"Fanno Astrazione - Un'intervista con la Curatrice Capo del Pompidou Christine Macel"

Il Centre Pompidou scriverà la storia questa estate con Elles font l’abstraction - la più completa spiegazione mai realizzata del contributo delle artiste allo sviluppo dell’arte astratta. La curatrice capo del Pompidou, Christine Macel, ha riunito più di 500 opere di 106 artiste per la mostra. Lontano dal limitarsi a riempire le gallerie di opere, Macel ha colto l’occasione per dimostrare quale sia davvero il ruolo di un curatore: i curatori scrivono, e nel loro migliore ruolo correggono, la storia dell’arte. Dozzine delle artiste selezionate saranno familiari al pubblico. Molte altre saranno completamente nuove, anche per gli esperti del settore. Questo perché Macel e il suo team hanno svolto il lavoro incredibilmente difficile di scoprire e mettere in luce voci femminili globali che, nonostante il loro genio e la loro influenza, erano state escluse dal canone storico-artistico. Dall’1860 fino agli anni ’80, la mostra e la documentazione di supporto - inclusi scritti, film e conferenze - cambieranno per sempre la nostra comprensione dell’evoluzione dell’astrazione come linguaggio plastico. Dopo la mia recente intervista con Macel, sono giunto a credere che sia solo l’inizio. La nostra conversazione segue qui sotto.

Grazie per aver parlato con noi, Christine, sono un’ammiratrice del tuo lavoro fin da quando hai curato la Biennale di Venezia nel 2017. Elles font l’abstraction è il tentativo istituzionale più ambizioso che conosci per riconoscere adeguatamente il contributo internazionale delle artiste astratte?

Sì, esattamente. Per questo ho deciso di realizzare questa ricerca e mostra. C’era chiaramente un processo di invisibilizzazione delle artiste nella storiografia dell’astrazione.

Qual è stata la parte più difficile nel portare questa mostra al Centre Pompidou?

Il processo di prestito e le questioni di bilancio, così come la situazione pandemica. Ma devo dire che c’è stato un incredibile sostegno da parte di musei e collezionisti privati di tutto il mondo, così come degli sponsor. Nel pieno della pandemia, ho potuto contare sul supporto di Van Cleef and Arpels, Luma Foundation, gli Amici del Pompidou, ecc., che sono stati decisivi per realizzare questo progetto. Senza dimenticare la collaborazione con il Guggenheim Bilbao, cruciale per questa mostra. Molti storici dell’arte e studiosi sono stati molto di supporto. Prima di tutto Griselda Pollock, una delle tante autrici del catalogo e nostra ospite d’onore per il simposio con l’associazione Aware. Anche le artiste stesse sono state molto entusiaste. È stata una grande carica di energia! Ho avuto grandi discussioni con Sheila Hicks, Dorothea Rockburne, Tania Mouraud e Jessica Stockholder, solo per citarne alcune.

Quattro artiste con linguaggi visivi così diversi. È rinfrescante vedere l’incredibilmente ampia gamma di posizioni visive rappresentate in questa mostra.

La mia dichiarazione è di aprire la definizione dei mezzi coinvolti nell’astrazione, seguendo le posizioni delle artiste stesse. Spiritualismo, danza, arti decorative, fotografia e cinema sono stati parte di questa storiografia. Voglio anche sottolineare ogni artista come particolare e originale.

Huguette Caland - Bribes de corps, 1973. Cortesia della Famiglia Caland. Foto Elon Schoenholz, Cortesia della Famiglia Caland

Quale tono speri di impostare con questa mostra?

Un’esplosione di gioia e piacere; ammirazione e rispetto per tutte queste artiste; la consapevolezza del lungo cammino che ci attende per approfondire davvero questa storia.

Molte artiste in questa mostra non hanno mai ricevuto la giusta ammirazione e rispetto. Oggi è ancora un’esperienza alienante essere un’artista astratta donna?

No, oggi non siamo in una situazione di alienazione ma di apertura, di scoperta e riscoperta. La porta è ampiamente aperta, e molti musei, storici dell’arte e giovani studiosi stanno lavorando per costruire un futuro diverso.

Senza dubbio avresti potuto includere molte più artiste in questa mostra. Come hai ristretto le tue scelte?

È un processo così complesso che non posso descriverlo in poche parole. La disponibilità delle opere, i costi di trasporto, le questioni di spazio, ecc., fanno parte del risultato finale. Ma ho realizzato gran parte di ciò che volevo fare.

Georgiana Houghton - Album of Spirit Art, 1866-84. Immagine cortesia di The College of Psychic Studies, Londra

Hai avuto paura di escludere qualcuno di cruciale?

È meno una paura che una certa tristezza, un rimpianto, a volte, di dover scegliere. L’omissione fa sempre parte del lavoro, poiché la storia è sempre una narrazione parziale. Questa consapevolezza dell’impossibilità stessa di una narrazione totale è qualcosa che sta al centro della ricerca in generale. La storia dell’arte è sempre incompiuta e riscritta. Niente di definitivo, solo una proposta.

Avevi 8 anni quando hai visitato per la prima volta il Centre Pompidou. Come sarebbe stata diversa la tua percezione crescendo se Elles font l’abstraction fosse stata la mostra in corso durante quella visita?

Sarebbe stato un approccio totalmente diverso. Ci è voluto del tempo per capire come la storia dell’arte fosse dominata da storici e artisti maschi. Ricordo chiaramente le artiste che ho scoperto quando sono andata al Pompidou da bambina: Arman, Ben, John de Andrea, Jean Tinguely, tutti uomini! Ma da adolescente ero molto interessata alle scrittrici: Anais Nin, Lou Andreas Salomé, Simone de Beauvoir, Marguerite Yourcenar, Marguerite Duras. Ricordo anche di aver letto Shere Hite, che stava sullo stesso scaffale di Freud nella biblioteca pubblica! Forse è per questo che da studentessa ho deciso di scrivere la mia tesi su Rebecca Horn e di tradurre tutti i suoi film dal tedesco al francese.

Per riformulare la domanda che hai posto nel 2017 come Direttrice del Settore Arti Visive della Biennale di Venezia: cosa significa essere un’artista astratta donna oggi?

In realtà, essere un’artista “tout court” dovrebbe essere la posizione corretta. Speriamo di aver superato l’essenzialismo. Non mi sono mai considerata una “curatrice donna”. Come dicevo, nessuno ha mai chiesto a Okwui Enwezor se fosse padre o sposato durante le sue interviste come direttore della Biennale di Venezia. Trovo molto fastidioso essere sempre interrogata sul mio genere e sulla cosiddetta condizione di “donna”, invece che sul mio lavoro. Abbiamo ancora bisogno di molte ricerche e mostre per arrivare a questo punto anche per le “artiste donne”. Ma la porta ora è spalancata e non ci sarà alcun passo indietro grazie alla nuova generazione di studenti d’arte.

Joan Mitchell - Mephisto, 1958. © Estate of Joan Mitchell © Centre Pompidou, MNAM-CCI/Jacques Faujour/Dist. RMN-GP

Quindi per tutta la tua carriera hai raccontato una storia più completa della storia. Ma l’astrazione non riguarda tanto il raccontare storie quanto il mettere alla prova la percezione. La comparsa di questa mostra in questo momento segnala che credi che la nostra generazione debba tornare a ricerche più esoteriche?

No, non direi così. Ma nel momento in cui le persone vivono con la virtualità e le immagini, in un mondo parallelo, per lo più figurativo, sento che la presenza dell’arte astratta ci conduce in una sfera diversa. Ci parla di qualcosa che è ancorato sia nelle nostre dimensioni cognitive che spirituali. Puoi sentire molto precisamente cosa ti dice un’opera astratta, se è materialista o trascendentale per esempio, se è divertente o tattile, senza alcuna parola. È un po’ come la musica. La percezione è sufficiente per cogliere i punti, e persino per sentire chi è l’artista dietro. In un momento in cui l’arte è a volte troppo carica di spiegazioni e discorsi paralleli, amo stare con opere che “parlano” da sole.

Ringraziamo Christine Macel per aver concesso generosamente questa intervista a IdeelArt. Elles font l’abstraction è in mostra dal 5 maggio al 23 agosto 2021 al Centre Pompidou di Parigi.

Immagine in evidenza: Hilma Af Klint - Il Cigno, n. 16, Gruppo IX/SUW, 1915. Cortesia della Fondazione Hilma af Klint. Foto: Moderna Museet, Stoccolma
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Intervista di Phillip Barcio