"Fanno Astrazione - Un'intervista con la Curatrice Capo del Pompidou Christine Macel"

Il Centre Pompidou scriverà la storia quest'estate con Elles font l’abstraction - la più completa elucidazione mai realizzata del contributo delle artiste allo sviluppo dell'arte astratta. La Chief Curator del Pompidou, Christine Macel, ha assemblato oltre 500 opere di 106 artisti per la mostra. Lungi dall'essere semplicemente una raccolta di opere d'arte, Macel ha colto questa opportunità per dimostrare quale sia il vero ruolo di un curatore: i curatori scrivono e, al meglio, correggono la storia dell'arte. Decine degli artisti che ha selezionato saranno familiari al pubblico. Molti altri saranno completamente nuovi, anche per gli esperti del settore. Questo perché Macel e il suo team hanno svolto un lavoro incredibilmente difficile per scoprire e mettere in luce voci femminili globali che, nonostante il loro genio e influenza, sono state omesse dal canone della storia dell'arte. Spaziando dal 1860 agli anni '80, la mostra e la documentazione di supporto - inclusi scritti, film e conferenze - cambieranno per sempre la nostra comprensione dell'evoluzione dell'astrazione come linguaggio plastico. Dopo la mia recente intervista con Macel, sono giunto a credere che sia solo l'inizio. La nostra conversazione segue qui sotto.

Grazie per aver parlato con noi, Christine, sono un fan del tuo lavoro da quando hai curato la Biennale di Venezia nel 2017. È Elles font l’abstraction il tentativo istituzionale più ambizioso che conosci per riconoscere adeguatamente il contributo internazionale delle artiste astratte?

Sì, infatti. È per questo che ho deciso di fare questa ricerca e esposizione. C'era chiaramente un processo di invisibilizzazione delle artiste nella storiografia dell'astrazione.

Qual è stata la parte più difficile di portare questa esposizione al Centre Pompidou?

Il processo di prestito e le questioni di bilancio, così come la situazione pandemica. Ma devo dire che c'è stata un'incredibile supporto da parte dei musei e dei collezionisti privati in tutto il mondo, così come degli sponsor. Nel mezzo della pandemia, ho potuto contare sul supporto di Van Cleef e Arpels, Luma Foundation, i Friends of the Pompidou, ecc., che sono stati decisivi per realizzare questo progetto. Per non parlare della collaborazione con il Guggenheim Bilbao che è stata cruciale per questa esposizione. Molti storici dell'arte e studiosi sono stati anche molto solidali. Prima di tutto Griselda Pollock, che è una delle molte autrici del catalogo e nostra ospite d'onore per il simposio con l'associazione Aware. Gli artisti stessi sono stati così entusiasti. È stata una grande spinta di energia! Ho avuto grandi discussioni con Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud e Jessica Stockholder, per citarne solo alcune.

Quei quattro artisti in particolare hanno linguaggi visivi così diversi. È rinfrescante vedere l'incredibile ampiezza di posizioni visive rappresentate in questo spettacolo.

La mia affermazione è di aprire la definizione dei medium interessati dall'astrazione, seguendo le posizioni degli stessi artisti. Lo spiritualismo, la danza, le arti decorative, la fotografia e il cinema sono stati parte di questa storiografia. Voglio anche insistere su ogni artista come particolare e originale.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Cortesia della Famiglia Caland. Foto Elon Schoenholz, Cortesia della Famiglia Caland.

Quale sarebbe il tono che speri di impostare con questa esposizione?

Un'esplosione di gioia e piacere; un'ammirazione e rispetto per tutti questi artisti; una consapevolezza del lungo cammino che abbiamo davanti per approfondire davvero questa storia.

Tanti artisti in questo spettacolo non hanno mai ricevuto la giusta ammirazione e rispetto. Resta un'esperienza alienante essere un'artista astratta donna oggi?

No, oggi non siamo in una situazione di alienazione ma di apertura, di scoperta e riscoperta. La porta è ampiamente aperta, e molti musei, storici dell'arte e giovani studiosi stanno lavorando per creare un futuro diverso.

"Senza dubbio avresti potuto includere molti più artisti in questa esposizione. Come hai ristretto le tue selezioni?"

È un processo così complesso che non riesco a descriverlo in poche parole. La disponibilità delle opere, il costo del trasporto, i problemi di spazio, ecc., fanno anche parte del risultato finale. Ma ho realizzato gran parte di ciò che volevo creare.

Georgiana Houghton - Album di Arte Spirituale, 1866-84. Immagine gentilmente concessa dal College of Psychic Studies, Londra

Avevi paura di omettere qualcuno di cruciale?

È meno una paura che una certa tristezza, un rimpianto, a volte, essere costretti a scegliere. L'omissione è sempre parte del lavoro, poiché la storia è sempre una storia parziale. Questa consapevolezza della stessa impossibilità di una narrazione totale è qualcosa che è al centro della ricerca in generale. La storia dell'arte è sempre incompleta e riscritta. Niente di definitivo, solo una proposta.

Eri un bambino di 8 anni quando hai visitato per la prima volta il Centre Pompidou. Come sarebbe stata diversa la tua percezione crescendo se Elles font l’abstraction fosse stata l'esposizione in corso durante quella visita?

Sarebbe stato un approccio totalmente diverso. Ci è voluto del tempo per rendersi conto di come la storia dell'arte fosse dominata da storici dell'arte e artisti maschi. Ricordo chiaramente gli artisti che ho scoperto quando sono andato al Pompidou da bambino: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, tutti maschi! Ma da adolescente ero molto attratto da scrittrici: Anais Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Ricordo anche di aver letto Shere Hite, che era sulla stessa mensola di Freud nella biblioteca pubblica! Ecco perché forse, come studente, ho deciso di scrivere la mia tesi su Rebecca Horn e tradurre tutti i suoi film dal tedesco al francese.

Per riformulare la domanda che hai posto nel 2017 come Direttore del Settore delle Arti Visive della Biennale di Venezia: Cosa significa essere un'artista astratta donna oggi?

In realtà, essere un artista "tout court" dovrebbe essere la posizione corretta. Siamo ormai oltre l'essenzialismo, si spera. Non mi sono mai considerata una "curatrice donna". Come dicevo, nessuno ha mai chiesto a Okwui Enwezor se fosse padre o sposato durante le sue interviste come direttore della Biennale di Venezia. Ho trovato molto fastidioso essere sempre interrogata sul mio genere e sulla cosiddetta situazione di "donna", invece che sul mio lavoro. Abbiamo di nuovo bisogno di molta ricerca e di mostre per arrivare a questo punto anche per le "artiste donne". Ma la porta è ora spalancata e non ci sarà un passo indietro grazie alla giovane generazione di studenti d'arte.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Estate di Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Quindi, per tutta la tua carriera hai raccontato una storia più completa della storia. Ma l'astrazione non riguarda tanto il raccontare storie quanto il mettere in discussione la percezione. L'apparizione di questo spettacolo in questo momento segnala che credi che la nostra generazione debba tornare a perseguimenti più esoterici?

No, non direi questo. Ma nel momento in cui le persone vivono con la virtualità e le immagini, in un mondo parallelo, per lo più figurativo, sento che la presenza dell'arte astratta ci porta in una sfera diversa. Ci racconta di qualcosa sia ancorato nelle nostre dimensioni cognitive che spirituali. Puoi sentire molto precisamente cosa ti dice un'opera astratta, che sia materialistica o trascendentale, per esempio, che sia divertente o tattile, senza parole. È un po' come la musica. La percezione è sufficiente per cogliere i punti, e persino per sentire chi è l'artista dietro di essa. In un momento in cui l'arte è a volte troppo caricata di spiegazioni e discorsi paralleli, mi piace essere con opere che "parlano" da sole.

I nostri ringraziamenti a Christine Macel per aver gentilmente concesso a IdeelArt questa intervista. Elles font l’abstraction è in mostra dal 5 maggio al 23 agosto 2021 al Centre Pompidou di Parigi.

Immagine in evidenza: Hilma Af Klint - Il Cigno, No. 16, Gruppo IX/SUW, 1915. Cortesia della Fondazione Hilma af Klint. Foto: Moderna Museet, Stoccolma
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Intervista di Phillip Barcio