James Siena – Non il tuo tipico artista astratto

Guardare un dipinto di James Siena significa essere risucchiati in un labirinto sinuoso e metodico di colori e linee. Non c'è un'immagine da osservare. Invece, c'è una zona trascendentale in cui vagare. Superficie, spazio e luce si fondono in vibrazioni visive fino a costringere la mente a scegliere tra analisi e accettazione. L'atto semplice di guardare con pazienza è raramente così gratuitamente ricompensato. Se guardare questi grovigli di colore e linea è ipnotico, immagina di dipingerli. La laboriosità coinvolta, specialmente nelle recenti opere di grande formato realizzate da Siena, è difficile da immaginare. Immaginare Siena che sovrasta una delle sue superfici aggiungendo linea dopo linea mi ricorda molto "A Line Made By Walking" (1967), una delle prime opere di Land Art dello scultore britannico Richard Long. Per realizzarla, Long camminava ripetutamente avanti e indietro su un stesso pezzo di erba. In seguito ricordò: "Volevo fare della natura il soggetto del mio lavoro, ma in modi nuovi. La mia prima opera realizzata camminando era una linea retta in un campo d'erba, che era anche il mio stesso sentiero, che andava 'da nessuna parte'." In un certo senso, Siena sta creando linee che non vanno da nessuna parte, e nel processo, come Long, sta attirando meno attenzione sull'opera finita stessa, e più attenzione sulla pianificazione e sul lavoro umano coinvolto nella sua realizzazione. Allo stesso modo, le composizioni sinuose create da Siena evocano connessioni con il capolavoro di Alberto Burri, il suo "Grande Cretto." Scolpito nella superficie del pianeta stesso, il suo labirinto di crepe lineari costringe gli spettatori a scegliere: possono attraversarle o stare abbastanza lontani da osservarle. Le due esperienze sono totalmente diverse e mutuamente esclusive. Allo stesso modo, possiamo stare indietro e fissare un dipinto di James Siena, oppure possiamo avvicinarci e tentare di navigare nei suoi grovigli lineari. Le esperienze non sono affatto simili, anche se entrambe contengono la possibilità di puro piacere.

Pensare e Sentire

Siena parla della sua pratica pittorica in due termini separati: provocare pensiero e indurre sentimento. Per lo spettatore, la dicotomia è ovvia. Le linee e le forme che vediamo confondono qualsiasi somiglianza con la realtà, eppure non possiamo fare a meno di pensare a cosa potrebbero essere, a cosa potrebbero rappresentare o a cosa potrebbero significare. Pensiamo a come sono state fatte e di cosa sono fatte. Allo stesso tempo, ci stanchiamo di pensare. Quando semplicemente ci permettiamo di sentire, iniziamo a credere che ci sia di più rispetto a ciò che la cognizione può riconoscere. La sensazione dei modelli si esercita—può essere armoniosa, o può essere dissonante. La sensazione delle relazioni cromatiche ci porta in confluenza con forze sconosciute—possono portare gioia, o forse repulsione. In questo stato di metà pensiero e metà sentimento, abbiamo la possibilità di lasciarci andare. Guardare nel dipinto, o attraverso di esso, come potremmo fare con un Rothko Color Field, offre un rilascio che è puro piacere.

James Siena - Tanagra, 2006. Litografia. Composizione (irregolare): 28 7/8 x 43 3/16" (73,4 x 109,7 cm); foglio: 29 1/2 x 43 7/8" (75 x 111,4 cm). Universal Limited Art Editions, Bay Shore, NY. Dono di Emily Fisher Landau. Collezione MoMA. © 2019 James Siena

Eppure, quando parla della differenza tra pensare e sentire, Siena non si riferisce solo a noi, gli spettatori. Si riferisce anche al suo stesso metodo artistico. Potrebbe non sembrare, ma ciascuno dei suoi dipinti è pianificato in anticipo: elabora un sistema che determina la struttura della composizione, quello che lui chiama un "algoritmo visivo". Siena segue questo sistema fino a quando il dipinto non si completa da solo. Quella è la fase del pensiero. Eppure, il processo è inevitabilmente alterato dalle limitazioni della sua mente e del suo corpo. Il piano potrebbe essere meccanico, ma lui, come artista, non lo è. Le sue mani non possono eseguire con lo stesso livello di esattezza di una macchina, né la sua mente può rimanere perfettamente concentrata durante il processo di realizzazione di un dipinto. L'opera è una collaborazione tra piano e azione; tra la previsione di un algoritmo e le sostituzioni richieste dalla fragilità umana. In bilico c'è un commento astratto sul nostro tempo: la fine dell'era dell'informazione e l'alba dell'era dell'immaginazione.

James Siena - Non-Organismo a Denti di Sega Dodici Lobi, 2013. Smalto su alluminio. 19 1/4 x 15 1/8”. Cortesia dell'artista e Pace Gallery. Foto di Tom Barratt.

Fare e lavorare

Una delle difficoltà che a volte incontro quando osservo un dipinto di James Siena è percepire quando e dove fermare il mio sguardo. Nessuna parte dell'immagine si distingue mai come punto focale. Non c'è un soggetto, c'è solo materia. Questo è un testamento alla dedizione di Siena al continuum del lavoro. Ha parlato in passato del tempo e della nozione che, quando sei coinvolto in un processo che richiede tempo, ogni secondo è importante quanto ogni altro secondo. Egli infonde i suoi dipinti con quella stessa filosofia, ma in un senso visivo. L'immagine è una registrazione del tempo. Nessun momento nella creazione dell'opera è stato più importante di un altro momento, e nessun elemento dell'immagine si afferma come più importante di un altro elemento, sebbene ciascuno sia unico.

James Siena - Dr. Michelle Carlson, 2011-2014. Smalto su alluminio. 19-1/4″ x 15-1/4″. Cortesia dell'artista e Pace Gallery. © 2019 James Siena

Il continuum del suo lavoro si trasforma nel continuum della sua pratica, mentre Siena si sposta prolificamente da un dipinto all'altro. La sua furiosa produzione lo ha spinto a evolversi verso la realizzazione di dipinti più grandi con schemi più complessi, ma i fondamenti del suo metodo perdurano. La sua crescente complessità mostra maturità e dedizione. Per un artista è difficile fare la stessa cosa ripetutamente, variando un'azione in modi sempre più sottili e rimanendo fedele al concetto di ripetizione. L'immaginazione e l'inventiva devono essere trovate in luoghi sempre più sfumati. Un artista come Siena, che non utilizza assistenti, non deve chiedersi perché queste linee vengano tracciate, né perché questi sistemi vengano inventati, ma deve semplicemente gioire nel creare e nell'inventare. Allo stesso modo, per i fruitori intraprendere la contemplazione di tali opere richiede uguale devozione alla semplicità, uguale dedizione all'immaginazione e uguale apertura alla gioia.

Immagine in evidenza: James Siena - Coalition, 2011. Litografia a undici colori. 22,50 x 18,00 in (57,1 x 45,7 cm). Edizione di 21. © 2019 James Siena
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio