포스트 페인터리 추상화 - 의미와 범위
미술사적 관점에서 모더니즘은 하나의 운동이라기보다는 예술의 자기 인식 과정에 가깝습니다. 객관적 재현에 집중하기보다는 모더니스트 화가들은 추상이나 색채, 형태, 동작, 표면과 같은 회화의 형식적 특성을 통해 무엇을 표현할 수 있는지 탐구했습니다. 모더니스트 회화 운동 중에서 포스트 페인터리 추상은 20세기 후반 포스트모더니즘적 태도가 두드러지기 전 마지막으로 등장한 운동 중 하나였습니다. 이 운동은 회화의 가장 본질적인 요소인 이차원성, 즉 평면성에 집중했습니다. 서사적 주제나 작가 자신의 개성에 대한 어떤 언급도 배제했습니다. 이는 미술 평론가 클레멘트 그린버그가 모더니스트 회화의 핵심이라고 여긴, 회화를 “가능한 본질”로 축소하는 데 성공했습니다.
포스트 페인터리 추상의 원칙
포스트 페인터리 추상을 이해하려면 그 반대 개념인 페인터리 추상을 생각해보는 것이 도움이 됩니다. 그 완벽한 예가 바로 추상 표현주의입니다. 잭슨 폴록의 튀긴 그림을 상상해보세요. 원초적인 에너지와 내재된 극적 요소가 느껴집니다. 이는 폴록의 무의식적 자아의 표현입니다. 물감이 층층이 쌓이고 더미를 이루어 능선과 골짜기를 만듭니다. 유리 조각이나 담배꽁초 같은 이물질이 매체와 뒤섞여 생생하고 “화가다운” 작품을 만들어내며, 작가의 손길과 개성, 자아가 모든 흔적에 드러납니다.
헬렌 프랭켄탈러 - 접근법, 1962년, 캔버스에 유화, 82 x 78 인치, 스탠퍼드 대학교 앤더슨 컬렉션, © 헬렌 프랭켄탈러 재단/예술가 권리 협회(ARS), 뉴욕
포스트 페인터리 추상화에서는 붓질 자국이 보이지 않습니다. 그림 표면은 평평합니다. 물감과 표면이 하나가 됩니다. 색채는 층을 이루지 않고 선형이며, 생생하고 밝아 그 자체의 본질적 특성을 표현할 뿐 다른 것은 없습니다. 그림에는 색채, 형태, 공간 외에 다른 세부 사항이 없습니다. 구성이 이야기를 전하거나 무의식적 극적 요소를 전달하기보다는, 구성이 열려 있어 색채와 표면의 형식적 특성이 작품의 주제가 됩니다. 완벽한 예가 1964년 미국 화가 케네스 놀랜드가 그린 다리입니다.
케네스 놀랜드 - 다리, 1964년, 캔버스에 아크릴, 89 x 98 인치, © 케네스 놀랜드
모더니즘과 포스트모더니즘
포스트 페인터리 추상을 모더니즘 미술 운동 중 마지막에 속한다고 부르는 것은 다소 혼란스러울 수 있습니다. 어쨌든 모더니즘이 오늘날에도 계속되고 있다고 믿는 이들이 많기 때문입니다. 자신이 모더니스트인지 포스트모더니스트인지의 여부는 기본적으로 무엇을 믿느냐에 달려 있습니다. 포스트모더니즘은 역사를 상대적인 것으로 보고, 선형적 “진보” 개념을 허튼소리로 여깁니다.
잭 부시 - 나이스 핑크, 1965년, 캔버스에 아크릴, © 잭 부시
모더니즘은 상호 합의된 형식적 예술 과거에 기반을 두었습니다. 모더니즘은 예술의 진화를 요구했습니다. 새로움을 요구했고, 새로움은 발명을 필요로 했으며, 발명은 이전에 무엇이 있었는지 이해하는 것을 필요로 했습니다. 본질적으로 모더니즘은 이야기를 전합니다. “예술가들은 이것을 하다가 저것을 하기 시작했다”는 식입니다. 모더니즘 미술 작품의 맥락적 영향을 이해하려면, 그 작품이 당시 왜 혁신적이었는지, 그리고 그 작품이 속한 운동과 그 운동이 미술사 내에서 어떤 위치에 있는지 이해해야 합니다.
엘스워스 켈리 - 블루 화이트, 1962년, 캔버스에 유화, © 엘스워스 켈리
1964년 포스트 페인터리 추상 전시회
미술 평론가 클레멘트 그린버그는 진정한 모더니스트로, 미술사의 거대한 이야기 구조를 믿었으며 현대 경향을 그 큰 이야기와 연관 지어 맥락화하는 데 열정을 쏟았습니다. 그린버그의 진정성과 깊은 역사 지식은 그를 20세기 모더니즘의 가장 영향력 있는 이야기꾼 중 하나로 만들었습니다. 그는 19세기 중반부터 모더니즘의 진화를 설명하고 그 발전을 맥락화하며, 추상 표현주의를 포함한 제2차 세계대전 이후 가장 잘 알려진 운동들의 이름을 붙임으로써 모더니즘 서사를 정의했습니다.
모리스 루이스 - 어스 개밋, 1961년, 캔버스에 아크릴 수지(매그나), 86 7/8 x 60 인치, 저작권 © MICA / 예술가 권리 협회(ARS), 뉴욕
그린버그는 1964년 로스앤젤레스 카운티 미술관에서 같은 이름의 전시회를 기획하며 포스트 페인터리 추상이라는 용어를 만들고 정의했습니다. 이 전시회에는 그린버그가 모더니즘 미술의 새로운 경향을 대표한다고 본 31명의 작가 작품이 출품되었습니다. 전시회에 포함된 작가들 중에는 이후 20세기 가장 유명한 화가가 된 이들도 다수 있었는데, 헬렌 프랭켄탈러, 잭 부시, 엘스워스 켈리, 모리스 루이스, 케네스 놀랜드, 그리고 프랭크 스텔라가 그들입니다.
케네스 놀랜드 - 카드뮴 레디언스, 1963년, 캔버스에 매그나, © 케네스 놀랜드
포스트 페인터리 추상의 별들
헬렌 프랭켄탈러는 LACMA 포스트 페인터리 추상 전시회에 세 작품을 출품했습니다. 그중에는 프랭켄탈러의 독특한 “스톡 스테인” 기법이 돋보이는 접근법이 포함되어 있습니다. 이 기법은 희석한 물감을 바탕칠하지 않은 캔버스에 직접 부어 매체가 유기적인 형태를 취하도록 하면서 붓질 자국을 없애 작가의 손길이 드러나지 않도록 한 것입니다.
잭 부시는 캐나다 출신의 추상 화가로, 페인터스 일레븐이라는 그룹과 연관되어 있었습니다. 페인터스 일레븐의 작가들은 공통된 스타일을 공유하지 않았지만 모두 추상 작품을 만들고 서로의 노력을 지지하는 데 헌신했습니다. 클레멘트 그린버그는 이 그룹의 영향력 있는 후원자였으며, 특히 부시의 작품에 관심을 가지고 그의 색채와 형태를 계속 다듬고 단순화하도록 격려했습니다.
엘스워스 켈리의 생생하고 극도로 평평한 그림들은 자연에서 관찰한 형태를 정제한 상징적인 시각 언어를 담고 있습니다. 그는 포스트 페인터리 추상의 발전에 기여했을 뿐 아니라, 형태가 있는 단색 작품으로 미니멀리즘과 개념미술에도 영향을 미쳤습니다. 켈리가 LACMA 포스트 페인터리 추상 전시회에 출품한 작품 중에는 블루 화이트가 있습니다.
헬렌 프랭켄탈러와 동시대인인 볼티모어 출신 모리스 루이스도 붓질 자국을 피하기 위해 바탕칠하지 않은 캔버스에 직접 물감을 부었습니다. 그의 미학은 생생하고 다채로운 색 띠를 포함하며, LACMA 전시회에 출품된 어스 개밋이 그 예입니다.
케네스 놀랜드의 작업 목표는 모든 감정의 흔적을 제거하는 것이었습니다. 그는 동심원과 색 띠로 이루어진 평평한 표면을 바탕으로 한 미학적 어휘를 창조했습니다. 그의 작품은 질감이 없고, 동작이나 작가의 손길을 전혀 드러내지 않습니다. 그는 포스트 페인터리 추상뿐 아니라 미니멀리즘에 영향을 준 아이디어의 선구자로 여겨집니다.
현재 80세로 여전히 활동 중인 프랭크 스텔라는 현대 추상 미술에서 가장 잘 알려진 이름 중 하나가 되었습니다. 그의 작업은 여러 운동에 걸쳐 있으며 분류하기 어렵습니다. 스텔라는 포스트 페인터리 추상 초기 작품으로 이름을 알렸으며, LACMA 전시회에 세 작품이 포함되었습니다. 그중 하나가 바로 헨리 가든입니다.
대표 이미지: 프랭크 스텔라 - 헨리 가든, 1963년, 캔버스에 유화, 80 x 80 인치, 레오 카스텔리 갤러리, 뉴욕, © 프랭크 스텔라
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
