2017년 아트 바젤 마이애미 비치에서 가고시안과 제프리 디치의 '추상 / 비추상'
2017년 마이애미 아트 위크가 막을 내렸습니다. 도시 곳곳에서 동시에 열리는 열두 개가 넘는 박람회와 수많은 팝업 전시회가 있었기에, 모든 것을 다 본 사람은 없다고 해도 과언이 아닙니다. 하지만 경쟁이 치열한 가운데서도 디자인 지구의 무어 빌딩에서 열린 제프리 디치 / 래리 가고시안 아트 바젤 마이애미 협업 전시는 3년 연속 이번 주 가장 화제가 된 전시 중 하나가 되었습니다. 디치와 가고시안은 오늘날 살아있는 가장 경험 많고 해박한 미술 시장 베테랑 중 두 사람입니다. 디치는 대학 재학 중이던 1970년대 초 매사추세츠의 한 호텔 작은 방에서 갤러리를 열며 경력을 시작했습니다. 1980년대에는 시티은행의 미술 투자 부서를 설립했고, 1990년대에는 뉴욕에 디치 프로젝트를 열었습니다. 2010년에는 갤러리를 닫고 로스앤젤레스 현대미술관 관장직을 맡았으며, 2015년 그 직을 떠난 후 다시 미술상으로 돌아왔습니다. 가고시안 역시 대학 시절 경력을 시작했습니다. 1960년대 UCLA 캠퍼스 근처에서 포스터를 팔며 점차 사업을 키워나갔고, 결국 로스앤젤레스와 뉴욕에 갤러리를 열었습니다. 가고시안 갤러리는 1980년에 문을 열었으며 현재 전 세계에 16개의 지점을 운영하고 있습니다. 이 두 비전가는 2015년 마이애미 비치에서 ”언리얼리즘”이라는 전시로 협업을 시작했습니다. 이 전시는 50명의 국제 작가들의 작품을 선보이며 현대 미술에서 다시 나타난 구상 이미지의 부활을 탐구했습니다. 2016년에는 피카소의 손녀 다이애나 위드마이어 피카소를 큐레이터로 초청해 50명의 작가 작품을 통해 현대적 관점에서의 에로티시즘을 탐구한 “욕망” 전시를 열었습니다. 올해 디치와 가고시안은 첫 협업과는 180도 다른 방향으로 나아가 33명의 작가 작품을 선보인 “추상 / 비추상” 전시를 개최하며 현대 추상미술의 방대하고 깊은 영역을 탐구하고자 했습니다.
깊게 뿌리내린 근원
“추상 / 비추상”의 초기 보도자료는 이 전시가 추상의 전체 진화를 보여주려는 시도처럼 들리게 했습니다. 추상의 뿌리가 1910년경으로 거슬러 올라간다고 언급하며, 100년이 넘는 세월이 지난 지금도 예술가들이 추상미술의 경계를 탐구하고 확장하는 새로운 방식을 찾아내는 것이 얼마나 놀라운 일인지 제시했습니다. 야심찬 기획이었지만, 33명의 작가만으로 무어 빌딩에서 열리는 전시가 그 방대한 이야기를 다 담아낼 수 있을지 걱정이 되었습니다. 그 공간은 크고 아름다우며 예술을 전시하기에 훌륭한 장소가 많지만, 근대 추상의 뿌리를 온전히 보여주려면 훨씬 더 많은 공간과 수천 명의 작가가 필요할 것입니다.
다행히도 최종 전시는 그 야심찬 과제를 시도하지 않았습니다. 범위는 훨씬 더 현대적이었고, 지난 40년간의 추상을 탐구하는 성격이 강했습니다. 전시에 포함된 원로 작가로는 70세에 가까운 존 암레더와 리처드 프린스, 60대인 루돌프 스팅겔, 제프 쿤스, 알버트 외렌이 있었습니다. 젊은 작가 중에는 27세의 토레이 손튼이 있는데, 그의 기발하고 아트 브뤼풍의 작품은 토요일 아침 만화와 네온 빛 황무지 사이의 꿈같은 세계를 떠올리게 합니다. 37세의 아날리아 사반은 은은한 대지색조 작품으로 고급스러움을 자아내면서도 항상 숨겨진 무언가를 암시합니다. 31세의 코라크릿 아루난온차이는 시각적으로 폭발적인 다학제적 작업을 통해 색과 형태를 흥미롭게 활용하여 보이지 않는 에너지를 캔버스와 화면 위에 생생하게 불어넣습니다.
제프 쿤스 - 풍경 (폭포) I, 2007. © 제프 쿤스. 사진: 롭 맥키버. 가고시안 제공
현대 추상미술을 위한 새로운 맥락
“추상 / 비추상”이 가장 신선했던 점은 최근 몇 년간 미술 매체가 추상미술에 대해 갖고 있던 제한된 개념을 확장하는 데 성공했다는 것입니다. 저는 이 전시가 소위 좀비 형식주의의 존재에 반대하는 효과적인 논거였다고 생각하는 많은 작가 중 한 명입니다. 이 용어를 처음 접한 것은 2014년, 아트스페이스의 월터 로빈슨이 쓴 글에서였습니다. 로빈슨은 이 용어를 사용해, 자신의 의견으로는 너무 많은 현대 추상미술이 비슷하게 보인다는 점을 한탄했습니다. 그는 이를 “‘형식주의’는 이 미술이 직설적이고 축소적이며 본질주의적인 방법으로 그림을 만드는 것을 의미하고, ‘좀비’는 클레멘트 그린버그의 폐기된 미학을 되살린다는 뜻”이라고 설명했습니다. 제 생각에 이 관점은 시야가 좁습니다. 이는 깨우친 비평이라기보다는 짧은 시간에 비슷한 작품을 다룬 전시를 너무 많이 본 지친 미술 평론가의 불평처럼 들립니다.
현실은 로빈슨이 말한 것보다 훨씬 생생합니다. 물론 과거는 현재에 영향을 미칩니다. 하지만 현대 미학에 있어서는 모든 시대의 모든 것이 항상 유효합니다. 질감을 좋아하는 사람은 수백 명의 질감을 탐구하는 작가들의 작품을 보며 결코 지루하지 않을 것입니다. 색채 관계에서 의미를 찾는 사람은 색채 이론에 몰두한 수백 명의 작가들을 보며 결코 싫증내지 않을 것입니다. 추상을 이해하고 새로운 작품을 만드는 어려움을 아는 사람은 한 세대의 작가들을 파생적이고 진부하다고 낙인찍지 않을 것입니다. 그래서 저는 디치와 가고시안을 칭찬합니다. 추상 / 비추상을 통해 그들은 좀비 형식주의라는 개념을 종식시키는 데 작은 역할을 했습니다. 더 많은 작가를 포함하고 훨씬 더 많은 공간을 채울 수도 있었지만, 이 전시에 포함된 작가들의 선정은 오늘날 추상 작가들이 창작하는 작품의 다양성을 충분히 보여주어 추상의 뿌리가 여전히 건강하며 깊게 뻗어 있음을 부인할 수 없게 증명합니다.
존 M. 암레더 - 은하, 2014. 사진: EPW 스튜디오. 작가 및 밀라노/런던/홍콩의 마시모 데 칼로, 가고시안 제공
대표 이미지: 스티븐 파리노 - 제목 없음, 1988, 캔버스에 에나멜, 182.9 × 274.3 cm, © 스티븐 파리노. 파리노 가족 유산 및 가고시안 갤러리 제공. 사진: 롭 맥키버.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다.
필립 Barcio 작성
