क्लॉड वियाल्लेट के साथ साक्षात्कार

20वीं सदी के दूसरे आधे हिस्से के फ्रांसीसी कला इतिहास में फ्रांसीसी और अंतरराष्ट्रीय कला दृश्य के एक प्रमुख व्यक्ति – Claude Viallat का उल्लेख किए बिना अधूरा होगा। यह असाधारण सृजनकर्ता पिछले कुछ दशकों के सबसे महान फ्रांसीसी अमूर्त कलाकारों में से एक हैं। हालांकि ऐसे समय थे जब उन्होंने विभिन्न शैलियों और दृष्टिकोणों के साथ प्रयोग किया, Claude Viallat अपने स्वयं के दृश्य भाषा के प्रति वफादार रहे, अक्सर पारंपरिक नियमों और पारंपरिक चित्रकला तकनीकों को तोड़ते हुए। Viallat विशेष रूप से अपने प्रसिद्ध तरीके के लिए प्रशंसा प्राप्त करते हैं जिसमें कैनवास पर बिना किसी स्ट्रेचर के एक ही आकार को संलग्न किया जाता है। पेरिस में Galerie Daniel Templon में Claude Viallat की आगामी एकल प्रदर्शनी से पहले, IdeelArt ने Art Media Agency के सहयोग से फ्रांस के Nîmes में कलाकार के स्टूडियो में एक दोपहर बिताने और एक विशेष साक्षात्कार प्राप्त करने का अवसर पाया, जहाँ वे रहते और काम करते हैं।

Claude Viallat - सार और नकार

Viallat के करियर में जो सबसे उल्लेखनीय है वह यह तथ्य है कि उन्होंने हमेशा अपने स्वयं के नियमों और मानदंडों के प्रति वफादार बने रहे, चाहे अन्य लोग उन्हें कैसे भी समझें। अपने करियर की शुरुआत में, Viallat Supports/Surfaces आंदोलन के सदस्य थे, जहाँ उन्होंने अन्य कलाकारों के साथ मिलकर सामग्रियों और रचनात्मक इशारों पर ध्यान केंद्रित किया, विषय को पीछे छोड़ते हुए। रंग और बनावट के साथ उनके प्रयोगों ने कई कार्यों के निर्माण की ओर नेतृत्व किया जिनके लिए वे सबसे अधिक जाने जाते हैं। इसके अलावा, Viallat ने विभिन्न सतहों पर चित्र बनाए, जिनमें पुनर्नवीनीकृत सामग्री, छतरियाँ, विभिन्न कपड़े, बुना या गाँठदार रस्सी शामिल हैं। Claude Viallat, समकालीन अमूर्त कला के महान व्यक्तित्व, अभी भी सक्रिय हैं, जिनका करियर 50 वर्षों तक फैला हुआ है। पेरिस की Galerie Templon एक प्रदर्शनी आयोजित कर रही है जो इस प्रमुख फ्रांसीसी कलाकार के कार्यों का एक नया ऐतिहासिक दृष्टिकोण प्रस्तुत करती है। यह प्रदर्शनी 4 जून को खुलती है, और 23 जुलाई, 2016 तक देखी जा सकती है।

आपका काम दोहराव-अंतर के जोड़े पर बहुत अधिक निर्भर करता है। इशारों, प्रक्रियाओं की पुनरावृत्ति; सामग्रियों, रंगों में अंतर…

मैं कहूँगा कि मेरा काम सबसे पहले चीजों की रोजमर्रा की प्रकृति के बारे में है। हम सभी लोग लगातार एक ही इशारों को दोहराते हैं और हम हमेशा इन इशारों से अलग-अलग परिस्थितियाँ प्राप्त करते हैं। हर दिन एक ही चीज़ की पुनरावृत्ति है जो अलग-अलग चीज़ों का परिणाम देती है।

यह मेरे काम के पीछे का सिद्धांत है: यदि आप समान सामग्रियों पर और उससे भी अधिक विभिन्न सामग्रियों पर एक ही इशारों को दोहराते हैं—, तो हर दिन आप बहुत अलग परिणाम प्राप्त करेंगे। मैं कुछ नया आविष्कार करने की कोशिश नहीं करता: मैं चीजों को इस तरह आने देता हूँ कि नवीनता अपने आप आविष्कार हो जाए।

