켄넬드 놀랜드의 그림에서 색상, 초점 및 분야

일반 관람객은 Kenneth Noland을 디자인을 그리는 화가로 오해할 수 있습니다. 실제로 가장 기억에 남는 Kenneth Noland의 작품들은 제한된 형태와 무늬를 표현합니다: 원, 꺾쇠무늬, 다이아몬드, 줄무늬와 격자무늬. 그러나 그런 관점과 달리, Noland는 형태나 디자인에 전혀 관심이 없었습니다. 그가 같은 이미지를 반복해서 사용한 이유는 반복이 관람객으로 하여금 형태와 디자인을 무시하고, 대신 그의 진정한 관심사인 색채와 공간의 무한한 가능성에 집중하게 만들 것이라고 믿었기 때문입니다.

스타일로의 여정

탁월한 예술가일 뿐만 아니라 Kenneth Noland은 미군 제대 군인들이 대학 등록금을 면제받을 수 있는 미국 정부 프로그램인 G.I. 법의 가치를 보여주는 훌륭한 사례이기도 합니다. 1942년, Noland는 18세에 미 공군에 입대했습니다. 제2차 세계대전이 끝난 후 고향인 노스캐롤라이나로 돌아와 그는 G.I. 법 혜택을 이용해 지역 미술 학교에 입학했습니다. 그 학교는 유명한 블랙 마운틴 대학이었는데, 이곳은 바우하우스의 영향력 있는 교사들이 나치의 간섭으로 학원이 폐쇄되자 이주해 온 곳이었습니다.

블랙 마운틴 대학에서 Noland는 네오플라스티시즘의 창시자인 피에트 몬드리안의 제자였던 일리야 볼로토프스키에게 배웠습니다. 네오플라스티시즘 전통에 따라 볼로토프스키는 단순한 기하학적 무늬와 순수한 색채를 옹호했습니다. Noland는 또한 색채 관계에 열정적인 현대주의 이론가이자 화가인 요제프 알버스에게서도 배웠습니다. Noland는 스승들의 가르침을 흡수하고 그들의 아이디어를 발전시켜, 생생한 색채로 이루어진 단순한 구성의 표현 능력에 평생 관심을 기울였습니다.

Kenneth Noland - Globe, 1956. 캔버스에 아크릴. 60 x 60 인치. Cornelia Noland Reis 소장. © Kenneth Noland

포스트 페인터리 추상

모리스 루이스, 헬렌 프랭켄탈러, 클리포드 스틸, 마크 로스코, 줄스 올리츠키와 함께 Kenneth Noland는 곧 컬러 필드 운동과 연관되었으며, 이는 포스트 페인터리 추상이라 불리는 예술 경향 중 하나입니다. 1964년 클레멘트 그린버그가 로스앤젤레스 카운티 미술관에서 기획한 전시를 위해 만든 용어인 포스트 페인터리 추상은 두껍고 질감이 느껴지는 화풍에서 벗어나 평평한 표면과 붓자국이 보이지 않는 경향을 뜻합니다.

컬러 필드 페인팅이라는 용어는 다소 모호한 정의를 갖고 있지만, Kenneth Noland는 포스트 페인터리 추상의 전형적인 대표자였습니다. 그의 작품은 추상 표현주의의 개인적 드라마를 거부했습니다. 그는 콜라주, 조립, 발견된 물체 등 복잡한 요소를 배제하고 가장 단순한 재료인 물감과 캔버스에 의존해 그림을 단순화했습니다. 그의 색채는 선명하고 순수했으며, 구성은 직접적이고 단순했으며, 이미지와 지지체가 하나가 되었습니다.

Kenneth Noland - Lapse, 1976. 캔버스에 아크릴. 75 x 141 인치. © Kenneth Noland

색채와 공간의 융합

Noland는 1956년경 처음으로 이른바 컬러 필드 페인팅을 만들었습니다. 이 작품들은 동심원으로 이루어진 색채 원들로 구성되어 있습니다. 이 그림들이 전쟁 경험과 관련이 있을 것이라는 추측도 가능하지만, Noland는 여러 인터뷰에서 원 모티프를 선택한 이유가 색채 경험에 눈을 끌기 위한 비이미지적 형태였기 때문이라고 말했습니다. 그러나 그의 작품은 단지 색채만을 다룬 것이 아니었습니다. 그것들은 그림과 그 표면 사이의 분리를 직면하는 문제이기도 했습니다.

대부분의 미술사에서 그림은 준비된 표면 위에 그려진 이미지로 여겨졌습니다. 즉, 캔버스는 미리 크기 조정되고 팽팽하게 당겨졌으며 바탕칠이 되어 있었습니다. 그것은 그림을 기다리고 지지하며 이미지와 분리되어 있었습니다. Noland와 같은 화가들의 생각에 그 분리는 해로웠습니다. 자유롭고 방해받지 않는 표현을 즐기기보다는, 작가는 아직 상상되지 않은 이미지를 위해 미리 정해진 지지체에 의해 제한되거나 방향을 정해졌습니다. Noland는 이미지와 지지체를 결합하여 색채와 공간을 하나로 융합하는 통일된 미적 표현을 원했습니다.

Kenneth Noland - Morning Span, 1963. 캔버스에 아크릴. 103.7 x 142.5 인치. © Kenneth Noland

통일된 표현 대상

Noland는 1953년 화가 헬렌 프랭켄탈러의 작업실 방문에서 깨달음을 얻었습니다. 뉴욕 작업실에서 프랭켄탈러는 그녀가 ‘흡수-염색 기법’이라 부르는 방식을 개척했습니다. 미리 바탕칠한 캔버스에 그림을 그리는 대신, 그녀는 바탕칠하지 않은 캔버스를 바닥에 펼쳐 놓고 그 위에 직접 물감을 부었습니다. 물감은 표면과 융합되어 유기적으로 퍼지며 천과 하나가 되었습니다. 물감과 지지체가 하나의 존재가 된 것입니다.

Kenneth Noland - Mach II, 1964. 캔버스에 아크릴 수지. 98 x 208 인치. © Kenneth Noland

Noland는 즉시 프랭켄탈러의 흡수-염색 기법을 받아들였습니다. 이 기법은 색채가 내재된 통일된 대상을 만들 수 있게 해주었고, 화가의 개성을 드러내는 붓자국을 없앨 수 있게 했습니다. 이 두 가지 진보 덕분에 그는 특정 대상을 묘사하는 데 집중하지 않고, 색채, 표면, 질감, 대칭, 규모와 같은 본질적 요소에 집중하는 그림을 만들기 시작할 수 있었습니다.

Kenneth Noland - Interlock Color, 1973. 캔버스에 아크릴. © Kenneth Noland

자르기

Noland와 동시대 화가 모리스 루이스가 헬렌 프랭켄탈러에게서 흡수-염색 기법을 배운 것은 잘 알려져 있습니다. 그러나 Kenneth Noland가 경력 후반에 채택한 또 다른 기법이 있는데, 이것 역시 프랭켄탈러에게서 영감을 받았을 가능성이 있습니다. 그것은 바로 자르기 기법입니다. 사진에서 자르기는 인화할 노출 부분만 선택해 원하는 부분만 드러내는 것을 뜻합니다. 프랭켄탈러의 작업실 사진 중 많은 수가 거대한 팽팽하지 않은 캔버스 위에서 작업하는 모습을 보여줍니다. 그녀는 그림을 그린 후 캔버스를 자르고 틀에 맞추었는데, 이는 가능한 한 제약 없이 이미지를 발전시키고 가장 표현력이 뛰어난 부분을 선택할 수 있게 했습니다. 이 기법은 Kenneth Noland가 특히 형태가 있는 캔버스를 만들기 시작했을 때 광범위하게 사용한 방법입니다. 그는 바닥에 거대한 캔버스를 펼쳐 공간적 제한 없이 색채 구성을 만들었습니다. 이는 최종 결과에 대한 걱정 없이 색채 관계를 자유롭게 탐구할 수 있게 했습니다. 창작과 발견 과정이 끝나면 그는 무한한 가능성 중에서 틀에 맞출 영역을 선택해 최종 그림을 ‘찍어내는’ 편집 과정을 거쳤습니다. Noland는 1977년 Art in America와의 Diane Waldman 인터뷰에서 이 과정의 아름다움을 이렇게 말했습니다. “색채는 그림의 가장자리나 내부 공간 어디에나 있을 수 있습니다: 위, 아래, 왼쪽, 오른쪽의 문제는 완전히 유연해졌고, 평행, 수직, 수평의 문제도 마찬가지였습니다.”

Kenneth Noland - Summer Plain, 1967. 캔버스에 아크릴. © Kenneth Noland

단순함의 깊이

Kenneth Noland는 색채의 추상적 본질을 탐구하기 위해 때때로 조각가들에게 눈을 돌렸습니다. 특히 조각가 데이비드 스미스에게 영감을 받았고, 때로는 조각가 토니 카로와 협업하여 조각이 완성된 후 그 위에 그림을 그리기도 했습니다. 그는 순전히 호기심과 실험 정신으로 이 작업을 했으며, 무엇을 찾으려 했는지, 또는 그런 실험이 어떤 의미를 지니는지 정확히 표현할 수 없었습니다. 그는 “우리는 비언어적인 삶의 많은 의미를 간과하는 경향이 있습니다. 색채는 묘사적이거나 문학적인 특성을 부여하지 않고도 삶의 경험과 기분, 표현의 전 범위를 전달할 수 있습니다.”라고 말했습니다.

Kenneth Noland - Cadmium Radiance. © Kenneth Noland

복잡함을 선호하는 사람들은 단순함과 호기심만으로 이루어진 경력을 쉽게 무시할 수 있습니다. Kenneth Noland의 그림은 실제로 아무런 드라마도 담고 있지 않은 것처럼 보입니다. 그럼에도 불구하고 그들은 표현력이 있습니다. 아이의 울음소리, 종소리, 사이렌 소리와 같습니다. 우리는 그것들이 무엇인지 즉시 알아차립니다. 그들이 우리에게 반응하라고 요청한다는 것을 알지만, 그 정확한 목적이나 우리가 어떻게 반응해야 하는지는 이해하지 못할 수도 있습니다. 그러나 종소리, 울음소리, 사이렌처럼 모두가 반응할 필요는 없을지도 모릅니다.

대표 이미지: Kenneth Noland - April (세부), 1960. 캔버스에 아크릴. 16 x 16 인치. © Kenneth Noland
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio 제공