6 Esempi di Arte Astratta Pubblica sul Confine del Rappresentativo
A volte le persone accolgono con favore l’arte pubblica astratta, altre volte invece decisamente no. Alcune opere d’arte pubblica astratte diventano parti amate del paesaggio urbano; altre vengono fraintese o addirittura odiate da chi convive con esse ogni giorno. In ogni caso, ciò che spesso accade è che, per comprendere perché e come una nuova opera d’arte pubblica astratta abbia occupato il loro spazio, il pubblico crea una narrazione personalizzata su cosa sia l’opera, cosa rappresenti o cosa significhi. Alcune delle opere d’arte pubblica astratte di maggior successo si prestano facilmente a essere interpretate in termini rappresentativi, offrendo agli spettatori la possibilità di relazionarsi con esse su più livelli diversi. Ecco sei opere famose di arte pubblica amate dalle comunità in cui si trovano, e che si collocano al confine tra rappresentazione e astrazione.
Isamu Noguchi - Cubo Rosso (New York)
Situato al 140 di Broadway a New York, il “Cubo Rosso” (1968) di Isamu Noguchi non è in realtà un cubo perfetto. La forma in acciaio dipinto di rosso è leggermente deformata, come se fosse stata allungata. Attraverso il suo centro passa un tunnel circolare cavo. L’opera è facile da interpretare in termini figurativi poiché un cubo è una forma geometrica molto comune. Tuttavia, presenta anche molti elementi astratti e simbolici. Astrattamente, contrasta con l’ambiente circostante poiché le linee di tutte le strutture vicine sono verticali e orizzontali, mentre ogni spigolo del “Cubo Rosso” è diagonale. Il foro circolare sfida il voyeurismo delle innumerevoli finestre circostanti, offrendo un pertugio attraverso cui osservare il grattacielo vicino. Simbolicamente, Noguchi ha detto: “Il cubo significa caso, come il lancio dei dadi,” un riferimento a Wall Street nelle vicinanze. L’artista ha anche osservato che la forma si riferisce ai blocchi “fatti dall’uomo”, mentre il foro circolare si riferisce alla “radiazione solare.”
Isamu Noguchi - Cubo Rosso, Broadway, Manhattan, New York. Crediti fotografici Ðиколай МакÑимович
Sol LeWitt - Piramide a Quattro Facce (Washington)
Situata nel Giardino delle Sculture della National Gallery of Art a Washington, D.C., la “Piramide a Quattro Facce” (1999) è tipica di molte opere di LeWitt, poiché la “struttura”, come la chiamava lui, è stata progettata ma non costruita da lui. Un gruppo di scalpellini e ingegneri l’ha realizzata seguendo le sue istruzioni dettagliate. Simbolicamente, LeWitt ha detto che la forma richiama i grattacieli “a rientranza”, una tendenza architettonica comune a metà del XX secolo che imita la forma della piramide. Figurativamente, chiunque potrebbe guardare quest’opera e pensare che si riferisca alle piramidi egizie. Astrattamente, è profondamente concettuale, poiché LeWitt intendeva che potesse essere ricreata in qualsiasi momento, ovunque, da chiunque. In senso formale astratto, l’opera offre un gioco infinito di linee, forme, motivi e figure, mentre la luce naturale in evoluzione interagisce con le molteplici superfici di cemento e malta.
Sol LeWitt - Piramide a Quattro Facce. prima installazione 1997, realizzata 1999 con blocchi di cemento e malta. dimensioni complessive: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 pollici). Dono della famiglia Donald Fisher 1998.149.1. In esposizione: Giardino delle Sculture. © National Gallery of Art
Henry Moore - Due Grandi Forme (Toronto)
Originariamente installata nel 1973 sul marciapiede davanti alla Art Gallery of Ontario, “Due Grandi Forme” di Henry Moore ora si trova in uno spazio aperto vicino chiamato Grange Park. Le due forme in bronzo incarnano l’interesse di Moore per l’astrazione biomorfa. Richiamano ossa, così come una coppia di corpi umani che interagiscono nello spazio. Assomigliano anche a forme rocciose naturali come quelle scolpite dall’erosione. Quando quest’opera fu spostata nella nuova collocazione, le sue qualità astratte cambiarono significativamente poiché per la prima volta poteva essere vista a 360 gradi. Non più affiancata da un edificio alto, poté esprimere più pienamente le sue qualità organiche naturali. Circondata da erba e alberi, assomiglia molto meno a due forme umane e invita molto di più a un’interpretazione puramente astratta.
Henry Moore - Due Grandi Forme. Art Gallery of Ontario. Crediti fotografici M. Readey
Anish Kapoor - Cancello di Nuvole (Chicago)
Uno degli esempi più evidenti di una scultura pubblica astratta a cui il pubblico ha attribuito un’interpretazione rappresentativa è “Cancello di Nuvole” (2006) di Anish Kapoor. Installata nel Millennium Park di Chicago, la scultura in acciaio inossidabile alta 33 piedi è stata ispirata dalle qualità visive del mercurio liquido. Le sue tendenze astratte includono la presenza biomorfa in mezzo a una giungla imponente di strutture geometriche artificiali, così come la sua capacità di distorcere i riflessi che offre del cielo, della città e dei passanti. Nonostante questi aspetti, gli abitanti di Chicago le hanno dato un nuovo nome, chiamandola “Il Fagiolo,” basandosi interamente sulla sua forma a fagiolo.
Anish Kapoor - Cancello di Nuvole, 2006. Millennium Park, Chicago. Crediti fotografici Nyx Ning
Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - Ago, Filo e Knot (Milano)
Progettata da Claes Oldenburg e sua moglie Coosje van Bruggen, “Ago, Filo e Knot” (2000) è stata installata a Milano, Italia, come parte della ristrutturazione di una stazione ferroviaria vicina. I suoi colori richiamano quelli dell’architettura circostante, e la sua immagine, dice Oldenburg, rappresenta un treno che attraversa una galleria. Questa scultura essenzialmente figurativa ha suscitato una reazione opposta a quella di “Cancello di Nuvole” a Chicago. Piuttosto che rispondere alle sue qualità figurative, i locali la ammirano per il modo in cui le sue linee, colori e forme si contrappongono agli elementi visivi dell’architettura circostante. La sua presenza mette in risalto le qualità visive formali astratte dell’intero spazio pubblico, conferendo alla strada, ai lampioni e agli edifici circostanti un nuovo, distintamente non figurativo aspetto.
Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - Ago, Filo e Knot, 2000. Milano, Italia. Acciaio inossidabile, plastica rinforzata, gelcoat in poliestere, smalto poliuretanico. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 ft × 65 ft × 123 ft). Crediti fotografici MarkusMark
Alexander Calder - L’Aquila (Seattle)
Originariamente eretta a Fort Worth, Texas, “L’Aquila” (1974) di Alexander Calder ricorda chiaramente un uccello rapace. La forma in acciaio dipinto di rosso alta 39 piedi sembra avere due gambe, due ali, una coda e un becco. Tuttavia, nella sua collocazione originale davanti a un grattacielo di vetro, i suoi aspetti figurativi si perdevano. In mezzo all’imponente sfondo di acciaio e vetro, la sua vivace tonalità, le curve biomorfe e le molteplici superfici conferivano all’opera drammatiche qualità formali astratte. Negli anni ’90, però, l’edificio fu venduto e la scultura acquistata da un gruppo di investitori. Fu esposta brevemente al Philadelphia Museum of Art, prima che i collezionisti d’arte dell’area di Seattle Jon e Mary Shirley la comprassero per il Seattle Art Museum. Ora si trova nell’Olympic Sculpture Park sul mare, dove ha assunto una presenza visiva completamente diversa. Non avendo altre strutture alte con cui competere, gli aspetti rappresentativi de “L’Aquila” emergono immediatamente, soprattutto considerando le migliaia di uccelli marini residenti, le cui forme aggraziate e primordiali sono così splendidamente richiamate dall’opera.
Alexander Calder - L’Aquila, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 ft 9 in × 32 ft × 32 ft 6 in). Seattle, Washington. Proprietario: Seattle Art Museum
Immagine in evidenza: Isamu Noguchi - Cubo Rosso, Broadway, Manhattan, New York. Crediti fotografici Ken Lund.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio
