Ellen Priest के साथ एक साक्षात्कार

Ellen Priest ने तीस से अधिक वर्षों तक अपने जीवंत अमूर्त कोलाज चित्रों के साथ कला की दुनिया में अपनी छाप छोड़ी है। अपने करियर की शुरुआत से ही सेज़ान से प्रभावित होकर, और 1990 के दशक से जैज़ से प्रेरित होकर, उन्होंने विभिन्न जैज़ रचनाओं की गति और जटिल तालों को जीवंत रंगों के ब्रश स्ट्रोक में कैद करने का प्रयास किया है। IdeelArt को उनके कार्य प्रक्रिया पर चर्चा करने का अवसर मिला, जबकि उनके प्रभावों और संगीत के प्रति उनके जुनून की अंतर्दृष्टि प्राप्त की।

आप उल्लेख करते हैं कि आप "Cezanne: The Late Works" नामक एक प्रदर्शनी से बहुत प्रभावित हुए थे, जिसमें उनके अंतिम जलरंग प्रदर्शित किए गए थे, जो आधुनिक कला के संग्रहालय में थी। क्या उनकी शैली अभी भी आपके कामों पर प्रभाव डालती है और उनमें समाहित होती है?

ओह, बिल्कुल। यह मजेदार है; यह उन अंतर्दृष्टियों में से एक है जो हमें युवा होने पर मिलती हैं। यह मेरे लिए चिपक गई। और मैं उस समय बता सकता था कि यह कुछ बड़ा था। फिलाडेल्फिया कला संग्रहालय में एक लेट सेज़ान परिदृश्य है, जब भी मुझे अपना सिर साफ करने की जरूरत होती है या प्रेरणा प्राप्त करनी होती है, या कुछ समझना होता है, मैं इसे देखने जाता हूँ। मैं उस परिदृश्य के सामने खड़ा रहूँगा जब तक कि मैं इसे समझ न लूँ। उसका लेट काम एक निरंतर प्रभाव रहा है, और यह तीस से अधिक वर्षों से है। मुझे लगता है कि यह इस बात का है कि उसने रंगों को संभालने का एक तरीका खोज लिया, और जो कई लोग नहीं समझते हैं वह यह है कि किसी विशेष रंग की स्थिति का आपका चयन मूल रूप से चित्रण है। सेज़ान को यह समझने का एक तरीका था कि स्थानों में वस्तुएँ कैसे तैरती हैं। उनका सोचने का तरीका मेरे अपने से मेल खाता है। आकृतियाँ प्रकट होती हैं, और फिर वे विलीन हो जाती हैं। फिर वे फिर से प्रकट होती हैं और फिर से गायब हो जाती हैं, जो यह भ्रम देती है कि चित्र साँस ले रहा है। उनके लिए मेरी जादुईता अब भी वैसी ही है जैसी पहली बार मैंने उस टुकड़े को देखा था।

मुझे सच में भाग्यशाली महसूस होता है। मुझे लगता है कि यह उसके काम की ताकत और प्रतिभा को दर्शाता है। मेरे लिए, वह गियोटो के समान एक महत्वपूर्ण मोड़ था, दृष्टिकोण और जिस तरह से उसने अंतरिक्ष में आकृतियों को संभाला। मेरा अनुमान है कि अगर मैं 500 साल आगे कूद सकता, तो लोग अभी भी सेज़ान के बारे में बात कर रहे होते, जो एक महत्वपूर्ण मोड़ है। वह अमूर्त अभिव्यक्तिवाद जिसने मुझे शुरू से ही मोहित किया, अब भी मेरे लिए उतना ही मजबूत है। मुझे भाग्यशाली लगता है कि मैंने इसे जल्दी समझ लिया। मैंने बस यह महसूस किया कि मेरे लिए दृश्य रूप से क्या प्रभावशाली था। 

क्या आप हमें अपने काम करने की प्रक्रिया के बारे में बता सकते हैं? आप कौन से सामग्री और तकनीकें उपयोग करते हैं?

मैं कागज का उपयोग करता हूँ; मेरा सारा काम कागज पर है। जो रंग मैं उपयोग करता हूँ वे फ्लैश और तेल हैं। फ्लैश, जो एक विनाइल-आधारित जल-घुलनशील रंग है, रंगों को उसी तरह लेता है जैसे जलरंग और गुआश करते हैं। यह ऐक्रेलिक की तरह रंगों को थोड़ा भूरा नहीं करता। यह तेलों के साथ बहुत संगत है। रंग के मामले में, यह थोड़ा अलग है लेकिन वे वास्तव में स्थान के भीतर एक साथ काम करते हैं। मैं पेंसिल का भी बहुत उपयोग करता हूँ। कागज बहुत भारी फ्रेंच जलरंग कागज से लेकर, और दो वजन के कैंसन ट्रेसिंग वेलम तक जाते हैं। एक बहुत भारी है जिसे ओपलक्स कहा जाता है, दूसरा पतला है और दोनों आर्काइव हैं। मैंने पिछले पंद्रह वर्षों में बोस्टन में एक जोड़े, जिम और जोआन राइट के साथ बहुत काम किया, जो दोनों संग्रहालय संरक्षणकर्ता हैं, और उन्होंने मुझे इस प्रक्रिया में मार्गदर्शन किया। जिम ने मुझे इस तरह के कागज पर तेल रंग का उपयोग करना सिखाया बिना किसी समस्या के। मैं अब काफी समय से यह कर रहा हूँ, और काम ठीक से टिकता हुआ लगता है; मुझे इसके साथ कोई कठिनाई नहीं हुई है। मैं अपने गोंद के रूप में एमएसए जेल का उपयोग करता हूँ, और मैं परत के टुकड़ों को लमिनेट नहीं करता - मैं उन्हें स्पॉट-गोंद करता हूँ - और मैं उन्हें नीचे दबाता हूँ ताकि जेल सेट हो सके। सूखने में लगभग एक सप्ताह लगता है।

आप उल्लेख करते हैं कि आप किसी दिए गए श्रृंखला पर एक से पांच वर्ष बिताते हैं। आप अपनी प्रेरणा को कैसे बनाए रखते हैं और बर्नआउट से कैसे बचते हैं?

मेरा प्रक्रिया काफी लंबी है लेकिन यह काफी विविध है। यह ब्रश अध्ययन से शुरू होती है, जो संगीत की ध्वनियों और गति के साथ मेरी पहली मुलाकातें हैं। और ब्रश अध्ययन शायद तीस सेकंड तक चलते हैं और यह धीरे-धीरे इन मोटे, परतदार टुकड़ों को बनाने की ओर बढ़ता है। मुझे कोई परेशानी नहीं होती क्योंकि यह प्रक्रिया कई वर्षों में विकसित हुई है और यह वास्तव में मेरे लिए काम करती है। यह एक भाषा बन गई है जिसमें मैं बहुत सहज हूं, हालांकि यह हमेशा एक चुनौती होती है। मुझे लगता है कि एक निश्चित बिंदु पर, कोई बस पेशेवर बन जाता है, और यह मायने नहीं रखता कि मैं किसी विशेष दिन कैसा महसूस करता हूं। काम पर जाने का समय है। मैं लैप तैरता हूं, एक स्मूदी बनाता हूं, और काम पर जाता हूं। मैंने सीखा है कि अगर मेरा मन इसमें नहीं है, तो मैं इसमें शामिल होने के लिए कई चीजें कर सकता हूं। आमतौर पर मैं अगले दिन के लिए मुझे क्या करना है, यह दिन पहले ही जान लेता हूं। जब मैं रंग संबंधों को समझने की कोशिश कर रहा होता हूं, तो मुझे बस वहां बैठना होता है और इसे देखना होता है, और रंग स्वैच को बदलते रहना होता है ताकि मैं देख सकूं कि वे स्थान में कैसे व्यवहार करते हैं। मैं संगीत भी चलाता हूं। तो प्रक्रिया खुद कभी-कभी मुझे आगे बढ़ाती है जब मेरा मन और मेरा दिल जरूरी नहीं कि वहां हों, लेकिन मुझे वहां पहुंचना होता है। यह अनुशासन बस वर्षों के साथ आता है।

Ellen Priest - जैज़ क्यूबानो #2 फ्रंट स्टडी, 2013. गुआश पेपर पर. 106.68 x 106.68 सेमी.

आप अपने सामग्री और विषय वस्तु का चयन कैसे करते हैं?

विषय वस्तु और सामग्री बहुत अलग चीजें हैं। सामग्री अंतिम परिणाम है, या वह भावनाएँ जो आप उस टुकड़े को देखते समय अनुभव करते हैं। विषय वस्तु जैज़ है। बहुत कम अमूर्त कलाकारों के पास सचेत विषय वस्तु होती है। मैंने बहुत जल्दी पाया कि मैं बाहरी विषय वस्तु के बिना अपनी छवियों को ताजा नहीं रख सकता। और मैं इसके साथ लगभग दस साल तक संघर्ष करता रहा। यह अंततः तब हुआ जब मैं जैज़ सुन रहा था। मैं स्कीइंग के लिए वर्मोंट जा रहा था और स्थानीय NPR स्टेशन सुन रहा था, और वहाँ मिशेल कैमिलो का एक टुकड़ा था, जो एक डोमिनिकन जैज़ पियानोवादक हैं। अचानक, मुझे एहसास हुआ कि जो स्थान मैं अपने सिर में देख रहा था, वे उसके संगीत में मौजूद स्थान थे।

यह 1990 में था, और तब से मैं जैज़ के साथ काम कर रहा हूँ। यह सचेत विषय वस्तु है। और मुझे यह विकसित करने में कई साल लगे कि मैं इससे चित्रण कैसे विकसित करूंगा। डे कूनिंग ने कभी खुद को एक अमूर्त चित्रकार के रूप में नहीं देखा; वह लगातार आकृतियों और परिदृश्यों को देख रहे थे, कभी-कभी स्थिर जीवन। जोआन मिशेल, जो मेरी अन्य आइकनों में से एक हैं, ने एक अमूर्त अभिव्यक्तिवादी चित्रकार के रूप में बहुत लंबा करियर बिताया और यह वास्तव में कठिन है। उसने परिदृश्य और कविता से प्रेरणा ली। उसके कई दोस्त थे जो कवि थे, जिनमें से एक जॉन एशबरी थे, और उसने उनकी कविताओं को "चित्रित" किया। डे कूनिंग और मिशेल उन कुछ में से हैं जिन्होंने अपने करियर की लंबाई के दौरान इस इशारीय अभिव्यक्तिवाद शैली को बनाए रखा है।

आप कला की दुनिया में कैसे नेविगेट करते हैं?

बहुत अच्छा नहीं। मैं उन लोगों में से एक हूँ जो व्यवसायी बनना जानते हैं और मैं बहुत पेशेवर हूँ, लेकिन मुझे नहीं लगता कि मैं इस मोर्चे पर बहुत सफल हूँ। यह एक ऐसा क्षेत्र है जिस पर मैं अभी भी बहुत मेहनत कर रहा हूँ। मेरे लिए सबसे बड़ी बाधा यह रही है कि जितना मैं समझता हूँ, जो लोग बहुत सारी कला देखते हैं, वे हमेशा मुझसे कहते हैं कि मेरा काम ऐसा है जिसे आपको व्यक्तिगत रूप से देखना चाहिए। केवल इतना ही नहीं, यह काम अद्वितीय है। कोई और इस तरह से सामग्री को नहीं देख रहा है या उपयोग नहीं कर रहा है। अद्वितीयता एक संपत्ति है लेकिन यह एक जिम्मेदारी भी है, क्योंकि कुछ लोगों के लिए यह समझना मुश्किल होता है कि वे जो देख रहे हैं उससे कैसे संबंधित हों, क्योंकि उन्होंने इससे पहले ऐसा कुछ नहीं देखा है। 

आप उल्लेख करते हैं कि आपके कामों पर जैज़ संगीत की लय और बौद्धिक कठोरता का गहरा प्रभाव है। आप वर्तमान में क्या सुन रहे हैं जो आपके काम को प्रेरित करता है? 

मैं वास्तव में एक नए प्रोजेक्ट शुरू करने से एक या दो साल पहले सुनता हूँ। मेरे प्रोजेक्ट एक साल से लेकर पांच साल तक ले सकते हैं, इसलिए अगर मैं किसी विशेष टुकड़े के साथ उस समय तक काम करने जा रहा हूँ, तो मुझे इसे पसंद करना चाहिए! अन्यथा, अगर यह मेरे साथ नहीं टिकता है, तो मैं बड़ी मुसीबत में पड़ जाऊँगा। मैं इस जाज क्यूबानो श्रृंखला को खत्म कर रहा हूँ, और मैंने इसे इसलिए लिया क्योंकि मुझे अफ्रो-क्यूबन जाज पसंद है। रिदम इतने जटिल हैं कि मैंने महसूस किया कि मैं उन्हें केवल तब समझ सकता हूँ जब मैं उन्हें सबसे सरल टुकड़ों में तोड़ दूँ—एक पर्कशन ध्वनि एक बार में—और फिर वापस ऊपर की ओर बनाऊँ। यह वास्तव में एक मजेदार श्रृंखला रही है। मैं इसे निश्चित रूप से गिरावट के अंत तक खत्म कर दूँगा, और फिर मैं एक सीडी-लंबाई की रचना "द रिवर" के साथ शुरू कर रहा हूँ, जो एक शिकागो-आधारित पियानोवादक और संगीतकार रयान कोहन द्वारा है।

यह एक सुंदर रचना है और इसमें आठ खंड हैं जो बहुत सावधानी से लिखे गए हैं। प्रत्येक के बीच में एक इम्प्रोवाइज्ड पियानो खंड है—जो प्रतीकात्मक रूप से नदी है। उनके पास अफ्रीका की यात्रा के लिए एक अनुदान था, और चेंबर म्यूजिक अमेरिका, जिसने एडवर्ड सिमोन की वेनेजुएलन सुइट को भी वित्त पोषित किया, जिस पर मैंने पांच साल काम किया, ने इस रचना को वित्त पोषित किया। जो रयान ने किया है वह यह है कि उन्होंने अफ्रीकी तालों को लेकर और अन्य सभी चीजों को जो उन्हें प्रभावित किया है, उसे लेकर कुछ ऐसा बनाया जो वास्तव में उनका अपना है। यह एक खूबसूरती से पचाई गई और नवोन्मेषी संगीत की रचना है। यह बहुत बुद्धिमान है और इसमें भावनात्मक रेंज की बहुतायत है। मुझे जो मिल रहा है वह यह है कि मैं अक्सर चीजों की ओर भावनात्मक और बौद्धिक दोनों रूप से आकर्षित होता हूं। मैं द रिवर का वास्तव में इंतजार कर रहा हूं। मैं इसे देर से पतझड़ में शुरू करूंगा, या निश्चित रूप से वर्ष के अंत से पहले।

Ellen Priest - जैज़: एडवर्ड सिमोन की वेनेजुएलन सुइट 16, 2008. कागज, तेल, फ्लाशे, पेंसिल, MSA जेल. 106.68 x 106.68 सेमी.

आप अपनी कौन सी कला कृति पर सबसे अधिक गर्व महसूस करते हैं और क्यों?

मुझे लगता है कि जिन टुकड़ों के साथ मैं सबसे खुश हूं, वे दो अलग-अलग समूहों में हैं: एक समूह वेनेजुएला सुइट श्रृंखला के अंतिम कुछ टुकड़े होंगे, क्योंकि मैं एक ही समय में जटिलता और सरलता का एक स्तर प्राप्त करने में सक्षम था, जिससे मैं बहुत खुश था। मैं अंततः संगीत की गति को पकड़ने में सक्षम था बिना इसे खोए। मुझे जैज़ क्यूबानो श्रृंखला में चित्र भी बहुत पसंद आए। वे बहुत सरल हैं, लेकिन उनमें बहुत तीखापन है। ये दो समूह होंगे जिन पर मैं अत्यंत गर्व महसूस करता हूं। एक विशेष टुकड़े के लिए, मैं वास्तव में कुछ नहीं कह सकता। 

आपको कैसे पता चलता है कि कोई काम खत्म हो गया है?

मुझे लगता है कि एक ऐसा समय आता है जब मैं एक काम को देख रहा होता हूँ, और हर चरण में मुझे वह निर्णय लेना होता है। जब मुझे और कुछ नहीं करना होता, या जब ऐसा लगता है कि और कुछ करना बहुत ज्यादा होगा, तब मुझे पता चलता है कि यह पूरा हो गया है। मैं आमतौर पर थोड़ी देर तक इसे देखता हूँ। कभी-कभी मुझे तुरंत पता चल जाता है कि क्या करना है, लेकिन कभी-कभी इसमें थोड़ा समय लगता है। अगर कोई क्षेत्र ऐसा है जो आगे नहीं बढ़ रहा है, तो मैं इसे आगे बढ़ाने का तरीका खोजने की कोशिश करता हूँ। अक्सर इसका मतलब है कि मुझे पेंटिंग के किसी अन्य हिस्से को थोड़ा बदलना होगा। यह जरूरी नहीं कि वही स्थान हो; यह कोई अन्य घटक हो सकता है जिसे बदलने की आवश्यकता हो। आमतौर पर, मैं इस पर थोड़ी देर सोता हूँ। मुझे लग सकता है कि यह पूरा हो गया है, लेकिन मैं बस इंतजार करता हूँ। मुझे चिपकाने से पहले ये निर्णय लेने होते हैं। जब मैं टुकड़े के किनारों को काटता हूँ, तो कभी-कभी मुझे एक आश्चर्य मिलता है—और यह हमेशा अच्छा नहीं होता। कभी-कभी मैं कुछ एक साथ रखता हूँ और यह वह नहीं होता जिसकी मैंने उम्मीद की थी। कभी-कभी टुकड़ों को काटने के बाद, टुकड़ा असंतुलित हो सकता है और मैं इसे खो सकता हूँ क्योंकि यह अब वह भावनाओं की श्रृंखला नहीं दिखाता जो पहले दिखाता था। 

कला बनाने के लिए एक भौतिक स्थान होना आपके प्रक्रिया के लिए क्या अर्थ रखता है, और आप अपने स्थान को अपने लिए कैसे काम में लाते हैं?

मेरे पास एक पुराना घर है, 1890 के दशक का तीन मंजिला, या जिसे हम जुड़वां कहते हैं। मेरे पास उत्तर की रोशनी के तीन मंजिल हैं और मैं एक कोने पर हूँ। इसलिए मुझे बहुत सारी रोशनी मिलती है। मैं अपने स्टूडियो के लिए पूरे पहले मंजिल का उपयोग करता हूँ, सिवाय मेरी रसोई के। दूसरे मंजिल पर मेरा कार्यालय और रहने का क्षेत्र है, और तीसरे मंजिल पर मेरा गोंद लगाने और भंडारण का कमरा है। इसलिए मेरे पास न केवल पर्याप्त, बल्कि अच्छा स्थान भी है, और इसने दुनिया में सभी अंतर डाल दिए हैं। स्थायी और पर्याप्त स्थान होना मेरे काम के लिए एक वरदान रहा है। इसमें बसने और इसे सही तरीके से काम करने में सक्षम होना अद्भुत रहा है। कभी-कभी मुझे लगता है कि मुझे और अधिक स्थान की आवश्यकता हो सकती है, लेकिन मेरे पास पर्याप्त स्थान है!

Ellen Priest - जैज़ क्यूबानो #27: आर्टुरो और एलियो, थिंकिंग आउट लाउड, 2016. पेपर, तेल, फ्लाशे, पेंसिल, MSA जेल. 81.23 x 81.23 सेमी.

जब आप एक अमूर्त कलाकृति देखते हैं, तो आपके मन में क्या बात आती है?

मेरे लिए, अमूर्तता (जब यह अच्छी होती है) में सोचने की स्पष्टता होती है जो वास्तव में मुझे आकर्षित करती है। यह रंग हो सकता है, यह काले और सफेद में हो सकता है, यह बहुत सारे चित्रों से भरा हो सकता है या यह एक एकल रूप हो सकता है जो क्षेत्र में तैर रहा है। लेकिन इसमें एक ऐसी सोच की गुणवत्ता होती है जो स्पष्ट होती है। मेरे पसंदीदा समकालीन कलाकारों में से एक हैं मूर्तिकार मार्टिन पुरीयर। मैं एक बार मोमा में उनके कामों की एक पुनरावलोकन प्रदर्शनी में गया, और यह मेरे लिए सांस रोक देने वाला था। वही शो वाशिंगटन डी.सी. में भी प्रस्तुत किया जा रहा था और मैंने इसे फिर से देखने के लिए अपना पूरा कार्यक्रम फिर से व्यवस्थित किया। वह Brilliant हैं; उनके काम में रूप और सोच की एक ऐसी शुद्धता है। उनके काम में वाहनों, जानवरों, नावों के संदर्भ हैं। अमूर्तता वास्तविक दुनिया के संदर्भ बना सकती है, और फिर भी अमूर्त रह सकती है। आपकी आँखें दुनिया में घूमने के लिए वही संकेतों का उपयोग करती हैं जो वे अमूर्त कला को देखने के लिए उपयोग करती हैं। हमारी आँखें जीवन के प्रारंभ में ही इसे समझ लेती हैं। हम अमूर्त कला को देखने के लिए वही उपकरणों का उपयोग कर रहे हैं, लेकिन हम इसके प्रति जागरूक नहीं हैं। अमूर्तता के बारे में कुछ ऐसा है जो हमारी दुनिया की समझ पर आधारित है।

क्या आप किसी आगामी शो या कार्यक्रम में शामिल हैं? कहाँ और कब?

मैं मैनहट्टन में सेंट पीटर चर्च के साथ बातचीत कर रहा हूँ, जहाँ मैंने इस पिछले वसंत में प्रदर्शन किया था—मैं वहाँ एक और प्रोजेक्ट दिखाने की उम्मीद कर रहा हूँ, जो द रिवर के बारे में है। इसके अलावा, इस गिरावट में मुझे विलमिंगटन, डेलावेयर में जैज़ क्यूबानो श्रृंखला पर एक स्थानीय शो हो सकता है।


विशेष चित्र: Ellen Priest - जैज़: थिंकिंग आउट लाउड, रीचिंग फॉर सॉन्ग 31, 2011. कागज, तेल, फ्लाश, पेंसिल, MSA जेल. 81.3 x 119.4 सेमी.