हर दिन, मैं जीता हूँ, समर्पित करता हूँ, इकट्ठा करता हूँ, सोचता हूँ, चीज़ों को बचाता हूँ – छापें, भावनाएँ, दृष्टियाँ। मैं इन सभी को अपने पोषण के लिए छोड़ देता हूँ। जब मैं ऐसे कैनवास पर काम करता हूँ जो न तो कोटेड होते हैं और न ही चिपकाए गए, तो सामग्री महत्वपूर्ण होती है। रंग की चिकनाहट के अनुसार, सामग्री इसे अलग तरह से ग्रहण करेगी: यह इसे अवशोषित कर सकती है, इसका विरोध कर सकती है, इसे बिना सोखे खड़ा होने दे सकती है, या दूसरी ओर, इसे सोख कर फैल सकती है। मैं इस तरीके की खोज करता हूँ जिसमें सामग्री, कपड़े जो मखमल, टारपोलिन, चादरें हो सकते हैं, रंग के साथ काम करते समय पूरी तरह से अलग प्रभाव पैदा करते हैं।

आप’अक्सर एक महान रंगकार के रूप में वर्णित किया जाता है।

मैं उस तरीके को स्वीकार करता हूँ जिसमें रंग खुद को दिखाता है, बस इतना ही। एक चित्रकार टोन खोजता है ताकि वे मेल खा सकें। मैं टोन को एक कपड़े, एक सामग्री पर रखता हूँ, और मैं स्वीकार करता हूँ

स्वीकृति, त्याग, क्रिया की पुनरावृत्ति की इन अवधारणाओं के माध्यम से, हम एशियाई दर्शनशास्त्र के साथ कुछ समानताएँ बना सकते हैं। क्या यह आपके काम के लिए कोई प्रभाव है??

मुझे दर्शनशास्त्र में जो बात रुचिकर लगती है वह है कुछ हो रहा है तो हस्तक्षेप न करने की स्वीकृति का प्रयास। जो होता है उसे स्वीकार करना, उसे याद रखना, बाद में उसका विश्लेषण करना – साथ ही यह देखना कि अगर किसी ने अलग तरीके से काम किया होता तो क्या संभावनाएँ होतीं, एक ही सामग्री द्वारा व्यक्त अंतर। मैं इसे याद रखने, भूलने, और फिर से शुरू करने का लक्ष्य रखता हूँ।

Claude Viallat अपने स्टूडियो में

 Claude Viallat - Sans titre n°39, 1985, कवर पर एक्रिलिक, 220 x 320 सेमी, 86 5/8 x 126 इंच

पेंटिंग शैली के बारे में

क्या यह आपकी पेंटिंग की परिभाषा होगी?

इसमें कुछ ऐसा है। मैं उस पीढ़ी से हूँ जिसने पेंटिंग के अंत के बारे में सोचा। 1950 के दशक में, हम अक्सर "अंतिम पेंटिंग" की अवधारणा के बारे में सुनते थे। संक्षेप में, एक अलग तरीका आविष्कार करना आवश्यक था

मेरे विचार में, अलग तरीके से पेंटिंग करना मेरे पेशे पर सवाल उठाने का मामला है। यह किस चीज़ से बना है? कैनवास लेना, उन्हें फ्रेम पर रखना, चिपकाना, सजाना फिर सही टोन खोजने के लिए रंगों की एक श्रृंखला जोड़ना। मैंने कच्चे कैनवास को फ्रेम पर खींचने की कोशिश की है और गर्म जिलेटिन से बने रंगों के साथ काम किया है जिनमें यूनिवर्सल कलरिंग है। मैंने लकड़ी के रंगों का भी उपयोग किया है, रंगद्रव्य को पानी, शराब से पतला करने की कोशिश की है; मैंने अस्थायी रंगों का उपयोग किया है जो कोई सुरक्षा नहीं देते, या एक्रिलिक्स का।

पहले मोनोक्रोम्स में अभी भी कैनवास को फ्रेम पर खींचने की इच्छा दिखती थी। लेकिन अगर फ्रेम पर कैनवास खींचना पेंटिंग बनाता था, तो इस तंत्र को तोड़ना आवश्यक था, फ्रेम को एक तरफ रखकर, कैनवास को दूसरी तरफ, और इन दोनों तत्वों के बीच तनाव से एक नए प्रकार की पेंटिंग बनती थी।

हमने यह Supports/Surfaces के साथ पाया। Dezeuze ने फ्रेम पर बिना कैनवास के काम किया; Saytour ने कच्चे कैनवास पर ग्रिड्स का प्रतिनिधित्व किया, यानी उन्होंने फ्रेम की छवि को कैनवास पर रखा; और मैंने फ्रेम के बिना कैनवास पर काम किया, इसलिए पेंटिंग का विघटन हुआ।

पिछले दृष्टिकोण से, आप पेंटिंग के एक माध्यम के रूप में इस विघटन को कैसे देखते हैं?

यह आवश्यक था। युवा अमेरिकी अभी भी पेंटिंग के विघटन के बारे में सोचते हैं लेकिन हमेशा फ्रेम को फिर से सामने लाते हैं। ऐसा लगता है जैसे कैनवास को फ्रेम से हटाना कला के इतिहास के खिलाफ हो। मेरे लिए, यह एक समानांतर इतिहास है जिसने पेंटिंग को मुक्त किया है, कम से कम एक दिशा में। यदि हम अंतरराष्ट्रीय दृश्य को देखें, तो जो कलाकार बिना खींचे गए कैनवास पर काम करते हैं वे दुर्लभ हैं। अमेरिकियों को फ्रेम से छुटकारा पाने में कठिनाई होती है।

आपका काम उस विचार से जुड़ता है, जिसे Matisse ने उठाया था, कि पेंटिंग को ध्यान देना चाहिए।’मूल वस्तु।

जब Matisse ने चित्र बनाया, तो कभी-कभी कैनवास का सफेद रंग चित्र पर दिखाई देता था—जिसे पारंपरिक रूप से एक पाखंड माना जाता था। मेरे काम में, कपड़ा स्वयं मध्य Supports/Surfaces बन जाता है, और साथ ही, औसत रंग, दूसरे शब्दों में, वह मानक जिसके अनुसार रंग वितरण व्यवस्थित होता है, उसकी सामग्री। सब कुछ इस मानक के संबंध में प्रतिक्रिया करता है। इस मध्य Supports/Surfaces की गुणवत्ता के आधार पर, हम ऐसी चीजें प्राप्त करते हैं जो इसके साथ संबंध बनाएंगी।

आप अमूर्तता के संबंध में खुद को कैसे स्थित करते हैं?

मेरी पेंटिंग इतना अधिक अमूर्तता या आकृति का प्रश्न नहीं है, बल्कि एक प्रणाली है जो एक ही रूप की पुनरावृत्ति पर आधारित है। यदि मैं रूप बदलता हूँ लेकिन प्रणाली नहीं, तो मैं कुछ भी नहीं बदलता। मैं उस स्वतंत्रता को महसूस करता हूँ जो मुझे एक ही रूपों पर जोर देने से मिलती है और दैनिक दिनचर्या के विरोधाभास को महसूस करता हूँ जो एक ही रूप की पुनरावृत्ति में निहित है। हर दिन मैं अनंत रूप से विभिन्न कैनवास बनाता हूँ, और इससे मुझे अत्यंत व्यापक स्वतंत्रता मिलती है।

सामान्यतः, मैं अपने कपड़े स्वयं नहीं चुनता, लोग उन्हें मुझे लाते हैं। मैं असंभव सामग्री के साथ काम करने की कोशिश करता हूँ। यह सबसे ऊपर सामग्री और उसकी गुणवत्ता है जो मेरे काम का अधिकांश हिस्सा बनाती है।

आप 1970 के दशक में संयुक्त राज्य अमेरिका गए थे और आप Amerindian कला से प्रभावित हुए थे।

मेरे काम को क्या प्रेरित करता है? पश्चिमी चित्रकला का इतिहास, निश्चित रूप से, लेकिन साथ ही सभी चित्रकला का इतिहास: पूर्वी, दूर पूर्वी, ऑस्ट्रेलियाई, अमेरिकी — और अमेरिकी से मेरा मतलब है "स्वदेशी"। सभी भारतीय जातियाँ जिन्होंने तंबू या ढालों पर चित्र बनाए हैं, वे मुझे प्रेरित करती हैं। ढाल चित्रण आमतौर पर गोल Supports/Surfaces पर किया जाता था, और इसमें तोतेम जानवरों और कारनामों के फल शामिल होते थे— लोमड़ी या भेड़िये की पूंछें, खोपड़ियाँ.... संक्षेप में, सब कुछ जो योद्धा की कहानी बताता है। भारतीय ढाल केवल रक्षात्मक नहीं है, यह योद्धा की प्रतीकात्मक छवि भी है। ढाल गोल होती है, आमतौर पर एक विलो की शाखा से बनी होती है जिसे हूप में मोड़ा और बांधा जाता है। दूसरे शब्दों में, प्राथमिक वृत्त। यह गोल फ्रेम की प्राथमिक छवि है; जैसे आर्च कैनवास को फ्रेम पर खींचे जाने की सबसे चरम छवि है — लकड़ी पर खींची गई एक डोरी। ये दोनों वस्तुएं मौलिक हैं।

इसी तरह, प्रागैतिहासिक काल पहली चित्रात्मक अभिव्यक्तियों का युग था। और पहली चित्रात्मक अभिव्यक्ति क्या थी? एक मानव छाप; दूसरे शब्दों में, कोई फिसला, कीचड़ में गिरा, फिर अपनी हाथ गुफा की दीवार पर रखा। फिसलने और कीचड़ में हाथ डुबोने की क्रिया ने एक भरा हुआ हाथ बनाया जो फिर दीवार पर खुद को उतारता है... जैसे ही कीचड़ सूखा, उसने हाथ की छवि बनाई: यह पहला चित्र था। दूसरे को अपने एक हिस्से, निशान, छाप द्वारा दर्शाया गया। इस पहली छवि के बाद, प्रतिनिधित्व अधिक जटिल हो गया क्योंकि मनुष्य ने अपने हाथ की एक प्रतिकृति बनाई, अपने मुँह से पेंट थूककर हाथ के ऊपर। दाहिना हाथ उल्टा बायां हाथ था। हाथ के ऊपर थूकने की क्रिया ने दृष्टिकोण को चौड़ा और संकुचित दोनों किया। पहले से ही, अनंत संभावनाएँ प्रतिनिधित्व के अंतर्गत थीं।

आपका काम सार, मूल पर चिंतन से संबंधित लगता है।

यही मैं करने की कोशिश करता हूँ। वृत्त, हूप, ढाल और मेहराब प्राथमिक तत्व हैं। इतिहास में, कुछ हावभाव या प्रणालियों के बारे में ज्ञान है जो मौलिक और प्राथमिक दोनों हैं। उदाहरण के लिए, वेज जो चीजों को उठाता है या उन्हें रोकता है, ताकि कुछ घूमने से रुके। प्लम्ब लाइन एक रस्सी और एक पत्थर है, साथ ही यह बुलरॉअर — एक संगीत वाद्ययंत्र — भी है, कुछ वजन करने का तरीका, लंबवत निर्धारित करने का साधन। ये सभी तत्व इस रस्सी और इस पत्थर में निहित हैं। इसके अलावा गरोट या स्टीलयार्ड बैलेंस भी हैं... ये सार्वभौमिक, प्राथमिक प्रणालियाँ हैं। जो मुझे मूर्तिकला में रुचि देता है, वह इन सभी सरल, सार्वभौमिक प्रणालियों का पुन: उपयोग या प्रश्न करना है।

क्या आपकी मूर्तियाँ एक सार्वभौमिक व्याकरण बनाती हैं?

वे वस्तुएं अस्थिर, अनिश्चित होती हैं, जिन्हें उनकी अस्थिरता में छोड़ दिया जाता है और जो कोई सुरक्षा प्रदान नहीं करतीं। लेकिन कला का इतिहास कला बाजार का भी इतिहास है, और ये वे विशेषताएँ नहीं हैं जिन्हें पारंपरिक रूप से बाजार महत्व देता है। ये सुरक्षा प्रदान नहीं करतीं।

क्लॉड वियालाट का स्टूडियो

 

क्लॉड वियालाट स्टूडियो

कला बाजार और Supports/Surfaces के बारे में

इतना प्रचुर होने के कारण, आपका काम बाजार के खिलाफ जाता है। आपका बाजार के साथ क्या संबंध है?

मेरे सभी कार्य कला को मिथक रहित बनाने का लक्ष्य रखते हैं। कुछ तत्व पारंपरिक रूप से बाजार को परिभाषित करते हैं, जैसे कलाकार का हस्ताक्षर या दुर्लभता। मैं इनके खिलाफ जाता हूँ। मेरा काम प्रचुर मात्रा में है और मैं एक चित्रित धागे को उतनी ही महत्ता देता हूँ जितनी एक चित्रित कैनवास को। सभी चित्रकारी तत्व चित्रकारी बनाते हैं। एक चित्र से निकला धागा उसी गुण से चित्रकारी है जैसे चित्र। मैं कैनवास पर हस्ताक्षर कर सकता हूँ लेकिन धागे पर नहीं, तो अगर मैं धागे पर हस्ताक्षर नहीं कर सकता तो मुझे कैनवास पर क्यों करना चाहिए?

फिर सुंदर सामग्री की स्थिति, एक सुंदर पेशा, साथ ही सामग्री की सुरक्षा और कैनवास की पवित्रता होती है। मेरा सारा काम इसके खिलाफ जाता है। मुझे काम करने में आनंद आता है और मैं नहीं समझता कि मुझे इस आनंद से खुद को क्यों वंचित करना चाहिए — और सबसे बढ़कर किस नाम पर। शायद मेरे कैनवास इससे पीड़ित होते हैं, लेकिन मैं नहीं। बाकी डीलर का मामला है, यह मुझसे संबंधित नहीं है।

शायद मैं घमंडी हूँ। मैं कभी गलती नहीं करता क्योंकि मैं कुछ भी खोजता नहीं। मैं बनाता हूँ, और जो बनाता हूँ उसे स्वीकार करता हूँ। मेरे लिए, सभी कैनवास समान महत्व रखते हैं।

क्या आपने नियंत्रण की सभी मंशाओं को त्याग दिया है?

सबसे कठिन बात यह स्वीकार करना है कि हम जो रोज करते हैं उसे नियंत्रित नहीं कर पाते। यह आत्म-नियंत्रण का एक रूप है कि हम जो करते हैं उसे नियंत्रित न कर पाने को स्वीकार करें। अपने काम को बदलने का सबसे अच्छा तरीका है यह न जानना कि मैं क्या करने वाला हूँ, खुद को खोजने के लिए मजबूर करना, जो मैंने अभी किया है उसका विश्लेषण करना और यह अनुमान लगाना कि मैं क्या कर सकता हूँ। मेरे लिए इसका मतलब है उन सभी संभावनाओं के प्रति जागरूक रहना जो मैंने सोची हैं और फिर उनकी आवश्यकता न होना क्योंकि काम स्वयं अपना परिणाम देता है।

Supports/Surfaces को संयुक्त राज्य अमेरिका में पुनः खोजा गया है। आप इसके बारे में कैसा महसूस करते हैं?

यह कि Supports/Surfaces का काम संयुक्त राज्य अमेरिका में पहुंच गया है और अमेरिकी चित्रकार वही प्रश्न पूछ रहे हैं जो हमने उस समय पूछे थे — लेकिन अपने तरीके से — मुझे पूरी तरह से सामान्य लगता है।

ऐसे ही चीजें काम करती हैं। 1970 के दशक की शुरुआत में, मैंने पेरिस बिएनाले में एक जाल दिखाया। ऐसा हुआ कि एक अमेरिकी चित्रकार और एक जापानी चित्रकार ने भी उसी समय, बिना एक-दूसरे को जाने, वही काम किया। अपनी-अपनी संस्कृतियों के माध्यम से, वे विभिन्न तर्कों के आधार पर इस छवि तक पहुँचे। मुझे यह बहुत रोचक लगता है।

लेकिन अगर पेंटिंग बदलती है, तो इसका मुख्य प्रभाव छवि पर नहीं पड़ता — कलाकार केवल छवि को देखते हैं, यह हमारे युग का अंध स्थान है। छवि में संशोधन पेंटिंग को प्रभावित नहीं करता क्योंकि पेंटिंग स्वयं ही दिलचस्प है। मूल प्रश्न है: "पेंटिंग क्या है?"

विशेष छवि: Claude Viallat अपने स्टूडियो में

Art Media Agency (AMA) ने इस साक्षात्कार के संचालन में भाग लिया। AMA एक अंतरराष्ट्रीय समाचार एजेंसी है, जो कला बाजार पर केंद्रित है। AMA हर सप्ताह 300 से अधिक लेख प्रकाशित करता है, जो कला की दुनिया के सभी पहलुओं को कवर करता है, जिनमें गैलरियाँ, नीलामी घर, मेले, फाउंडेशन, संग्रहालय, कलाकार, बीमा, शिपिंग, और सांस्कृतिक नीति शामिल हैं।

Claude Viallat स्टूडियो की छवियाँ ©IdeelArt