현대 미술에서의 파란색 세 거장

파란색을 볼 때, 어떤 느낌이 드나요? 파란색이라는 단어를 듣거나, 글에서 읽을 때 느끼는 것과 다르게 표현할 수 있나요? 색조가 전달하는 정보가 그 이름이 전달하는 정보와 다를까요? 어떤 느낌이든, 그 느낌이 보편적일 수 있을까요? 아니면 파란색은 사람마다 다른 의미일까요? 동물들은 어떨까요? 그들도 색을 감정과 연관 짓나요, 아니면 생존을 위해 색 수용체만 사용할까요? 이런 질문들은 수세기 동안 색을 연구하는 이들을 혼란스럽게 했으며, 오늘날에도 백 년 전과 크게 다르지 않은 답을 가지고 있습니다. 하지만 최근 Phaidon Press에서 출간된 책은 적어도 예술과 관련된 색에 대한 이해에 조금 더 다가가게 합니다. 로스앤젤레스 카운티 미술관 전 큐레이터이자 뉴욕 메트로폴리탄 미술관 전 프로그램 디렉터인 스텔라 폴이 쓴 Chromaphilia: The Story of Color in Art는 240점의 개별 작품을 조명합니다. 그녀의 색에 대한 철저한 탐구는 역사 속 예술가들이 사용한 열 가지 뚜렷한 색 범주가 무수히 다양한 방식으로 활용된 점을 새롭게 밝혀낼 뿐 아니라, 색이 과학, 감정, 미학 및 인간 문화의 다른 영역과 교차하는 범위도 탐구합니다. 오늘은 폴이 책에서 언급한 몇몇 예술가들의 작품을 깊이 살펴보며 파란색의 범위와 힘을 보여드리고자 합니다: 헬렌 프랭켄탈러, 파블로 피카소, 그리고 Yves Klein.

색을 본다는 것

색에 관한 이상한 점 중 하나는 두 사람이 같은 시간, 같은 장소에서 같은 대상을 보면서도 그 대상의 색이 다르다고 주장할 수 있다는 것입니다. 우리는 “어떻게 그럴 수 있지? 색이 객관적이지 않은가?”라고 궁금해합니다. 하지만 간단한 답은 그렇지 않다는 것입니다. 색은 종종 주관적입니다. 그 이유는 인간이 색을 보는 과학적 원리와 관련이 있습니다. 인간(그리고 대부분의 색을 보는 동물)은 삼원색 수용체를 가지고 있습니다. 이는 인간 눈의 수용체가 색에 해당하는 세 가지 기본 파장을 인지한다는 뜻입니다. 일부 인쇄기에서 사용하는 RGB 색 모델을 들어본 적 있을 것입니다. RGB는 빨강(Red), 초록(Green), 파랑(Blue)의 약자입니다. 이 모델은 인간 시각에 가장 근접한 색 모델입니다. 물론 빨강, 초록, 파랑만이 인간 눈이 인지할 수 있는 색은 아닙니다. 사실 대부분의 인간은 최대 700만 가지의 뚜렷한 색조를 인지할 수 있습니다. 하지만 그 각각의 색조는 눈이 처음 빨강, 초록, 파랑의 조합으로 인지한 후 뇌에서 해석됩니다.

또한, 우리가 어떤 물체를 어떤 색으로 인지하는 것은 그 물체 자체만의 문제는 아닙니다. 물론 우리는 물체가 어떤 화학적 구성으로 이루어졌는지 분석하여 그 물질이 어떤 색일지 어느 정도 이해할 수 있습니다. 하지만 물질의 화학적 구성만이 우리가 인지하는 색에 영향을 주는 유일한 요소는 아닙니다. 인간이 색을 인지할 수 있는 이유는 빛 때문입니다. 빛도 색을 가질 수 있으며, 이 경우 빛이 표면을 볼 때 눈에 보이는 색을 바꿀 수 있습니다. 게다가 한 쌍의 눈이 다른 쌍의 눈보다 빛에 더 민감하거나 다르게 민감할 수 있어, 두 뇌가 색을 해석하는 방식도 달라질 수 있습니다. 기본적으로, 우리가 색을 볼 수 있게 하는 그 자체가 색에 대한 인식을 바꿀 수도 있습니다. 따라서 색에 대해 이야기하는 것은 때때로 주관적으로 보일 수 있으며, 어떤 색인지에 대해 논쟁하는 것은 어리석게 보일 수도 있습니다.

헬렌 프랭켄탈러 - Moveable Blue, 1973년, 캔버스에 아크릴, © 2014 헬렌 프랭켄탈러 재단, 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

파란색

그럼에도 불구하고, 어떤 특정 색을 볼 때 사람들이 보는 차이는 보통 한 사람이 빨강을 보고 다른 사람이 파랑을 보는 것처럼 극단적이지 않습니다. 보통은 한 사람이 하늘색을 보고 다른 사람이 청록색을 보는 것처럼 미묘한 차이입니다. 하지만 우리가 특정 색을 볼 때 뇌가 인지하는 다른 것들의 범위는 물리적 특성을 넘어 매우 다양할 수 있습니다. Chromaphilia: The Story of Color in Art의 파란색 장 첫 문장은 이렇게 말합니다: “파란색에는 여러 종류가 있다—모두 같은 색조이지만, 외관, 효과, 기원, 의미에 있어 무한한 변주를 가진다.”

외관은 이미 다뤘습니다. 하지만 진짜 재미는 “효과, 기원, 의미”를 고려할 때 시작됩니다. 효과에 관해서는, 어떤 사람은 파란색을 보고 차분해질 수 있고, 다른 사람은 파란색을 보고 슬퍼질 수 있습니다. 우리가 색에 반응하는 방식의 많은 부분은 그 색과 관련된 과거 경험과 관련이 있습니다. 기원은 또 다른 흥미로운 고려 사항입니다. 파란색의 모든 변주는 근본적으로 다른 원소들의 혼합에서 나옵니다. 파란색 물감의 변주는 결합제와 광물의 다른 조합에서 올 수 있습니다. 파란색 빛의 변주는 공기 중의 다른 입자와 관련이 있을 수 있습니다. 그리고 의미에 관해서는 상황이 정말 복잡해집니다. 각 개인, 각 집단, 각 문화는 파란색과 고유한 관계를 발전시킵니다. 따라서 예술 작품에서 파란색을 사용할 때, 그 작품이 최종적으로 감상될 때 어떤 의미가 인지될지는 전혀 예측할 수 없습니다. 예술에서 파란색 인식의 변주가 얼마나 다양할 수 있는지 탐구하기 위해, Chromaphilia: The Story of Color in Art에서 언급된 세 예술가의 작품을 살펴보겠습니다: Yves Klein, 헬렌 프랭켄탈러, 그리고 피카소.

파블로 피카소 - 어머니와 아이, 1902년, 캔버스에 유화

Yves Klein 작품 속 파란색

20세기 예술과 파란색을 이야기할 때, 가장 먼저 떠오르는 예술가는 단연 Yves Klein입니다. 전설에 따르면, 젊은 시절 Klein은 친구인 예술가 Arman과 프랑스 작곡가 클로드 파스칼과 해변에서 시간을 보내며 세상을 나누었습니다. Arman은 땅을, 파스칼은 문자 기호를, Klein은 하늘을 선택했고, 즉시 손을 들어 공중에 자신의 이름을 썼다고 합니다. 그 순간부터 색은 Klein에게 중요해졌습니다. 그의 초기 전시 중 하나는 다양한 순수 색으로 칠한 단색 캔버스를 선보였습니다. 하지만 관객이 그의 의도를 이해하지 못하자, 그는 단순화하여 한 가지 색만 사용해 메시지를 전달해야 한다는 것을 깨달았습니다. 그렇게 그는 자신의 시그니처 색조를 개발하는 과정에 들어갔습니다.

스텔라 폴이 Chromaphilia: The Story of Color in Art에서 설명하길: “[Klein]은 파리의 색상 판매상 에두아르 아담과 협력하여 Rhone-Poulenc의 화학자들과 상담하며 합성 결합제를 만들었습니다... 결과물은 Rhodopas M60A로, 에탄올과 에틸 아세테이트로 점도를 조절할 수 있었습니다. 이 결합제는 안료의 마법 같은 빛남을 보존합니다...Klein은 이 새로운 결합제를 사용해 자신만의 맞춤 합성 물감을 제작했고, 이를 IKB(International Klein Blue)로 특허를 받았습니다; 1957년부터 거의 독점적으로 이 안료를 사용했습니다.” Klein은 International Klein Blue를 사용해 상징적인 단색 파란색 캔버스와 여러 거대한 공공 설치 작품을 만들었습니다. 또한 누드 모델들이 IKB를 몸에 바르고 다양한 자세로 캔버스에 몸을 눌러 찍는 퍼포먼스 작품도 제작했는데, 이는 그의 가장 영향력 있는 작품 중 일부가 되었습니다.

Yves Klein - Anthropométrie de l' époque bleue, 1960년, © Yves Klein Archives

헬렌 프랭켄탈러 작품 속 파란색

추상화가 헬렌 프랭켄탈러는 20세기 파란색의 또 다른 뛰어난 옹호자였습니다. 프랭켄탈러는 ‘흡수-염색’이라는 회화 기법을 발명했습니다. 이 기법은 바닥에 펼친 미처 바르지 않은 캔버스 위에 물감을 직접 붓고, 물감이 섬유에 스며들어 자연스럽게 퍼지도록 하는 방식입니다. 프랭켄탈러는 처음에 이 기법을 유성 물감으로 시도했지만, 유성 물감이 생캔버스를 빠르게 손상시킨다는 것을 알게 되었습니다. 그래서 캔버스에 손상을 주지 않는 아크릴 물감의 초기 옹호자가 되었습니다. 아크릴 물감은 색조가 생생하고 빛나는 특성을 가지고 있습니다. 프랭켄탈러는 다양한 순수 색조를 캔버스에 직접 부어 물감의 흐름을 조절하며, 선, 형태, 질감 같은 개념적 요소의 간섭 없이 색의 관계를 새롭게 탐구할 수 있었습니다.

Chromaphilia: The Story of Color in Art에서 스텔라 폴은 1952년에 프랭켄탈러가 그린 ‘산과 바다’라는 작품에 특히 주목합니다. 이 작품은 프랭켄탈러가 흡수-염색 기법을 처음 사용한 캔버스로 여겨집니다. 폴은 이 작품에 대해 이렇게 말합니다: “노바스코샤에서의 휴식 후 뉴욕 작업실로 돌아온 프랭켄탈러는 캐나다 풍경을 내면화했으며, 그 풍경은 그녀의 마음뿐 아니라 어깨와 손목에도 새겨졌다고 회상했습니다. 그런 마음과 몸의 배경을 바탕으로, 그녀는 색을 통해 장소의 기억을 불러일으키는 서정적이고 목가적인 추상을 창조했습니다.” 프랭켄탈러는 물감을 붓는 과정을 몸 안에 내면화된 것을 캔버스 위에 외면화하는 과정으로 개념화했습니다. 이 그림은 거의 전적으로 빨강, 초록, 파랑의 색조를 사용하며, 다양한 파란색이 바다의 추상적 표현으로 가장 두드러집니다.

헬렌 프랭켄탈러 - Blue Current (Harrison 134), 1987년, © 2014 헬렌 프랭켄탈러 재단, 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

피카소 작품 속 파란색

파블로 피카소에게 색은 특히 초기 예술 경력에서 매우 중요했습니다. 이 시기의 작품은 종종 색에 따라 분류되는데, 대표적으로 장미기(Rose Period)와 청색기(Blue Period)가 있습니다. 이 분류는 당시 그가 사용한 주요 안료와 관련이 있지만, 또한 그의 개인적 삶의 상황과도 연관되어 있어, 그가 선택한 주제에 영향을 미쳤다고 전해집니다. 예를 들어 장미기는 대략 1904년부터 1906년까지로, 그의 연인 페르난드 올리비에와의 관계 시작과 파리 몽마르트르 지역으로의 이주와 겹칩니다. 장미기 작품은 광대와 서커스 같은 즐거운 이미지를 담고 있습니다. 장미기 말기에 피카소는 입체파의 전신으로 자주 언급되는 분홍빛의 아비뇽의 처녀들을 그렸습니다.

청색기는 장미기보다 앞서 대략 1901년부터 1904년까지 이어졌습니다. 이 시기는 우울과 슬픔을 의식하던 시기였습니다. 피카소는 “카사헤마스의 죽음을 알게 된 후 파란색으로 그림을 그리기 시작했다”고 말한 적 있습니다. 이 말은 그의 친한 친구 카를로스 카사헤마스가 파리의 한 카페에서 자신을 쏜 사건을 가리킵니다. 피카소가 파리로 돌아왔을 때, 그는 카사헤마스의 작업실에서 살며 거의 단색에 가까운 파란색 작품들을 그리기 시작했습니다. 스텔라 폴이 Chromaphilia: The Story of Color in Art에서 지적하듯, “‘늙은 기타리스트’의 짙은 파란색은 슬프고 소외된, 주변부의 어떤 것을 물질적으로 표현한 것입니다. 이 푸른 빛은 주제의 부자연스러운 파란빛 피부, 옷, 그리고 주변 공간에 황혼의 우울한 분위기를 드리웁니다. 이 우울한 맹인 음악가의 각진 몸짓과 가늘고 길어진 팔다리와 얼굴 특징은 이 강렬한 파란색이 주는 인상을 강화합니다.” 하지만 Yves Klein, 헬렌 프랭켄탈러, 파블로 피카소 세 예에서 보듯, 파란색이 항상 슬픔을 전달하는 것은 아니며, 항상 하늘이나 바다를 의미하지도 않습니다. 우리가 파란색이라고 부르는 색조의 잠재적 범위는 끝이 없어 보입니다. 또한, 파란색에서 끌어낼 수 있는 감정, 느낌, 맥락, 의미의 범위도 마찬가지로 광범위합니다.

파블로 피카소 - 맹인의 아침 식사, 1903년, 캔버스에 유화

대표 이미지: Yves Klein - Untitled Blue Monochrome, 1960년, 사진 © Yves Klein Archive
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio 작성