6 Esempi di Arte Astratta Pubblica sul Confine del Rappresentativo

A volte le persone abbracciano l'arte pubblica astratta, e a volte decisamente no. Alcune opere d'arte pubblica astratta diventano parti amate del paesaggio pubblico; altre sono fraintese, o addirittura detestate da coloro che vivono con esse ogni giorno. In ogni caso, ciò che spesso accade è che, per comprendere perché e come alcune nuove opere d'arte pubblica astratta abbiano occupato la loro casa, il pubblico crea una narrazione personalizzata su cosa sia l'opera, cosa rappresenti o cosa significhi. Alcune delle opere d'arte pubblica astratta più riuscite si prestano facilmente a essere interpretate in termini rappresentativi, offrendo agli spettatori la possibilità di relazionarsi ad esse su più livelli diversi. Ecco sei opere famose di arte pubblica che sono amate dalle comunità in cui risiedono e che esistono al confine tra essere considerate rappresentative e astratte.

Isamu Noguchi - Cubo Rosso (New York)

Situato al 140 di Broadway a New York City, “Red Cube” (1968) di Isamu Noguchi non è in realtà un cubo perfetto. La forma in acciaio verniciato di rosso è leggermente distorta, come se fosse stata allungata. Attraverso il suo centro c'è un tunnel circolare cavo. L'opera è facile da relazionare in termini figurativi poiché un cubo è una forma geometrica così comune. Eppure ci sono anche molti elementi astratti e simbolici nell'opera. Astrattamente, contraddice il suo ambiente poiché le linee di tutte le strutture circostanti sono verticali e orizzontali, mentre ogni spigolo di “Red Cube” è diagonale. Il foro circolare sfida il voyeurismo delle innumerevoli finestre circostanti, offrendo un buco da cui osservare il grattacielo vicino. Simbolicamente, Noguchi disse: “Il cubo significa caso, come il lancio dei dadi,” un riferimento alla vicina Wall Street. L'artista notò anche che la forma si riferisce ai blocchi "artificiali", mentre il foro circolare si riferisce alla "radiazione solare."

Isamu Noguchi - Cubo Rosso, Broadway, Manhattan, New York. Crediti foto Николай Максимович

Sol LeWitt - Piramide a Quattro Facce (Washington)

Situato nel Giardino delle Sculture della National Gallery of Art a Washington, D.C., “Piramide a Quattro Facce” (1999) è tipico di molte opere di LeWitt, poiché la “struttura”, come la chiamava, è stata progettata ma non costruita da lui. Un team di muratori e ingegneri l'ha costruita sulla base delle sue istruzioni dettagliate. Simbolicamente, LeWitt ha detto che la forma fa riferimento ai grattacieli “ritirati”, una tendenza architettonica comune a metà del XX secolo che imita la forma della piramide. Figurativamente, chiunque potrebbe guardare quest'opera e supporre che faccia riferimento alle piramidi egiziane. Astrattamente, è profondamente concettuale, poiché LeWitt intendeva che potesse essere ricreata in qualsiasi momento, ovunque, da chiunque. In un senso astratto formale, l'opera offre un'interazione in continua evoluzione di linee, forme, modelli e figure, mentre la luce naturale in evoluzione interagisce con i numerosi superfici di cemento e malta.

Sol LeWitt - Piramide a Quattro Facce. prima installazione 1997, fabbricata 1999 blocchi di cemento e malta. dimensioni complessive: 458,2 x 1012,2 x 970,9 cm (180 3/8 x 398 1/2 x 382 1/4 in.). Dono della Famiglia Donald Fisher 1998.149.1. In Mostra: Giardino delle Sculture. © National Gallery of Art

Henry Moore - Grandi Due Forme (Toronto)

Originariamente installata nel 1973 sul marciapiede di fronte alla Art Gallery of Ontario, “Large Two Forms” di Henry Moore risiede ora in uno spazio aperto vicino chiamato Grange Park. Le due forme in bronzo incarnano l'interesse di Moore per l'astrazione biomorfica. Evocano riferimenti a ossa, così come a un paio di corpi umani che interagiscono tra loro nello spazio. Assomigliano anche a forme di roccia naturale che potrebbero essere scolpite dall'erosione. Quando quest'opera è stata spostata nella sua nuova posizione, le sue qualità astratte sono cambiate significativamente poiché per la prima volta era visibile da 360 gradi. Non più affiancata da un alto edificio, era libera di esprimere più pienamente le sue qualità organiche naturali. Circondata da erba e alberi, assomiglia molto meno a due forme umane e invita molto di più a un'interpretazione puramente astratta.

Henry Moore - Grandi Due Forme. Galleria d'Arte dell'Ontario. Crediti foto M. Readey

Anish Kapoor - Cloud Gate (Chicago)

Uno dei più ovvi esempi di una scultura pubblica astratta a cui il pubblico ha assegnato un'interpretazione rappresentativa è “Cloud Gate” (2006) di Anish Kapoor. Installata nel Millennium Park di Chicago, la scultura in acciaio inossidabile alta 33 piedi è stata ispirata dalle qualità visive del mercurio liquido. Le sue tendenze astratte includono la sua presenza biomorfica in mezzo a una giungla torreggiante di strutture geometriche manufatte, così come la sua capacità di distorcere i riflessi che offre del cielo, della città e dei passanti. Nonostante questi aspetti, il popolo di Chicago le ha famosamente dato un nuovo nome, chiamandola “The Bean”, basato interamente sulla sua forma di fagiolo renale.

Anish Kapoor - Cloud Gate, 2006. Millennium Park, Chicago. Crediti foto Nyx Ning

Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - Ago, Filo e Nodo (Milano)

Progettato da Claes Oldenburg e sua moglie Coosje van Bruggen, “Needle, Thread and Knot” (2000) è stato installato a Milano, Italia, come parte della ristrutturazione di una stazione ferroviaria vicina. I suoi colori richiamano quelli dell'architettura circostante e la sua immagine, dice Oldenburg, rappresenta un treno che attraversa un tunnel. Questa scultura essenzialmente figurativa ha avuto una reazione opposta rispetto a quella di “Cloud Gate” a Chicago. Invece di rispondere alle sue qualità figurative, i locali la ammirano per il modo in cui le sue linee, colori e forme si accostano agli elementi visivi dell'architettura circostante. La sua presenza mette in risalto le qualità visive astratte formali dell'intero spazio pubblico, dando alla strada, ai lampioni e agli edifici circostanti un nuovo, distintamente non figurativo fascino.

Claes Oldenburg e Coosje van Bruggen - Ago, Filo e Nodo, 2000. Milano, Italia. Acciaio inossidabile, plastica rinforzata, gelcoat in poliestere, smalto in poliuretano. 18 m × 20 m × 37,5 m (59 ft × 65 ft × 123 ft). Crediti foto MarkusMark

Alexander Calder - L'Aquila (Seattle)

Originariamente eretto a Fort Worth, Texas, “L'Aquila” (1974) di Alexander Calder somiglia chiaramente a un uccello rapace. La forma in acciaio dipinto rosso alta 39 piedi sembra avere due gambe, due ali, una coda e un becco. Tuttavia, nella sua posizione originale di fronte a un grattacielo di vetro, i suoi aspetti figurativi si sono persi. In mezzo allo sfondo di acciaio e vetro torreggiante, il suo colore vivace, le curve biomorfiche e i molteplici piani conferivano all'opera drammatiche qualità astratte formali. Ma negli anni '90, l'edificio fu venduto e la scultura fu acquistata da un gruppo di investimenti. Fu esposta brevemente al Philadelphia Museum of Art, prima che i collezionisti d'arte della zona di Seattle, Jon e Mary Shirley, la comprassero per il Seattle Art Museum. Ora risiede nel parco scultoreo olimpico a riva oceano, dove ha assunto una presenza visiva completamente diversa. Senza altre strutture alte con cui competere, gli aspetti rappresentativi di “L'Aquila” emergono immediatamente in primo piano, specialmente considerando i migliaia di uccelli marini residenti, le cui forme aggraziate e primordiali sono così splendidamente richiamate nell'opera.

Alexander Calder - L'Aquila, 1971. 11,81 m × 9,8 m × 9,91 m (38 ft 9 in × 32 ft × 32 ft 6 in). Seattle, Washington. Proprietario: Seattle Art Museum

Immagine in evidenza: Isamu Noguchi - Cubo Rosso, Broadway, Manhattan, New York. Crediti foto Ken Lund.

Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo

Di Phillip Park