예술을 인식하는 방식을 변화시킨 유명한 추상화들

“우리가 가질 수 있는 이미지는, 누가 상상하는가에 달려 있다고 할 수 있다.” - 존 호스퍼스, 철학적 분석 입문에서

우리는 숨겨진 문을 열어 세상의 일부와 우리 자신도 알지 못하는 부분을 엿볼 수 있게 해주는 선견지명자들에게 의존합니다. 시각은 추상 미술가들의 전문 분야이며, 지난 100년 넘게 많은 유명한 추상화들이 인류의 시야를 넓히는 데 성공했습니다. 그 이미지를 창조한 선견지명자들은 우리, 관람자들에게 새로운 것을 볼 수 있는 선물을 준 것뿐만 아니라 완전히 새로운 방식의 시각을 제공했습니다.

유명한 추상화: 1910년대 – 1920년대

솔직히 이 글에서 선택한 작품들 중 일부는 논란의 여지가 있을 수 있습니다. 왜냐하면 모든 추상 미술 애호가들은 각기 다른 취향을 가지고 있기 때문입니다. 하지만 대부분은 예술을 인식하는 방식을 바꾼 첫 번째 추상화 선택에 동의할 것입니다. 바실리 칸딘스키의 무제 (최초의 추상 수채화)는 1910년에 그려졌으며, 미술사학자들에 의해 최초의 순수 추상화로 간주됩니다. 생생한 색점, 얼룩, 선을 대담하게 표현하여 객관적 현실에 대한 모든 시각적 참조를 배제했습니다. 이 그림은 예술가들을 주제의 속박에서 해방시키고 관람자들이 이미지가 될 수 있는 개념과 완전히 새로운 방식으로 교감하도록 초대했습니다.

바실리 칸딘스키 - 무제 (최초의 추상 수채화), 1910. 수채화, 인도 잉크, 연필, 종이. 19.5 × 25.5. 파리 조르주 퐁피두 센터

11년 후인 1921년, 피에트 몬드리안은 그의 상징적인 타블로 I을 그렸습니다. 새로운 표현 방식을 실험하던 시기를 거쳐 타블로 I은 몬드리안의 대표 스타일을 확립했습니다. 굵은 검은 선과 구획된 색면은 순수한 기하학과 수학적 정밀함을 보여주었습니다. 깔끔한 선과 정밀함은 형태, 색, 선 이외의 어떤 것도 참조하지 않았습니다. 이 작품은 화가, 조각가, 건축가, 디자이너 세대에 영향을 끼친 스타일을 열었으며 오늘날에도 창의적 사상가들을 이끌고 있습니다.

피에트 몬드리안 - 타블로 I, 1921. 캔버스에 유화. 96.5 cm x 60.5 cm. 쾰른 뮤지엄 루드비히, 독일

1925년, 조안 미로는 그의 작품 라 만차 로하 (붉은 점)으로 추상과 초현실주의 사이의 경계를 허물었습니다. 미로는 자신을 추상주의자라고 생각하지 않았습니다. 그는 집에 돌아와 배고프고 지친 상태에서 머릿속에 떠오른 이미지를 그렸다고 말했습니다. 라 만차 로하 (붉은 점)은 인간형 형상, 꿈같은 토템, 순수 추상 사이의 미묘한 경계에 서 있습니다. 어린아이 같은 동시에 무서운 무언가가 이미지 안에 숨어 있습니다. 이 작품으로 미로는 우리의 악몽과 꿈에 숨겨진 상징성을 활짝 열었습니다.

조안 미로 - 라 만차 로하 (붉은 점), 1925. 캔버스에 유화와 파스텔. 146 x 114 cm. 레이나 소피아 국립미술센터 소장. © 조안 미로 재단, 바르셀로나

유명한 추상화: 1930년대 – 1940년대

20세기 두 번째로 서구 세계가 불황, 기근, 전쟁에 빠져들면서 추상화는 미술계의 주요 세력으로 확고히 자리 잡았습니다. 이 스타일로 작업하는 예술가들은 순수하고 진실하며 자유로운 인간 정신과 연결하려는 다양한 방법을 사용했습니다. 영국에서는 화가 벤 니콜슨이 추상 작업을 확장해 그가 ‘흰색 부조화’라고 부른 작품군을 만들었습니다. 그의 초기 대표작 중 하나인 1935 (흰색 부조)은 새로운 시각적 지평을 열어 니콜슨을 영국 추상화의 중요한 목소리 중 하나로 자리매김했습니다. 니콜슨은 피에트 몬드리안과 친구였으며 영향을 받았습니다. 흰색 부조 작품은 몬드리안의 단단한 선과 기하학적 공간 사용을 확장해 입체적 층과 단색 팔레트를 도입했습니다. 니콜슨의 첫 흰색 부조 작품은 1933년에 만들어졌고, 1935 (흰색 부조)가 만들어질 때쯤 그는 추상, 구성주의, 구상미술 요소를 결합한 스타일을 확립했으며, 이는 미니멀리즘과 포스트 페인터리 추상의 초기 씨앗을 암시합니다.

1930년대와 1940년대의 다른 한편에는 추상 표현주의자들, 즉 뉴욕 학파가 있었습니다. 몬드리안과 니콜슨 같은 예술가들의 이성적 지리와 공간 축소를 철저히 거부한 이들은 작품에서 원초적 감정과 연결하려 했습니다. 추상 표현주의자 중에서 이 스타일을 가장 성공적으로 구현한 이는 잭슨 폴록이었습니다.

악명 높은 알코올 중독자이자 신경증 환자였던 폴록은 정신분석에서 영감을 받아 무의식 깊은 곳에서 영감을 끌어냈습니다. 그의 작품은 신체성 및 무의식적 토템 이미지를 활용해 전후 현대의 불안을 격렬하게 표현했습니다. 폴록의 초기 드립화 중 하나인 풀 패덤 파이브(1947년)은 추상 미술을 영원히 바꿨습니다. 이 작품은 그의 초기 붓질 스타일과 선견지명적인 드립 기법이 결합된 것으로, 동전, 담배꽁초, 작업실의 무작위 물건들이 포함되어 있어 추상에 전례 없는 질감과 깊이를 투사합니다. 풀 패덤 파이브는 폴록 경력의 전환점이 되었고, 우리와 캔버스의 관계를 영원히 바꾸었습니다.

잭슨 폴록 - 풀 패덤 파이브, 1947. 캔버스에 유화, 못, 압정, 단추, 열쇠, 동전, 담배, 성냥 등. 50 7/8 x 30 1/8 인치. © 2019 폴록-크래스너 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕

유명한 추상화: 1950년대

1950년대에 이르러 추상 표현주의자들은 미술계의 상상력을 완전히 장악했습니다. 모든 곳에서 예술가들은 원초적 자아, 무의식, 잠재의식의 숨겨진 이미지를 연결하려 애썼습니다. 이 열기 속에서 동양 철학인 도교와 선불교에 대한 관심이 커지면서 차분함을 향한 경향이 나타났습니다. 이 시기에 가장 깊은 영향을 끼친 운동 중 하나가 색면화라는 추상화 스타일입니다.

색면화의 목적은 일반적으로 주제, 형태, 선, 이미지 제작의 다른 제약에서 벗어나 색을 독립적으로 탐구하는 것이었습니다. 화가들은 명상적인 특성을 추구했고, 성공하면 그 감정이 작품에서 관람자에게 전달되었습니다.

추상 화가 헬렌 프랭켄탈러는 색면화 운동의 가장 깊은 목소리 중 하나였습니다. 1952년에 그린 산과 바다에서 프랭켄탈러는 자신이 발명한 ‘스며드는 얼룩 기법’을 세상에 소개했습니다. 이 기법은 테레빈유로 물감을 묽게 만들어 바닥에 놓인 무처리 캔버스에 조심스럽게 부어 색이 캔버스에 완전히 스며들게 하는 방식입니다. 이로써 작품은 완전히 새로운 질감과 모습을 갖게 되었습니다. 스며드는 얼룩 기법은 유기적이고 변화하는 형태의 숭고한 색면을 만들어내며 평온함을 자아냅니다. 프랭켄탈러의 산과 바다는 색면화 운동의 첫 성공작 중 하나로 여겨지며 오늘날에도 가장 사랑받는 이미지 중 하나입니다.

헬렌 프랭켄탈러 - 산과 바다, 1952. 캔버스에 유화와 목탄. 86 5/8 x 117 ¼ 인치. © 2019 헬렌 프랭켄탈러 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕

색면화 예술가 중 가장 유명한 인물은 마크 로스코일 것입니다. 그는 대부분의 분류를 강력히 거부했습니다. 로스코는 오로지 색만으로 작업하며, 자신과 관람자가 인간 감정의 깊이를 경험할 수 있는 영적 차원을 열고자 했습니다. 색에 집중했지만, 색은 이 영적 연결을 위한 수단일 뿐이라고 여겼습니다. 로스코의 초기 대표작 중 하나인 번호 2, 녹색, 빨강, 파랑(1953년)은 그의 미래 작품을 상징하며, 추상 미술과 초월적 영성 세계 모두에서 독특하고 사랑받는 목소리를 확립했습니다.

마크 로스코 - 번호 2, 녹색, 빨강, 파랑, 1953. 개인 소장

유명한 추상화: 1960년대 – 1970년대

1960년대와 1970년대에 접어들면서 많은 화가들이 추상의 근본 개념을 거부하고 형상으로 돌아가 개념 미술 영역을 탐구했습니다. 그럼에도 불구하고 추상의 명료함과 자유의 힘은 여전히 큰 가능성을 지녔습니다. 이 시기의 가장 숭고한 목소리 중 하나는 미국 추상 화가 애그니스 마틴이었습니다. 그녀는 선으로 이루어진 격자 무늬 그림으로 유명하며, 추상 미술의 상징적 목소리로 남아 있습니다.

애그니스 마틴의 1963년 작품 밤바다는 그녀의 대표 스타일 초기 예시 중 하나입니다. 거의 단색인 푸른 배경에 금박으로 정교한 격자 무늬가 교차합니다. 이 작품은 색을 포용하면서 선에도 동등한 힘을 부여합니다. 단순함을 수용하면서도 광대함, 복잡성, 상호 의존의 감각을 전달합니다. 마틴은 선이 자신에게 순수함을 상징한다고 말했습니다. 그녀는 그 순수함의 감정이 작품을 통해 관람자에게 전달되길 바랐습니다. 그녀의 이미지 단순함과 전달하고자 한 감정의 직접성은 추상 표현주의와 미니멀리즘 사이의 간극을 잇는 데 중요한 역할을 했습니다.

애그니스 마틴 - 밤바다, 1963. 캔버스에 유화와 금박. 72 x 72 인치. © 애그니스 마틴 유산 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕

1970년대에 로버트 마더웰은 미니멀리즘의 매력과 정반대인 듯한 목소리로 추상 세계를 다시 흔들었습니다. 그의 원초적이고 거친 몸짓은 에너지, 힘, 불안을 동시에 전달했습니다. 그 몸짓에는 냉철한 힘이 있었고, 순수 추상의 힘과 자유를 구현하는 깊은 감정이 드러났습니다.

마더웰의 대표작은 1971년작 스페인 공화국에 바치는 애가 110번입니다. 이 그림의 격렬한 에너지는 관람자를 감싸며 캔버스 밖으로 터져 나오는 듯합니다. 충격적인 생명력과 공격성은 감정과 분노를 공간으로 전달합니다. 많은 화가들이 추상이 끝났다고 생각하던 시기에 마더웰은 이 스타일에 강력한 생명력을 불어넣었습니다. 그의 신선한 시각과 자신감 있는 목소리는 추상을 지속시키고 오늘날까지 추상 미술가들에게 영감과 힘을 줍니다.

로버트 마더웰 - 스페인 공화국에 바치는 애가 110번, 1971. 캔버스에 아크릴, 흑연, 목탄. 82 x 114 인치. 솔로몬 R. 구겐하임 미술관. 로버트 마더웰 © 데달루스 재단 / VAGA 라이선스, 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕

미래에 대한 인식의 변화

오늘날의 현대 추상 미술가들은 이 모든 예술가들에게 빚을 지고 있습니다. 그들이 표현 방식에서 자유를 추구한 방식과 관람자들이 새로운 시각을 열도록 도운 방식 모두에 대해 말입니다. 추상은 계속해서 우리에게 새로운 문을 열어주며, 변화하는 사회가 우리에게 제시하는 끝없는 복잡함을 이해하려 합니다. 과거 위대한 추상 미술가들의 예를 통해 오늘과 내일의 추상 미술가들은 현대의 불안과 두려움을 해석하고 우리 자신의 눈의 한계를 넘어 볼 수 있도록 도울 수 있기를 바랍니다.

대표 이미지: 바실리 칸딘스키 - 구성 VII, 1913. © 바실리 칸딘스키 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리 / 에리히 레싱 / 아트 리소스, 뉴욕
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 제공