"Le Odi Pendenti di Ruth Asawa alle Forme Naturali"

Se vi siete mai trovati nel mezzo di un’installazione di Ruth Asawa, capirete che esiste un’arte al di fuori dell’arte; un’arte forgiata non dalla teoria, ma dall’espressione diretta, dall’istinto e dall’ingegno. Asawa realizzava opere che catturavano la bellezza eterea della natura. Diceva di essere stata ispirata da “vedere la luce attraverso le ali degli insetti, osservare i ragni riparare le loro ragnatele nelle prime ore del mattino e vedere il sole attraverso le gocce d’acqua sospese alle punte degli aghi di pino mentre annaffiavo il mio giardino.” Tali fenomeni naturali hanno un’esistenza poetica: sono qui, ma fugaci. Asawa ha catturato questo paradosso nella sua opera più famosa: forme sospese, biomorfe, di metallo intrecciate con una tecnica che Asawa ha appreso dagli artigiani indigeni di cestini in Messico. Le forme racchiudono e definiscono lo spazio, pur permettendo all’aria e alla luce di fluire liberamente attraverso i loro confini. Possono essere viste e toccate, ma in qualche modo sono tanto impalpabili quanto le delicate ombre che proiettano. Non sono naturali, ma adottano il linguaggio visivo e metafisico della natura. Rispettano la natura e imparano da essa—rendendole ambasciatrici di speranza per la nostra generazione. Durante la sua vita, Asawa fu spesso sminuita da critici d’arte misogini che cercavano di ridurre le sue forme intrecciate, perché era una donna che creava ciò che alle loro menti superficiali sembrava artigianato. Asawa esisteva al di fuori della portata delle loro critiche meschine. La sua opera non aveva bisogno di una convalida ufficiale; doveva solo trovare il suo pubblico. Questo sta finalmente accadendo ora, sei anni dopo la sua morte. La galleria David Zwirner ha recentemente firmato per rappresentare il suo patrimonio, un impulso che porterà la sua opera l’attenzione globale che merita. Forse altrettanto significativo, Asawa è stata recentemente commemorata in un doodle di Google per dare inizio al Mese del Patrimonio Asiatico Americano e delle Isole del Pacifico negli Stati Uniti. Il doodle mostrava cinque delle sue sculture biomorfe di metallo che formavano la parola Google, con Asawa a terra che intrecciava la piccola g. Per un’artista che nel 2002 disse di non essere più moderna perché non sapeva nulla di tecnologia, il doodle di Google è un tributo singolare, ma che si spera aiuti a far conoscere a nuovi ammiratori l’opera di un’artista la cui comprensione della natura offre ispirazione quando ne abbiamo più bisogno.

Sopravvivere all’ignoranza

Nata nel 1926 in una piccola cittadina agricola della California, Asawa era solo un’adolescente quando divenne una delle 120.000 persone giapponesi-americane arrestate e forzatamente inviate in campi di internamento quando gli Stati Uniti entrarono nella Seconda Guerra Mondiale. Fu imprigionata con cinque dei suoi sei fratelli e sua madre. La sua sorella minore, che si trovava in visita in Giappone quando il resto della famiglia fu preso in custodia, fu costretta a rimanere da sola in Giappone. Suo padre, nel frattempo—un contadino di 60 anni—fu arrestato dall’FBI e imprigionato in un campo diverso, dove rimase separato dalla famiglia per due anni. Miracolosamente, però, Asawa non nutrì rancore in seguito per le difficoltà che questa esperienza le aveva inflitto. Anzi, attribuisce a quell’esperienza il cambiamento della sua vita, poiché fu proprio nel campo di internamento che si dedicò a diventare un’artista.

Ruth Asawa - Senza titolo (S.069/90), 1990. Scultura, filo di rame. 30,5 × 34,3 × 33,0 cm (12,0 × 13,5 × 13,0 in). Galleria Michael Rosenfeld

Il suo atteggiamento costruttivo verso questa difficile esperienza si estendeva alla sua visione dell’intera guerra. Dopo aver lasciato il campo, frequentò il Milwaukee State Teachers College, ma non le fu permesso insegnare nelle scuole pubbliche a causa della sua origine giapponese. Questo razzismo la spinse a iscriversi al sperimentale Black Mountain College in North Carolina. Il Black Mountain College era il luogo dove molti insegnanti del Bauhaus erano fuggiti dopo essere stati cacciati dalla Germania dai nazisti. Asawa si formò lì per tre anni, lavorando con le menti più brillanti dell’arte, dell’architettura, della danza e della musica, in quella che è stata descritta come un’utopia artistica. Asawa sottolineava però che senza la piaga nazista, una scuola del genere non sarebbe mai esistita negli Stati Uniti. Fu solo perché questi insegnanti furono espulsi dalla loro terra natale che accettarono di lavorare quasi senza paga, coltivando la terra e cucinando i propri pasti. Come per la sua esperienza nei campi di internamento, vedeva il Black Mountain College come un esempio delle cose straordinarie che possono nascere dal fare il meglio di ogni opportunità nella vita, anche quelle dolorose.

Ruth Asawa - Senza titolo (S.454/50), 1957. Scultura, filo di rame. 40,6 × 47,0 × 43,2 cm (16,0 × 18,5 × 17,0 in). Galleria Michael Rosenfeld

La Signora della Fontana

Il suo atteggiamento costruttivo verso la vita rese Asawa un’artista eccezionale, perché comprendeva la necessità che l’arte avesse valore per l’umanità. “L’attivismo è uno spreco,” diceva. “È meglio lavorare su un’idea e svilupparla che distruggere e protestare contro qualcosa che esiste.” Uno dei modi più efficaci che trovò per essere costruttiva con la sua opera fu creare arte pubblica. Nella sua città adottiva di San Francisco, era conosciuta come “La Signora della Fontana,” per le numerose fontane che creò in tutta la città. Forse la sua più famosa è la fontana della sirena che si trova a Ghirardelli Square, davanti all’iconica Ghirardelli Chocolate Company. La fontana per cui i locali amano di più Asawa, però, si chiama semplicemente Fontana di San Francisco, e incarna il suo impegno per un’estetica costruttiva.

Ruth Asawa - Dettaglio della fontana di San Francisco in Union Square.

La fontana è costruita in una scala modesta che conduce a un piccolo parco vicino a Union Square. Per realizzarla, Asawa ha lavorato con bambini di tutta la città, invitandoli a creare modelli di argilla che rappresentassero i loro aspetti preferiti di San Francisco. Dopo che i bambini realizzarono i modelli, Asawa fece fondere le forme di argilla in bronzo per formare il bassorilievo esterno della fontana. Asawa diceva: “Quando lavoro a grandi progetti, come una fontana, mi piace includere persone che non hanno ancora sviluppato il loro lato creativo — persone desiderose di esprimere la loro creatività.” La Fontana di San Francisco è qualcosa che chiunque può incontrare per caso. È facilmente comprensibile e parla del fatto che siamo tutti insieme in questo. Anche se è molto diversa dalle opere per cui Asawa è più conosciuta, è forse l’espressione più perfetta della sua arte: un’espressione estetica diretta e piena di speranza, guidata non dalla teoria accademica, ma dalla comprensione della nostra natura—che siamo tutti insieme in questo.

Immagine in evidenza: Ruth Asawa - Senza titolo (S.383, filo legato montato a parete, stella a sei punte con sei rami), 1967. Scultura sospesa—filo di bronzo. 116,8 x 116,8 x 15,2 cm (46 x 46 x 6 pollici). Esposta alla Galleria David Zwirner, 2017.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio