오늘날의 아티스트들: 로스코의 색면화 스타일에서 영감을 받다
침묵은 너무나 정확하다.
Mark Rothko
오늘날 Mark Rothko의 상징적인 색면 회화 양식을 계승하는 작가를 찾을 때, 우리는 그와 비슷해 보이는 작품만 찾아서는 안 됩니다. 비슷한 생각에 기반한 작품도 추구해야 합니다. 현대 색면 회화 작가가 Rothko의 시각적 양식을 모방하는 것은 한 가지 일입니다. Rothko의 의도를 공유하고 성공적으로 전달하는 것은 전혀 다른 일입니다. 그렇다면 Rothko의 의도가 무엇이었는지 어떻게 알 수 있을까요? 간단합니다. 그가 우리에게 직접 말했기 때문입니다.
1971년, 텍사스주 휴스턴시는 독특한 예술 작품의 수혜자가 되었습니다. 바로 14점의 대형 Rothko 회화를 담은 모더니즘 양식의 팔각형 건축물, Rothko Chapel입니다. 입구에는 세계 여러 종교의 경전이 방문객에게 제공됩니다. 방문객은 책을 공간 안으로 가져갈 수도 있고 가져가지 않을 수도 있습니다. Rothko는 건물과 그 안에 담긴 예술이 하나의 작품이라고 여겼습니다. 이 예배당은 그의 대표적인 업적입니다. 또한 이 작품은 Rothko의 의도를 분명히 보여 줍니다. 그의 회화는 그 자체로 목적이 아니라, 관람자가 색을 통해 더 큰 경험에 접근할 수 있도록 하는 수단으로 보아야 한다는 것입니다.
다시 말해 Rothko는 관람자가 단순히 색의 배열을 감상하는 데 그치지 않기를 바랐습니다. 그는 색과의 만남이 감정과 사색, 그리고 자신의 내면 경험에 대한 고양된 인식을 위한 공간을 열어 주기를 원했습니다. 그 자신이 이렇게 말했듯이 말입니다. "색의 관계에 의해서만 감동받는다면, 핵심을 놓치고 있는 것이다."
아래의 열 작가는 이러한 의도를 이어 갑니다. 그중 다섯 명은 IdeelArt와 함께 작업하며, 우리는 그들의 작업을 스튜디오에서부터 깊이 이해하고 있습니다. 나머지 다섯 명은 우리의 작가 명단 밖에서 활동합니다. 누구도 Rothko를 모방하지 않습니다. 각자는 서로 다른 매체를 통해 색이나 빛을 목적지가 아닌 통로로 다룹니다.
Rothko의 의도를 공유하는 IdeelArt 작가 5인
Paul Snell
호주 출신 작가 Paul Snell은 태즈메이니아주 론서스턴에서 생활하며 작업합니다. 그는 장소나 사물을 찍은 사진에서 시작해, 알아볼 수 있는 요소를 모두 디지털 방식으로 벗겨 내고 색의 띠와 리듬, 빛만 남깁니다. 완성된 작품은 금속성 종이에 인화한 염료 감응 인화물로, Plexiglass에 장착되어 회화 표면처럼 빛납니다. Snell은 자신의 목표를 분명하게 말합니다. "색, 리듬, 공간 속에 관람자를 몰입시켜 내면의 성찰과 초월이라는 감각적 경험을 만들어 내는 것"입니다. 우리가 함께 작업하는 모든 작가 중 그의 말은 Rothko의 말과 가장 가깝습니다.
Anne Katrine Senstad
뉴욕과 오슬로를 오가며 활동하는 노르웨이 예술가 Anne Katrine Senstad는 사진, 비디오, 네온, 몰입형 설치 작업을 넘나듭니다. 2020년 뉴욕의 Freight + Volume에서 선보인 그녀의 시리즈 Color Kinesthesia는 로스코의 색면회화와 대화를 나누며 구상되었습니다. 이 제목은 색채의 전환에 대한 신체의 반응을 가리키며, 그녀는 컬러 필름 네거티브를 촬영해 이를 포착합니다. Senstad는 자신의 작업을 영적인 것이 아니라 빛, 소리, 색채에 대한 지각적·인지적 반응으로 설명합니다. 이러한 차이는 그녀를 매력적인 계승자로 만듭니다. 그녀는 믿음이 아니라 지각을 통해 로스코의 열려 있는 내면의 공간에 도달합니다. 또한 제다의 Athr Gallery에서 열린 빛 예술 전시 Through The Spectrum에서 James Turrell과 함께 작품을 선보였습니다.
Senstad는 텔레비전 시리즈 Immersive World에도 소개되었으며, 한 에피소드에서는 그녀의 작업을 Anthony McCall과 Dan Flavin의 작업과 함께 조명 조각을 탐구했습니다. 이러한 맥락은 이 글의 중심 생각을 확장합니다. 색채는 몰입형 경험이 되기 위해 반드시 회화 표면에 머물러 있을 필요가 없습니다.
Anne Katrine Senstad의 작품을 만나보세요
Yari Ostovany
이란 태생의 미국 화가 Yari Ostovany는 샌프란시스코에서 거주하며 작업하고 있으며, 안료를 더하고, 씻어내고, 긁어내고, 녹여내는 긴 과정을 통해 풍부하게 겹친 색면을 구축합니다. 각 그림은 그가 제스처의 폭발이라고 부르는 것으로 시작합니다. 서예적인 흔적을 만든 뒤, 이를 문지르고 희석해 아래층과 융합시킵니다. 그의 작업은 추상표현주의와 색면회화, 그리고 동서양의 여러 신비주의 전통에 뿌리를 두고 있습니다. Numinous, Missa in Angustiis(고난의 시대를 위한 미사), Conference of the Birds 같은 제목은 그 의도를 분명히 드러냅니다. 이 작품들은 단순히 바라보는 것이 아니라 그 안으로 들어가도록 만들어졌습니다.
Arvid Boecker
독일 화가 Arvid Boecker는 하이델베르크에서 작업합니다. 그는 연필로 구성을 스케치하며 각 그림을 시작한 뒤, 스크린 인쇄용 스퀴지로 표면을 부분적으로 제거하면서 느린 색채의 층을 쌓아 올립니다. 그 결과 침식의 흔적이 그대로 드러납니다. 그는 이 결과를 "색채의 고고학"이라고 부릅니다. 로스코의 베일에 싸인 사각형처럼 Boecker의 층위는 천천히 바라볼 때 더욱 깊이 다가옵니다. 한 표면에 오래 머물수록 시선은 색과 빛을 통과해 안쪽으로 더 깊이 이동하며, 조용히 흘러가는 시간을 의식하게 됩니다. 진지하면서도 진지하지 않은 이야기: 14개의 질문으로 만나는 Arvid Boecker에서 그와 나눈 대화를 읽어보세요.
Kim Uchiyama
뉴욕의 화가 Kim Uchiyama는 색을 사용해 빛과 형태를 구축하고, 회화적 공간의 형이상학적 가능성을 엽니다. 그녀는 한스 호프만의 제자였던 화가 니콜라 카론에게 배웠으며, 회화의 구조로서 색을 강조하는 그들의 관점을 공유합니다. 작품을 시작하기 전, 그녀는 빈 화면 위에서 첫 번째 색을 "볼" 때까지 기다린 다음, 불투명한 색과 반투명한 색이 섞인 색 형태의 격자를 만들어 갑니다. 특정 장소의 빛에서 영감을 받는 경우가 많은 그녀는 그 장소의 외관이 아니라 정서적 본질을 전달하기 위해 색을 사용합니다. 보이는 것에서 느껴지는 것으로의 이러한 전환은 바로 로스코가 추구했던 것입니다.
우리 갤러리 작가 명단에 없는 다섯 명의 작가
Sean Scully
1945년 더블린에서 태어난 Sean Scully는 오늘날 활동하는 가장 영향력 있는 추상화가 중 한 명이며, 로스코와 가장 자주 비교되는 화가입니다. 이러한 비교에는 근거가 있습니다. Wall of Light 연작을 시작한 이듬해인 1999년, 그는 Rothko: Bodies of Light라는 제목의 에세이를 썼습니다. 스컬리는 사람들이 추상화 앞에서 직접적인 감정을 느낄 수 있도록 추상미술과 현실 세계를 다시 연결하는 것이 자신의 과제라고 설명해 왔습니다. 그는 또한 자신의 차이점도 분명히 합니다. 자신의 말에 따르면 로스코와 달리 그는 수동적이지 않습니다. 그가 쌓아 올린 색의 벽돌은 구축되고, 무게를 지니며, 물질적입니다. 2026년에는 잘츠부르크의 Thaddaeus Ropac에서 그의 전시 To Feel이 열렸고, 프로방스의 Château La Coste에서는 그의 Stack 연작 전체가 공개되었습니다.
Sean Scully - Wall of Light Peru - 2000 - 노스캐롤라이나 미술관 상설 컬렉션
James Turrell
1943년 로스앤젤레스에서 태어난 James Turrell은 60년 동안 빛 그 자체를 탐구해 왔습니다. 천장에 난 개구부를 통해 하늘과 이어지는 공간인 그의 스카이스페이스와 몰입형 빛의 방은 색을 그 안에 서 있는 무언가로 바꿔 놓습니다. 그의 핵심 발언은 로스코에 대한 해설처럼 읽힙니다. "내 작업은 당신이 보는 것에 관한 것입니다." 퀘이커교 가정에서 자란 그는 예배자들이 함께 앉아 내면의 빛을 기다리는 침묵의 모임에 참석했습니다. 2026년 6월, 그의 가장 큰 미술관 스카이스페이스인 As Seen Below가 덴마크의 ARoS 오르후스 미술관에 문을 열었습니다. 이는 그의 100번째 스카이스페이스입니다.
James Turell - Skeet - 1989 - Fondation Cartier pour l'Art Contemporain
Mary Corse
1945년 버클리에서 태어난 Mary Corse는 캘리포니아 라이트 앤드 스페이스 운동의 중심에 있었던 몇 안 되는 여성 작가 중 한 명입니다. 1968년 그녀는 도로 표지에 사용되는 구슬인 유리 미세구를 발견하고 이를 물감에 섞기 시작했습니다. 그녀의 White Light 회화는 관람객이 움직일 때마다 달라 보입니다. 빛이 화면 위에 묘사된 것이 아니라 회화 안에 존재하기 때문입니다. 그녀는 "예술은 벽에 있는 것이 아니라 관람자의 지각 속에 있다"고 말했습니다. 로스코와 마찬가지로 그녀는 작품이 만남 속에서 성립한다고 봅니다. 그녀의 첫 미술관 회고전은 2018년 휘트니 미술관에서 열렸고, 2019년 LACMA로 순회했습니다.
Pace Gallery의 Mary Corse - 2025
Olafur Eliasson
1967년 코펜하겐에서 태어나 덴마크와 아이슬란드에서 성장한 Olafur Eliasson은 베를린의 대형 스튜디오에서 작업합니다. 그가 "자신이 감각하는 모습을 바라보기"라고 부르는 개념을 중심으로, 색채의 빛과 안개, 반사로 이루어진 공간을 만듭니다. 이는 경험하는 동시에 자신이 경험하고 있음을 인식하는 것입니다. 엘리아손은 이 표현이 자신이 지각하고 있음을 지각한다고 말한 라이트 앤드 스페이스 작가 로버트 어윈에게서 많은 영향을 받았음을 인정합니다. 로스코는 관람객에게 자신의 내적 경험을 더욱 깊이 의식하라고 요구했으며, 엘리아손은 그 의식 자체를 주제로 삼았습니다. 그는 관객을 향한 신뢰의 표현으로 제목에 "your"라는 단어를 자주 넣습니다.
Olafur Eliasson - Tanya Bonakdar Gallery의 Reality Machines 전시에서 - 2016
Rachel Garrard
1984년 데번에서 태어나 뉴욕과 멕시코를 오가며 활동하는 영국 작가 Rachel Garrard는 여행 중 수집한 암석과 광물, 그중에서도 수정 석영과 재에서 직접 안료를 갈아 만듭니다. 그녀는 자신의 작업을 과학적 연구와 비전적 실천 사이를 오가는 여정으로 설명하며, 작품 구성에는 명상이 반영되어 있습니다. 그녀의 회화에는 이미지도 고정된 의미도 없습니다. 언어를 넘어선 경험, 외부 세계와 내면 세계를 잇는 연결을 지향합니다. 같은 세대의 작가들 가운데 그녀는 회화가 대상이 아니라 문턱이라는 로스코의 신념에 가장 가까운 작가 중 한 명입니다.
Rachel Garrard - Inflect, 2015
표면 너머
로스코의 후기 회화는 시간과 침묵을 요구합니다. 유화, 수채화, 암석 안료, 필름 네거티브, 유리 구슬 또는 하늘 그 자체로 제작된 이 열 가지 작품군도 마찬가지입니다. 이들을 연결하는 것은 직사각형이나 팔레트가 아니라 공통된 신념입니다. 색은 충분한 주의를 기울이면 우리를 다시 우리 자신에게로 데려올 수 있다는 믿음입니다.
우리의 미니멀 작품에서 더욱 사색적인 추상 작품을 감상하거나, 마크 로스코 완벽 가이드를 읽어보세요.
Francis Berthomier
대표 이미지: Yari Ostovany - The Third Script 45, 2023 (Detail)모든 이미지는 예시 목적으로만 사용되었습니다
