Amore nell'era della specificità dei mezzi
Come amanti dell’arte, cerchiamo modi per aumentare il nostro godimento dell’arte. Un modo affidabile che abbiamo trovato per farlo è conversare tra noi sull’arte che amiamo, parlare di ciò che ci piace, di ciò che non ci piace e delle ragioni per cui proviamo certe sensazioni. Ci rivolgiamo a critici d’arte, storici e teorici per aiutarci a condividere i nostri pensieri e sentimenti, fornendoci un linguaggio e concetti da usare nelle nostre conversazioni, per dare struttura al nostro scambio. Pochi hanno fatto tanto per informare il modo in cui gli amanti dell’arte contemporanea parlano dell’arte quanto il critico d’arte e saggista Clement Greenberg, noto soprattutto per il suo precoce sostegno agli Espressionisti Astratti. Tra gli altri concetti, Greenberg ha reso popolare l’idea di Specificità del Mezzo. Sfortunatamente, la sua definizione del concetto era alquanto oscura; qualcosa del tipo: “L’area unica e propria di competenza di ogni arte coincide con tutto ciò che è unico nella natura del suo mezzo.”
Specificità del Mezzo - Cosa Significa?
Significa che un’opera d’arte può essere giudicata in base a quanto bene utilizza le proprietà uniche del suo mezzo. Cos’è un mezzo? È la materia fisica dell’arte. Se un vasaio crea una ciotola di argilla, l’argilla è il mezzo. La Specificità del Mezzo è l’idea che il successo della ciotola come opera d’arte dipenda da quanto bene sfrutta le proprietà uniche dell’argilla, come la capacità di essere facilmente modellata; la tendenza a restringersi quando riscaldata; la possibilità di essere colorata prima o dopo la cottura; la tendenza a essere morbida prima della cottura e dura dopo; la granulosità; la coesione; ecc.
Clement Greenberg credeva che, comprendendo le proprietà uniche dell’argilla, un osservatore avrebbe avuto molto di cui parlare nel discutere il successo o il fallimento di un’opera realizzata con l’argilla. Questa è la Specificità del Mezzo.
Holly Miller - Piega #14, 2014, 48 x 48 pollici
Specificità del Mezzo nell’Arte Astratta Contemporanea
La materialità e il processo sono importanti nella pratica di molti artisti astratti contemporanei. Nel tentativo di connettersi con le emozioni e il subconscio, la cosa più importante è non ostacolare il processo. Ogni mezzo, così come ogni tipo di superficie, che sia tela, carta o metallo, ecc., richiede un trattamento diverso affinché le sue qualità essenziali possano essere espresse. La comprensione di queste proprietà uniche è fondamentale per la capacità di un artista astratto di essere libero e di permettere all’opera di manifestarsi.
Holly Miller - Rigonfiamento #14, 2007, 13,8 x 13,8 pollici
Grafite e Filo
La pittrice americana Holly Miller crea immagini astratte applicando vernice acrilica, grafite e filo su superfici di tela. Le opere di Miller incorporano forme geometriche dipinte, linee di grafite, fori praticati nella tela e fili tesi fatti passare attraverso fori selezionati.
La parola grafite si riferisce alla proprietà essenziale del mezzo, la capacità di tracciare o segnare una superficie. Le linee di grafite di Miller evocano un senso di ordine, leggendo come file, pentagrammi o grafici. Il filo aggiunge dimensione all’opera. Le sue proprietà uniche, che includono durata, morbidezza e consistenza, danno la sensazione di qualcosa che viene aggiunto, protetto o forse riparato.
Tenesh Webber - Griglia di Fili, 2006, 19,7 x 19,7 pollici
Filo e Luce
L’artista canadese Tenesh Webber utilizza carta fotografica, filo e luce per creare fotogrammi astratti. Un fotogramma è un’immagine realizzata usando materiali comuni alla fotografia, ma senza usare una macchina fotografica. Webber tende il filo su un telaio, creando motivi stratificati, e poi imprime l’immagine risultante su carta fotografica in bianco e nero.
La luce è la qualità unica del mezzo fotografico. Le immagini di Webber non solo sfruttano la luce, ma possiedono esse stesse un senso di luminescenza, incarnando il processo nel prodotto. Nel disporre il filo, Webber lascia al materiale una certa autodeterminazione, approfittando del desiderio del filo di arricciarsi, piegarsi e non essere perfettamente dritto. Il risultato è un’immagine composta da motivi imperfetti, ma comunque coesi, che suggeriscono sia il caos sia il tocco della mano dell’artista.
Jean Feinberg - P2.14, 2014, 21,7 x 12,2 pollici
Carta e Gouache
L’artista americana Jean Feinberg lavora con materiali e tecniche di pittura e collage. Usa carta trovata come punto di partenza per le sue immagini, sovrapponendola sulla superficie di carta giapponese e aggiungendo immagini astratte dipinte con gouache. Le opere di Feinberg hanno un profondo senso di materialità. Sovrapponendo carta su carta, sfida e allo stesso tempo richiama l’attenzione sulla qualità essenziale della carta, che è la planarità. Il gouache introduce la delicatezza dell’acquerello pur richiamando l’opacità della carta trovata. Lavorando in dialogo con la tavolozza di colori della carta trovata, Feinberg abbraccia il caso, permettendogli di guidare la natura del prodotto finito.
Ognuno di questi artisti crea opere che dimostrano l’essenza della specificità del mezzo, cioè che c’è una collaborazione tra gli artisti e i mezzi che usano per realizzare le loro opere. I materiali e i processi affermano le loro qualità uniche in modo tale che il mezzo aggiunge e approfondisce gli strati interpretativi dell’arte.
Immagine in evidenza: Tenesh Webber - Diamanti, 2002, 7,9 x 7,9 pollici
