옵 아트: 지각의 매복과 멈추지 않는 예술

1960년대 중반 주요 옵아트 캔버스 앞에 서는 것은 단순히 그림을 보는 것이 아니었습니다. 그것은 시각을 능동적이고 불안정하며 신체적인 과정으로 경험하는 것이었습니다.

1965년 뉴욕에서 현대미술관(Museum of Modern Art)이 The Responsive Eye 전시를 열었을 때, 이 전시는 놀라운 힘으로 광학 추상을 대중의 주목을 받게 했습니다. 방문객들은 진동하는 선, 맥동하는 대비, 불안정한 격자, 그리고 눈앞에서 움직이는 듯한 색채 긴장감으로 이루어진 그림들을 마주했습니다. Bridget Riley, Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Jesús Rafael Soto 등 예술가들의 작품은 그림이 고요한 관조를 기다리는 고정된 이미지라는 생각에 도전했습니다. 언론은 곧 이 시각적 강렬함에 이름을 붙였습니다: Op Art.

The Responsive Eye , MOMA, 1965 - 설치 사진 - ©MOMA

너무 자주 옵아트의 유산은 1960년대 향수로 축소되어 왔습니다: 사이키델릭 패턴, 복고풍 직물, 시각적 속임수, 또는 장식적 디자인. 이 글은 그 반대를 주장합니다. 옵아트는 단순히 눈을 현혹시키는 것에 그치지 않았습니다. 그것은 지각, 생물학, 움직임, 수학, 그리고 이미지와 관람자 사이의 불안정한 관계에 대한 진지한 탐구에서 비롯되었습니다.

아래 섹션에서는 옵아트의 과학적·역사적 뿌리, 관람자의 역할에 대한 급진적 재고, 그리고 기하학, 색상, 사진, 디지털 시스템, 지각적 추상화를 다루는 현대 예술가들에게 계속되는 중요성을 탐구할 것입니다. 보다 직접적이고 사실적인 안내를 원하는 독자를 위해 페이지 하단에 자세한 FAQ가 있습니다.

전쟁과 생물학에서 태어나다

옵 아트를 단순히 빈티지 미학으로만 보는 것은 그 깊은 개념적 무게를 놓치는 것입니다. 이 운동은 아름다운 패턴을 만들고자 하는 단순한 욕구에서 나온 것이 아닙니다. 그것은 광학 과학, 실험 심리학, 시각적 불안정성의 훨씬 더 긴 역사에 뿌리를 두고 있습니다.

19세기 초부터 Jan Evangelista Purkyně와 같은 과학자들은 인간의 시각이 수동적인 기록 장치가 아님을 입증하는 데 도움을 주었습니다. 눈은 카메라가 아닙니다. 그것은 끊임없이 조정하고 보상하며 대비, 균형, 평형을 찾는 생물학적 기관입니다. 색상 잔상, 망막 피로, 동시 대비, 주변 불안정성 등은 모두 보는 것이 단순히 정보를 받는 문제가 아니라 능동적인 구성 과정임을 보여주었습니다.

“대즐 처리된” PT 보트 - 뉴저지 베이욘 - 1942년 9월 28일

옵 아트의 가장 인상적인 역사적 선례 중 하나는 박물관에서 멀리 떨어진 곳, 제1차 세계대전 중 바다에서 나타났습니다. 1917년, 영국 해양 예술가 Norman Wilkinson은 Dazzle camouflage로 알려지게 된 것을 개발했습니다. 전통적인 위장이 물체를 주변 환경에 섞어 숨기려는 것과 달리, 대즐 위장은 정반대였습니다. 연합군 군함들은 적 잠수함 지휘관들이 속도, 방향, 거리, 이동 각도를 판단하기 어렵도록 고대비의 분할된 기하학적 패턴으로 칠해졌습니다.

대즐 위장(Dazzle camouflage)의 효과는 역사적으로 논쟁이 계속되고 있으며, 이후 분석은 이야기를 복잡하게 만들었습니다. 하지만 그 개념적 중요성은 부인할 수 없습니다. 이 위장은 기하학이 단순히 표면을 장식하는 데 그치지 않고 지각 자체를 방해하는 데 사용될 수 있음을 입증했습니다. 눈은 패턴에 의해 유도되고, 혼란스럽게 하며, 지연시키고, 불안정하게 될 수 있습니다.

옵 아티스트들은 이 원리를 나중에 갤러리로 옮겼습니다. 그들의 목표는 군사적 기만이 아니라 지각의 폭로였습니다. 그들은 정적인 이미지가 관람자의 시각 체계 내에서 움직임, 진동, 긴장, 불안정을 생성할 수 있음을 보여주었습니다.

관람자가 엔진이다

여기서 옵 아트가 다른 많은 기하학적 추상 형태와 구별되는 점이 있습니다: 그림은 빈 방에 걸려 있는 한 본질적으로 완성되지 않은 상태입니다.

옵 아트는 관람자에 달려 있습니다. 그 효과는 보는 행위, 움직임, 거리, 신체 위치, 그리고 지속 시간에 의해 발생합니다. 그림은 물리적으로는 정지해 있을 수 있지만, 그것을 보는 행위는 그렇지 않습니다. 작품은 이미지와 눈의 만남에서 생명을 얻습니다.

이 아이디어는 1950년대 후반과 1960년대 초 파리에서 활동한 유럽과 남미의 아방가르드에 의해 특히 멀리까지 밀고 나갔습니다. 1960년, Julio Le Parc, François Morellet, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Joël Stein, 그리고 Yvaral을 포함한 예술가들이 Groupe de Recherche d’Art Visuel, 즉 GRAV를 설립했습니다.

"Assez de Mystifications" 선언문 번역본 - 1961

GRAV의 입장은 급진적이었습니다. 1961년 소책자 Assez de mystifications 같은 글에서, 그룹은 예술의 신비화, 개인 천재 숭배, 그리고 예술작품을 신성하고 만질 수 없는 대상으로 여기는 생각을 공격했습니다. 그들은 수동적 감탄을 능동적 시각 경험으로 대체하고자 했습니다. 그들에게 예술은 멀리서 숭배하는 소중한 유물이 아니라, 관람자와 시각 현상 사이의 직접적인 만남이자 실험의 장이었습니다.

광학적 진동, 연속 구조, 모아레 효과, 빛, 움직임, 몰입 환경을 사용하여 GRAV와 관련 작가들은 관객을 참여자로 만들었습니다. 작품은 더 이상 객체에만 존재하지 않고, 관람자의 지각을 통해 나타났습니다.

방을 움직이기만 해도 방문자는 착시를 활성화할 수 있었습니다. 전경과 배경이 뒤바뀔 수 있고, 선들이 휘어 보일 수 있으며, 평면이 앞으로 나오거나 물러나는 것처럼 보일 수 있었습니다. 색상이 진동할 수도 있었습니다. 작품은 작가 혼자 완성한 것이 아니라, 관찰자의 생물학에 의해 완성되었습니다.

알고리즘 스크린과 인간 망막

현대 세계에서 옵아트는 새로운 시각적 풍경에 직면해 있습니다.

우리는 이제 수십억 개의 매끄럽고 마찰 없는 이미지들 속에 살고 있습니다: 백라이트 스크린, 알고리즘 피드, AI 생성 이미지, 디지털 필터, 끝없이 갱신되는 시각 표면들. 우리의 일상적인 이미지 경험은 종종 빠르고 수동적이며 쉽게 잊혀집니다. 우리는 스크롤하고, 소비하고, 지나갑니다.

 

이런 맥락에서 옵아트의 물리적 힘은 새롭게 의미 있게 느껴집니다. 강렬한 옵아트 작품은 즉각적인 소비에 저항합니다. 썸네일로 완전히 이해할 수 없으며, 종종 거리, 시간, 측면 이동, 신체적 조정이 필요합니다. 보는 것이 신체적 경험임을 강력하게 상기시켜 줍니다.

몇몇 주요 현대 미술가들은 디지털 분야에서 관련된 질문들을 탐구하고 있습니다. 역사적 의미의 옵아트 작가는 아니지만, Refik Anadol과 Felipe Pantone 같은 인물들은 지각적 추상이 디지털 및 알고리즘 시대에 어떻게 이식되었는지를 보여줍니다. Anadol은 데이터와 머신러닝을 사용해 정보를 감각적 경험으로 변환하는 몰입적이고 유동적인 시각 환경을 만듭니다. Pantone은 기하학적 추상, 디지털 글리치, 그라데이션, 화면 미학을 가속과 기술적 지각에 의해 형성된 언어로 융합합니다.

Felipe Pantone - Ultra Chrome - 2019

디지털 이미지의 차가운 매끄러움과 달리, 물리적인 옵아트 작품은 다른 종류의 만남을 제공합니다. 단순히 이미지를 보여주는 것이 아니라, 보는 행위 자체를 인식하게 만듭니다.

이 영역은 오늘날 시각적 추상의 언어를 확장하는 매력적인 현대 화가 중 한 명인 Cristina Ghetti가 특히 명확하게 탐구합니다. 그녀의 작품은 기하학적 리듬, 색채 강도, 공간적 진동을 사용해 관람자가 움직일 때 맥동하고 변하는 것처럼 보이는 장(field)을 만듭니다. Ghetti의 회화는 단순히 역사적 옵 아트의 코드를 차용하는 것이 아니라, 화면으로 가득 찬 시각 문화에 맞게 업데이트합니다. 그녀는 관람자에게 속도를 늦추고, 적극적으로 바라보며, 지각의 물리적 경험에 다시 들어오도록 요청합니다.

Cristina Ghetti - Folding - 2022

도구 확장: 사진과 조각적 캔버스

역사적으로 옵 아트는 평평한 캔버스, 정밀한 드로잉, 마스킹 테이프, 아크릴 페인트, 그리고 단단한 가장자리의 기하학과 자주 연관되었습니다. 그러나 시각적 추상의 논리는 오랫동안 회화만을 넘어서 왔습니다. 현대 예술가들은 더 넓은 질문을 계속 던집니다: 지각의 불안정성이 사진, 조각, 형태가 있는 캔버스, 설치, 또는 건축 공간에 들어가면 무슨 일이 일어날까요?

네덜란드 예술가 Sebastiaan Knot은 인상적인 답변을 제시합니다. 손으로 시각적 착시를 그리는 대신, Knot은 자신의 스튜디오에서 기하학적 배열을 만들고, 색조명을 비추며, 그 결과를 사진으로 찍습니다. 그의 이미지는 처음 보면 디지털로 렌더링된 것처럼 보입니다. 그러나 그것들은 물리적 배열, 빛, 카메라 기반 지각을 통해 만들어집니다. 이를 통해 Knot은 사진의 가장 지속적인 가정 중 하나를 도전합니다: 카메라는 단순히 존재하는 것을 기록한다는 것입니다. 그의 사진은 사진적 진실 자체가 구성되고 연출되며 시각적으로 불안정해질 수 있음을 보여줍니다.

Sebastiaan Knot - Diptych No. 57805 / No. 57806 - 2023

다른 예술가들은 지각을 직사각형 너머로 확장합니다. Louise Blyton은 형태가 있는 리넨 캔버스와 원색 안료를 사용해 시각적 질문을 3차원 형태로 가져옵니다. 그녀의 작품은 회화와 오브제 사이의 공간을 차지합니다. 관람자는 형태가 있는 받침대의 물리적 존재와 색상의 시각적 진동을 조율해야 합니다. 그 결과는 미묘하지만 강력합니다: 지각적 추상은 더 이상 평면 그림 평면에 국한되지 않습니다.

이 도구 확장은 옵 아트가 닫힌 역사적 양식이 아님을 증명합니다. 그것은 탐구의 방법입니다. 예술가가 형태, 색상, 빛, 리듬, 구조를 사용해 지각을 활성화하는 곳마다 옵 아트의 유산은 살아 있습니다.

Louise Blyton - Inside and Outside - 2020

감정적 기하학과 잠재의식

옵 아트는 종종 차갑고, 이성적이며, 수학적이고, 비인격적이라고 묘사됩니다. 그 설명은 부분적으로는 맞지만 불완전합니다. 최고의 시각적 추상은 엄격한 논리와 깊은 감정이 반대가 아님을 보여줍니다. 정밀하게 조직된 선, 측정된 간격, 반복되는 색상 배열은 지각에 직접 작용하기 때문에 감정적인 효과를 낼 수 있습니다.

호주 출신의 예술가 Andy Harwood는 건축과 디자인 배경을 바탕으로 감성적 기하학이라 할 수 있는 작품을 만듭니다. 정교한 마스킹, 반투명 그라데이션, 미묘한 색채 변화로 Harwood은 빛으로 윙윙거리는 듯한 구성을 창조합니다. 그의 Mesmerism 시리즈는 반복, 리듬, 상징적 수치 구조를 사용해 시각의 역학에 명확히 관여하며, 눈을 지각적 변동 상태에 머무르게 합니다. 그 결과는 차가운 계산이 아니라 명상적이고 불안정하며 조용히 감정적인 감각적 긴장입니다.

 

Andy Harwood - Light Interaction - 2026년

비슷한 심리적 강도는 Pierre Muckensturm의 작품에서도 찾을 수 있습니다. 엄격한 구체적 어휘를 사용하여 Muckensturm은 수학적 질서, 반복, 균형, 공간적 조화를 탐구합니다. 그의 작품은 소리치지 않습니다. 절제와 규율을 통해 눈을 내면으로 끌어당깁니다. 그 힘은 조용히 주의를 집중시키는 방식에 있으며, 인식이 더 느리고 깊고 의식적으로 변하는 구조화된 시각적 장을 만듭니다.

이 예술가들은 기하학이 감정적으로 중립적이지 않다는 것을 상기시켜 줍니다. 선은 몸을 이끌 수 있습니다. 격자는 마음을 불안하게 할 수 있습니다. 색채 간격은 긴장, 평온, 리듬 또는 불안을 만들어낼 수 있습니다. 옵 아트의 심리적 힘은 바로 이 질서와 불안정성의 결합에 있습니다.

Pierre Muckenstürm - XXIV 33 212 (Diptych) - 2024년

미완성된 환상

1960년대에 Bridget Riley의 그림이 패션 산업에 의해 무단으로 복제되어 드레스와 상업용 직물의 패턴으로 사용되었을 때, 그녀는 강하게 반대했습니다. Riley에게 광학적 추상은 일시적인 장식적 유행이 아니었습니다. 그것은 지각, 감각, 그리고 보는 주관적 경험에 대한 진지한 탐구였습니다.

역사는 대체로 그 입장을 옹호해 왔습니다. 옵 아트는 결코 단순한 시각적 속임수만이 아니었습니다. 그것은 보는 행위 자체를 의식하게 만드는 것이었습니다.

Bridget Riley - Current (아티스트의 가장 불법 복제된 패턴 중 하나 - 1963년)

오늘날 이 유산을 이어가는 예술가들은 이 운동이 여전히 긴급함을 지니고 있음을 증명합니다. 거의 아무것도 요구하지 않는 이미지로 넘쳐나는 문화 속에서, 옵 아트는 여전히 참여를 요구합니다. 관람자가 서고, 움직이고, 조정하고, 초점을 맞추고, 초점을 잃고, 눈 뒤에 있는 몸을 인식하도록 요구합니다.

옵 아트는 결코 눈을 속이는 것이 아닙니다. 눈을 깨우는 것입니다.

멈추지 않는 더 많은 예술

이 에세이에 소개된 현대 미술가들은 Louise Blyton과 Pierre Muckensturm의 물리적 기하학에서부터 Cristina Ghetti, Andy Harwood, 그리고 Sebastiaan Knot의 광학적 공명에 이르기까지, 더 넓은 국제적 분야의 한 부분만을 대표합니다.

지각적 추상의 유산을 오늘날 이용 가능한 작품을 통해 탐구하고자 하는 수집가들을 위해, IdeelArt는 현대 옵 아트 및 기하학적 추상 작품의 엄선된 컬렉션을 유지하고 있습니다. 이 컬렉션에는 위에서 언급한 예술가들과 함께 Richard Caldicott, Brent Hallard, Bernadette Jiyong Frank, Jesus Perea, 그리고 키네틱 조각가 Amaury Maillet 같은 국제적 재능의 작품들이 포함되어 있습니다. (FAQ의 이미지 참조).

이 예술가들은 옵 아트가 1960년대의 닫힌 장이 아님을 보여줍니다. 옵 아트는 눈이 어떻게 보고, 몸이 어떻게 반응하며, 추상이 어떻게 여전히 정지하지 않으려 하는지를 계속 탐구하는 예술가들을 위한 살아있는 언어로 남아 있습니다.

Jesus Perea - M377 - 2018

자주 묻는 질문: 광학 예술의 해부학, 이론, 그리고 시장

1. 옵 아트와 키네틱 아트의 과학적이고 개념적인 차이는 무엇인가요?

옵 아트와 키네틱 아트는 역사적으로 밀접하며, 특히 1960년대에 함께 전시되는 경우가 많았습니다. 그러나 그 메커니즘은 다릅니다.

키네틱 아트는 실제 물리적 움직임을 포함합니다. 작품은 모터, 바람, 물, 자석, 기계 시스템 또는 관람자의 직접 참여를 통해 움직일 수 있습니다. 움직임은 물리적 공간에서 측정 가능합니다.

옵 아트는 일반적으로 명백하거나 가상의 움직임을 포함합니다. 작품 자체는 정지해 있지만, 선, 색, 대비, 반복 구조가 관람자의 시각 체계에 진동, 깜박임, 팽창, 회전 또는 불안정성의 감각을 만듭니다. 움직임은 대상에 있는 것이 아니라 지각에 의해 생성됩니다.

간단히 말해: 키네틱 아트는 물리적으로 움직이고, 옵 아트는 눈과 뇌가 움직임을 경험하게 합니다.

Amaury Maillet - Grand Chef - 2023

2. 결국 옵 아트는 단순히 방대한 오락용 착시 현상의 연속이 아닌가요?

아니요. 이것은 이 운동에 대한 가장 흔한 오해 중 하나입니다.

전통적인 착시 현상은 종종 관람자를 속여 현실을 잘못 읽게 만듭니다. 예를 들어 트롬프뢰유는 가짜 창문, 가짜 파리, 또는 거짓 건축 공간을 그릴 수 있습니다. 그 성공은 착시적 속임수에 달려 있습니다.

옵 아트는 다릅니다. 보통 추상적이고 비객관적입니다. 그 목표는 관람자가 거짓된 대상을 믿게 하는 것이 아닙니다. 그 목표는 시각 자체의 불안정성과 복잡성을 인식하게 하는 것입니다.

동시 대비, 모아레 패턴, 색채 진동, 시차, 망막 피로를 사용하여 옵 아티스트들은 보는 것이 중립적이지 않다는 것을 드러냅니다. 관람자는 지각이 능동적이고 신체적인 과정임을 인식하게 됩니다.

그래서 옵 아트는 단순한 오락이 아닙니다. 가장 강력할 때, 그것은 우리가 어떻게 보는지에 대한 현상학적 탐구입니다.

Richard Caldicott - Untitled #63 (Tupperware Series) - 1998 

3. 광학 예술가들은 어떻게 색채 이론을 그들의 구성에 통합할까요?

옵 아티스트들은 특히 바우하우스에서 비롯된 중요한 색채 이론을 계승했습니다. Josef Albers와 Johannes Itten 같은 교사와 예술가들은 색을 단순한 표현이나 상징이 아니라 관계, 대비, 진동, 그리고 광학적 힘으로 연구했습니다.

옵 아트에서 색상은 종종 지각 효과를 위해 사용됩니다. 보색, 음조 등가, 날카로운 가장자리, 반복되는 색채 간격은 표면이 진동하거나 이동하는 것처럼 보이게 할 수 있습니다. 색상은 단순히 형태를 채우는 것이 아니라 관람객의 시각을 활성화합니다.

예를 들어, Carlos Cruz-Diez는 관람객의 위치에 따라 색상이 변하는 것처럼 보이는 작품을 개발했습니다. 평행 띠, 색채 간섭, 가산 색 효과를 통해 색상이 공간에서 나타나고 사라지거나 변형되는 경험을 창조했습니다.

옵 아트에서 색상은 안정적인 장식이 아닙니다. 그것은 능동적인 지각 사건입니다.

Bernadette Jiyong Frank - Migrant (Bordeaux-Green-Gold) - 2023

4. Bridget Riley, 팝 아트, 그리고 패션 산업 사이의 갈등은 무엇이었나요?

1965년 The Responsive Eye의 성공 이후, Bridget Riley의 흑백 옵티컬 회화는 옵 아트의 대중적 이미지와 널리 연관되게 되었습니다. 패션 산업은 종종 Riley의 허락 없이 유사한 패턴을 드레스, 원단, 상업 디자인에 빠르게 차용했습니다.

Riley는 강하게 반대했습니다. 그녀는 자신의 그림을 장식적 모티프로 보지 않았습니다. 그녀는 그것들을 회화의 역사와 주관적 시각 경험에 뿌리를 둔 진지한 추상 작품으로 여겼습니다.

팝 아트와의 비교도 그녀를 괴롭혔습니다. 팝 아트는 종종 대중문화, 광고, 소비자 이미지, 미디어 유통과 직접적으로 연관되었지만, Riley의 작품은 지각, 감각, 그리고 시각 경험의 엄격한 구성에 집중했습니다.

문제는 옵 아트가 패션에 영향을 미쳤다는 것이 아니라, 복잡한 회화적 탐구가 거의 하룻밤 사이에 상업적 스타일로 축소되었다는 점이었습니다.

1960년대 잡지 스캔 이미지로 Twiggy, Sandie, Lynn & Lulu가 등장합니다.

5. 프랑스와 파리는 옵 아트의 세계적 발전에서 어떤 역할을 했나요?

프랑스, 특히 파리는 옵 아트와 키네틱 아트 발전에 중심적인 역할을 했습니다.

전후 시기에 파리는 기하학, 움직임, 빛, 그리고 지각에 관심 있는 많은 유럽 및 라틴 아메리카 예술가들을 끌어들였습니다. 이 도시는 실험적 시각 예술의 실험실이 되었습니다.

1960년 파리에서 GRAV가 창립된 것은 특히 중요했습니다. 이 그룹은 개인 천재성 숭배를 거부하고 집단 연구, 단순한 시각 구조, 그리고 적극적인 관람객 참여를 바탕으로 한 작품을 창조하고자 했습니다. 1961년 소책자 Assez de mystifications에서 GRAV는 예술의 신비화에 명확히 반대하며 작품과 관객 사이에 보다 직접적이고 접근 가능하며 실험적인 관계를 요구했습니다.

전시, 선언문, 환경, 집단 행동을 통해 파리는 옵 아트를 시각적 스타일에서 더 넓은 철학적·사회적 프로젝트로 변화시키는 데 기여했습니다.

6. 옵 아트의 가장 의외의 선구자들은 누구인가요?

옵 아트에는 몇 가지 예상치 못한 선구자들이 있습니다.

또 하나는 시각 과학의 역사입니다. 19세기 연구자 Jan Evangelista Purkyně는 잔상, 망막 효과, 시각의 불안정성을 연구해 이후 예술적 실험의 기초를 마련했습니다.

또 다른 선구자는 군사 위장입니다. 제1차 세계대전 중 개발된 대즐 위장(Dazzle camouflage)은 기하학적 교란이 속도, 방향, 형태 인식에 방해가 될 수 있음을 보여주었습니다.

세 번째 선구자는 Marcel Duchamp로, 그의 회전 광학 기계는 움직임, 시각, 원형 시각 효과를 탐구했습니다. Duchamp의 실험은 정적인 예술 작품이라는 개념을 불안정하게 만들고 이후 광학적 움직임 연구의 길을 열었습니다.

1921년 Francis Picabia의 Optophone I은 원형 구조와 진동하는 시각 리듬에 대한 관심을 통해 이후의 광학 및 운동성 문제를 예견했습니다.

따라서 옵 아트는 한 가지 출처에서 나온 것이 아니라 과학, 전쟁, 모더니즘 추상, 다다, 초현실주의, 실험적 지각의 융합에서 탄생했습니다.

Francis Picabia - Optophone 1 - 1921

7. 옵 아트가 디지털 아트, 사이버네틱스, 생성 예술에 어떤 영향을 미쳤나요?

옵 아트와 디지털 아트의 관계는 밀접한데, 두 분야 모두 반복, 시스템, 연속성, 수학적 구조에 의존하기 때문입니다.

많은 옵 아트 구성은 거의 알고리즘적으로 이해할 수 있습니다. 반복된 선, 변하는 간격, 점진적 왜곡, 모듈 단위, 색채 체계 같은 규칙에서 만들어집니다. 이것이 옵티컬 추상이 초기 컴퓨터 아트와 자연스럽게 호환될 수 있었던 이유입니다.

아르헨티나에서는 Eduardo Mac Entyre와 Miguel Ángel Vidal 같은 예술가들과 연관된 Arte Generativo 운동이 기하학적 형태를 동적 시스템으로 탐구했습니다. 그들의 작품은 반복되는 곡선, 회전 구조, 시각적 연속성을 사용해 이후 컴퓨터 생성 이미지의 선구자가 되었습니다.

1960년대 후반과 1970년대에 사이버네틱스와 컴퓨팅에 관심을 가진 예술가들은 기계와 프로그래밍을 사용해 복잡한 시각 구조를 생성하기 시작했습니다. 옵 아트는 알고리즘 예술이 발전할 수 있는 형식 언어 중 하나를 제공하는 데 도움을 주었습니다.

오늘날에도 디지털 추상, 생성 예술, AI 기반 이미지 시스템, 몰입형 데이터 환경에서 그 연결이 계속되고 있습니다.

Miguel Angel Vidal - Sin Titulo - 1953

8. 옵 아트가 건축과 공간 디자인에 영향을 미쳤나요?

네. 옵 아트는 결코 이젤 회화에만 국한되지 않았습니다.

이 운동은 예술, 건축, 디자인, 일상생활이 상호작용할 수 있다는 모더니즘 신념과 깊이 연결되어 있습니다. 바우하우스는 이미 시각 예술, 디자인, 공예, 건축의 통합을 촉진했습니다. 옵 아트와 키네틱 아티스트들은 이 야망을 지각 자체로 확장했습니다.

예를 들어, Victor Vasarely는 기하학적 추상이 공공 공간에 들어가 시각 환경을 변화시킬 수 있다고 믿었습니다. Aix-en-Provence에 있는 Vasarely 재단은 이러한 야망의 주요 사례입니다. 이곳은 기념비적인 옵티컬 작품을 건축 환경에 통합하여 지각을 공간적 경험으로 전환합니다.

옵 아트의 영향은 벽화, 외관, 공공 미술, 인테리어 디자인, 섬유, 공간 설치물에서도 볼 수 있으며, 패턴과 시각적 진동이 건축 공간의 경험을 변화시킵니다.

Brent Hallard - Black Only For You III - 2020

9. 오늘날 현대 미술 시장에서 옵 아트의 가치는 무엇인가요?

역사적 옵 아트 시장은 최근 수십 년간 크게 강화되었으며, 특히 Bridget Riley, Victor Vasarely, Jesús Rafael Soto, Carlos Cruz-Diez, Julio Le Parc, 그리고 François Morellet 같은 주요 인물들의 작품에서 두드러집니다.

특히 Bridget Riley는 전후 및 현대 미술 시장에서 중요한 위치를 차지합니다. 그녀의 역사적 작품은 희귀하며, 기관에서 인정받고 있고, 주요 갤러리에서 대표됩니다. 박물관의 관심은 그녀를 세대에서 가장 중요한 추상 화가 중 한 명으로 자리매김하는 데 도움을 주었습니다.

IdeelArt가 대표하는 Cristina Ghetti는 옵 아트의 유산을 계승하는 갤러리의 주요 현대 미술가 중 한 명입니다. 그녀의 작품은 옵티컬, 키네틱, 기하학적 추상과 관련된 여러 주요 인물들과의 대화 속에서 전시되었으며, 이로 인해 이 운동의 현대적 연속성에 관심 있는 수집가들에게 특히 중요한 참고점이 됩니다.

Cristina Ghetti - S/T - 2020

더 넓은 시장은 상당히 다양합니다. 주요 인물들의 역사적 작품은 높은 가격을 형성하는 반면, 현대 옵 아트와 기하학적 추상은 수집가들에게 더 접근하기 쉬운 진입점을 제공합니다.

현대 수집가들에게는 시각적 임팩트와 역사적 연속성 모두에서 매력이 있습니다. 옵 아트는 여전히 인지 가능하며, 지적으로 기반을 두고 있고 현대 인테리어에 매우 잘 어울립니다.

10. 옵 아트 작품과 매일 함께 생활하거나 갤러리에서 전시할 때 어떤 어려움이 있나요?

옵 아트는 매우 강력할 수 있지만, 신중한 전시가 필요합니다.

공간이 중요합니다. 많은 옵티컬 작품은 그 효과를 완전히 발휘하기 위해 거리가 필요합니다. 관람자는 작품에 다가가고, 뒤로 물러서며, 때로는 작품 앞에서 옆으로 움직일 수 있어야 합니다. 비좁게 걸린 작품은 경험을 저해할 수 있습니다.

조명도 매우 중요합니다. 강한 스포트라이트는 색조의 미묘함을 평평하게 만들거나 눈부심을 유발하거나 이미 강한 대비를 과도하게 강조할 수 있습니다. 확산되고 중립적인 조명이 종종 더 나은데, 이는 작품 내부의 시각적 메커니즘이 불필요한 시각적 잡음 없이 작동할 수 있게 해주기 때문입니다.

규모도 중요합니다. 큰 옵아트 작품은 방을 지배하며 강한 물리적 존재감을 만들 수 있습니다. 작은 작품은 함께 생활하기 더 쉽지만 여전히 중요한 지각적 효과를 낼 수 있습니다.

핵심은 옵아트를 장식으로 보지 않고, 적극적인 시각적 존재로 다루는 것입니다.

Richard Caldicott - 왼쪽부터, Untitled #59, 1998; Untitled #169, 2000; 그리고 Untitled #63, 1998 - 
전시회 “Fragile Beauty: Sir Elton John과 David Furnish 컬렉션의 사진들,” V&A 박물관, 런던, 2024.

11. 옵아트 작가들은 컴퓨터가 없던 시절 어떻게 그렇게 정밀함을 달성했나요?

디지털 도구가 등장하기 전, 옵아트 작가들은 세심한 수작업 과정을 의지했습니다.

그들은 자, 컴퍼스, 격자, 각도기, 제도 도구, 건축적 방법, 그리고 신중한 수학적 계획을 사용했습니다. 정밀함이 필수적이었는데, 작은 불규칙성도 시각적 효과를 바꿀 수 있었기 때문입니다.

마스킹 테이프는 중요한 도구가 되어, 예술가들이 선명하게 대비되는 색상 사이에 깨끗한 경계를 만들 수 있게 했습니다. 아크릴 페인트도 중요한 역할을 했습니다. 유성 페인트와 달리 아크릴은 빨리 마르고 최소한의 붓질 자국으로 평평하고 균일한 표면을 만들 수 있습니다.

목표는 종종 표현적 제스처의 흔적을 제거하는 것이었습니다. 표면은 비인격적이고 정확하며 거의 기계적으로 만들어진 것처럼 보여야 했으며, 그래야만 시각적 효과가 관람자의 경험을 지배할 수 있었습니다.

이것이 바로 옵아트가 매우 놀라운 이유 중 하나입니다: 많은 작품들이 알고리즘적처럼 보이지만, 실제로는 고된 수작업을 통해 완성되었습니다.

Eduardo Mac Entyre - 컴퓨터 생성 드로잉으로 만든 제목 없는 실크스크린 - 1969 - V&A 박물관, 번호: E.170-2008

12. “수평선 효과”란 무엇이며, 이것이 Dazzle 위장 무늬의 역사를 어떻게 복잡하게 만드나요?

“수평선 효과”는 멀리서 본 배가 수평선을 따라 움직이는 것처럼 보이기 때문에 실제 방향을 판단하기 어렵게 만드는 현상을 말합니다.

이것은 Dazzle 위장 무늬의 역사를 복잡하게 만드는데, 이는 Dazzle 패턴의 성공이나 실패가 단지 눈에 띄는 기하학적 디자인에만 의존하지 않았을 수 있음을 시사합니다. 바다, 수평선, 거리, 빛, 그리고 움직임이라는 시각적 맥락도 중요한 역할을 했습니다.

일부 역사적 분석은 Dazzle이 어떤 상황에서는 효과적이었지만 다른 상황에서는 덜 효과적이었을 수 있다고 제안합니다. 그 시각적 극적 효과는 부인할 수 없지만, 군사적 효율성에 대해서는 여전히 논쟁이 있습니다.

그러나 옵 아트의 역사에서 Dazzle은 추상 기하학이 대규모로 지각에 영향을 줄 수 있음을 보여주었기 때문에 중요합니다.

Francisco SOBRINO - Sans titre - 약 1960년경

13. 냉전 기간 동안 옵 아트가 정치적 저항에 역할을 했나요?

어떤 맥락에서는 그렇습니다.

냉전 기간 동안, 특히 동유럽과 라틴 아메리카 일부 지역에서 기하학적 추상, 키네틱 아트, 옵 아트는 지배적인 이데올로기적 예술 형태에 대한 대안을 제공할 수 있었습니다. 사회주의 리얼리즘이나 민족주의적 구상 전통이 제도적으로 선호되던 곳에서는 추상 미술이 미묘한 독립의 형태로 기능할 수 있었습니다.

옵 아트는 과학, 수학, 지각, 객관적 시각 구조에 뿌리를 두었기 때문에 때로는 직접적인 정치적 대립을 피하면서도 규정된 서사에 저항할 수 있었습니다. 이는 예술가들을 국제 아방가르드 네트워크와 연결하고 명시적 정치 이미지를 사용하지 않고도 자유, 실험, 현대성을 탐구할 수 있게 했습니다.

이것이 모든 옵 아트가 정치적으로 저항적이었다는 의미는 아닙니다. 그러나 특정 역사적 맥락에서는 서사와 이데올로기를 거부하는 것이 정치적 의미를 가졌습니다.

14. 1960년대 옵 아트의 부상에 대해 미술 비평가들은 어떻게 반응했나요?

비평가들의 반응은 엇갈렸고, 종종 적대적이었습니다.

The Responsive Eye의 대중적 성공은 엄청났지만, 많은 비평가들은 의심스러워했습니다. 일부는 옵 아트가 너무 화려하고, 너무 쉽게 접근 가능하며, 광학 효과에 지나치게 의존한다고 느꼈습니다. 그들은 이것이 추상 회화를 시각적 오락으로 전락시킨다고 우려했습니다.

당시 지배적인 형식주의 비평가인 Clement Greenberg은 특히 포스트 페인터리 추상(Post-Painterly Abstraction) 같은 다른 추상 형태에 더 관심이 있었습니다. 다른 비평가들은 옵 아트를 패션 현상으로 보고 진지한 예술적 발전으로 보지 않으며 더 직접적으로 비판했습니다.

패션 산업이 옵 패턴을 빠르게 차용하면서 상황은 악화되었습니다. 지각에 대한 엄격한 탐구로 시작된 것이 상업적 스타일로 급속히 변질되었습니다. 이는 옵 아트가 단지 일시적인 유행이라는 잘못된 인상을 만드는 데 일조했습니다.

그러나 장기적인 역사적 평가는 더 긍정적이었습니다. 주요 옵 아트 및 키네틱 아티스트들은 이제 전후 추상미술의 중심 인물로 인정받고 있습니다.

Richard Anuszkiewicz - 그랜드 미드나잇 팰리스, 1989 (Translumina 시리즈)

15. 옵 아트를 영구적인 기념비적 건축물에 통합할 수 있을까요?

네. 가장 명확한 예 중 하나는 1976년에 개관한 엑상프로방스의 바사렐리 재단입니다.

Victor Vasarely는 예술이 공공 공간, 건축, 일상생활에 들어갈 수 있는 것으로 상상했습니다. 재단은 단순한 박물관이 아니라 광학 및 기하학 예술을 위한 건축 환경으로 구상되었습니다.

그의 기념비적인 작품과 육각형 건축 구조는 옵 아트가 캔버스를 넘어 작동할 수 있음을 보여줍니다. 공간을 형성하고, 움직임을 변화시키며, 관람객이 건축을 경험하는 방식을 바꿀 수 있습니다.

이 건축적 야망은 예술이 사적 소장품이나 엘리트 기관에만 머물러서는 안 된다는 Vasarely의 더 넓은 신념과 일치했습니다. 예술은 현대 생활의 시각 환경의 일부가 되어야 했습니다.

Felipe Pantone - Quick Tide - 런던

16. Victor Vasarely가 유일한 걸작보다 “다중성”을 옹호한 이유는 무엇인가요?

Vasarely는 예술이 더 민주적이어야 한다고 믿었습니다.

전통적인 유일한 걸작 개념은 예술을 희귀하고 비싸며 사회적으로 배타적으로 만들었습니다. Vasarely는 이 모델에 도전하고자 했습니다. 다중성, 실크스크린, 복제 가능한 시스템을 통해 고품질의 광학 예술을 더 널리 접근 가능하게 만들고자 했습니다.

이것은 단순한 상업적 아이디어가 아니었습니다. 그것은 그의 구성주의적이고 사회적인 예술 비전과 연결되어 있었습니다. 그의 구성은 프로그래밍된 기하학적 시스템에 기반했기 때문에 본질적인 구조를 잃지 않고 복제될 수 있었습니다.

Vasarely에게 다중성은 예술을 유일무이함의 숭배에서 해방시키고 건축, 디자인, 일상생활에 더 가깝게 만드는 방법이었습니다.

17. 신경과학은 어떻게 옵 아트에서 사용된 시각 패턴을 예견했나요?

옵 아트가 대중적인 운동이 되기 훨씬 이전에, 과학자들은 이미 옵 아티스트들이 나중에 사용할 많은 현상을 연구했습니다.

시각 인식은 망막, 시신경, 시각 피질, 주변 처리, 대비 감지, 그리고 지속적인 신경 해석을 포함합니다. 특정 패턴은 이 시스템을 과부하시키거나 불안정하게 만들어 진동, 깜박임, 또는 움직임의 감각을 만들어냅니다.

1957년, 신경과학자 Donald M. MacKay는 현재 MacKay 광선으로 알려진 패턴을 만들었습니다: 촘촘히 배열된 방사형 선들이 주변 시야에서 반짝이거나 환각적인 움직임을 만들어낼 수 있습니다. 이러한 예는 특정 기하학적 배열이 예측 가능한 시각 효과를 유발할 수 있음을 보여주었습니다.

옵 아티스트들은 이러한 효과를 활용하기 위해 과학적 언어를 사용할 필요가 없었습니다. 하지만 그들의 작품은 종종 알려진 시각 처리 원리와 밀접하게 일치합니다.

착시 현상 (저자 미상)

18. 옵 아트는 바우하우스에 무엇을 빚지고 있나요?

옵 아트는 바우하우스 전통에 크게 빚지고 있습니다.

바우하우스는 예술, 디자인, 건축, 색상, 시각 인식을 상호 연결된 분야로 다루었습니다. Josef Albers와 Johannes Itten 같은 교사들은 색상이 어떻게 상호작용하는지, 형태가 어떻게 연관되는지, 그리고 시각 교육을 통해 인식을 어떻게 구조화할 수 있는지 연구했습니다.

Josef Albers의 색상 상호작용에 관한 작업은 특히 영향력이 컸습니다. 그는 색상이 결코 고립되어 인식되지 않는다는 것을 보여주었습니다. 색상은 주변 색상에 따라 변합니다. 이 통찰은 많은 광학 및 기하학 아티스트들에게 중심이 되었습니다.

Victor Vasarely는 부다페스트의 Mühely 아카데미에서 공부했는데, 이곳은 종종 “부다페스트 바우하우스”라고 불립니다. 그곳에서 그는 기하학, 커뮤니케이션, 현대 디자인, 시각 형태의 사회적 역할에 관한 아이디어를 흡수했습니다.

바우하우스는 옵아트가 나중에 강화한 이론적 기초의 많은 부분을 제공했습니다.

Carlos Cruz Diez - Physichromie N.1977 - 2015

19. 오늘날 현대 옵아트와 지각적 추상을 정의하는 아티스트들은 누구인가요?

현대 옵아트는 엄격한 역사적 의미의 단일 운동이 아니라, 지각, 기하학, 색상, 움직임, 광학적 불안정을 탐구하는 광범위한 아티스트들의 분야입니다.

일부 아티스트는 회화를 통해 유산을 확장합니다. Cristina Ghetti는 기하학적 리듬과 공간 진동을 사용해 현대적 광학 영역을 만듭니다. Andy Harwood는 색상 그라데이션, 마스킹, 지각적 변화를 탐구합니다. Pierre Muckensturm은 절제된 콘크리트 구조와 수학적 조화를 작업합니다.

다른 이들은 사진, 형태가 있는 캔버스, 조각, 디지털 미학을 통해 이 분야를 확장합니다. Sebastiaan Knot는 빛과 물리적 기하학으로 사진적 착시를 만듭니다. Louise Blyton은 형태가 있는 리넨과 원색 안료를 사용해 물체 같은 광학 작품을 만듭니다. Felipe Pantone은 디지털 스크린, 글리치, 기술적 가속의 언어를 기하학적 추상에 도입합니다.

이 분야에는 Brent Hallard, Bernadette Jiyong Frank, Jesus Perea, Richard Caldicott, Suzanne Song 등 많은 아티스트들도 포함됩니다.

이 아티스트들은 함께 옵아트의 유산이 여전히 살아 있고, 유연하며, 매우 현대적임을 보여줍니다.

20. 브리짓 라일리는 “옵아트의 여왕”이라는 칭호를 받아들였나요?

아니요. 브리짓 라일리는 “옵아트”라는 레이블과 그에 따른 유명인 이미지를 거부했습니다.

라일리는 일관되게 지각, 감각, 시각적 리듬, 그리고 보는 것의 감정적 경험에 관심을 가진 추상 화가로 자신을 표현해 왔습니다. “옵아트”라는 레이블은 언론에 유용했지만, 그녀의 작품을 단순화하고 상업적 광학 효과와 연관 짓는 역할도 했습니다.

라일리와 유사한 패턴이 무단으로 패션에 사용되면서 그녀의 불편함은 더 깊어졌습니다. 그녀의 그림은 스타일로 축소되었지만, 그녀가 진정으로 관심을 가진 것은 추상 형태가 만들어내는 복잡한 주관적 경험이었습니다.

라일리가 그 레이블에 저항한 것은 중요합니다. 그것은 옵아트가 단순한 브랜드가 아니었음을 상기시켜 주기 때문입니다. 최고의 순간에 옵아트는, 그리고 여전히, 보는 행위에 대한 진지한 탐구였습니다.

브리짓 라일리 - Movement in Squares - 1961

 

Francis Berthomier 작성

모든 이미지 © 아티스트들

 

저자 Francis Berthomier와 Christelle Thomas (IdeelArt의 창립자들)이 프랑스 무앙-사르투(Mouans-Sarthoux)의 Espace de l'Art Concret에서 열린 Sculpture Permutationelle 프란시스코 소브리노 작품 앞에 있습니다.