Un'intervista con John Monteith

John Monteith è nato nel 1973 a Newmarket, Ontario, Canada, e si è laureato nel 2008 al programma MFA della Parsons The New School for Design. Ha viaggiato e vissuto ampiamente in tutto il mondo, esperienza che ha influenzato e trasformato la sua pratica artistica nel corso degli anni. Le sue opere intricate e colorate, realizzate con cera e pigmenti su pellicola da disegno stratificata, così come le sue documentazioni fotografiche meticolosamente stratificate, lo hanno reso un artista astratto ricercato e noto.

John Monteith è stato rappresentato a livello internazionale ed è stato protagonista di diverse mostre personali e collettive, come: “At Night All Cats Are Grey”, O’Born Contemporary, Toronto, ON; “Not Yet Titled”, Galerie Wenger, Zurigo, Svizzera; e “Vector Issue 5”, Schau Fenster, Raum für Kunst, Berlino, Germania. Le sue opere fanno parte di collezioni permanenti presso The New School, Manhattan, New York; BNY Melon, New York; e Morris and Associates a Londra, Inghilterra. IdeelArt ha avuto il piacere di intervistare l’artista per discutere del suo processo creativo e dei progetti futuri.

Quali materiali e tecniche usi nel tuo processo creativo? Come è cambiata la tua pratica nel tempo?

Nella mia prima pratica pittorica, usavo olio su tela e lavoravo in modo rappresentativo, realizzando grandi dipinti figurativi. Dal 2005 ho operato un cambiamento significativo sia nel mezzo che nel soggetto. La traiettoria del mio lavoro si è sviluppata naturalmente insieme ai miei pensieri, non solo sugli spazi urbani ma anche sulle relazioni personali e sui molteplici strati di relazione. Sono sempre stato affascinato da ciò che caratterizza il mostrato e il nascosto.

Nel 2006 ho iniziato a lavorare con pellicola da disegno, sfruttandone le qualità traslucide per sovrapporre immagini. Pur lavorando ancora in modo rappresentativo, usavo pittura a olio, diluita per sfruttarne la natura trasparente. Dipingevo architetture e centri urbani, luoghi che avevo visitato e che avevano un significato storico, e persino i resti di un vecchio incidente automobilistico che avevo visto in una foresta a Kyoto, Giappone, dove un paio di auto erano uscite di strada da una strada ripida circa quindici anni fa. Ognuna di queste scene era stata o è tuttora un luogo di rottura. Nel creare i dipinti di questa serie, dipingevo ogni immagine due volte su due fogli diversi di pellicola da disegno, poi sovrapponevo i fogli spostando leggermente la registrazione in modo che il dipinto superiore fosse leggermente spostato rispetto a quello inferiore, creando così un’unica immagine stratificata. Combinare queste due “parti” in un solo dipinto creava un’opera che si collocava in una zona enigmatica di flusso, in un certo senso, un movimento catturato nel tempo. Dopo aver esposto questi dipinti insieme a una serie di opere basate su testi, sono diventato più riduttivo nella mia arte, adottando un approccio concreto per realizzare i miei disegni e dipinti, mantenendo un riferimento al temporale nell’ambito urbano e a un discorso di memoria/storia come proposto da scrittori come Andreas Huyssen.

Nel 2011 ho iniziato la serie (de) Construction/(re) Construction, creata a partire da documentazioni fotografiche di spazi interstiziali come ingressi e corridoi di centri commerciali, terminal aeroportuali e altri spazi pubblici. Ho realizzato questi dipinti usando le forme di luce e ombra proiettate presenti in questi “spazi spazzatura”, un termine coniato e descritto da Rem Koolhaas. Sono luoghi “nessun luogo” dove trascorriamo gran parte del nostro tempo in transito da un Punto A a un Punto B. Come nel mio ultimo gruppo di dipinti, ho usato la stessa strategia di dipingere due strati identici, ma questa volta, quando li sovrapponevo, li spostavo nella posizione desiderata prima di completare il dipinto, tirando fuori e spingendo indietro certi elementi.

Per completare questi dipinti, li ho montati su plexiglass bianco opaco, tagliato a mano secondo le dimensioni di ogni opera. Questo mi ha permesso di appendere i pezzi al muro come un dipinto tradizionale, ma anche di considerarli scultorei appendendo ogni pezzo su un proprio supporto. Installare le opere in questo modo ha creato nuove relazioni fisiche tra i lavori, facendo riferimento all’architettura della galleria e modificando la linea di vista “uno a uno”, cambiando così la natura dell’esperienza visiva delle opere. In questo modo i miei lavori assumono diverse associazioni. Sono sempre stato interessato alla stratificazione, ma anche all’uso di un materiale per richiamarne un altro, in questo caso i miei dipinti installati come sculture. Dipinti diversi possono sembrare disegni, e fotografie e disegni possono sembrare dipinti. Ogni fase del mio processo creativo si manifesta visivamente nell’opera finale; le tracce sono sempre leggibili. Per me, qui risiede il contenuto. Nelle nostre città, questo scenario si manifesta mentre cerchiamo prove e tracce del passato, nascoste sotto la superficie del presente.

Ho trascorso gli ultimi due anni a Berlino, creando disegni che sono cresciuti organicamente, a differenza del mio passato uso di riferimenti fotografici. Mi sono concentrato in particolare sulla ricostruzione della città, la sua topografia e anche i “vuoti” della città che conservano tracce del passato. Da questa ricerca ho creato gruppi interconnessi di disegni che si informano a vicenda se visti insieme, oltre a opere che considerano la ricostruzione architettonica in corso nel centro città.

Quanto tempo impiega solitamente un’opera?

Dipende molto. Quando ero a Berlino, di solito ero nel mio studio sei giorni alla settimana. È difficile dire quanto tempo richiederà un’opera, dato che tendo a lavorare su più pezzi contemporaneamente. Nel mio processo, parto con una pittura molto sottile e poi la costruisco lentamente, oppure, nel caso dei miei disegni, spesso trascorro un paio di settimane a fare prove prima di definire il mio approccio all’opera. Fondamentalmente il mio processo è lento e laborioso.

Cosa è essenziale nel tuo lavoro?

La mia pratica mi ha portato in molte città, sia per vivere che per ricerca. Ogni volta che mi trasferisco, questo influenza e cambia il mio lavoro. Questi luoghi sono catalizzatori per il modo in cui penso all’arte e a come eseguo il mio processo. Nuovi modi di pensare e creare emergono man mano che le abitudini passate vengono rotte e scosse.

Come sai quando un’opera è finita?

Non lavoro in modo così nebuloso; per me è più chiaro. Non c’è mai stata una domanda su cosa devo fare dopo per risolvere un’opera. La domanda più grande per me è come collocare ogni pezzo contestualmente con gli altri nella mostra, e come l’opera deve essere installata. Queste sono sempre le domande più difficili mentre considero come il mio lavoro sarà letto e come lo spazio espositivo influenzerà questa leggibilità. Mentre lavoro con il materiale scelto, anche l’incorniciatura è una considerazione. L’incorniciatura può fare o distruggere il mio lavoro. Mi piace lavorare con corniciai di cui mi fido e che possono offrire il loro punto di vista e idee.

Cosa significa per il tuo processo avere uno spazio fisico per creare arte, e come fai a far funzionare il tuo studio per te?

Il mio studio deve essere uno spazio solitario e silenzioso. Sono flessibile sulla posizione, ma lo spazio dello studio determina certi parametri, in particolare per quanto riguarda la scala e quanto grande è possibile lavorare. Se hai uno spazio piccolo, un’opera sembrerà molto più grande nel tuo studio di quanto non appaia una volta appesa alle pareti di una grande galleria.

C’è qualcosa su cui stai lavorando attualmente, o che sei entusiasta di iniziare, di cui puoi parlarmi?

Attualmente sono a Halifax, Canada, dove sto facendo ricerche sulle pratiche artistiche basate sulle fibre per una nuova serie di opere tessute al telaio. Mentre ero a Berlino, sono diventato sempre più interessato ad ampliare la mia pratica tradizionale e a incorporare nuovi mezzi—continuerò a dipingere, ma in modo diverso.

Come ti muovi nel mondo dell’arte?

Penso che il modo migliore per affrontare le pressioni sia passare più tempo possibile nel proprio studio e continuare a creare opere. C’è una certa consolazione nel processo di andare avanti in modi che ti sfidano. Leggo testi e pubblicazioni d’arte orientate alla teoria culturale e all’indagine, piuttosto che semplici recensioni di mostre o articoli dedicati al mercato dell’arte. Aiuta anche avere la mia comunità intorno a me—ho gruppi a Berlino, New York e Toronto—composti da artisti, curatori, scrittori, designer, musicisti e dj che supportano il mio lavoro come io supporto il loro. Confrontarmi e semplicemente essere presente con loro mi aiuta molto a gestire le pressioni dell’essere artista.

Qual è il miglior consiglio che ti è stato dato quando hai iniziato nel mondo dell’arte? Che consiglio daresti ai giovani artisti emergenti?

Il miglior consiglio che ho ricevuto è stato da Martha Rosler che disse: “Non fidarti mai di nessuno per la tua carriera. Devi sempre tenere d’occhio come vieni rappresentato e come chi ti rappresenta incornicia la conversazione intorno al tuo lavoro.”

Sei coinvolto in mostre o eventi imminenti? Dove e quando?

Parteciperò a una mostra collettiva alla Galerie Wenger di Zurigo, Svizzera, che si inaugura il 24 ottobre 2015 e durerà fino al 9 gennaio. Ho anche altri progetti in fase iniziale di sviluppo.

Immagine in evidenza: Memorial Day Installation O’Born Contemporary, Toronto 2012 - Cortesia dell’artista