포스트 페인터리 추상화 - 의미와 범위
미술사적 용어로 볼 때, 모더니즘은 운동이 아니었습니다. 그것은 오히려 예술의 자기 인식 과정이었습니다. 객관적 표현에 집중하기보다는, 모더니스트 화가들은 추상화를 통해 또는 색상, 형태, 제스처 및 표면과 같은 회화의 형식적 특성을 통해 자신이 표현할 수 있는 것을 탐구했습니다. 모더니스트 회화 운동 중에서, 포스트-페인터리 추상화는 20세기 후반에 포스트-모더니스트 태도가 두드러지기 전에 등장한 마지막 운동 중 하나였습니다. 그것은 회화의 가장 본질적인 요소인 이차원성 또는 평면성에 초점을 맞추었습니다. 그것은 내러티브 주제에 대한 언급과 예술가 자신의 개성을 모두 제거했습니다. 그것은 미술 비평가 클레멘트 그린버그가 모더니스트 회화의 가장 중요한 점으로 간주한 것을 달성했으며, 그것은 회화를 "유효한 본질"로 축소하는 것이었습니다.
포스트 페인터리 추상주의의 원칙
포스트 페인터리 추상화를 이해하기 위해서는 그 반대인 페인터리 추상화를 고려하는 것이 도움이 됩니다. 페인터리 추상화의 완벽한 예는 추상 표현주의입니다. 잭슨 폴록의 스플래터 페인팅 중 하나를 상상해 보세요. 그것은 원초적인 에너지와 내재된 드라마를 가지고 있습니다. 이는 폴록의 무의식적인 자아의 표현입니다. 페인트는 층과 더미로 쌓여져 능선과 계곡을 형성합니다. 유리 조각과 담배 꽁초와 같은 잔해가 매체와 뒤섞여 생생하고 "페인터리"한 작품을 만들어냅니다. 여기서 예술가의 손, 개성, 자아가 모든 자국에 드러납니다.
헬렌 프랭켄탈러 - 접근, 1962, 캔버스에 유채, 82 x 78 인치, 스탠포드 대학교 앤더슨 컬렉션, © 헬렌 프랭켄탈러 재단, Inc./아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
포스트 페인터리 추상화에서 눈에 보이는 붓 자국은 없다. 그림의 표면은 평평하다. 물감과 표면은 하나이다. 색상은 선형적이며, 층이 없고, 또한 생생하고 밝아 그 자체의 본질적인 특성을 표현하지만 그 외에는 아무것도 없다. 그림에는 색상, 형태 및 공간 외에 다른 세부 사항이 없다. 구성은 이야기를 하거나 잠재의식의 드라마를 전달하기보다는, 구성은 열려 있어 색상과 표면의 형식적 특성이 작품의 주제가 되도록 한다. 완벽한 예는 1964년 미국 화가 켄넬 놀랜드가 그린 다리이다.
케네스 놀랜드 - 브리지, 1964, 아크릴화, 89 x 98 인치, © 케네스 놀랜드
모더니즘 대 포스트모더니즘
포스트 페인터리 추상화를 마지막 현대 미술 운동 중 하나로 부르는 것은 혼란스러울 수 있습니다. 결국, 현대주의가 오늘날에도 여전히 진행되고 있다고 믿는 사람들이 많습니다. 자신을 현대주의자 또는 포스트 현대주의자라고 생각하는 것은 기본적으로 당신이 무엇을 믿는지에 달려 있습니다. 포스트 현대주의는 역사를 상대적이라고 여기며, 선형적 "진보" 개념을 허튼소리로 간주합니다.
잭 부시 - 예쁜 분홍색, 1965, 아크릴화, © 잭 부시
모더니즘은 상호 합의된 형식적 예술 과거의 아이디어에 기반을 두고 있었습니다. 모더니즘은 예술적 진화를 요구했습니다. 그것은 새로운 것을 요구했으며, 이는 발명을 필요로 했고, 이는 다시 이전에 있었던 것에 대한 이해를 필요로 했습니다. 본질적으로 모더니즘은 이야기를 전합니다. 그것은 "예술가들은 이것을 하다가 이것을 하기 시작했다"고 말합니다. 모더니스트 예술 작품의 맥락적 영향을 이해하기 위해서는 먼저 그것이 그 시대에 혁신적이었던 이유를 이해해야 하며, 이는 특정 운동 내에서의 위치와 그 운동이 더 큰 예술 역사적 서사 내에서의 위치를 이해하는 것을 필요로 합니다.
엘스워스 켈리 - 블루 화이트, 1962, 캔버스에 유채, © 엘스워스 켈리
1964년 포스트 페인터리 추상 전시회
예술 비평가 클레멘트 그린버그는 진정한 모더니스트로, 그는 예술 역사에 대한 포괄적인 서사를 믿었고 현대의 경향을 그 더 큰 이야기와 관련지어 맥락화하려는 강한 충동을 느꼈습니다. 그린버그의 진정성과 깊은 역사적 지식은 그를 모더니즘의 가장 영향력 있는 이야기꾼 중 한 명으로 만들었습니다. 20세기 전반에 걸쳐 그의 방대한 저작물은 1800년대 중반 이후 모더니즘 서사를 정의하고, 그 발전을 맥락화하며, 심지어 제2차 세계대전 이후의 가장 잘 알려진 운동인 추상 표현주의를 명명함으로써 그 서사를 형성했습니다.
모리스 루이스 - 어스 가뭇, 1961, 아크릴 수지 (마그나) 캔버스 위, 86 7/8 x 60 인치, 저작권 © MICA / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
그린버그는 1964년 로스앤젤레스 카운티 미술관에서 같은 이름의 전시회를 기획함으로써 포스트 페인터리 추상(Post-Painterly Abstraction)이라는 용어를 만들고 정의했습니다. LACMA 포스트 페인터리 추상 전시회에는 그린버그가 현대 미술의 새로운 경향을 대표한다고 생각한 31명의 예술가의 작품이 전시되었습니다. 전시회에 포함된 예술가들 중에는 헬렌 프랭켄탈러(Helen Frankenthaler), 잭 부시(Jack Bush), 엘스워스 켈리(Ellsworth Kelly), 모리스 루이스(Morris Louis), 케네스 놀랜드(Kenneth Noland), 그리고 프랭크 스텔라(Frank Stella)와 같이 20세기 가장 유명한 화가들 중 일부가 포함되어 있었습니다.
케네스 놀랜드 - 카드뮴 광채, 1963, 마그나 캔버스, © 케네스 놀랜드
포스트 페인터리 추상화의 별들
헬렌 프랭켄탈러는 LACMA 포스트-화가적 추상 전시회에 세 점의 작품을 기증했습니다. 포함된 작품은 접근으로, 프랭켄탈러의 독특한 "흡수 얼룩" 기법이 특징입니다. 이 기법은 희석된 물감을 프라이밍되지 않은 캔버스에 직접 붓는 것으로, 매체가 유기적인 형태를 채택하도록 하면서도 화가의 손길이 드러나지 않도록 붓 자국을 없애는 것이었습니다.
잭 부시는 페인터스 일레븐(Painters Eleven)이라는 그룹과 관련된 캐나다의 추상 화가였습니다. 페인터스 일레븐의 예술가들은 공통된 스타일을 공유하지 않았습니다. 오히려 그들은 단순히 추상 작업을 만드는 데 헌신하고 서로의 노력을 지원하는 데 전념했습니다. 클레멘트 그린버그(Clement Greenberg)는 이 그룹의 영향력 있는 지지자였으며, 부시의 작업에 특별한 관심을 기울여 그의 색상과 형태를 계속 다듬고 단순화하도록 격려했습니다.
엘스워스 켈리의 생생하고 초평면적인 그림은 그가 자연에서 관찰한 형태의 정수를 바탕으로 한 상징적인 시각 언어를 통합합니다. 포스트 페인터리 추상화의 발전에 대한 그의 기여 외에도, 그는 형태가 있는 단색 작품으로 미니멀리즘과 개념 미술에도 영향을 미쳤습니다. 켈리가 LACMA의 포스트 페인터리 추상화 전시에 기여한 작품 중 하나는 블루 화이트입니다.
그의 동시대 화가 헬렌 프랭켄탈러처럼, 볼티모어에서 태어난 모리스 루이스는 붓 자국의 모습을 피하기 위해 비프라이밍 캔버스에 직접 페인트를 쏟았다. 그의 미학은 쏟아진 색상의 생생하고 다채로운 띠를 포함했으며, 이는 LACMA 전시회에 포함된 Earth Gamut이라는 그림으로 표현되었다.
켄네스 놀랜드에게 그의 작업의 목표는 감정의 모든 유사성을 제거하는 것이었다. 그는 동심원과 색상의 띠로 구성된 평면 표면을 기반으로 한 미적 어휘를 창조했다. 그의 작품은 질감이 결여되어 있어 제스처나 예술가의 손을 드러내지 않는다. 그는 포스트 페인터리 추상뿐만 아니라 미니멀리즘에 영향을 미친 아이디어에서도 선구자로 여겨진다.
오늘날 80세의 나이에도 여전히 활동 중인 프랭크 스텔라는 현대 추상화에서 가장 인지도가 높은 이름 중 하나가 되었습니다. 그의 노력은 여러 운동에 걸쳐 있으며 범주화에 도전합니다. 스텔라는 포스트 화가적 추상화에서 초기 작품으로 이름을 알렸고, LACMA 전시회에 세 점의 작품이 포함되었습니다. 그 중 하나가 이 작품, 헨리 가든입니다.
특집 이미지: 프랭크 스텔라 - 헨리 가든, 1963, 유화, 80 x 80 인치, 레오 카스텔리 갤러리, 뉴욕, © 프랭크 스텔라
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
