L'importanza della serie Burst di Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb una volta disse: “Il ruolo dell’artista, naturalmente, è sempre stato quello di creatore di immagini. Tempi diversi richiedono immagini diverse.” Gottlieb ha vissuto molte epoche nettamente differenti e ha cambiato il suo metodo tre volte in modo significativo per rispondere all’evoluzione della cultura. La sua opera ha raggiunto l’apice con i suoi dipinti Burst, una serie che iniziò nel 1957 e continuò ad ampliare fino alla sua morte nel 1974. Il linguaggio visivo dei Burst è semplice e diretto: la tela è divisa in due zone: superiore e inferiore. La zona superiore è abitata da una o più forme circolari in una gamma limitata di colori; la zona inferiore è abitata da un’esplosione frenetica e gestuale di energia vorticosa e cacofonica, normalmente dipinta in nero. Per Gottlieb, i dipinti Burst rappresentavano l’espressione ultima della sua grande idea: che nell’universo esistono polarità simultanee, come oscurità e luce. La saggezza convenzionale tende a descrivere tali forze come se fossero dicotomiche, come se la luce fosse fondamentalmente opposta all’oscurità. Gottlieb capiva che luce e oscurità sono punti su uno spettro, fatti della stessa sostanza dispersa in misura diversa. Considerava le polarità così simili che una può diventare l’altra con solo una lieve spinta delle forze in gioco, e le due zone nei suoi dipinti Burst operano in modo simile. Le forme circolari sembrano essere in equilibrio, fluttuando con sicurezza sopra ciò che appare come una mischia. Ma entrambe fanno parte della stessa immagine, e nessuna delle due è in uno stato fisso di esistenza. Ciò che è in alto può scendere, e ciò che appare caotico, nelle giuste circostanze, può coagulare e diventare uno.

I principali Burst

Esempi di dipinti Burst adornano alcune delle collezioni d’arte più venerate al mondo. Il massiccio “Blast I” (1957), che misura 228,7 x 114,4 cm, è esposto al MoMA di New York. Su di esso, un’enorme sfera rossa fluttua stoicamente sopra un altrettanto minaccioso ammasso di segni gestuali neri. Questa immagine iconica ha dato inizio alla serie, e una rivisitazione carica di poesia della sua iconografia è apparsa di nuovo nel 1973, solo un anno prima della morte di Gottlieb. In “Burst” (1973), uno degli ultimi dipinti creati dall’artista prima di morire, la sfera rossa si è ammorbidita e ha iniziato a disassemblarsi, inviando bagliori rosa nell’etere. Nel frattempo, la mischia caotica di segni gestuali si è frammentata in una sorta di famiglia di forme, affondando sotto la linea dell’orizzonte, apparentemente emettendo tentacoli e semi nello spazio.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olio su tela. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson Fund. © Fondazione Adolph ed Esther Gottlieb/Concesso in licenza da VAGA, New York, NY. Collezione MoMA.

Tra gli altri famosi dipinti Burst c’è “Blues” (1962), ora nella collezione dello Smithsonian American Art Museum. La sua tavolozza blu e nera è cupa e serena, l’oscurità sembra un’eclissi o un’immagine residua solarizzata. “Trinity” (1962), un altro monumentale Burst, è esposto nella collezione permanente del Crystal Bridges Museum of American Art. Questa tela di 203,2 x 469,9 cm estende il campo visivo orizzontalmente. Tre sfere solide — una blu, una rossa e una nera — fluttuano nello spazio sopra un elegante insieme di segni calligrafici. I segni sembrano proiettare un’ombra grigia mentre una gentile sfera gialla fluttua nella zona intermedia tra la zona superiore e quella inferiore. La gamma di variazioni esemplificata da “Blues” e “Trinity” dimostra la grande varietà che Gottlieb ha esplorato nel suo tema relativamente semplice, conferendo a ogni opera della serie Burst un senso idiosincratico di significato tutto suo.

Adolph Gottlieb - Icon, 1964. Olio su tela. 144 x 100". © Fondazione Adolph ed Esther Gottlieb.

Prepararsi a esplodere

Sebbene abbia iniziato a dipingere negli anni Venti, il percorso che Gottlieb ha intrapreso per arrivare al semplice genio dei suoi dipinti Burst è iniziato negli anni Trenta. Fu allora che abbracciò il Surrealismo e il suo interesse per il subconscio. Giunse alla consapevolezza che le espressioni estetiche più essenziali sono senza tempo perché si riferiscono a realtà esistenziali fondamentali come potere, paura, nascita e morte: la materia dei miti. La sua ricerca in questa direzione lo portò a sviluppare la sua prima grande serie di dipinti, che chiamò Pictographs. Basati su un linguaggio simbolico e intuitivo di forme astratte, i suoi Pictographs erano strutturati all’interno di griglie — un tentativo di trasmettere espressioni compartimentate della realtà. Sebbene spesso considerati astratti, Gottlieb descriveva i suoi Pictographs come realistici poiché esprimevano la vera, ansiosa e misteriosa condizione umana. Li dipinse fino al 1951, quando decise che i tempi richiedevano qualcosa di nuovo. In cerca di un metodo semplificato, abbandonò la griglia e divise la tela in due — una parte superiore e una inferiore con una linea d’orizzonte tra di esse. Chiamò questa nuova serie Paesaggi Immaginari, perché trasmettevano il paesaggio interiore dell’esistenza, inclusi stati emotivi, intellettuali, intuitivi e subconscî.

Adolph Gottlieb - Uomo che guarda donna, 1949. Olio su tela. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Dono dell’artista. © Fondazione Adolph ed Esther Gottlieb/Concesso in licenza da VAGA, New York, NY. Collezione MoMA.

La serie Burst si è evoluta dai Paesaggi Immaginari e rappresenta la distillazione della stessa idea. Gottlieb semplificò ciò che accadeva nelle parti superiore e inferiore dei Paesaggi Immaginari, e smise di affidarsi a una vera linea d’orizzonte per dividere la tela in due parti. Ma i dipinti Burst rappresentano anche una sorta di aggiunta — l’aggiunta dello spazio. In termini semplici, Gottlieb si rese conto che quando la linea d’orizzonte veniva rimossa, l’unica cosa tra le forme superiore e inferiore sulla tela era lo spazio, e più grande era la tela, più epiche e distese apparivano le forme, e più spazio sembrava esserci. Ma non pensava allo spazio solo in termini di distanza misurabile. Aveva più a che fare con la totalità del mondo visivo ed emotivo del dipinto. Le forme abitano lo stesso spazio, eppure occupano territori distinti all’interno di esso. Il loro spazio cromatico è distinto; il loro spazio formale è distinto; il loro spazio lineare è unico; e il loro spazio intellettuale è unico. In definitiva, questa è la nozione di spazio che era vitale per come Gottlieb percepiva i suoi dipinti Burst, perché lo intendeva come un’espressione elevata della totalità dell’esistenza e del mito delle sue parti apparentemente individuali.

Immagine in evidenza: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olio su tela. 80 x 185". © Fondazione Adolph ed Esther Gottlieb.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio