L'importanza della serie Burst di Adolph Gottlieb

Adolph Gottlieb una volta disse: “Il ruolo dell'artista, ovviamente, è sempre stato quello di creatore di immagini. Tempi diversi richiedono immagini diverse.” Gottlieb ha testimoniato molte epoche distintamente diverse e ha cambiato tre volte in modo significativo il suo metodo per rispondere all'evoluzione della cultura. La sua opera ha raggiunto l'apice con i suoi dipinti Burst, una serie che iniziò nel 1957 e continuò ad espandere fino alla sua morte nel 1974. Il linguaggio visivo dei Burst è semplice e diretto: la tela è divisa in due zone: superiore e inferiore. La zona superiore è abitata da una o più forme circolari in una gamma limitata di colori; la zona inferiore è abitata da un'esplosione frenetica e gestuale di energia cacofonica e vorticosa, normalmente dipinta di nero. Per Gottlieb, i dipinti Burst significavano l'espressione ultima della sua grande idea: che esistono simultaneamente polarità nell'universo, come oscurità e luce. La saggezza convenzionale tende a descrivere tali forze come se fossero dicotomiche, come se la luce fosse fondamentalmente opposta all'oscurità. Gottlieb capiva che luce e oscurità sono punti su uno spettro e fatti della stessa sostanza distribuita in misure diverse. Considerava le polarità così simili che una può diventare l'altra con solo il più lieve impulso da parte delle forze in gioco, e le due zone nei suoi dipinti Burst operano in modo simile. Le forme circolari sembrano avere tutto sotto controllo, fluttuando con sicurezza sopra quello che appare essere un conflitto. Ma entrambi fanno parte della stessa immagine e nessuno è in uno stato fisso di esistenza. Ciò che è in alto può scendere, e ciò che appare caotico, nelle giuste circostanze, può coalescere e diventare uno.

Le grandi esplosioni

Esempi di dipinti Burst adornano alcune delle collezioni d'arte più rispettate al mondo. Il massiccio “Blast I” (1957), che misura 228,7 x 114,4 cm, è appeso al MoMA di New York. Su di esso, un gargantuesco orbita rossa si libra stoicamente sopra un altrettanto minaccioso groviglio di segni neri e gestuali. Questa immagine iconica ha dato inizio alla serie, e una rivisitazione poetica della sua iconografia è riapparsa nel 1973, solo un anno prima della morte di Gottlieb. In “Burst” (1973), uno degli ultimi dipinti creati dall'artista prima della sua morte, l'orbita rossa si è ammorbidita e ha cominciato a disassemblarsi, inviando esplosioni di sole rosa nell'etere. Nel frattempo, il caotico groviglio di segni gestuali si è spezzato in una sorta di famiglia di forme, affondando sotto la linea dell'orizzonte, apparentemente emettendo tentacoli e semi nello spazio.

Adolph Gottlieb - Blast I, 1957. Olio su tela. 7' 6" x 45 1/8" (228,7 x 114,4 cm). Philip Johnson Fund. © Adolph e Esther Gottlieb Foundation/Licensed by VAGA, New York, NY. Collezione MoMA.

Tra le altre famose opere di Burst c'è “Blues” (1962), ora nella collezione del Smithsonian American Art Museum. La sua palette blu e nera è cupa e serena, l'oscurità appare come un'eclissi, o un'immagine dopo solarizzata. “Trinity” (1962), un altro monumentale Burst, è esposto nella collezione permanente del Crystal Bridges Museum of American Art. Questa tela di 203,2 x 469,9 cm estende il campo visivo orizzontalmente. Tre orbite solide—una blu, una rossa e una nera—fluttuano nello spazio sopra un elegante assemblaggio di segni calligrafici. I segni sembrano proiettare un'ombra grigia mentre un gentile orbita gialla si libra nel mezzo tra le zone superiore e inferiore. La gamma di variazione esemplificata da “Blues” e “Trinity” dimostra la straordinaria varietà che Gottlieb ha esplorato nel suo tema relativamente semplice, conferendo a ciascuna opera della serie Burst un senso idiosincratico di significato tutto suo.

Adolph Gottlieb-Icona, 1964. Olio su tela. 144 x 100". ©Adolph e Esther Gottlieb Foundation.

Preparandosi a scoppiare

Sebbene abbia iniziato a dipingere negli anni '20, il percorso che Gottlieb ha intrapreso per arrivare al semplice genio dei suoi dipinti Burst è iniziato negli anni '30. È allora che ha preso a cuore l'abbraccio surrealista del subconscio. È giunto alla realizzazione che le espressioni estetiche più essenziali sono senza tempo perché si riferiscono a realtà esistenziali fondamentali come il potere, la paura, la nascita e la morte: la sostanza dei miti. La sua ricerca in questa linea di pensiero lo ha portato a sviluppare la sua prima grande serie di dipinti, che ha chiamato Pictographs. Basati su un linguaggio simbolico e intuitivo di forme astratte, i suoi Pictographs erano strutturati all'interno di griglie—un tentativo di trasmettere espressioni compartimentate della realtà. Sebbene spesso considerati astratti, Gottlieb descriveva i suoi Pictographs come realistici poiché esprimevano la vera, ansiosa e misteriosa condizione umana. Li dipinse fino al 1951, quando decise che i tempi richiedevano qualcosa di nuovo. In cerca di un metodo semplificato, abbandonò la griglia e divise la tela in due—una parte superiore e una inferiore con una linea dell'orizzonte tra di esse. Chiamò questa nuova serie Paesaggi Immaginari, perché trasmettevano il paesaggio interiore dell'esistenza, inclusi stati emotivi, intellettuali, intuitivi e subconscio.

Adolph Gottlieb - Uomo che guarda una donna, 1949. Olio su tela. 42 x 54" (106,6 x 137,1 cm). Dono dell'artista. © Adolph e Esther Gottlieb Foundation/Concesso in licenza da VAGA, New York, NY. Collezione MoMA.

La serie Burst è evoluta dalle Paesaggi Immaginari e rappresenta la distillazione della stessa idea. Gottlieb ha semplificato ciò che accadeva nelle parti superiore e inferiore dei Paesaggi Immaginari, smettendo di fare affidamento su una linea dell'orizzonte reale per dividere la tela in due parti. Ma i dipinti Burst rappresentano anche una sorta di aggiunta: l'aggiunta dello spazio. Mettendola nei termini più semplici, Gottlieb si rese conto che, quando la linea dell'orizzonte veniva rimossa, l'unica cosa tra le forme superiori e inferiori sulla tela era lo spazio, e più grande era la tela, più epiche si diffondevano le forme, e più spazio sembrava esserci. Ma non pensava allo spazio solo in termini di distanza misurabile. Aveva più a che fare con l'interezza del mondo visivo ed emotivo del dipinto. Le forme abitano lo stesso spazio eppure occupano territori distintivi all'interno dello spazio. Il loro spazio cromatico è distinto; il loro spazio formale è distinto; il loro spazio lineare è unico; e il loro spazio intellettuale è unico. In definitiva, questa è la nozione di spazio che era vitale per come Gottlieb percepiva i suoi dipinti Burst, perché lo comprendeva come un'espressione elevata della totalità dell'esistenza e del mito delle sue apparentemente parti individuali.

Immagine in evidenza: Adolph Gottlieb - Trinity, 1962. Olio su tela. 80 x 185". ©Adolph e Esther Gottlieb Foundation.
Tutte le immagini sono utilizzate solo a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio