L'astrazione è nel fisico - Jules Olitski

La carriera dell’artista ucraino-americano Jules Olitski (1922 – 2007) ci ricorda che l’arte non è un’attività umana fissa, che deve essere svolta allo stesso modo da ogni praticante, come, per esempio, pilotare un aereo passeggeri. Gli artisti sono—o dovrebbero essere—completamente liberi di reinventare il campo tutte le volte che vogliono. Olitski era guidato da un solo fattore: la sua intuizione. Aveva una visione di un’immagine, o una sensazione che voleva catturare, o una presenza materiale che voleva manifestare, e si metteva all’opera per realizzarla. Non importava se la sua visione si accordava con le mode o i gusti. La maggior parte delle persone definisce la sua opera astratta, ma lui stesso non faceva questa distinzione, forse perché la sua particolare visione di un dipinto era, per lui, una sorta di soggetto a sé stante. Se si sogna di dipingere uno spruzzo di colore sospeso nell’aria, e poi si dipinge un quadro che realizza quel sogno, quel quadro è esattamente ciò che descrive: un dipinto di uno spruzzo di colore sospeso nell’aria. Quanto si può essere più concreti? A proposito di consigli per altri artisti, Olitski disse una volta: “Non aspettarti nulla. Fai il tuo lavoro. Festeggia!” Potrebbe aver dato un consiglio simile ai suoi spettatori: “Non aspettarti nulla. Guarda l’opera. Festeggia!” Tuttavia, l’apprezzamento dell’arte è un piacere distinto dalla critica d’arte. Critici, storici e mercanti d’arte hanno da tempo difficoltà a collocare esattamente Olitski nella favola lineare nota come storia dell’arte, forse perché Olitski non si è mai preoccupato di chiedersi dove si collocasse. Cambiava stili, mezzi e metodi così spesso che non è solo difficile da storicizzare, ma è difficile da commercializzare, poiché molti collezionisti vogliono poter parlare degli artisti che collezionano con una comoda etichetta: “Questo è il pittore delle griglie. Questa è la signora che ha fatto i ragni. Questo è il tipo che ha fatto le scatole. Ecc.” Con Olitski non si può fare così. Ha fatto troppe cose per essere conosciuto per una sola. Siamo quindi bloccati con una sola opzione—la migliore opzione: “Non aspettarti nulla. Guarda i dipinti. Festeggia.”

Dipinger sul limite

Nato a Snovsk, nell’attuale Ucraina, Olitski emigrò negli Stati Uniti con sua madre quando aveva un anno, dopo che suo padre fu ucciso dal commissario sovietico locale. Si stabilirono a Brooklyn, New York, e già alle scuole superiori Olitski mostrava una spiccata inclinazione per l’arte. Vinse un premio per studiare arte a Manhattan e infine ottenne una borsa di studio per frequentare il Pratt Institute. Dopo essere stato arruolato nella Seconda Guerra Mondiale, Olitski utilizzò i privilegi del G.I. Bill per proseguire la sua formazione artistica a Parigi. Lì studiò da vicino i maestri modernisti e affrontò i propri demoni. In particolare, si rese conto di essere controllato dalla sua stessa educazione. Un esercizio in cui si bendava mentre dipingeva esemplifica il suo desiderio di superare la manipolazione delle proprie idee. Quella stessa dedizione alla libertà creativa lo guidò per tutta la vita.

Jules Olitski - With Love and Disregard: Rapture Blessing, 2002. Acrilico su tela. 152,4 x 213,4 cm. Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Le sue prime mostre di pittura, negli anni ’50, erano dominate da astrazioni cupe, scure e impastate, come “In Memory of Slain Demikovski” (1958), un’opera dedicata a suo padre. Tuttavia, nel 1960 Olitski adottò un approccio completamente diverso, usando nuovi tipi di colori acrilici per creare composizioni piatte e vivacemente colorate in cui forme biomorfe, simili ad amebe, sembrano emergere in piastre petri pittoriche. Cinque anni dopo cambiò nuovamente direzione, questa volta usando una pistola a spruzzo industriale nel tentativo di realizzare il suo sogno di dipingere “uno spruzzo di colore che pende come una nuvola, ma non perde la sua forma.” I suoi dipinti a pistola a spruzzo possiedono infatti molte delle stesse qualità eteree delle nuvole gassose in una nebulosa lontana, illuminate dai bagliori di stelle esplose. Questo corpus di opere fece davvero riflettere Olitski su ciò che chiamava il “limite” di un quadro. “Un dipinto si fa dall’interno verso l’esterno,” diceva. Il bordo esterno dell’opera, secondo la sua comprensione, non era però il bordo della tela, bensì il bordo del colore. Olitski percepiva che il colore si estende oltre i limiti della pittura, trasportato dalla luce e dalla percezione mentale nello spazio liminale tra la superficie del dipinto e i nostri occhi.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Arancione), 1970. Serigrafia. 89 x 66 cm (opera); 91,5 x 69 cm (incorniciata). © Jules Olitski

Struttura e flusso

Verso la metà degli anni ’70, Olitski cambiò nuovamente metodo, fondendo la sua tecnica impastata e smorzata precedente con l’uso della pistola a spruzzo, creando dipinti come “Secret Fire – 2” (1977), che proiettano una presenza materiale definita, nonostante una tavolozza cromatica eterea. Continuò a sviluppare questa miscela di metodi, creando negli anni ’80 un corpus di audaci astrazioni metalliche, come “Eternity Domain” (1989), e negli anni ’90 un corpus di opere primordiali infernali, come “Upon a Sea” (1996). Sebbene visivamente diverse, queste opere condividono un principio guida simile, che Olitski riassunse così: “Penso alla pittura come posseduta da una struttura, ma una struttura nata dal flusso della sensazione del colore.” I dipinti che Olitski creò negli ultimi anni della sua vita, come “With Love and Disregard: Rapture” (2002), esprimono questo principio guida in modo drammatico. La struttura della loro presenza materiale è dura come una pietra, eppure la loro leggerezza d’essere rivendica inequivocabilmente il proprio diritto cromatico di nascita nel “flusso della sensazione del colore.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna su tela. 223,5 x 181,6 cm. Yares Art. © Jules Olitski

Oltre alla sua pratica di pittura astratta che durò tutta la vita, Olitski disegnò continuamente ritratti figurativi e paesaggi. Ebbe anche una prolifica carriera nella scultura, che, come la sua carriera pittorica, non fu limitata da nulla se non dalla sua immaginazione. Da bambino, Olitski ricevette il soprannome di Principe Patutsky dal patrigno. Quel nome ricorre più volte nelle sue opere: “Patutsky in Paradise” (1966); “Patutsky Passion” (1963); “Prince Patutsky Command” (1966). È proprio questa devozione all’innocenza infantile che vedo permeare tutto ciò che Olitski realizzò come artista. La storia dell’arte normalmente conferisce lo status di leggenda solo agli artisti che sono radicali all’inizio della loro carriera, seguiti dalla “maturità” e poi dalla ripetizione. Olitski non rientrava in questo schema. Con tutta la libertà e sperimentazione possibile, faceva semplicemente il suo lavoro, senza aspettative, e festeggiava. Questo lo rende una leggenda per me.

Immagine in evidenza: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna su tela. 200,7 x 276,9 cm. Kasmin, New York. © Jules Olitski
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio