L'astrazione è nel fisico - Jules Olitski

La carriera dell'artista ucraino-americano Jules Olitski (1922 – 2007) ci ricorda che l'arte non è un'impresa umana fissa, che deve essere realizzata allo stesso modo da ogni praticante, come, ad esempio, pilotare un aereo passeggeri. Gli artisti sono - o dovrebbero essere - completamente liberi di reinventare il campo ogni volta che vogliono. Olitski era guidato solo da un fattore: la sua intuizione. Aveva una visione di un'immagine, o di una sensazione che voleva catturare, o di una presenza materiale che voleva manifestare, e si metteva a cercare di farla accadere. Se la sua visione si adattava alle tendenze o ai gusti non importava. La maggior parte delle persone chiama il suo lavoro astratto, ma lui stesso non faceva quella distinzione, forse perché la sua particolare visione per un dipinto era, per lui, una sorta di soggetto a sé stante. Se si sogna di dipingere un getto di colore sospeso nell'aria, e poi si realizza quel sogno in un dipinto, quel dipinto è esattamente ciò che descrive: un dipinto di un getto di colore sospeso nell'aria. Quanto può essere più concreto? Riguardo al consiglio per altri artisti, Olitski una volta disse: “Non aspettarti nulla. Fai il tuo lavoro. Celebra!” Potrebbe aver dato un consiglio simile ai suoi spettatori: “Non aspettarti nulla. Guarda il lavoro. Celebra!” Eppure, l'apprezzamento dell'arte è un piacere separato dalla critica d'arte. Critici, storici e mercanti d'arte hanno a lungo avuto difficoltà a sapere esattamente dove collocare Olitski all'interno della favola lineare nota come storia dell'arte, forse perché Olitski non si è mai preoccupato di chiedersi dove si inserisse. Cambiava stili, mezzi e metodi così spesso che non è solo difficile storicizzarlo, ma è difficile anche commercializzarlo, poiché molti collezionisti vogliono poter parlare degli artisti che collezionano in termini di una comoda abbreviazione: “Questo è il pittore della griglia. Questa è la signora che ha fatto i ragni. Questo è il tizio che ha fatto le scatole. E così via.” Non puoi fare così con Olitski. Ha fatto troppe cose per essere conosciuto solo per una. Siamo quindi bloccati con solo un'opzione - la migliore opzione: “Non aspettarti nulla. Guarda i dipinti. Celebra.”

Dipinto sul Confine

Nato a Snovsk, nell'attuale Ucraina, Olitski emigrò negli Stati Uniti con sua madre all'età di un anno, dopo che suo padre fu assassinato dal commissario sovietico locale. Si stabilirono a Brooklyn, New York, e durante il liceo, Olitski mostrò una spiccata propensione per l'arte. Vinse un premio per studiare arte a Manhattan e alla fine ottenne una borsa di studio per frequentare il Pratt Institute. Dopo essere stato arruolato nella Seconda Guerra Mondiale, Olitski utilizzò i suoi privilegi del G.I. Bill per continuare la sua formazione artistica a Parigi. Lì, studiò da vicino i maestri modernisti e affrontò i propri demoni. In particolare, si rese conto di essere controllato dalla propria educazione. Un esercizio in cui si bendò gli occhi mentre dipingeva esemplifica il suo desiderio di superare la manipolazione delle proprie idee. Quella stessa dedizione alla libertà creativa lo guidò per il resto della sua vita.

Jules Olitski - Con Amore e Disprezzo: Rapture Blessing, 2002. Acrilico su tela. 60 x 84 in. (152,4 x 213,4 cm). Ameringer Yohe Fine Art, New York. © Jules Olitski

Le sue prime mostre di pittura, negli anni '50, erano dominate da astrazioni cupe, scure e impastate, come "In Memory of Slain Demikovski" (1958), un'opera intitolata in onore di suo padre. Tuttavia, nel 1960, Olitski adottò un approccio completamente diverso, utilizzando nuovi tipi di vernici acriliche per creare composizioni piatte e vivacemente colorate in cui forme biomorfiche, simili a amebe, sembrano emergere in piatti di Petri pittorici. Cinque anni dopo, cambiò nuovamente direzione, questa volta utilizzando una pistola a spruzzo industriale nel tentativo di realizzare il suo sogno di dipingere "uno spruzzo di colore che pende come una nuvola, ma non perde la sua forma." Le sue opere con pistola a spruzzo possiedono infatti molte delle stesse qualità eteree delle nuvole gassose in una nebulosa distante, illuminate dagli scoppi di stelle esplodenti. Questo corpo di lavoro fece davvero riflettere Olitski su quello che chiamava il "bordo" di un quadro. "Un dipinto è fatto dall'interno verso l'esterno," disse. L'esterno dell'opera, secondo la sua comprensione, non era il bordo della tela, ma il bordo del colore. Olitski percepiva che il colore si estende oltre i limiti della vernice, trasportato dalla luce e dalla percezione mentale nello spazio liminale tra la superficie del dipinto e i nostri occhi.

Jules Olitski - Graphic Suite #2 (Arancione), 1970. Serigrafia. 35 x 26 in. (opera); 36 x 27 in. (incorniciata). © Jules Olitski

Struttura e flusso

Negli anni '70, Olitski cambiò di nuovo metodo, mescolando la sua precedente tecnica impasto, attenuata, con l'uso di una pistola a spruzzo, creando dipinti come “Secret Fire – 2” (1977), che proiettano una netta presenza materiale, nonostante abbiano una palette di colori eterei. Continuò a sviluppare questa miscela di metodi, creando un corpo di audaci astrazioni metalliche negli anni '80, come “Eternity Domain” (1989), e un corpo di opere infernali e primordiali negli anni '90, come “Upon a Sea” (1996). Sebbene visivamente diverse, queste opere condividono tutte un principio guida simile, che Olitski riassunse come segue: “Penso alla pittura come posseduta da una struttura, ma una struttura nata dal flusso del sentimento del colore.” I dipinti che Olitski creò negli ultimi anni della sua vita, come “With Love and Disregard: Rapture” (2002), esprimono questo principio guida in modo drammatico. La struttura della loro presenza materiale è rigida come una pietra, eppure la loro leggerezza dell'essere rivendica in modo inconfondibile il suo diritto cromatico nel “flusso del sentimento del colore.”

Jules Olitski - Patutsky Passion, 1963. Magna su tela. 88 x 71 1/2 in (223.5 x 181.6 cm). Yares Art. © Jules Olitski

Oltre alla sua pratica di pittura astratta che dura tutta la vita, Olitski ha continuamente disegnato ritratti figurativi e paesaggi. Ha anche avuto una carriera scultorea prolifica, che, come la sua carriera di pittore, non era limitata da nulla tranne che dalla sua stessa immaginazione. Da bambino, Olitski ricevette il soprannome di Principe Patutsky da suo patrigno. Quel nome ricorre ancora e ancora nel suo lavoro: “Patutsky in Paradiso” (1966); “Passione Patutsky” (1963); “Comando del Principe Patutsky” (1966). È proprio questa devozione all'innocenza infantile che vedo inondare tutto ciò che Olitski ha realizzato come artista. La storia dell'arte di solito conferisce lo status di leggenda solo agli artisti che sono radicali all'inizio della loro carriera, seguiti da una "maturità" e poi da ripetizione. Olitski non si adattava a quel ritratto. Il più sperimentalmente e liberamente possibile, ha semplicemente fatto il suo lavoro, senza aspettative, e ha celebrato. Questo lo rende una leggenda per me.

Immagine in evidenza: Jules Olitski - Basium Blush, 1960. Magna su tela. 79 x 109 in (200,7 x 276,9 cm). Kasmin, New York. © Jules Olitski
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Park