Quando Romare Bearden è diventato astratto

Se, come molte persone, vi siete persi la mostra Astratta Romare Bearden alla Galleria DC Moore di New York questo inverno a causa della comparsa del COVID-19, non temete: una mostra ancora più ampia, intitolata Romare Bearden: Astrazione, inizierà il suo tour negli Stati Uniti in autunno (a condizione che il virus abbia fatto il suo corso entro allora). Entrambe queste mostre meritano lode per andare oltre le opere figurative ampiamente conosciute per cui Bearden era noto, offrendo un’immersione profonda in un aspetto poco apprezzato della carriera di uno degli artisti più influenti e introspettivi del XX secolo—le sue astrazioni espressive di grande formato. Bearden emerse per la prima volta all’inizio del secolo come artista realista sociale. Le sue prime opere avevano come soggetto la condizione degli afroamericani in una cultura vincolata e determinata a emarginarli a causa del colore della loro pelle. Considerando l’impatto profondo che il suo lavoro figurativo ha avuto sulla cultura, sorprende alcune persone oggi scoprire che Bearden si è anche immerso profondamente nel regno dell’astrazione. Eppure, per Bearden, questo non fu affatto una vera e propria deviazione. Egli percepiva tutti i tipi di arte—figurativa, astratta, concettuale, qualunque essa fosse—come parte di uno sforzo unificato che l’umanità ha sempre compiuto per comprendere meglio se stessa e la propria esistenza. Considerava l’arte come qualcosa che scorre, ma distinto dall’esperienza reale, e quindi non vincolato da regole che impongano di rispecchiare ciò che vediamo realmente. “L’arte,” disse una volta Bearden, “è artificio, o un’impresa creativa, la cui funzione primaria è quella di aggiungere alla nostra concezione esistente della realtà.” Le sue opere astratte illustrano questo concetto in modo sublime e offrono una nuova prospettiva sul potenziale dell’astrazione di aiutarci a vedere noi stessi e il nostro mondo in modi nuovi.

Metafore e Miti

Romare Bearden - River Mist, 1962. Olio su lino non preparato, e olio, caseina e matita colorata su tela, tagliata, strappata e montata su tavola dipinta. 54 1/4 x 40 7/8 pollici. Galleria DC Moore

Pur avendo uno stile iniziale piuttosto moderno, e già allora accennando a una consapevolezza del potenziale comunicativo dell’astrazione, era anche in qualche modo simile a quello di molti pittori regionalisti che l’America stava producendo in quel periodo. Bearden voleva più che il suo lavoro fosse etichettato come regionale, o anche solo figurativo. Voleva infondere alle sue pitture una metafora, per collegare l’esperienza individuale a una comprensione collettiva. Dopo aver terminato il servizio militare nella Seconda Guerra Mondiale, tornò in Europa per visitare gli studi dei modernisti europei. Al suo ritorno a New York, esplorò le tecniche apprese da loro e si avvicinò anche all’Espressionismo Astratto e a varie altre posizioni contemporanee, alla ricerca della sua voce autentica. Essenziale per la sua evoluzione fu la sua fede nell’attivismo sociale e la sua partecipazione quotidiana alla lotta per i Diritti Civili. A volte, la sua ricerca artistica sembrava persino entrare in conflitto con le sue convinzioni politiche. In un’occasione, Bearden affermò famosamente: “L’artista nero deve pensare a se stesso non principalmente come artista nero, ma come artista.” Successivamente mise in discussione quella affermazione, rendendosi conto dell’inutilità per qualsiasi persona creativa di rimuovere circostanze ed esperienze personali dal proprio lavoro.

Romare Bearden - Old and New, 1961. Olio su tela. 50 x 60 1/16 pollici. Galleria DC Moore

Il Collage come Azione Sociale

Bearden arrivò a quella che si potrebbe definire astrazione pura verso la fine degli anni Cinquanta. Circa quattro anni dopo che Helen Frankenthaler iniziò a usare la tecnica del “soak-stain” (immersione e macchia), Bearden arrivò indipendentemente a un metodo simile. Ispirato dal lavoro che stava facendo con un calligrafo cinese, iniziò a diluire i suoi colori a olio e a versarli su tela grezza, permettendo loro di mescolarsi per creare composizioni colorate e cosmiche. Come per le sue opere figurative, Bearden percepiva queste astrazioni come espressioni di qualcosa di essenziale sulla condizione umana. Alcuni dei suoi materiali non si mescolavano, causando vivide separazioni sulla superficie di un dipinto; altri si mescolavano creando qualcosa di più complesso e stratificato di quanto ciascuno avrebbe potuto ottenere da solo; alcune aree delle sue tele astratte venivano lasciate grezze, fungendo da momenti di rivelazione; alcune zone sembrano libere e fluide, mentre altre appaiono strettamente controllate e pianificate. All’interno di queste realtà espressive, Bearden esprimeva idee, emozioni e associazioni della sua esistenza umana quotidiana.

Romare Bearden - White Mountain, c. 196. Olio e caseina su tela, tagliata e montata su tavola dipinta con grafite. 50 x 34 3/4 pollici. Galleria DC Moore

Alcune delle sue composizioni astratte più distintive fanno uso della tecnica del collage, che Bearden iniziò a utilizzare intorno al 1963. Più di un anno prima che lo scrittore canadese Marshall McLuhan coniasse la frase “il mezzo è il messaggio,” Bearden dimostrò una profonda comprensione di quella stessa idea mostrando come il mezzo del collage esprima il messaggio dell’azione collettiva. I suoi collage astratti non rappresentano solo una composizione unificata di colori, forme e texture—mostrano anche come elementi diversi possano essere combinati per creare qualcosa di unificato, potente e chiaro. Il loro aspetto assemblato e l’evidente artificio, infatti, “aggiungono alla nostra concezione esistente della realtà” in modo profondo e bello.

Romare Bearden: Astrazione, con una vasta selezione di collage e dipinti astratti di Bearden, aprirà al Museo d’Arte dell’Università del Michigan a Ann Arbor, Michigan il 10 ottobre 2020; al Museo d’Arte Frye a Seattle, Washington il 13 febbraio 2021; e al Museo d’Arte Gibbes a Charleston, South Carolina il 15 ottobre 2021.

Immagine in evidenza: Romare Bearden - Feast, 1969. Collage di vari tipi di carta su pannello di legno. 21 x 25 pollici. Galleria DC Moore.
Tutte le immagini sono usate a scopo illustrativo
Di Phillip Barcio