아르만이 어셈블리의 정의를 재정의한 방법

예술 애호가에게 예술가가 자신의 말로 들려주는 이야기를 듣는 것보다 더 흥미로운 일은 없습니다. 젊은 아르망 페르난데스가 20세기 가장 혁신적인 개념미술가 중 한 명인 아르망으로 변모한 이야기는 1968년 미국 미술 기록 보관소를 위해 녹음된 아르망 예술가 인터뷰에서 직접 전해졌습니다. 이 매혹적인 인터뷰에서 아르망은 그때까지의 자신의 삶을 매력적인 세부사항으로 이야기합니다. 그는 전쟁 전 청년 시절, 사랑하는 부모님과 함께 니스에서 자란 시절을 회상합니다. 그의 아버지는 특권층 출신으로 매우 온화했고, “일요일 (아마추어) 화가”였으며 골동품 가게를 운영했습니다. 아르망의 어머니는 가난한 집안 출신으로 남편의 부유한 친척들에게 받아들여지지 않았습니다. 그녀는 강인하고 뛰어나며 집중력이 있었고 재능 있는 음악가였습니다. 아르망은 나치 점령 기간 동안 거의 굶주렸던 일을 떠올리며, 전후 미술 역사와 유도 교육에 대해 자랑스럽게 이야기합니다. 마지막으로 그는 자신이 누보 리얼리즘의 창립 멤버가 되기까지의 모험을 이야기하는데, 인터뷰에서 그는 이 운동이 “스무 분 정도 지속되었다”고 말합니다.

아르망, 클라인, 파스칼이 세상을 나누다

아르망이 누보 리얼리즘 창립 멤버들과 연관되게 된 이야기는 제2차 세계대전 후 세 젊은 친구가 함께 유럽을 여행한 이야기입니다. 어느 날 오후, 이 세 친구(아르망, 예술가 이브 클라인, 시인 클로드 파스칼)는 해변에 있었습니다. 아르망의 말에 따르면, “…우리는 왕이 되기로 결심했지만, 왕관을 가지는 왕이 아니라 책임감 있고 의식 있는 왕이 되기로 했습니다... 그리고 우리는 세상을 나누었습니다. 이브 클라인은 모든 유기적 생명, 살아있는 것을 맡았고, 클로드 파스칼은 돌처럼 자연적이지만 살아 있지 않은 모든 것을 맡았습니다. 그리고 나는 만들어진 모든 것을 맡았습니다.”

아르망 - Déchéts Bourgeois (부르주아 쓰레기), 1959. © 2018 아르망 스튜디오

그 후 60년 동안 아르망은 “만들어진 모든 것”에 대한 지배력을 확장하며 생산, 소비, 파괴 과정을 미학적으로 표현했습니다. 그는 대량의 제품을 모아 같은 종류의 물건, 발견된 물건, 쓰레기 컬렉션에 집중했습니다. 그는 조립 작품을 만들고 판화와 회화를 제작했으며 조각과 부조를 세우고 종종 작품을 플렉시글라스나 콘크리트로 감쌌습니다. 그는 대량 생산된 제품을 바탕으로 반복적인 시각 언어를 탐구하는 데 집중했습니다. 그의 왕성한 노력의 결과로 2005년 사망할 때까지 아르망은 조립 기법을 사용하는 세계에서 가장 유명한 개념미술가가 되었습니다.

아르망 - Poubelle des Enfants (아이들의 쓰레기), 1960. © 2018 아르망 스튜디오

축적의 예술

아르망은 평생 동안 물건을 모았습니다. 그는 타고난 수집가였습니다. 축적 행위의 초기 표현 중 하나는 쓰레기를 모아 전시하는 것이었습니다. 그는 자신의 쓰레기 축적물을 Poubelles(프랑스어로 쓰레기통)라고 불렀습니다. 아르망의 Poubelles 중 일부는 나무나 플렉시글라스로 만든 상자에 전시되었습니다. 아마도 그의 가장 유명하고 웅장하며 야심 찬 Poubelle 중 하나는 파리의 이리스 클레르 갤러리 전시 공간 전체를 쓰레기로 채운 작품이었습니다. 이 전시는 “가득 찬”이라는 이름이었으며, 2년 전 같은 갤러리에서 그의 친구 이브 클라인이 연 “공허” 전시에 대한 응답이었습니다. 그 전시에서는 갤러리가 온통 흰색으로 칠해졌고, 벽 한쪽에 빈 장식장만 전시되어 있었습니다.

아르망의 분노 - 입체파 풍차, 1961. © 2018 아르망 스튜디오

쓰레기 외에도 아르망은 여전히 제품으로서 유용한 같은 종류의 물건들을 모았습니다. 그는 다리미, 고무 도장, 물감 튜브 같은 단순한 물건 축적으로 시작했습니다. 쓰레기 축적물과 마찬가지로, 그는 이 축적물들을 플렉시글라스나 나무 상자에 넣어 전시했습니다. 1960년대에 이르러 그는 도끼, 드릴, 악기, 기계 부품, 자동차 부품, 의류 등 더 극적인 미적 효과를 가진 물건들을 모으기 시작했습니다. 이 물건들을 3차원 조각 작품으로 조립하기 시작하면서, 그는 결국 자신의 대표적인 조립 스타일을 창조했습니다.

아르망의 분노 - 바니의 도끼, 1962. © 2018 아르망 스튜디오

아르망 페르난데스의 파괴적 미학

상징적인 축적물을 모으고 대표적인 조립 작품을 만드는 것 외에도, 아르망은 파괴에 대해 많은 시간을 할애해 생각했습니다. Colères라 부른 작품군에서 아르망은 의도적으로 물건을 부수거나 태운 후, 그 부서진 조각들을 추상적인 구성으로 캔버스 위에 배열했습니다. 프랑스어로 분노를 뜻하는 colères라는 단어처럼, 아르망은 이 작품들을 자신의 “격노”라고 불렀습니다. 그의 분노 작품에는 피아노, 색소폰, 바이올린 같은 악기뿐 아니라 커피 그라인더, 타자기, 카메라 같은 일상용품도 포함되었습니다.

아르망 - 첼로 의자, 1993, 주조 청동 첼로 모양 의자, 85 x 41 x 48 cm. © 2018 아르망 스튜디오

아르망은 또한 파괴를 절단의 관점에서 탐구했습니다. 부순 물건들처럼, 그는 종종 악기 같은 물건을 조각내어 캔버스에 전시했습니다. 다른 경우에는 조각상 일부를 잘라내기도 했는데, 예를 들어 1962년작 잔다르크 조각상에서 몸의 큰 부분을 잘라냈습니다. 때로는 이 잘라낸 물건들이 철학적 수수께끼처럼 보였는데, 작동하지 않도록 분해함으로써 어떻게 작동하는지 탐구하려는 듯했습니다. 다른 때는 1997년작 야마하의 정신 같은 잘라낸 조립 작품이 기발하거나 어쩌면 부조리한 경계에 있었습니다.

아르망 - Section Bulls, 1956, 고무 도장 자국이 종이에 찍혀 판넬에 부착됨, 50 x 31 cm. © 2018 아르망 스튜디오

생산자 아르망과 예술가 아르망

아르망은 발견된 물건과 쓰레기에만 관심을 가진 것이 아니었습니다. 제품의 축적, 소비, 파괴를 조사하는 것 외에도, 그는 경력의 많은 부분을 생산 행위를 탐구하는 데 보냈습니다. 그는 조각을 통해 이를 표현했습니다. 그는 한때 친구 이브 클라인의 나체 몸을 석고로 본떠 청동으로 주조한 후 이브 클라인 블루로 칠하기도 했습니다. 그리고 다른 기법들과 마찬가지로, 그는 조각에서 악기 모티프를 자주 되풀이했습니다. 때로는 악기 조각을 여러 개 만들었고, 때로는 조각내어 조각별로 전시했으며, 때로는 탁자 다리나 의자 같은 가구로 만들기도 했습니다.

아르망 - Allure au Bretelle, 1958, 종이에 잉크, 캔버스에 부착, 150 x 204 cm. © 2018 아르망 스튜디오

평면 작품

아르망은 평면 작품도 왕성하게 제작했습니다. 대표적인 조립 스타일을 발명하기 전, 그는 평면 작품으로 복수성에 대한 탐구를 시작했습니다. 그의 초기 복수성 탐구는 Cachets와 Allures라는 작품 형태로 나타났습니다. Cachets는 전통적인 고무 도장을 사용해 표면에 반복적으로 찍은 표시로 만든 평면 작품이었고, Allures는 비슷하지만 잉크에 찍은 평범한 물건의 도장 같은 인상을 사용해 추상 구성을 만든 작품이었습니다.

아르망 - 무제, 1994, 아크릴 물감과 붓을 캔버스에 부착. © 2018 아르망 스튜디오

그는 붓 그림이라 부른 작품군을 통해 평면 작품과 축적 및 조립 작업 사이의 개념적 간극을 연결했습니다. 이 작품들에서 그는 붓으로 매체를 평면에 칠한 후 붓 자체를 표면에 붙였습니다. 그 결과 붓 자체가 조각적 요소로 포함된 그림이 탄생했습니다. 아르망은 경력 내내 입체파에 대한 많은 경의와 참조를 했지만, 이 작품들은 시간과 과정을 포착하는 개념적 승리로, 입체파가 추구한 바를 4차원적으로 구현했습니다.

아르망 - 장기 주차, 1982. © 2018 아르망 스튜디오

아르망의 공공 유산

아르망의 가장 중요한 선물 중 하나는 진정성입니다. 어린 시절부터 그는 수집가였고, 골동품 상인인 아버지의 영향으로 제조된 물건을 소중히 여겼습니다. 그는 진정한 음악 애호가였으며, 첼리스트인 어머니의 영향이 컸습니다. 전쟁 중 그는 이웃 대부분과 함께 수년간 굶주림에 시달렸습니다. 이러한 초기 영향은 악기의 미학에 대한 감상, 모으고 버려진 자원에 대한 매혹, 수집과 보존에 대한 사랑으로 나타났습니다.

아르망 - 중국의 밤, 1976. © 2018 아르망 스튜디오

1960년대 미국에 왔을 때, 아르망은 자신이 떠난 전후 유럽과는 다른 문화를 목격했습니다. 그는 세계가 이전에 본 적 없는 규모의 대량 소비를 목격했습니다. 그가 속한 문화에 대한 그의 지속적인 논평은 18미터 높이의 기념비적 공공 조각 장기 주차로 가장 잘 요약됩니다. 이 작품은 콘크리트에 갇힌 60대의 자동차로 구성되어 있습니다.

아르망 - 야마하의 정신, 1997, 잘라낸 그랜드 피아노와 야마하 오토바이. © 2018 아르망 스튜디오

의미가 모호할 수도 있지만, 이 조각은 아르망의 많은 작품처럼 현대인이 직관적으로 느끼는 무언가를 말합니다. 그것은 조립의 개념, 즉 서로 다른 부분을 맞추어 버려진 조각, 부서진 조각, 잔해, 그리고 우리의 집단 정체성을 의미 있고, 운이 좋으면 아름답게 만드는 행위를 말합니다.

대표 이미지: 아르망 - 축적 르노 106호, 1967
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio