de linoléum et de toile, le cadre a ensuite été peint d’un essaim arc-en-ciel d’hexagones, évoquant un déluge ondulant de couleur en forme de nid d’abeilles. Le spectacle complet de la nature est présent dans cet unique objet : les couleurs du spectre ; la géométrie cachée de la biosphère ; les motifs et structures du vent et de l’eau ; le chaos biomorphique évoluant vers une logique architectonique au fil du temps et de l’espace. C’est l’une des œuvres les plus étranges et inattendues que j’aie jamais vues, mais dès que je l’ai vue, j’ai senti que j’étais en présence d’une famille — un parent esthétique lointain, ancien et universel. Je comprends son travail peut-être parce qu’il exprime quelque chose que Keserü comprend et qui me touche aussi ; quelque chose de joyeux, satisfaisant et logique ; quelque chose qu’elle a remarqué par l’observation puis traduit dans sa propre langue, une langue qui prouve que même si nous sommes des milliards, il n’y a qu’un seul art.

Libre pour toujours

Keserü est née à Pécs, en Hongrie, en 1933. Elle dessinait et peignait avec passion enfant, mais sa capacité à créer a été grandement entravée par les circonstances du lieu et de l’époque où elle vivait. La Hongrie a rejoint les puissances de l’Axe pendant la Seconde Guerre mondiale. Derrière les lignes nazies, il n’y avait ni liberté, ni joie, et peu de temps et de ressources pour les choses de l’imagination. Keserü se souvient qu’à cette époque, par désespoir, elle peignait sur du papier toilette. Pourtant, elle a aussi dit un jour : « J’ai été libre toute ma vie. Au final, pour ceux qui se consacrent à l’art, la liberté est le point de départ. » Lorsque sa ville fut libérée par les Russes, elle et quelques amis fouillèrent les décombres à la recherche de carton et de crayons, tout ce qu’ils pouvaient trouver pour créer. Cette passion et ce dévouement transparaissent dans la qualité de son travail. Alors que le nouveau régime soviétique s’installait, Keserü bénéficia de la recherche officielle de nouveaux jeunes talents hongrois. Elle eut la chance d’étudier l’art à l’école, et fut même repérée par Ferenc Martyn, qui avait passé des années à Paris au sein du Groupe Abstraction-Création. Martyn venait d’ouvrir une nouvelle école, et il invita Keserü à la rejoindre. Elle lui attribue le mérite de lui avoir appris non seulement à voir le monde à travers les yeux d’un artiste, mais aussi à se consacrer au travail nécessaire pour devenir maître.

Ilona Keserü - Space Taking Shape, 1972. Huile sur linoléum monté sur toile, sur cadre en bois sculpté. 70 9/10 × 43 3/10 × 4 9/10 pouces ; 180 × 110 × 12,5 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Stephen Friedman Gallery, Londres

Ironiquement, Martyn n’a pas appris à Keserü à peindre de façon abstraite. Bien au contraire. Il lui a appris à observer le monde réel. Elle se souvient qu’il la faisait s’asseoir et regarder par la fenêtre les scènes extérieures. Elle peignait le monde réel qu’elle voyait de ce point de vue, mais pas de manière précise. Elle traduisait plutôt les différents éléments du monde qu’elle pouvait voir d’une façon qui révèle à la fois ce qui est visible et ce qui est caché. Les peintures et sculptures que Keserü réalise depuis sont définies par la couleur, la forme et la structure. Elles renvoient à cette leçon initiale. Ce ne sont pas des images d’arbres, ni de fleurs, ni de paysages, ni de bâtiments, ni de personnes. Et pourtant, elles sont en quelque sorte des images de ces choses. Elles transmettent la structure du corps humain ; le rythme de la forêt ; l’explosion des couleurs du printemps. L’une de ses œuvres les plus célèbres est une tapisserie intitulée « Wall-Hanging with Tombstone Forms » (1969). Elle prend pour base un motif courant de pierre tombale en forme de cœur. Keserü répète cette forme en un motif, chaque pierre tombale reflétant sa propre image. Elle emploie la couleur, la forme et le motif de manière harmonieuse et apaisante, une représentation paisible des limites les plus dures de la vie.

Ilona Keserü - Wall-Hanging with Tombstone Forms (Tapisserie), 1969. Couture sur lin teint chimiquement. 61 3/8 x 145 5/8 pouces, 156 x 370 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste, Elizabeth Dee New York et Kisterem Budapest

Rien ne manque

Keserü est depuis longtemps très estimée dans sa Hongrie natale. Son travail y a été largement exposé, lors d’expositions personnelles dans les musées les plus importants. Pourtant, ce n’est que récemment que le reste du monde a pris conscience de son œuvre. Elle a été incluse dans de grandes rétrospectives récentes de l’avant-garde hongroise des années 60 et 70 à New York et Londres. Et en décembre 2018, son « Wall-Hanging with Tombstone Forms » partagera l’espace d’exposition au Metropolitan Museum of Art à New York avec les œuvres des noms les plus importants de l’art abstrait moderne et contemporain, dans Epic Abstraction : Pollock à Herrera, une exposition de plus de 50 œuvres abstraites de grande envergure.

Ilona Keserü - June Variation E, 1976. Sérigraphie sur papier. 37 4/5 × 28 pouces ; 96 × 71 cm. Avec l’aimable autorisation de l’artiste et de la Stephen Friedman Gallery, Londres

Cette exposition est un cadre approprié pour faire découvrir au grand public ce que fait Keserü. Elle parle souvent de l’importance d’aller voir les œuvres d’autres artistes. Elle dit à ses élèves : « L’art est un immense courant en perpétuel mouvement, un club vivant auquel vous pouvez appartenir en tant qu’artiste si vous avez la chance. Vous pouvez nouer librement des liens avec les autres membres, qu’ils soient vivants ou non. Parce que les œuvres sont vivantes ! » Les visiteurs qui verront son travail là, parmi les œuvres de ses contemporains les plus accomplis, verront que rien ne manque — tout dans l’univers est là, si l’on sait regarder. Et ils seront, espérons-le, aussi inspirés d’être en présence réelle de l’œuvre — pas en la voyant en ligne ou dans un livre, mais en étant là avec elle. Quand Keserü réussit, même si rien ne manque, nous sommes poussés à sortir et à ajouter à ce qu’elle a fait, à suivre son exemple et à prolonger ce courant universel et toujours mouvant de l’art.

Image en vedette : Ilona Keserü - exposition personnelle à la Stephen Friedman Gallery, vue de l’installation. Photo avec l’aimable autorisation de la Stephen Friedman Gallery
Toutes les images sont utilisées à titre illustratif uniquement
Par Phillip Barcio