프란츠 클라인과 그의 액션 페인팅 방식
만약 우리가 지금까지 상형문자를 해석하도록 만들어지지 않았다면 어떨까요? 만약 그것들이 기호가 아니라 단순히 예술로서 감상하기 위한 미적 형태라면 어떨까요? 어쨌든 그것들을 읽을 수 없는 우리에게는 분명히 그렇게 감상될 수 있습니다. 프란츠 클라인의 작품은 추상 표현주의의 진화 과정에서 해석이 필요한지, 혹은 어떤 추상 미술에서조차 해석이 가능한지에 대한 유사한 질문이 제기되던 순간을 대표합니다. 클라인의 상징적인 제스처 기법과 일반 가정용 페인트 붓의 사용이 결합되어 처음 보면 윌렘 드 쿠닝과 잭슨 폴락 같은 다른 액션 페인터들이 만든 붓 자국과 거의 일치하는 듯한 붓 자국이 만들어졌습니다. 그러나 그 화가들이 깊은 의미에 뿌리를 둔 작품을 만든 반면, 클라인은 오직 자기 자신만을 참조하는 작품을 만들었습니다. 그가 설명했듯이, 그가 만든 붓질은 “자기 존재 외에는 어떤 실체와도 관련이 없다.”
프란츠 클라인을 찾아서
만약 잠재의식의 깊이를 평생 탐구할 수 있었던 화가가 있다면, 그가 바로 프란츠 클라인이었을 것입니다. 클라인의 어린 시절은 고통으로 가득했습니다. 그의 아버지는 클라인이 겨우 일곱 살 때 돌아가셨고, 어머니는 곧 그를 고아원에 맡기고 재혼했습니다. 이후 클라인의 아내도 잦은 정신 질환으로 정신병원을 드나들었습니다. 1940년대 전 세계가 겪던 실존적 혼란과 더불어 클라인의 개인적 고난은 그를 추상 표현주의 공동체 내에서 떠오르던 잠재의식과 신비적 계시에 관한 사상을 대표하는 이상적인 인물로 만들었습니다.
프란츠 클라인 - 무제 II, 1952년, 잉크와 유성 페인트, 전화번호부 페이지를 오려 붙인 종이 위에 보드, 11 x 9 인치. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
많은 동시대 화가들과 마찬가지로 클라인은 원래 구상화가로 훈련받았습니다. 그의 초기 작품들은 뛰어난 형식적 기법과 고급스러운 드로잉 재능을 보여줍니다. 그는 뉴욕 스쿨의 일원인 윌렘 드 쿠닝, 잭슨 폴락, 로버트 마더웰, 한스 호프만, 필립 거스턴과 친분을 쌓으며 추상으로 전향했습니다. 그들의 영향으로 클라인은 초점을 좁혀 단순화된 흑백 팔레트로 구성된 대형 액션 페인팅에서 붓질의 본질을 탐구했습니다. 그러나 그의 초기 작품들, 예를 들어 페인트 상자 속 꼭두각시와 같은 구상 작품에서도 결국 그를 유명하게 만든 추상 스타일을 정의하는 동일한 붓질과 거친 구도 및 색채 감각이 드러납니다.
프란츠 클라인, 1954년 작업실에서, LIFE 매거진 표지에 실린 그의 상징적인 흑백 작품 두 점과 함께. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
미니멀리즘과의 연결고리
그는 추상 표현주의 뉴욕 스쿨의 창립 멤버들과 친구였고 오늘날에도 그들과 연관되어 있지만, 클라인의 작품 세계는 특정하고 중요한 면에서 그들과 다릅니다. 다른 추상 표현주의자들이 자신의 감정, 직관, 잠재의식을 탐구하여 깊이 개인적이고 숨겨진 의미가 가득한 작품을 만들었던 반면, 클라인은 회화의 형식적 특성, 즉 물감, 붓질, 구도, 색채에 관한 작품을 만들었습니다.
프란츠 클라인 - 무제 – 기관차. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
그는 동료 추상 표현주의자들이 고안한 제스처 회화 기법을 빌려와 자신만의 독특하고 역동적이며 신체적인 스타일을 발전시켰습니다. 그러나 클라인의 상징적인 액션 페인팅에는 신비주의나 숨겨진 의미가 없었습니다. 게다가 클라인의 회화 구성은 폴락의 작품처럼 즉흥적이고 본능적인 것이 아니라, 오히려 사전에 계획되어 오래된 전화번호부 페이지에 상세히 스케치된 경우가 많았습니다.
클라인은 자신의 작품 내용을 설명하거나 분석하기보다는 관람객이 단순히 붓 자국과 구도 자체와 상호작용하도록 권장했습니다. 상징이나 의미를 찾지 말고 단지 예술의 형식적 특성과 교감하라는 것이었습니다. 이 작품들은 모두 그의 독특한 붓질과 그 주변의 빈 공간에 대한 단일한 미적 감상에 관한 것이었습니다. 클라인은 작품의 감정적 영향이 이러한 형식적 특성의 감상을 통해 완전히 경험될 수 있다고 느꼈으며, 그것이 가장 중요한 초점이라고 주장했습니다. 이러한 개인적 스타일을 통해 그는 추상 표현주의자들의 신비주의와 미니멀리즘이 받아들인 형식주의 사이의 연결고리가 되었습니다.
프란츠 클라인 - 무제 – 흔들의자. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
드 쿠닝과의 인연
클라인이 추상 거장으로 발전한 가장 자주 회자되는 이야기는 이렇습니다: 그는 이미 소규모로 제스처 액션 페인팅을 하고 있었습니다. 1946년작인 무제 – 기관차와 무제 – 흔들의자 같은 작품들은 붓질, 선, 색채, 구도의 모든 원재료를 담고 있어 결국 그의 후기 스타일을 정의하게 됩니다. 전설에 따르면 클라인의 친구 윌렘 드 쿠닝이 클라인에게 이 작은 그림들을 벽에 크게 투사하여 붓 자국 하나하나를 단독으로 감상할 수 있도록 권유했다고 합니다.
프란츠 클라인 - 치프, 1950년, 캔버스에 유성 페인트, 58 3/8 x 73 ½ 인치. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
예술계의 모든 이야기와 마찬가지로 이 이야기에도 반대하는 이들이 있습니다. 사실에 기반한 신화인지 아닌지는 중요하지 않습니다. 1940년대 후반 그의 작품에서 클라인이 이미 붓 자국의 형식적 본질과 특징을 분리하는 방향으로 나아가고 있었음은 분명합니다. 드 쿠닝이 그에게 대형 작업을 권유했든, 클라인이 스스로 그 아이디어를 냈든 큰 차이는 없습니다. 어쨌든 1950년까지 그는 대형 작업을 완전히 받아들였습니다. 그 해 그는 뉴욕의 찰스 이건 갤러리에서 첫 개인전을 열어 치프와 같은 대형 붓질 작품을 미국에 소개했습니다.
사이 트웜블리 - 무제, 1951년, 캔버스에 산업용 페인트, 85 x 101 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
교사로서의 프란츠 클라인
1950년대 내내 클라인은 더욱 유명해지고 영향력도 커졌습니다. 그는 이 시기에 블랙 마운틴 대학과 브루클린의 프랫 연구소 등 여러 기관에서 가르쳤습니다. 그의 제자들의 작품에서 가장 뚜렷하게 드러나는 점은 제스처, 자국 만들기, 신체성에 대한 자신만의 관계를 탐구하려는 의지입니다. 클라인의 가장 유명한 제자 중 한 명은 1951년 블랙 마운틴에서 클라인에게 배운 추상 화가 사이 트웜블리로, 그의 독특한 스타일은 클라인의 기법에 깊이 영향을 받았습니다.
프란츠 클라인 - 킹 올리버, 1958년, 캔버스에 유성 페인트, 251.4 x 196.8 cm. © 2018 The Franz Kline Estate/Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
1950년대 후반에 클라인은 색채 팔레트를 넓혀 스타일을 확장했습니다. 1958년작 킹 올리버 같은 작품에서 그의 상징적인 개인 스타일과 제스처 붓질은 여전히 뚜렷하지만, 확장된 색채 팔레트는 붓 자국의 특성에서 벗어나 회화의 다른 형식적 특성에 대한 더 깊은 탐구로 시선을 이끕니다. 클라인은 이 시기에 뉴욕 현대미술관이 주최한 새로운 미국 회화라는 순회 전시에 작품이 포함되어 국제적 명성을 얻었습니다.
프란츠 클라인은 1962년 심장마비로 갑자기 세상을 떠났습니다. 그는 미니멀리즘과 포스트 페인터리 추상 같은 운동이 완전히 꽃피는 것을 보지 못했지만, 추상 표현주의 붓 자국의 형식적 특성에 집중한 그의 작업은 이들의 지적 발전과 비평적 성공에 분명히 기여했습니다. 클라인의 상징적인 작품을 통해 우리는 개념적 다리가 놓이는 것을 볼 수 있습니다. 예술가이자 교육자로서 그의 작업은 자신의 세대와 후대에 회화를 초월적 경험의 매개체가 아닌 대상 그 자체로 바라보도록 격려했으며, 20세기 후반 현대미술이 창의적이고 자유롭게 남도록 도왔습니다.
대표 이미지: 프란츠 클라인 - 페인트 상자 속 꼭두각시, 1940년, 캔버스 보드에 유성 페인트, 14 x 18 인치.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
