Ricordando il Grande Robert Ryman

Il pittore americano Robert Ryman è morto all'età di 88 anni. La sua morte è stata annunciata in una dichiarazione della sua galleria. Artista autodidatta, Ryman ha creato un vasto corpus che ha intrigato, deliziato e confuso gli spettatori per oltre 50 anni. La stragrande maggioranza dei suoi dipinti era per lo più bianca. Ryman era sempre pronto a sottolineare, tuttavia, che non erano destinati a essere "dipinti bianchi". Piuttosto, li descriveva come dipinti in cui il colore bianco era utilizzato come un modo per rendere visibili altre cose. Non stava cercando di rivelare cose lui stesso. Non aveva un'agenda sociale, politica o intellettuale. Piuttosto, stava creando situazioni in cui i dipinti potessero rivelarsi. Il bianco, credeva, era più rivelatore di altri colori. Paragonava l'effetto a versare caffè su una camicia bianca. "Puoi vedere il caffè molto chiaramente," diceva. "Se lo versi su una camicia scura, non lo vedi altrettanto bene." Per quanto riguarda la questione di quali cose fossero rivelate dalla bianchezza nei suoi dipinti, Ryman generosamente lasciava che fosse il pubblico a decidere. Diceva: "Ciò che il dipinto è, è esattamente ciò che le persone vedono." Nel corso dei decenni, le persone hanno riferito di vedere ogni tipo di cose, e non cose, nei suoi dipinti. Alcuni dicono di vedere batuffoli di cotone o formazioni nuvolose. Altri riferiscono di vedere espressioni concettuali dei processi tecnici della pittura. Molti descrivono ciò che vedono come astratto. Ryman, tuttavia, non si considerava un pittore astratto. Considerava i suoi dipinti oggetti autoreferenziali. "Non c'è simbolismo o storia che devo raccontare," diceva. La sua insistenza pacata su questo punto lo ha reso l'ambasciatore perfetto per l'eternità della rilevanza della pittura. Creando centinaia di bellissimi dipinti, senza quasi deviare dal suo uso di un singolo colore, Ryman ha dimostrato innegabilmente che una varietà infinita di dipinti deve ancora essere realizzata.

Dipinti, Non Immagini

Robert Ryman è nato a Nashville, Tennessee nel 1930. Dopo essersi laureato, ha prestato servizio nell'esercito degli Stati Uniti come musicista, suonando in una band della Riserva dell'Esercito durante la Guerra di Corea. Quando si è trasferito a New York nel 1953, lo ha fatto con l'intenzione di diventare un musicista jazz, non un pittore. Non aveva mai nemmeno seguito un corso d'arte prima. La sua principale ambizione era semplicemente trovare un lavoro in città con il minor numero possibile di responsabilità, in modo da potersi concentrare interamente sulla sua vita creativa. Ryman ha accettato un lavoro come guardiano al Museum of Modern Art. È stato lì che ha visto i suoi primi dipinti. All'inizio, non si rendeva conto che ciò che stava guardando erano dipinti, per così dire. Vedeva le cose appese alle pareti del museo come immagini. Vedeva le loro superfici e materiali come secondari rispetto al soggetto che le immagini erano destinate a trasmettere.

Robert Ryman - Attendant, 1984. Olio su fibra di vetro con alluminio, bulloni e viti. 51 7/8 x 47 x 2 1/8" (131,8 x 119,4 x 5,4 cm). Fondo Anne e Sid Bass. Collezione MoMA. © 2019 Robert Ryman

La sua mente cambiò la prima volta che vide un dipinto di Mark Rothko. Disse Ryman: “Non avevo mai visto un dipinto in quel modo prima. Avevo sempre guardato immagini, e qui c'era qualcosa che aveva una sensazione completamente diversa.” Rothko non percepiva i suoi dipinti come immagini. Li considerava porte trascendentali. Intendeva che la superficie, la vernice, i colori, le texture, la luce e l'ambiente fisico del dipinto facessero tutti parte della stessa esperienza. Voleva che gli spettatori non guardassero "ai" dipinti, ma che si immergessero nell'esperienza di essi. Attraverso la contemplazione dei suoi dipinti, Rothko sperava che gli spettatori entrassero in uno stato contemplativo: quello era il vero scopo del suo lavoro. “Non sapevo cosa stesse facendo,” disse Ryman. Ma Ryman era almeno consapevole da quel momento in poi della differenza essenziale tra dipinti e immagini. Ispirato da questa rivelazione, si diresse verso il negozio di ferramenta e per la prima volta nella sua vita comprò colori e una superficie su cui dipingere.

Robert Ryman - Bridge, 1980. Olio e vernice antiruggine su tela con quattro fermagli metallici dipinti e bulloni quadrati. 75 1/2 x 72 in. (191.7 x 182.8 cm). Konrad Fischer, Düsseldorf, Thomas Ammann, Zurigo, Acquistato da quest'ultimo dal proprietario attuale. © 2019 Robert Ryman

Non smettere mai di sperimentare

Non avendo mai partecipato al mondo dell'arte accademica, Ryman era libero da qualsiasi pregiudizio che potesse mettere in discussione la sua comprensione su come realizzare un dipinto. Si aprì a ogni possibilità e si concesse il piacere di godere semplicemente del processo di applicazione della vernice sulle superfici. Si affascinava con la sensazione dei suoi vari strumenti, i modi in cui interagivano con i vari medium e i modi in cui quei medium trasformavano le varie superfici. I suoi primi dipinti erano quasi monocromatici—per lo più verdi o arancioni. Ma il colore dominante non era l'unico colore. "Untitled (Orange Painting)" (1959) è macchiato di gialli, rossi, verdi e blu. L'arancione potrebbe essere la prima cosa che un osservatore vede, ma subito dopo, l'occhio, e poi la mente, sono attratti dalle contraddizioni nell'opera.

Robert Ryman - Senza titolo (Dipinto arancione), 1955 e 1959. Olio su tela. 28 1/8 x 28 1/8" (71,4 x 71,4 cm). Dono frazionale e promesso di Jo Carole e Ronald S. Lauder in onore di David Rockefeller per il suo 100° compleanno. Collezione MoMA. © 2019 Robert Ryman

Quelle contraddizioni sono ciò che alla fine attrasse Ryman al colore bianco, perché forniva contrasti così netti. Eppure, nonostante si affidasse così tanto al colore bianco, Ryman non perse mai il senso di sperimentazione che informava le sue opere più antiche. Era la prova vivente dell'idea che la limitazione genera creatività. Si attenne al bianco, ma utilizzò dozzine di mezzi. Si attenne a un formato quadrato, ma variò le dimensioni, da dipinti piccoli come pochi pollici quadrati a uno che è essenzialmente un muro quadrato. Trovò varietà nei tipi di superfici su cui dipingeva e sperimentò con il modo in cui i suoi dipinti erano attaccati ai muri. L'unica cosa che non variò furono le circostanze in cui i suoi dipinti venivano mostrati. Affinché i suoi dipinti funzionassero correttamente, credeva che dovessero essere esposti sulle pareti di gallerie pulite, con pareti bianche e illuminazione standard. Il suo tradizionalismo espositivo era radicato nella sua convinzione che ogni dipinto abbia qualcosa di proprio che desidera esprimere. "Il dipinto ha bisogno di un certo atmosfera riverente per essere completo," disse una volta Ryman ad Art21. "Deve trovarsi in una situazione in modo da potersi rivelare."

Immagine in evidenza: Robert Ryman - Senza titolo, 1965. Smalto su cartoncino bristol. 7 3/4 x 8 1/8" (19,7 x 20,6 cm). Collezione MoMA. © 2019 Robert Ryman
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio