Le finestre di Ellsworth Kelly al Centre Pompidou

Poco prima di morire nel 2015, Ellsworth Kelly donò “Finestra, Museo d’Arte Moderna, Parigi” (1949) al Centre Pompidou. Considerato il suo capolavoro, il dipinto ha confuso spettatori, critici e artisti per 70 anni. In onore dell’anniversario della sua creazione, il Centre Pompidou presenterà quest’opera essenziale insieme ad altre cinque “finestre” di Kelly nella mostra Ellsworth Kelly: Windows, dal 27 febbraio al 27 maggio 2019. Quando Kelly donò “Finestra” al Pompidou, fu un ritorno a casa. La creò mentre viveva a Parigi—non la prima volta che abitava in città; quella fu durante la liberazione dal nazismo nella Seconda guerra mondiale, quando Kelly prestava servizio nell’esercito statunitense come esperto di mimetizzazione. Creò “Finestra” al suo ritorno a Parigi, molto tempo dopo la guerra. Dopo essere tornato negli Stati Uniti e essersi iscritto a una scuola d’arte, nel 1948 ebbe l’opportunità di trasferirsi nuovamente in Francia grazie al G.I. Bill, una legge recentemente approvata che offriva assistenza, inclusa la retta universitaria, ai veterani. A quel tempo, Kelly era un pittore figurativo che, a suo dire, non conosceva molto l’arte astratta. Ma né l’arte figurativa né quella astratta, come la intendeva lui, suscitavano il suo interesse. Ricordò nel suo saggio “Note” (1969) che era molto più interessato alla “qualità dell’oggetto”. Ammirava le forme delle cose, come quelle “che si trovano nelle volte di una cattedrale o anche in una macchia di catrame sulla strada.” In cerca della qualità dell’oggetto, Kelly schizzò foglie e pezzi di frutta. Non le ombreggiò né le colorò; tracciò semplicemente il contorno della loro forma. Quella, decise Kelly, era la loro verità. Spiegò: “Invece di fare un quadro che fosse un’interpretazione di una cosa vista, o un quadro di contenuto inventato, trovai un oggetto e lo ‘presentai’ come se fosse solo se stesso.” “Finestra, Museo d’Arte Moderna, Parigi” fu il primo “oggetto” che Kelly realizzò. Non lo vedeva come una rappresentazione di una finestra, né come un’astrazione di una finestra, ma come la manifestazione concreta e oggettiva di una forma specifica.

Il dipinto come soggetto

Come in molte svolte storiche dell’arte, il terreno concettuale che Ellsworth Kelly conquistò con le sue “Finestre” è sottile. La sua argomentazione era che ogni forma visibile nel mondo è adatta come oggetto per un artista da creare. Questo significava per lui che non doveva più inventare contenuti né dipingere immagini, poteva semplicemente selezionare la forma di un oggetto dal mondo visibile, ridurla e poi ricrearla esattamente. Chiamava le sue forme “composizioni già fatte”. Il nome fa riferimento ai “Ready-made” di Marcel Duchamp. Duchamp realizzò il suo primo Ready-made nel 1913—una scultura composta da una ruota di bicicletta capovolta attaccata al sedile di uno sgabello. Il concetto, secondo Duchamp, era che poteva prendere oggetti prodotti ordinari e modificarli in qualche modo, rendendoli così suoi. Il suo Ready-made più famoso fu “Fontana” (1917), un orinatoio capovolto, firmato con il nome R. Mutt, e posto su un piedistallo.

Ellsworth Kelly - Finestra I, 1949. Olio e gesso su Isorel. 64,8 x 53,3 x 3,80 cm. 87,63 x 76,20 x 8,89 cm (cornice). Coll. Museo d’Arte Moderna di San Francisco, Collezione Doris e Donald Fisher al Museo d’Arte Moderna di San Francisco, Collezione Helen e Charles Schwab e Mimi Haas, © Fondazione Ellsworth Kelly. Foto Jerry L. Thompson, cortesia Ellsworth Kelly Studio

Kelly non modificava oggetti prodotti. Piuttosto, selezionava forme già fatte dal mondo totale degli oggetti visibili e le distillava alla loro essenza. Se avesse preso una finestra vera e vi avesse apposto la sua firma, quello sarebbe stato un Ready-made. Schizzando una finestra, riducendo lo schizzo ai suoi elementi più basilari e poi ricreandolo con precisione, faceva qualcosa di diverso. Non era un’immagine di una finestra, né una scultura di una finestra, né una finestra vera e propria. Era la qualità oggettiva di una finestra resa manifesta. Kelly era desideroso di sottolineare che le persone non dovessero attribuire importanza alle pennellate, ai colori, alle qualità superficiali o ad altri aspetti estetici delle sue “Finestre.” Descrisse così le sue intenzioni: “Nel mio dipinto, il dipinto è il soggetto piuttosto che il soggetto, il dipinto.”

Ellsworth Kelly - Finestra II, 1949. Olio su lino. 61 x 50,20 cm. 79,37 x 68,58 x 7,62 cm (cornice). Ellsworth Kelly Studio © Fondazione Ellsworth Kelly. Foto Hulya Kolabas, cortesia Ellsworth Kelly Studio

Eredi divisi

Appropriatamente, tutte le “Finestre” realizzate da Kelly sono opache, rendendole inutili come aperture, ma collocandole in una lunga tradizione di non trasparenza, insieme alle vetrate colorate nelle chiese, di portali che sfidano i nostri sforzi di vedere. Donald Judd, nel suo saggio “Oggetti Specifici” (1965), certamente si basò sull’eredità iniziata da Kelly. Judd desiderava liberare l’arte dalle definizioni critiche come scultura e pittura, e ampliare il proprio lavoro verso la creazione di forme anonime e universali che trascendessero analisi semplicistiche. Joseph Kosuth si basò anch’egli su ciò che Kelly fece con le sue opere concettuali, che pongono un oggetto accanto a una fotografia dell’oggetto accanto a una descrizione scritta dell’oggetto. Quando una sedia è posta accanto a una foto della sedia e a una descrizione della sedia, quale è l’oggetto? Quale è l’arte? Quale è il concetto? Chi decide? Ha importanza?

Ellsworth Kelly - Finestra Aperta, Hôtel de Bourgogne, 1949. Matita su carta. 19,70 x 13,30 cm. 40 x 32,38 x 4,44 cm (cornice). Ellsworth Kelly Studio © Fondazione Ellsworth Kelly. Foto cortesia Ellsworth Kelly Studio

L’eredità concettuale a cui Kelly contribuì con le sue “Finestre” irrita molte persone, perché la vedono come una sorta di scherzo. Dopotutto sembra ovvio che questo dipinto non è una finestra; che questa ruota attaccata a uno sgabello è solo una ruota attaccata a uno sgabello, e non arte; e che una sedia è fondamentalmente diversa da una fotografia di una sedia. Fortunatamente, Kelly fu molto chiaro su ciò che stava facendo. Non era affatto sciocco. Scrisse: “Fare arte riguarda prima di tutto l’onestà. La mia prima lezione fu vedere oggettivamente, cancellare ogni ‘significato’ della cosa vista. Solo allora il vero significato poteva essere compreso e sentito.” In questa affermazione trovo un rifugio, un promemoria che tutta la cultura, e tutta la storia, si apprendono. Ereditiamo un contesto, ma siamo liberi di cambiarlo o di ridurlo alla sua forma più semplice per capirlo. Le sue “Finestre” possono non essere trasparenti, ma sono affermazioni della convinzione che Ellsworth Kelly aveva nel nostro diritto umano fondamentale di sviluppare e poi condividere nuovi modi di vedere e comprendere il mondo.

Immagine in evidenza: Ellsworth Kelly - Finestra VI, 1950. Olio su tela e legno; due elementi uniti. 66,40 x 159,70 cm. Ellsworth Kelly Studio. © Fondazione Ellsworth Kelly. Foto Hulya Kolabas, cortesia Ellsworth Kelly Studio.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio