Un'intervista con John Monteith

John Monteith è nato nel 1973 a Newmarket, Ontario, Canada ed è laureato nel programma MFA di Parsons The New School for Design nel 2008. Ha viaggiato e vissuto ampiamente in tutto il mondo, il che ha influenzato e cambiato la sua pratica produttiva nel corso degli anni. I suoi pezzi intricati e colorati di cera e pigmenti su pellicola da disegno stratificata, così come le sue documentazioni fotografiche stratificate con grande cura, lo hanno reso un artista astratto molto ricercato e ben noto.

John Monteith è stato rappresentato a livello internazionale ed è stato al centro di diverse mostre personali e collettive, come: “At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zurigo, Svizzera; e “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlino, Germania. Le sue opere fanno parte delle collezioni permanenti della The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; e Morris and Associates a Londra, Inghilterra. IdeelArt ha avuto il piacere di intervistare l'artista per discutere del suo processo lavorativo e dei progetti futuri.

Quali materiali e tecniche utilizzi nel tuo processo lavorativo? Come è cambiata la tua pratica nel tempo?

Nella mia precedente pratica pittorica, utilizzavo olio su tela e lavoravo in modo rappresentativo, realizzando dipinti figurativi di grande formato. Dal 2005, ho fatto un cambiamento significativo in termini di medium e soggetto. La traiettoria del mio lavoro si è sviluppata naturalmente insieme ai miei pensieri, non solo sugli spazi urbani ma anche sulle relazioni personali e sui molteplici strati di relazione. Sono sempre stato affascinato da ciò che caratterizza il mostrato e il nascosto.

Nel 2006, ho iniziato a lavorare con la pellicola da disegno, utilizzando le sue qualità traslucide per sovrapporre le immagini. Pur continuando a lavorare in modo rappresentativo, usavo la pittura ad olio, che veniva diluita per sfruttare la sua natura trasparente. Stavo dipingendo architettura e centri urbani, luoghi che avevo visitato e che avevano un significato storico, e persino i resti di un vecchio incidente stradale che avevo visto in una foresta a Kyoto, in Giappone, che coinvolgeva un paio di auto uscite da una strada ripida circa quindici anni fa. Ognuna di queste scene era stata o è attualmente un luogo di rottura. Nel creare i dipinti di questa serie, dipingevo ogni immagine due volte su due fogli diversi di pellicola da disegno e poi sovrapponevo i fogli uno sopra l'altro, spostando la registrazione in modo che il dipinto superiore fosse leggermente disallineato rispetto al dipinto inferiore, che venivano poi sovrapposti per creare un'unica immagine. Combinare queste due "parti" in un unico dipinto creava un'opera che si trovava in una zona enigmatica di flusso, in un certo senso, un movimento catturato nel tempo. Dopo aver esposto questi dipinti insieme a una serie di opere basate su testi, sono diventato più riduttivo nella mia pratica artistica, adottando un approccio concreto nella realizzazione dei miei disegni e dipinti, che manteneva un riferimento al temporale all'interno della sfera urbana e un discorso di memoria/storia come sostenuto da scrittori come Andreas Huyssen.

Nel 2011, ho iniziato la serie (de) Costruzione/(re) Costruzione, creata a partire dalla documentazione fotografica di spazi interstiziali come porte e corridoi, centri commerciali, terminal aeroportuali e altri spazi pubblici. Ho realizzato questi dipinti utilizzando le forme della luce e delle ombre proiettate presenti in questi "spazi di scarto", un termine coniato e descritto da Rem Koolhaas. Questi sono luoghi di "nessun posto" in cui trascorriamo gran parte del nostro tempo in transito, spostandoci dal Punto A al Punto B. Come nel mio ultimo gruppo di dipinti, ho utilizzato la stessa strategia di dipingere due strati identici, ma questa volta, quando ho sovrapposto gli strati, li ho spostati nella posizione desiderata prima di completare il dipinto, estraendo e spingendo indietro alcuni elementi.

Nel completare queste opere, le ho montate su plexiglass bianco opaco, tagliato a mano secondo le dimensioni di ciascun dipinto. Questo mi ha permesso di appendere i pezzi al muro come si farebbe con un dipinto tradizionale, ma alternativamente di pensare ai dipinti in modo scultoreo appendendo ciascun pezzo su un proprio supporto. Installare l'opera in questo modo ha creato nuove relazioni fisiche tra le opere, facendo riferimento all'architettura della galleria e alterando la linea di vista "uno a uno" della visione, cambiando così la natura dell'esperienza dei dipinti. Le mie opere assumono associazioni diverse in questo modo. Sono sempre stato interessato alla stratificazione, ma sono anche interessato a utilizzare un materiale per fare riferimento a un altro, in questo caso i miei dipinti installati come sculture. Diversi dipinti potrebbero sembrare disegni, e fotografie e disegni potrebbero sembrare dipinti. Ogni passo del mio processo creativo si manifesta visivamente nell'opera finale; le tracce sono sempre leggibili. Per me, qui risiede il contenuto. Nelle nostre città, questo scenario si svolge mentre cerchiamo prove e tracce del passato, nascoste sotto la superficie del presente.

Ho trascorso gli ultimi due anni a Berlino, creando disegni che sono cresciuti in modo organico, a differenza del mio precedente utilizzo di riferimenti fotografici. Mi sono concentrato in particolare sulla ricostruzione della città, la sua topografia e anche i "vuoti" della città che mantengono tracce del passato. Da questa ricerca, ho creato gruppi interconnessi di disegni che si informano a vicenda quando vengono visti insieme, oltre a opere che considerano la ricostruzione architettonica in corso nel centro città.

Quanto tempo richiede di solito un lavoro?

Dipende davvero. Quando ero a Berlino, di solito stavo nel mio studio sei giorni a settimana. È difficile dire quanto tempo ci vorrà per un lavoro, poiché tendo a lavorare su più pezzi contemporaneamente. Nel mio processo, inizio con della vernice molto sottile e poi la costruisco lentamente, oppure nel caso dei miei disegni, spesso trascorrevo un paio di settimane a fare prove prima di finalizzare il mio approccio al lavoro. Fondamentalmente, il mio processo è un lavoro lento e laborioso.

Cosa è fondamentale per il tuo lavoro?

La mia pratica mi ha portato in molte città, sia per vivere che per ricerca. Ogni volta che mi trasferisco, influisce e cambia il mio lavoro. Questi luoghi sono catalizzatori per i modi in cui penso di fare arte e come eseguo il mio processo. Nuovi modi di pensare e di creare emergono mentre le abitudini passate vengono spezzate e scosse. 

Come fai a sapere quando un lavoro è finito? 

Non lavoro davvero in modo così nebuloso; per me è più chiaro. Non c'è mai stata una domanda su cosa devo fare dopo per risolvere un lavoro. La domanda più grande per me è come posizionare ogni pezzo contestualmente con gli altri pezzi nello spettacolo, e come deve essere installato il lavoro? Queste sono sempre le domande più difficili mentre considero come il mio lavoro sarà letto e come lo spazio espositivo influenzerà questa leggibilità. Mentre lavoro con il mio materiale scelto, anche la cornice è una considerazione. La cornice può fare o distruggere il mio lavoro. Mi piace lavorare con i corniciai di cui mi fido che possono offrire la loro intuizione e idee.

Cosa significa avere uno spazio fisico per creare arte per il tuo processo, e come fai a far funzionare il tuo studio per te?

Il mio studio deve essere uno spazio solitario e tranquillo. Sono flessibile riguardo alla posizione, ma lo spazio dello studio impone determinati parametri, in particolare in termini di scala e di quanto sia possibile lavorare in grande. Se hai uno spazio piccolo, un'opera apparirà molto più grande nel tuo studio di quanto non sarà una volta appesa alle pareti di una grande galleria. 

C'è qualcosa su cui stai attualmente lavorando, o di cui sei entusiasta di iniziare, di cui puoi parlarmi?

Attualmente, mi trovo a Halifax, in Canada, a fare ricerche sulle pratiche artistiche basate sulle fibre per un nuovo corpo di opere tessute al telaio. Mentre ero a Berlino, sono diventato sempre più interessato ad ampliare la mia pratica tradizionale e ad incorporare nuovi mezzi—continuerò a dipingere, ma in un modo diverso.

Come si naviga nel mondo dell'arte?

Penso che il modo migliore per affrontare le pressioni sia trascorrere il maggior tempo possibile nel proprio studio e continuare a creare. C'è una certa consolazione nel processo di andare avanti in modi che ti sfidano. Leggo testi diversi e pubblicazioni artistiche orientate verso la teoria culturale e l'indagine piuttosto che recensioni di mostre o articoli dedicati al mercato dell'arte. Aiuta anche avere la mia comunità intorno a me: ho gruppi a Berlino, New York e Toronto, composti da artisti, curatori, scrittori, designer, musicisti e dj che supportano il mio lavoro mentre io supporto il loro. Impegnarsi in conversazioni e semplicemente essere presenti con loro mi aiuta enormemente a far fronte alle pressioni di essere un artista.

Qual è il miglior consiglio che ti è stato dato quando sei entrato nel mondo dell'arte? Che consiglio hai per i giovani artisti emergenti?

"Il miglior consiglio che ho ricevuto è stato da Martha Rosler che ha detto: 'Non fidarti mai di nessuno per la tua carriera. Devi sempre tenere d'occhio come sei rappresentato e come quelli che ti rappresentano stanno inquadrando la conversazione intorno al tuo lavoro.'"

Sei coinvolto in spettacoli o eventi imminenti? Dove e quando?

Farò parte di un'esposizione collettiva alla Gallery Wenger di Zurigo, Svizzera, che apre il 24 ottobre 2015 e dura fino al 9 gennaio. Ho anche alcuni altri progetti che sono nelle fasi iniziali di sviluppo.

Immagine in evidenza: Installazione del Memorial Day O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Cortesia dell'artista