2017년 아트 바젤 마이애미 비치에서 가고시안과 제프리 디치의 '추상 / 비추상'
2017년 아트 위크 마이애미가 종료되었고, 10개 이상의 동시 개최 박람회와 도시 곳곳의 수많은 팝업 전시가 있었던 만큼, 아무도 모든 것을 보지 못했다고 말하는 것이 안전하다. 그러나 경쟁에도 불구하고, 제프리 다이치 / 래리 가고시안 아트 바젤 마이애미의 협업은 디자인 지구의 무어 빌딩에서 3년 연속으로 주목받는 전시 중 하나가 되었다. 다이치와 가고시안은 현재 살아있는 가장 경험이 풍부하고 지식이 많은 아트 마켓 베테랑 중 하나이다. 다이치는 1970년대 초 매사추세츠의 한 호텔의 작은 방에서 갤러리를 열며 대학 시절 경력을 시작했다. 그는 80년대에 시티은행의 아트 투자 부서를 설립하였고, 90년대에는 뉴욕에 다이치 프로젝트를 열었다. 그는 2010년에 갤러리를 닫고 로스앤젤레스 현대 미술관의 관장직을 수락했다. 2015년에 그 역할을 떠난 이후, 그는 다시 아트 딜러의 뿌리로 돌아왔다. 가고시안도 대학에서 경력을 시작했다. 그는 1960년대 UCLA 캠퍼스 근처에서 포스터를 판매하며 시작했다. 그는 점차 사업을 확장하여 로스앤젤레스와 뉴욕에 갤러리를 열게 되었다. 가고시안 갤러리는 1980년에 개관하였고, 현재 전 세계에 16개의 지점을 두고 있다. 이 두 비전aries는 2015년에 ” 언리얼리즘 ”이라는 전시로 마이애미 비치 협업을 시작했으며, 이 전시는 50명의 국제 아티스트의 작품을 선보이며 현대 미술에서 인물 이미지를 회귀하는 것으로 그들이 보았던 것을 탐구했다. 2016년에는 다이애나 위드마이어 피카소(예술가의 손녀)를 초대하여 “ 욕망 ”이라는 전시를 기획하게 하였으며, 이는 50명의 아티스트의 작품에서 현대적 에로티시즘 개념을 탐구하는 전시였다. 올해, 다이치와 가고시안은 첫 번째 협업에서 180도 전환하여 “ABSTRACT / NOT ABSTRACT”라는 전시를 선보였으며, 이는 33명의 아티스트의 작품을 특징으로 하여 현대 추상 미술의 방대한 깊이와 폭을 탐구하고자 했다.
이 뿌리는 깊이 뻗어 있다
ABSTRACT / NOT ABSTRACT에 대한 초기 보도 자료는 전시회가 추상화의 전체 진화를 보여주려는 시도가 될 것처럼 들리게 만들었습니다. 그것은 추상화의 뿌리가 약 1910년으로 거슬러 올라간다고 언급하며, 100년이 넘은 지금도 예술가들이 추상 미술의 경계를 탐구하고 확장하는 새로운 방법을 찾고 있다는 것이 얼마나 놀라운 일인지에 대한 아이디어를 제시했습니다. 야심 차긴 했지만, 33명의 예술가만을 특징으로 하고 무어 빌딩에서 열리는 그런 전시회의 생각은 저를 두렵게 했습니다. 그 공간은 크고 아름다우며, 예술을 전시할 수 있는 많은 멋진 공간이 있지만, 현대 추상화의 뿌리에 대한 전체 이야기를 전하기 위해서는 훨씬 더 많은 공간과 아마도 수천 명의 예술가가 필요할 것입니다.
다행히도 전시회의 최종 형태는 그 야심찬 과제를 시도하지 않았습니다. 그 범위는 확실히 더 현대적인 것으로 끝났습니다. 그것은 지난 40년간의 추상에 대한 탐구와 더 같았습니다. 전시회에 포함된 노인들 중에는 존 암레더와 리차드 프린스가 있으며, 두 사람 모두 70세에 가까워지고 있고, 루돌프 스팅겔, 제프 쿤스, 그리고 알베르트 외헬렌이 모두 60대입니다. 젊은 쪽에서는 토리 손턴(27)이 주목할 만한데, 그의 기발하고 아르 브뤼 스타일의 작품은 토요일 아침 만화와 네온 황무지 사이의 꿈의 세계를 불러일으킵니다; 아날리아 사반(37)은 그녀의 부드럽고 자연적인 색조의 창작물이 사치를 불러일으키면서도 항상 숨겨져 있는 무언가를 암시합니다; 그리고 코라크릿 아루나논차이(31)는 그의 시각적으로 폭발적인 다학제적 작업이 색상과 형태를 흥미로운 방식으로 사용하여 캔버스와 스크린에서 보이지 않는 에너지를 생생하게 만듭니다.
Jeff Koons - Landscape (Waterfall) I, 2007. © Jeff Koons. Photography by Rob McKeever. Courtesy Gagosian
현대 추상화를 위한 새로운 맥락
ABSTRACT / NOT ABSTRACT에 대해 가장 신선한 점은 최근 몇 년간 예술 매체가 추상 미술에 대해 가지고 있던 제한된 개념을 확장하는 데 성공했다는 것입니다. 저는 이 전시가 이른바 좀비 포멀리즘의 존재에 대한 효과적인 주장을 했다고 느끼는 많은 작가들 중 한 명입니다. 제가 이 용어를 처음 읽은 것은 2014년, Walter Robinson이 Artspace에 쓴 기사에서였습니다. Robinson은 이 용어를 현대 추상이 너무 비슷하게 보인다고 그의 의견을 한탄하는 방식으로 사용했습니다. 그는 이를 "‘포멀리즘’은 이 예술이 회화를 만드는 직설적이고 축소적이며 본질적인 방법을 포함하기 때문에... 그리고 ‘좀비’는 Clement Greenberg의 버려진 미학을 되살리기 때문"이라고 설명했습니다. 제 생각에 그 관점이 부족한 것은 시각입니다. 그것은 계몽된 비판보다는 짧은 시간에 비슷한 종류의 작업을 특징으로 하는 전시를 너무 많이 다녀온 과중한 예술 리뷰어의 고통스러운 불평처럼 들립니다.
현실은 로빈슨이 말한 것보다 더 생생하다. 물론, 과거는 현재에 영향을 미친다. 하지만 현대 미학에 관해서는 모든 시대의 모든 것이 항상 유효하다. 질감을 좋아하는 사람은 질감을 탐구하는 수백 명의 예술가들의 작품을 보는 것을 즐길 수 있으며 결코 지루해하지 않을 것이다. 색상 관계에서 의미를 찾는 사람은 색상 이론에 집착하는 수백 명의 예술가들을 보고도 결코 피곤해하지 않을 것이다. 추상을 감상하고 새로운 예술 작품을 만드는 데 내재된 어려움을 이해하는 사람은 파생적이고 진부하게 보이게 만드는 레이블로 전체 예술가 세대를 비난하지 않을 것이다. 그래서 나는 데이치와 가고시안을 칭찬한다. ABSTRACT / NOT ABSTRACT를 통해 그들은 좀비 형식주의의 개념을 잠재우기 위해 작은 역할을 했다. 그들이 훨씬 더 많은 예술가들을 포함하고 더 많은 공간을 채울 수 있었음에도 불구하고, 이 전시에 포함된 예술가들의 선택은 오늘날 추상 예술가들이 창작하고 있는 작업의 범위를 충분히 다양하게 엿볼 수 있게 하여 추상의 뿌리가 여전히 그 어느 때보다 건강하며 그 깊이가 여전히 그 어느 때보다 깊다는 것을 부인할 수 없게 증명한다.
John M. Armleder - Galaxy, 2014. Photo by EPW Studio. Courtesy the artist and Massimo De Carlo, Milan/London/Hong Kong and Gagosian
특집 이미지: 스티븐 파리노 - 제목 없음, 1988, 에나멜 캔버스, 72 × 108 인치, 182.9 × 274.3 cm, © 스티븐 파리노. 파리노 가족 재단 및 가고시안 갤러리 제공. 사진: 롭 맥키버.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
