Ellen Priest के साथ एक साक्षात्कार

Ellen Priest ने तीस वर्षों से अधिक समय तक अपनी जीवंत अमूर्त कोलाज चित्रकारी के साथ कला जगत में अपनी छाप छोड़ी है। अपने करियर की शुरुआत से ही सेज़ान के प्रभाव में और 1990 के दशक से जैज़ से प्रेरित होकर, उन्होंने विभिन्न जैज़ रचनाओं की गतियों और जटिल लयों को जीवंत रंगीन ब्रश स्ट्रोक्स में कैद करने का प्रयास किया है। IdeelArt को उनके कार्य प्रक्रिया पर चर्चा करने का अवसर मिला, साथ ही उनके प्रभावों और संगीत के प्रति उनके जुनून की भी जानकारी मिली।

आपने उल्लेख किया कि आप "Cezanne: The Late Works" नामक प्रदर्शनी से बहुत प्रभावित हुईं, जिसमें उनके अंतिम जलरंग चित्र म्यूजियम ऑफ मॉडर्न आर्ट में प्रदर्शित थे। क्या उनका शैली अभी भी आपके कार्यों को प्रभावित और व्याप्त करती है?

ओह बिल्कुल। यह मज़ेदार है; यह उन अंतर्दृष्टियों में से एक है जो हमें जब हम युवा होते हैं मिलती हैं। यह मेरे लिए स्थायी रहा। और मैं उस समय समझ सकती थी कि यह कुछ बड़ा है। फिलाडेल्फिया म्यूजियम ऑफ आर्ट में एक अंतिम सेज़ान परिदृश्य है जहाँ जब भी मुझे अपने मन को साफ़ करना होता है या प्रेरणा लेनी होती है, या कुछ समझना होता है, मैं उसे देखने जाती हूँ। मैं उस परिदृश्य के सामने खड़ी रहती हूँ जब तक कि मैं उसे समझ न लूँ। उनका अंतिम कार्य एक निरंतर प्रभाव रहा है, और यह तीस वर्षों से अधिक समय से है। मुझे लगता है कि उन्होंने रंगों को संभालने का एक तरीका खोज लिया था, और जो कई लोग नहीं समझते वे यह है कि किसी विशेष रंग के स्थान का चयन मूलतः चित्रांकन है। सेज़ान ने समझा कि वस्तुएं स्थानों में कैसे तैरती हैं। उनका सोचने का तरीका मेरे अपने सोचने के तरीके से मेल खाता है। आकृतियाँ प्रकट होती हैं, फिर वे घुल जाती हैं। फिर वे फिर से प्रकट होती हैं और फिर से फीकी पड़ जाती हैं, जिससे चित्र में सांस लेने का भ्रम पैदा होता है। वह मेरे लिए उतने ही जादुई हैं जितने पहले थे जब मैंने पहली बार उनका काम देखा था।

मैं सच में खुद को भाग्यशाली मानती हूँ। मुझे लगता है कि यह उनके कार्य की ताकत और प्रतिभा को दर्शाता है। मेरे लिए, वह उतने ही महत्वपूर्ण थे जितने कि जियोटो परिप्रेक्ष्य और स्थान में आकृतियों के प्रबंधन के लिए। मेरा अनुमान है कि अगर मैं 500 साल आगे कूद सकूँ, तो लोग अभी भी सेज़ान को एक मील का पत्थर मानेंगे। वह अमूर्त अभिव्यक्तिवाद जो मुझे शुरू से ही आकर्षित करता रहा है, अब भी मेरे लिए उतना ही मजबूत है। मैं भाग्यशाली हूँ कि मैंने इसे जल्दी समझा और पहचाना। मैंने बस यह महसूस किया कि मेरे लिए दृश्य रूप से क्या प्रभावशाली है।

क्या आप हमें अपने कार्य प्रक्रिया के बारे में बता सकती हैं? आप कौन-कौन से सामग्री और तकनीकें उपयोग करती हैं?

मैं कागज का उपयोग करती हूँ; मेरा सारा काम कागज पर होता है। जो रंग मैं उपयोग करती हूँ वे फ्लैश और तेल के होते हैं। फ्लैश, जो एक विनाइल-आधारित जल-घुलनशील रंग है, रंगद्रव्य को उसी तरह लेता है जैसे जलरंग और ग्वाश लेते हैं। यह रंगों को थोड़ा भूरा नहीं करता जैसे कि एक्रिलिक करता है। यह तेल के साथ बहुत संगत है। रंगों के मामले में यह थोड़ा अलग है लेकिन वे वास्तव में स्थान के भीतर साथ काम करते हैं। मैं बहुत पेंसिल भी उपयोग करती हूँ। कागज बहुत भारी फ्रेंच जलरंग कागज से लेकर दो प्रकार के कांसन ट्रेसिंग वेलम तक होते हैं। एक बहुत भारी होता है जिसे ओपालक्स कहा जाता है, दूसरा पतला होता है और दोनों संग्रहणीय हैं। मैंने पिछले पंद्रह वर्षों में बोस्टन के एक जोड़े, जिम और जोन राइट के साथ बहुत काम किया है, जो दोनों संग्रहालय संरक्षणकर्ता हैं, और उन्होंने मुझे इस प्रक्रिया में मार्गदर्शन दिया। जिम ने मुझे सिखाया कि इस प्रकार के कागज पर तेल रंग का उपयोग कैसे करें बिना किसी समस्या के। मैं इसे लंबे समय से कर रही हूँ, और काम ठीक से टिक रहा है; मुझे इससे कोई कठिनाई नहीं हुई। मैं MSA जेल को गोंद के रूप में उपयोग करती हूँ, और मैं परतों को लैमिनेट नहीं करती - मैं उन्हें जगह-जगह गोंद लगाती हूँ - और जेल को सेट करने के लिए उन्हें दबाकर रखती हूँ। सूखने में लगभग एक सप्ताह लगता है।

आपने कहा कि आप किसी श्रृंखला पर एक से पांच साल तक काम करती हैं। आप अपनी प्रेरणा कैसे बनाए रखती हैं और थकावट से कैसे बचती हैं?

मेरी प्रक्रिया काफी लंबी है लेकिन यह काफी विविध है। यह ब्रश अध्ययन से शुरू होती है, जो संगीत की ध्वनियों और गति के साथ मेरी पहली मुलाकात होती है। ब्रश अध्ययन शायद तीस सेकंड तक चलते हैं और फिर धीरे-धीरे ये मोटे, परतदार टुकड़ों का निर्माण करते हैं। मुझे कोई समस्या नहीं होती क्योंकि यह प्रक्रिया वर्षों में विकसित हुई है और यह मेरे लिए वास्तव में काम करती है। यह एक भाषा बन गई है जिसमें मैं बहुत सहज हूँ, हालांकि यह हमेशा एक चुनौती होती है। मुझे लगता है कि एक निश्चित बिंदु पर, कोई पेशेवर बन जाता है, और यह मायने नहीं रखता कि मैं किसी दिन कैसा महसूस करती हूँ। काम करने का समय है। मैं तैराकी करती हूँ, स्मूदी पीती हूँ, और काम पर लग जाती हूँ। मैंने सीखा है कि अगर मेरा मन उसमें नहीं है, तो मैं कई तरह के उपाय कर सकती हूँ ताकि मैं उसमें आ सकूँ। आमतौर पर मैं अगले दिन के लिए पहले से जानती हूँ कि मुझे क्या करना है। जब मैं रंग संबंधों को समझने की कोशिश करती हूँ, तो मुझे बस बैठकर उसे देखना होता है, और रंग के नमूनों को बदलती रहती हूँ ताकि मैं देख सकूँ कि वे स्थान में कैसे व्यवहार करते हैं। मैं संगीत भी सुनती हूँ। इसलिए प्रक्रिया खुद ही मुझे आगे बढ़ाती है जब मेरा मन और दिल जरूरी नहीं कि वहाँ हों, लेकिन मुझे वहाँ पहुँचना होता है। यह अनुशासन वर्षों के साथ आता है।

Ellen Priest - Jazz Cubano #2 फ्रंट स्टडी, 2013। कागज पर ग्वाश। 106.68 x 106.68 सेमी।

आप अपनी सामग्री और विषय वस्तु कैसे चुनती हैं?

विषय वस्तु और सामग्री बहुत अलग चीजें हैं। सामग्री अंतिम परिणाम है, या वह भावनाएँ जो आप उस कृति को देखते समय अनुभव करते हैं। विषय वस्तु जैज़ है। बहुत कम अमूर्त कलाकारों के पास सचेत विषय वस्तु होती है। मैंने बहुत जल्दी महसूस किया कि मैं अपनी छवियों को ताजा नहीं रख सकती बिना बाहरी विषय वस्तु के। और मैं लगभग दस वर्षों तक इस बात से जूझती रही। अंततः यह तब हुआ जब मैं जैज़ सुन रही थी। मैं स्कीइंग के लिए वर्मोंट जा रही थी और स्थानीय NPR स्टेशन सुन रही थी, और वहाँ डोमिनिकन जैज़ पियानोवादक मिशेल कैमिलो का एक टुकड़ा था। अचानक मुझे एहसास हुआ कि जो स्थान मैं अपने मन में देख रही थी वे उसके संगीत में मौजूद स्थान थे।

यह 1990 में था, और तब से मैं जैज़ के साथ काम कर रही हूँ। यह सचेत विषय वस्तु है। और मुझे कई साल लगे यह विकसित करने में कि मैं इससे छवियाँ कैसे बनाऊँगी। डे कूनिंग ने कभी खुद को अमूर्त चित्रकार नहीं माना; वह लगातार आकृतियों और परिदृश्यों को देखते रहे, कभी-कभी स्थिर जीवन। जोन मिशेल, जो मेरी अन्य प्रतीक हैं, का अमूर्त अभिव्यक्तिवाद चित्रकार के रूप में बहुत लंबा करियर था और यह वास्तव में कठिन था। उन्होंने अपनी प्रेरणा परिदृश्य और कविता से ली। उनके कई दोस्त कवि थे, जिनमें से एक जॉन अशबरी थे, और उन्होंने उनकी कविताओं को "चित्रित" किया। डे कूनिंग और मिशेल उन कुछ लोगों में से हैं जिन्होंने अपने पूरे करियर में इस भावात्मक अभिव्यक्तिवाद शैली को बनाए रखा।

आप कला जगत में कैसे नेविगेट करती हैं?

बहुत अच्छा नहीं। मैं उन लोगों में से हूँ जो व्यवसायी बनना जानते हैं और मैं बहुत पेशेवर हूँ, लेकिन मुझे नहीं लगता कि मैं इस क्षेत्र में बहुत सफल हूँ। यह एक ऐसा क्षेत्र है जिस पर मैं अभी भी बहुत मेहनत कर रही हूँ। मेरे लिए सबसे बड़ी बाधा यह रही है कि जितना मैं देख पाती हूँ, जो लोग बहुत कला देखते हैं वे हमेशा मुझसे कहते हैं कि मेरा काम ऐसा है जिसे व्यक्ति को व्यक्तिगत रूप से देखना चाहिए। इतना ही नहीं, यह काम अनूठा है। कोई और इस तरह की सामग्री का उपयोग इस तरह से नहीं कर रहा है। अनूठापन एक संपत्ति है लेकिन यह एक बोझ भी है, क्योंकि कुछ लोगों के लिए इसे समझना मुश्किल होता है क्योंकि उन्होंने ऐसा कुछ पहले कभी नहीं देखा।

आपने कहा कि आपके कार्य जैज़ संगीत की लयों और बौद्धिक कठोरता से बहुत प्रभावित हैं। आप वर्तमान में क्या सुन रही हैं जो आपके काम को ऊर्जा देता है?

मैं वास्तव में एक या दो साल पहले से सुनना शुरू कर देती हूँ जब मैं कोई नया प्रोजेक्ट शुरू करने वाली होती हूँ। मेरे प्रोजेक्ट एक साल से लेकर पांच साल तक ले सकते हैं, इसलिए अगर मैं किसी विशेष टुकड़े पर इतना समय काम करने वाली हूँ, तो मुझे उसे पसंद होना चाहिए! अन्यथा मुझे बड़ी परेशानी होगी अगर वह मेरे साथ नहीं टिकता। मैं इस Jazz Cubano श्रृंखला को पूरा कर रही हूँ, और मैंने इसे इसलिए चुना क्योंकि मुझे अफ्रो-क्यूबन जैज़ बहुत पसंद है। लय इतनी जटिल हैं कि मैंने महसूस किया कि मैं उन्हें समझ सकती हूँ केवल अगर मैं उन्हें सबसे सरल टुकड़ों में तोड़ दूँ—एक समय में एक पर्कशन ध्वनि—और फिर वापस ऊपर की ओर बनाऊँ। यह एक बहुत मजेदार श्रृंखला रही है। मैं इसे निश्चित रूप से इस पतझड़ के अंत तक पूरा कर लूंगी, और फिर मैं शिकागो के पियानोवादक और संगीतकार रयान कोहान की एक सीडी-लंबाई की रचना The River के साथ शुरू कर रही हूँ।

यह एक सुंदर रचना है और इसमें आठ खंड हैं जो बहुत सावधानी से लिखे गए हैं। प्रत्येक के बीच एक स्वतंत्र पियानो खंड है—जो प्रतीकात्मक रूप से नदी है। उन्हें अफ्रीका यात्रा के लिए एक अनुदान मिला था, और चेम्बर म्यूजिक अमेरिका, जिसने एडवर्ड साइमन के वेनेजुएला सूट को भी वित्तपोषित किया था, जिस पर मैंने पांच साल काम किया, ने इस रचना को भी वित्तपोषित किया। रयान ने अफ्रीकी लयों को अपने अन्य प्रभावों के साथ मिलाकर कुछ ऐसा बनाया जो वास्तव में उनका अपना था। यह एक सुंदर पचाई गई और नवोन्मेषी संगीत रचना है। यह बहुत बुद्धिमान है और इसमें भावनात्मक विस्तार भी है। मैं पाती हूँ कि मैं अक्सर भावनात्मक और बौद्धिक दोनों रूपों में चीज़ों की ओर आकर्षित होती हूँ। मैं The River का बहुत इंतजार कर रही हूँ। मैं इसे देर पतझड़ में या निश्चित रूप से वर्ष के अंत से पहले शुरू करूँगी।

Ellen Priest - Jazz: Edward Simon's Venezuelan Suite 16, 2008। कागज, तेल, फ्लैश, पेंसिल, MSA जेल। 106.68 x 106.68 सेमी।

आप अपने किस कला कृति पर सबसे अधिक गर्व महसूस करती हैं और क्यों?

मुझे लगता है कि जिन टुकड़ों से मैं सबसे अधिक खुश हूँ वे दो अलग-अलग समूहों में हैं: एक वे अंतिम कुछ टुकड़े हैं वेनेजुएला सूट श्रृंखला के, क्योंकि मैं एक ही समय में जटिलता और सरलता का स्तर प्राप्त करने में सफल रही जो मुझे बहुत पसंद आया। मैं अंततः संगीत की गति को पकड़ पाने में सफल रही बिना उसे खोए। मुझे जैज़ क्यूबानो श्रृंखला के चित्रों का भी पूरा आनंद आया। वे बहुत सरल हैं, लेकिन उनमें बहुत ताकत है। ये दो समूह हैं जिन पर मैं अत्यंत गर्व करती हूँ। एक विशिष्ट टुकड़े के लिए, मैं वास्तव में कुछ नहीं कह सकती।

आप कैसे जानती हैं कि कोई कृति पूरी हो गई है?

मुझे लगता है कि एक बिंदु आता है जब मैं किसी कृति को देख रही होती हूँ, और हर चरण पर मुझे यह निर्णय लेना होता है। जब मैं महसूस करती हूँ कि अब और कुछ करने की जरूरत नहीं है, या जब ऐसा लगता है कि अगर मैं कुछ और करूँगी तो वह अधिक हो जाएगा, तब मुझे पता चलता है कि यह पूरा हो गया है। मैं आमतौर पर इसे कुछ समय के लिए देखती रहती हूँ। कभी-कभी मुझे तुरंत पता चल जाता है कि क्या करना है, लेकिन कभी-कभी इसमें थोड़ा समय लगता है। अगर कोई क्षेत्र गतिहीन है तो मैं उसे गतिशील बनाने का तरीका खोजती हूँ। अक्सर इसका मतलब होता है कि मुझे चित्र के किसी अन्य हिस्से को समायोजित करना पड़ता है। जरूरी नहीं कि वह जगह ही हो; यह कोई अन्य घटक हो सकता है जिसे बदलने की जरूरत हो। आमतौर पर, मैं इसे कुछ समय के लिए छोड़ देती हूँ। मुझे लगता है कि यह पूरा हो गया है, लेकिन मैं इंतजार करती हूँ। मुझे ये निर्णय चिपकाने से पहले लेने होते हैं। जब मैं टुकड़े के किनारों को काटती हूँ, तो कभी-कभी मुझे आश्चर्य होता है—और यह हमेशा अच्छा नहीं होता। कभी-कभी मैं कुछ जोड़ती हूँ और वह वैसा नहीं होता जैसा मैंने सोचा था। कभी-कभी टुकड़ों को काटने के बाद, कृति असंतुलित हो जाती है और मैं उसे खो सकती हूँ क्योंकि वह अब उस भावनात्मक विस्तार को नहीं दिखाती जो पहले दिखाती थी।

आपके लिए कला बनाने के लिए एक भौतिक स्थान का होना आपके प्रक्रिया के लिए क्या मायने रखता है, और आप अपने स्थान को अपने लिए कैसे काम में लाती हैं?

मेरे पास एक पुराना घर है, 1890 के दशक का तीन मंजिला, जिसे हम ट्विन कहते हैं। मेरे पास तीन मंजिलों पर उत्तरी प्रकाश आता है और मैं एक कोने पर हूँ। इसलिए मेरे पास बहुत अधिक प्रकाश है। मैं पहले तल को अपने स्टूडियो के लिए पूरी तरह उपयोग करती हूँ सिवाय अपनी रसोई के। दूसरे तल पर मेरा कार्यालय और रहने का क्षेत्र है, और तीसरे तल पर मेरा गोंद लगाने और भंडारण कक्ष है। इसलिए मेरे पास न केवल पर्याप्त, बल्कि अच्छा स्थान है, और इसने मेरे काम में बहुत फर्क डाला है। स्थायी और पर्याप्त स्थान होना मेरे काम के लिए वरदान रहा है। बस बैठकर काम को सही ढंग से करना अद्भुत रहा है। कभी-कभी मुझे लगता है कि मुझे और जगह चाहिए, लेकिन मेरे पास पर्याप्त जगह है!

Ellen Priest - Jazz Cubano #27: Arturo and Elio, Thinking Out Loud, 2016। कागज, तेल, फ्लैश, पेंसिल, MSA जेल। 81.23 x 81.23 सेमी।

जब आप कोई अमूर्त कृति देखती हैं तो आपको क्या महसूस होता है?

मेरे लिए, अमूर्त कला (जब यह अच्छी होती है) में सोच की स्पष्टता होती है जो मुझे बहुत भाती है। यह रंग हो सकता है, काला और सफेद हो सकता है, यह बहुत सारी छवियों से भरा हो सकता है या यह एक अकेला रूप हो सकता है जो क्षेत्र में तैर रहा हो। लेकिन इसमें सोच की एक स्पष्टता होती है जो तीव्र होती है। मेरे पसंदीदा समकालीन कलाकारों में से एक मूर्तिकार मार्टिन प्यूरियर हैं। मैं एक बार MoMA में उनके कार्यों की एक पुनरावलोकन प्रदर्शनी में गई थी, और वह मेरे होश उड़ा दिया। वही प्रदर्शनी वाशिंगटन डी.सी. में भी लग रही थी और मैंने अपनी पूरी योजना बदलकर उसे फिर से देखने गई। वह प्रतिभाशाली हैं; उनके कार्य में रूप और सोच की ऐसी शुद्धता है। उनके कार्यों में वाहन, जानवर, नौकाओं के संदर्भ हैं। अमूर्त कला वास्तविक दुनिया के संदर्भ दे सकती है, और फिर भी अमूर्त रह सकती है। आपकी आँखें दुनिया में घूमने के लिए जो संकेत उपयोग करती हैं, वे अमूर्त कला को देखने के लिए भी उपयोग करती हैं। हमारी आँखें यह जीवन के प्रारंभ में ही समझ जाती हैं। हम वही उपकरण अमूर्त कला को देखने के लिए उपयोग कर रहे हैं, लेकिन हमें इसका पता नहीं होता। अमूर्त कला में कुछ ऐसा है जो हमारी दुनिया की समझ को बढ़ाता है।

क्या आप किसी आगामी प्रदर्शनी या कार्यक्रम में शामिल हैं? कहाँ और कब?

मैं मैनहट्टन के सेंट पीटर चर्च के साथ बातचीत में हूँ, जहाँ मैंने इस पिछले वसंत में प्रदर्शनी लगाई थी—मैं उम्मीद करती हूँ कि वहाँ एक और प्रोजेक्ट दिखाऊँगी, जो The River के बारे में है। इसके अलावा, इस पतझड़ में मेरे पास यहाँ विलमिंगटन, डेलावेयर में जैज़ क्यूबानो श्रृंखला पर एक स्थानीय प्रदर्शनी हो सकती है।


मुख्य छवि: Ellen Priest - Jazz: Thinking Out Loud, Reaching for Song 31, 2011। कागज, तेल, फ्लैश, पेंसिल, MSA जेल। 81.3 x 119.4 सेमी।