Arricchisci la tua casa con un grande dipinto astratto!
L’arte può presentarsi in tutte le dimensioni, ma l’arte astratta si manifesta in grande formato. Jackson Pollock, Barnett Newman e Mark Rothko - i precursori delle grandi tele - con i loro dipinti di dimensioni senza precedenti hanno posto un segno di uguaglianza tra i due. Già nel 1947 il MoMA organizzò la mostra Large-Scale Modern Paintings che annunciò un nuovo periodo - un’epoca della ‘Grande Tela’. Il grande dipinto astratto ridefinì il rapporto tra l’opera e il suo spettatore, avendo un impatto colossale (in ogni senso della parola) sia sulle gallerie che sui collezionisti privati. Mentre per molti collezionisti il grande formato è imprescindibile, alcuni esitano ancora, chiedendosi se il loro spazio potrà accogliere grandi tele o come si integreranno con l’arredamento. In effetti, i dipinti di grandi dimensioni richiedono più spazio, ma i grandi dipinti astratti sono diventati consoni alle ampie superfici dell’architettura della metà e fine del XX secolo. Sebbene molti primi artisti astratti abbiano superato di gran lunga le dimensioni, tanto che l’idea del Museo Ideale in scala modello, capace di ospitare i dipinti murali di Pollock, sembrava allettante, la grande maggioranza degli artisti era più propensa a scendere a compromessi sulle dimensioni, desiderosa di trovare una casa per le proprie opere. La maggior parte di loro limitava la propria creatività all’altezza standard del soffitto di otto o nove piedi, lasciando agli acquirenti residenziali abbondanti opportunità di scegliere tra le opere d’arte astratta più coinvolgenti.
Altri collezionisti sono forse più preoccupati se il loro ultimo grande dipinto astratto si abbinerà al resto dell’arredamento. Mentre la primazia, e persino la longevità dell’opera d’arte rispetto all’arredamento è una questione a sé, l’abbinamento con l’arredamento è ciò che distingue i dipinti astratti piccoli da quelli grandi. I grandi dipinti astratti non sono creati semplicemente per abbinarsi; non solo sovrastano il resto dell’arredamento stabilendo il tono e lo stile dell’interno, ma diventano essi stessi un elemento d’arredo, come osservato dalla storica dell’arte americana Caroline Jones. Quindi, nessuna preoccupazione: un grande dipinto astratto trasformerà e (ri)definirà l’intero spazio secondo i tuoi gusti. Su IdeelArt valorizziamo molto l’unicità dei grandi dipinti astratti e abbiamo selezionato i dieci più belli per la tua collezione personale. Scorri in basso per trovare il tuo preferito.
Martín Reyna - Senza titolo (Rif. 19014)
Quest’opera recente di Reyna incarna la sua tecnica distintiva di diluire l’inchiostro e aggiungere acqua sulla carta affinché i colori si disperdano e interagiscano in modi insoliti. I colori si dissolvono e si spargono, vibrando graziosamente e oltrepassando i loro confini iniziali. Senza titolo (Rif. 19014) equilibra elegantemente l’impegno di Reyna nel pianificare attentamente le proprietà lineari e spaziali delle sue composizioni e nel lasciare che le forze della natura prendano il controllo del processo conducendolo in modo imprevedibile. Reyna è un pittore astratto argentino che vive a Parigi, Francia. I suoi dipinti astratti gestuali deliziano l’occhio e attivano la mente con le loro luminose relazioni cromatiche e le abili esplorazioni di prospettiva e spazio.
Martin Reyna - Senza titolo (Rif. 19014), 2019. Inchiostro su carta. 150 x 150 cm.
Daniela Schweinsberg - Viaggio Interstellare II
L’opera più recente di Schweinsberg, esclusiva della serie IdeelArt, visualizza l’energia, il dinamismo e la spontaneità del suo processo pittorico. Viaggio Interstellare II riflette la sua profondità emotiva mentre applica diverse tecniche per enfatizzare la natura simultaneamente caotica e armoniosa della bellezza. La sua potente opera deriva dal suo approccio non affrettato e intuitivo, poiché la sua vigorosa pennellata e la tavolozza limitata rivelano il suo processo creativo guidato dalle emozioni. Schweinsberg è un’artista astratta tedesca le cui pitture liriche traggono la loro potenza fragorosa da un mix di emozione grezza, colore vibrante e strati di pennellate energiche. Vive e lavora a Francoforte, Germania.
Daniela Schweinsberg - Viaggio Interstellare II, 2020. Acrilico e tecniche miste su lino non teso. 200 x 260 cm.
Macha Poynder - Quinta Casa
Quinta Casa rivela l’incredibile complessità e profondità che creano i molteplici strati e colori. Il tocco fluido, impalpabile e ampio di Poynder dove gesto, linea, colore e spazi convergono in un’esperienza senza precedenti di percezione ampliata. Lei fonde il disegno automatico, i gesti performativi e le scelte intuitive di colore per far riaffiorare gli aspetti più primordiali del suo inconscio. L’evidente casualità incontra la precisione addestrata mentre molteplici strati e colori rivelano la complessità e i misteri impenetrabili del mondo. Poynder è un’artista nata in Russia e residente a Parigi, la cui opera multidisciplinare è ispirata dalle filosofie e dai principi estetici dell’Espressionismo Astratto.
Macha Poynder - Quinta Casa, 2016. Acrilico, collage e pastello su tela non tesa. 158 x 152 cm.
Tommaso Fattovich - Ossa
Quest’ultima opera di Fattovich esprime in modo dirompente i suoi sentimenti più primordiali rispondendo visceralmente ai colori, strati, linee e forme. Ossa cattura i suoi audaci tentativi di immergersi nel subliminale mentre gioca con la composizione applicando la strategia surrealista dell’automatismo. La sua rapida applicazione della pittura racchiude l’espressione emotiva di Fattovich trovata nelle profondità insondabili del suo subconscio. Fattovich è un pittore astratto italiano che utilizza la strategia surrealista dell’automatismo per creare opere crude, stratificate ed emotive che trasmettono sentimenti di desolazione e decadenza. Vive e lavora a Delray Beach, Florida.
Tommaso Fattovich - Ossa, 2020. Tecniche miste su tela. 152,4 x 121,92 cm.
Pierre Muckensturm - 14p1601861
Quest’opera ipnotica in acrilico e olio rivela l’infatuazione di Muckensturm per la costanza e la temporalità, rivelata attraverso una dicotomia inquietante tra la natura ripetitiva e ciclica del tempo e gli eventi singoli e isolati che interrompono quell’armonia. 14p1601861 cattura l’equilibrio tra intensità e tranquillità attraverso la semplicità delle forme che dominano questa grande tela. Muckensturm è un pittore astratto e incisore francese il cui linguaggio visivo è di armonia, calma e senza tempo. Nato a Strasburgo, Francia, attualmente vive e lavora a Colmar.
Pierre Muckensturm - 14p1601861, 2014. Acrilico e olio su tela non tesa. 186 x 160 cm.
Paul Snell - Cromofilia # 201701
Cromofilia # 201701 incarna l’esplorazione distintiva di Snell della percezione e dell’artificio, una sensazione per l’occhio. Cattura un oggetto o un luogo con una macchina fotografica tradizionale, decodifica digitalmente le informazioni visive riducendo e semplificando i colori e le forme fino a che questi elementi ridotti si dispiegano nelle loro relazioni autoreferenziali. Questo processo di dispiegamento mappa l’ambiguità e gli stati transitori intrinseci al mezzo. Snell combina tecniche tradizionali e digitali per esplorare le possibilità dell’astrazione e del minimalismo nella foto-media contemporanea. Vive e lavora a Launceston, Tasmania.
Paul Snell - Cromofilia # 201701, 2014. Stampa cromogenica montata su plexiglas da 4,5 mm. 75 x 275 cm.
Kyong Lee - Pregato
Ispirata dalla serie Colore come Aggettivo, Pregato trasmette l’essenza emotiva dei suoi ricordi e pensieri mentre si dispiegano attraverso le sue rappresentazioni visive. Quest’opera vibrante non solo svela ma sottolinea il colore come suo linguaggio visivo primario. Crea dipinti a colori sfumati, dove ogni strato è applicato e asciugato in un tempo fisso creando così le relazioni tra colori e tempo. Lee è un’artista astratta coreana il cui lavoro concilia realtà fisiche ed emotive attraverso un’esplorazione multidisciplinare di colore, materiale, processo e forma. Vive e lavora a Seoul, Corea.
Kyong Lee - Pregato, 2015. Acrilico su tela. 162 x 130,3 cm.
Anya Spielman - Caramella
Caramella è un’opera audace e sensuale che fonde l’approccio intensamente fisico e genuinamente contemplativo di Spielman. Le sue superfici sature sono luminose, con strati lucidi e opachi che si alternano simultaneamente; i rossi e i rosa richiamano la carne e il sangue, mentre i crema pallidi, il giallo e il marrone scuro nella sua tavolozza ricordano i fluidi corporei. Questa manifestazione corporea del colore è decostruita da segni ruvidi di unghie e cicatrici che incidono l’idea e l’immagine decodificate nel profondo del dipinto. Spielman è una pittrice astratta americana. Il suo lavoro esplora la costellazione di forze e forme binarie, presentando immagini ricorrenti a doppio senso: la tensione tra sapere e non sapere, essere visti e non visti, umanità e disumanità. Vive e lavora nell’area di Los Angeles.
Anya Spielman - Caramella, 2009. Olio su tela. 198,1 x 157,5 cm.
Jeremy Annear - Anchorage
In Anchorage, Annear abbraccia un’estetica post-disciplinare di influenze diverse e preoccupazioni stilistiche fondendo motivi antichi con espressioni visive moderne. Questo grande olio su tela incarna la purezza della sua forma, costruzione e composizione, così come la sua precisione e accuratezza taglienti come un rasoio. Esplora incessantemente il rapporto tra astrazione e pittura, concentrandosi sul decifrare la relazione tra l’ambiente naturale espresso nei suoi toni terrosi e i colori primari grezzi. Annear è un pittore inglese che è stato introdotto al modernismo di St Ives nei suoi primi anni formativi. Vive e lavora in Cornovaglia.
Jeremy Annear - Anchorage, 2018. Olio su tela. 150 x 120 cm.
Anthony Frost - Punto Chiaro
Punto Chiaro è la dimostrazione più abile della fusione unica di Frost tra pittura e collage. Applica acrilico insieme a pomice su sacco, vela e tela, li dispone a strati e dipinge le forme con colori vivaci. La sua tecnica è rapida, spontanea e non ortodossa, poiché lascia che il suo istinto e l’intuizione prendano il sopravvento nel processo creativo. Frost è un artista astratto inglese, figlio del famoso Sir Terry Frost, le cui pitture e stampe vibranti e colorate mostrano l’energia grezza e la libertà della musica rock. Vive e lavora in Cornovaglia.
Anthony Frost - Punto Chiaro, 2006. Acrilico e tecniche miste su tela. 207 x 119,4 cm.
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Immagine in evidenza: Tommaso Fattovich - Ossa, 2020, vista dell’installazione.
Di Jovana Vuković
