예술을 인식하는 방식을 변화시킨 유명한 추상화들

“우리가 가질 수 있는 이미지가 무엇인지는 누가 상상하느냐에 달려 있다고 말할 수 있습니다.” - 존 호스퍼스, 철학적 분석 입문에서

숨겨진 문을 열어 세상의 일부와 우리 자신의 일부를 엿볼 수 있게 해 주는 선구자들이 필요합니다. 시각은 추상 미술가들의 전문 영역이며, 지난 100여 년 동안 수많은 유명한 추상화가 인류의 시야를 넓히는 데 기여했습니다. 그러한 이미지를 만든 선구자들은 관람객인 우리에게 새로운 것을 볼 수 있는 선물만 준 것이 아닙니다. 그들은 완전히 새로운 방식으로 보는 방법을 제시했습니다.

이러한 돌파구는 미술사에만 국한되지 않습니다. 아래에서 다루는 각 역사적 예술가와 함께, 선, 기하학, 재료 또는 색에 관한 유사한 질문에 접근하는 IdeelArt의 작품도 살펴봅니다. 이러한 조합은 직접적인 영향 관계를 주장하는 것이 아니라 감상을 위한 초대입니다. 각 예술가는 이러한 공통된 질문에 자신만의 언어를 부여합니다.

유명한 추상화: 1910년대 - 1920년대

물론 이 글에서 선정한 작품 중 일부는 논란의 여지가 있을 수 있습니다. 추상 미술 애호가마다 취향이 다르기 때문입니다. 하지만 예술을 바라보는 방식을 바꾼 첫 번째 추상화에 대해서는 대부분 동의할 것입니다. 바실리 칸딘스키의 제목 없음(첫 번째 추상 수채화)은 1910년에 그려졌으며, 미술사학자들은 이 작품을 최초의 순수 추상화로 여깁니다. 생생한 색의 점, 얼룩, 선을 대담하게 표현한 이 작품은 객관적 현실에 대한 모든 시각적 참조를 배제합니다. 이 그림은 예술가들을 소재의 구속에서 해방하고, 이미지가 무엇이 될 수 있는지에 대한 개념을 완전히 새로운 방식으로 받아들이도록 관람객을 초대했습니다.

바실리 칸딘스키 - 제목 없음(첫 번째 추상 수채화) - 1910
파리 조르주 퐁피두 센터

선과 색이 더 이상 사물을 묘사할 필요가 없어진다면 어떤 일이 일어날까요? 눈에서 Macha Poynder는 반복되는 흔적, 갑작스럽게 번뜩이는 노란색과 분홍색, 겹겹이 쌓인 파란색의 구간을 통해 동시대적인 답을 제시합니다. 그녀의 작업은 자동기술법적 드로잉, 퍼포먼스적 제스처, 직관적인 색 선택을 결합합니다. 칸딘스키의 수채화 옆에서 바라보면, 이 작품은 추상이 어떻게 감상을 능동적인 경험으로 바꿀 수 있는지를 보여줍니다. 눈은 대상을 식별하기보다 관계를 따라 움직이기 때문입니다.

그로부터 11년 뒤인 1921년, Piet Mondrian은 상징적인 작품 Tableau I을 그렸습니다. 새롭게 형성되는 자신만의 목소리를 실험하던 시기를 거친 뒤, Tableau I은 훗날 Mondrian을 대표하게 될 양식을 확립했습니다. 단단한 검은 선과 구획된 색면은 순수한 기하학과 수학적 정밀함을 엿보게 했습니다. 작품의 깔끔한 선과 정밀함은 형태, 색, 선 이외의 어떤 것도 참조하지 않았습니다. 이 작품은 여러 세대의 화가, 조각가, 건축가, 디자이너에게 영향을 미칠 양식의 문을 열었으며, 오늘날에도 창의적인 사상가들에게 계속 영감을 주고 있습니다.

Piet Mondrian - Tableau I - 1921
독일 쾰른 루트비히 미술관

Mondrian의 기하학은 오늘날에도 여전히 열려 있는 질문을 던집니다. 이미지는 우리가 보는 방식을 바꾸기 위해 얼마나 적은 요소만 필요로 할까요? Daniel Göttin의 Untitled 1, 2016은 그 영역을 통과하는 다른 길을 택합니다. 흰색 선으로 나뉜 검은색과 회색의 수직 영역이 규칙적인 패턴을 이루며, 화면 전체에서 대비가 달라집니다. Göttin은 Mondrian 특유의 색상 팔레트를 반복하기보다 비례, 반복, 대칭과 비대칭을 탐구합니다. 두 작품의 연결점은 관계에 대한 관람자의 경험에 있습니다. 선은 단순한 경계가 아니라 주변 공간을 변화시키는 무언가입니다.

1925년, Joan Miró는 자신의 회화 La mancha roja (The red spot)를 통해 추상과 초현실주의 사이의 경계를 허물었습니다. Miró는 자신을 추상화가라고 생각하지 않았습니다. 그는 작고 초라한 집에 굶주리고 지친 채 돌아와 머릿속에 떠오른 이미지들을 그렸다고 말했습니다. La mancha roja (The red spot)는 의인화된 구상, 꿈같은 토템, 순수한 추상 사이의 아슬아슬한 경계에 걸쳐 있습니다. 이미지 속에는 어린아이 같은 무언가가, 그러나 끔찍한 무언가가 숨어 있습니다. 이 연작을 통해 Miró는 우리의 악몽과 꿈에 숨겨진 도상 세계로 통하는 문을 활짝 열었습니다.

Joan Miro - La mancha roja (The red spot) - 1925
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Collection.
© Joan Miro Foundation, Barcelona

Miró의 형태는 기호, 상상 속 생명체, 독립적인 형상 사이를 떠돕니다. 이와 유사한 모호함은 Daniela Marin의 Medusae I에서도 생생하게 드러납니다. 줄무늬와 점무늬, 가지처럼 뻗은 형태가 열린 기하학적 구조물들과 함께 흰색 화면을 공유합니다. 이 형태들은 살아 있는 것들을 떠올리게 하지만, 하나의 식별 가능한 장면으로 명확히 귀결되지는 않습니다. Marin의 조형 언어는 자신의 경험과 여정에서 영감을 받아 유기적 형태를 도시의 기하학과 대화하게 합니다. 밝고 확장감 있는 그녀의 구성은 Miró의 회화에서 묘사되는 불안한 분위기와는 다르지만, 두 작품 모두 관람자가 인식과 창작 사이를 오가도록 유도합니다. 어떤 형태는 삽화가 되지 않고도 살아 있는 것처럼 보일 수 있습니다.

유명한 추상 회화: 1930년대 – 1940년대

서구 세계가 20세기에 두 번째로 대공황과 기근, 전쟁에 휩싸이던 시기에 추상은 미술계의 주요한 힘으로 확고히 자리 잡았습니다. 이 양식으로 작업하던 예술가들은 인간의 정신 안에 존재하는 순수하고 진실하며 자유로운 무언가와 연결되기 위해 다양한 방법을 활용했으며, 각각의 시도는 이러한 노력을 발전시켰습니다. 영국에서는 화가 Ben Nicholson이 자신의 추상 작업을 그가 ‘흰색 부조 회화’라고 부른 작품군으로 확장했습니다. 그중 하나인 White Relief, Quai d’Auteuil(1935)은 Nicholson을 영국 추상의 가장 중요한 목소리 중 한 사람으로 자리매김하게 한 접근법을 보여주는 작품입니다. Nicholson은 화가 Piet Mondrian의 친구였으며 그의 영향을 받았습니다. 흰색 부조 작품은 Mondrian이 사용한 날카로운 선과 기하학적 공간을 발전시켜, 입체적인 층위와 단색 팔레트를 도입했습니다. Nicholson은 1933년에 최초의 흰색 부조 회화를 제작했으며, 1935년에는 추상, 구성주의, 콘크리트 아트의 요소를 결합하고 미니멀리즘과 후기 회화적 추상의 초기 씨앗을 암시하는 양식을 확립했습니다.

Ben Nicholson - White Relief, Quai d’Auteuil - 1935
The Hepworth Wakefield Museum

Nicholson의 부조는 평면, 가장자리, 깊이 사이의 관계를 통해 공간 자체를 추상의 능동적인 일부로 만듭니다. 영국 화가 Jeremy Annear는 Construct (Red Disc and Triangle)에서 이러한 관심사와 설득력 있는 대화를 나눕니다. 겹겹이 쌓인 흰색, 회색, 흙빛 형태가 곡선 윤곽을 따라 회전하고, 빨간 원반과 삼각형이 구성을 강조합니다. Annear는 겹쳐진 형태와 질감이 있는 표면을 통해 유화를 완성합니다. 여기서 형태들의 중첩은 묘사된 공간이 아니라 구성된 공간을 암시합니다. Nicholson의 흰색 부조와 달리 이는 색채 회화이지만, 제한된 형태의 어휘로 어떻게 균형과 긴장감, 깊이감을 만들어낼 수 있는가라는 공통된 질문을 던집니다.

1930년대와 1940년대의 반대편에는 추상표현주의자들, 즉 뉴욕 학파라고도 불리는 예술가들이 있었습니다. Mondrian과 Nicholson 같은 작가들의 합리적인 공간 구성과 공간 축소를 철저히 거부한 추상표현주의자들은 작품을 통해 원초적인 감정과 연결되고자 했습니다. 추상표현주의의 양식을 Jackson Pollock만큼 영향력 있고 성공적으로 구현한 작가는 없었습니다.

악명 높은 알코올 중독자이자 신경증 환자였던 Pollock은 영감을 얻기 위해 정신분석을 통해 자신의 잠재의식 깊숙이 파고들었습니다. 그의 작품은 신체성과 무의식적인 토템 이미지를 바탕으로 전후 현대 사회의 불안을 강렬하게 묘사했습니다. 1947년에 제작된 Pollock의 초기 드리핑 회화 중 하나인 Full Fathom Five는 추상 미술을 영원히 바꾸어 놓았습니다. 이 작품은 그의 초기 붓질 방식과 선구적인 드리핑 기법이 결합된 결과입니다. 작품에는 동전, 담배꽁초와 작업실에 있던 여러 무작위 물체가 포함되어 있어, 추상 회화에 전혀 새로운 수준의 질감과 깊이를 더했습니다. Full Fathom Five는 Pollock의 경력에 전환점을 마련했으며, 캔버스와 우리의 관계를 영원히 바꾸어 놓았습니다.

Jackson Pollock - Full Fathom Five - 1947
 © 2019 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society

Full Fathom Five에 박혀 있는 물체들은 회화가 단순한 그림 이상일 수 있음을 일깨워 줍니다. 회화는 행위와 재료가 물리적으로 축적된 결과일 수 있습니다. Anthony Frost는 회화와 콜라주를 결합한 본능적인 과정을 통해 그 가능성을 탐구합니다. Surface Pressure에서는 거친 질감의 파란색과 주황색 영역을 돌출된 빨간 띠가 가로지르며, 표면 자체가 만남의 일부가 되게 합니다. Frost가 발견한 재료와 층층이 쌓는 구성을 사용하는 방식은 Pollock의 뒤엉킨 물감 자국과 뚜렷이 다르지만, 두 작품 모두 회화를 단순히 미리 계획된 이미지가 아니라 물리적 개입을 통해 만들어지는 것으로 바라보게 합니다.

유명한 추상 회화: 1950년대

1950년대에 이르러 추상표현주의는 미술계의 상상력을 확고히 장악하고 있었습니다. 곳곳에서 예술가들은 원초적인 자아, 무의식, 그리고 잠재의식 속에 숨겨진 이미지와 연결되기 위해 애쓰고 있었습니다. 이러한 열기 속에서, 도교와 선불교 같은 동양 철학에 대한 많은 예술가들의 관심이 커지면서 부분적으로 비롯된 평온함을 향한 흐름이 나타났습니다. 이 시기에 성장한 가장 중요한 운동 중 하나가 색면 회화로 알려진 추상 회화 양식이었습니다.

색면 회화의 목표는 일반적으로 주제, 형태, 선, 그리고 이미지 제작을 제약하는 여러 요소와 독립적으로 색을 탐구하는 것이었습니다. 화가들은 명상적인 특질을 추구했으며, 성공할 경우 그 특질은 작품에서 관람자에게 전달되었습니다.

추상화가 Helen Frankenthaler는 색면 회화 운동을 대표하는 가장 중요한 목소리 중 한 명이었습니다. 1952년에 제작한 작품 Mountains and Sea,를 통해 프랑켄탈러는 자신이 발명한 “스며들기 염색 기법”이라는 새로운 회화 기법을 세상에 선보였습니다. 이 과정에서 프랑켄탈러는 테레빈유를 사용해 물감의 농도를 묽게 했습니다. 그녀는 묽어진 물감을 바닥에 펼쳐 놓은 캔버스에 조심스럽게 부어, 물감이 캔버스 전체에 완전히 스며들도록 했고, 그 결과 작품은 전혀 새로운 질감과 외관을 갖게 되었습니다. 스며들기 염색 기법은 유기적이고 변화하는 구성을 띠며 고요함을 환기하는 숭고한 색면을 만들어 냈습니다. 프랑켄탈러의 Mountains and Sea는 색면 회화 운동의 첫 성공작 중 하나로 여겨지며, 오늘날에도 이 운동을 대표하는 가장 사랑받는 작품 중 하나로 남아 있습니다.

Helen Frankenthaler - 산과 바다 - 1952
© 2019 Helen Frankenthaler Foundation / Artists Rights Society

프랑켄탈러의 회화는 기억된 풍경과 독립적인 색면 사이에 공간을 엽니다. Greet Helsen은 자연과의 자신만의 만남을 통해 그 공간에 다가가며, 정확한 묘사보다는 빛, 형태, 색에 대한 인상을 바탕으로 작업합니다. Dynamisch (Dynamic)에서는 반투명한 분홍색, 파란색, 라일락색이 공기감 있는 표면 위로 흐르고, 가느다란 어두운 선과 더 짙은 색의 웅덩이가 그 흐름을 가로막습니다. Helsen은 아크릴 물감을 신중하게 희석하여 연속된 층이 계속 보이도록 합니다. 이는 프랑켄탈러의 스며들기 염색 기법과 같은 과정은 아니지만, 두 작품을 함께 보면 투명성과 유동적인 색채가 풍경을 묘사하지 않고도 풍경을 암시하는 방식을 알 수 있습니다.

아마도 색면파 화가들과 가장 유명하게 연관된 작가는 Mark Rothko일 것입니다. 하지만 Rothko는 색면파라는 명칭을 비롯한 대부분의 명칭을 격렬하게 거부한 작가이기도 합니다. Rothko는 오로지 색을 통해 작업하며, 자신과 관람객이 인간 감정의 깊이를 경험할 수 있는 영적 차원을 열어 보이고자 했습니다. 색에 전적으로 집중했지만 Rothko는 색을 단지 이러한 영적 연결이 이루어질 수 있는 매개체로 여겼습니다. Rothko의 초기 대표작 중 하나는 1953년에 그린 No. 2, Green, Red and Blue입니다. 이 작품은 추상미술과 초월적 영성이라는 두 세계에 독특하고 매혹적인 목소리로 자리 잡은 Rothko의 이후 작품 세계를 상징적으로 보여 줍니다.

Mark Rothko - No. 2, Green, Red and Blue - 1953

색은 그 원인을 묘사하지 않고도 감정을 전달할 수 있을까요? 이 질문은 Rothko의 작품과 Kyong Lee의 Emotional Color Field 6을 연결하지만, 두 작품의 시각적 언어는 서로 다릅니다. Lee는 짙은 파랑과 보라색에서 분홍색과 옅은 색조를 거쳐 주황색과 빨간색으로 이어지는 가로 띠를 배열합니다. 그녀는 정교하게 측정한 색면과 점진적인 색 전환을 활용해 감정 상태의 변화를 탐구합니다. Rothko의 부드러운 가장자리 형태가 떠 있는 듯 보인다면, Lee의 구획은 명확하고 질서정연합니다. 이 대화의 핵심은 닮은 점보다는 하나의 색이 다음 색에 대한 우리의 경험을 어떻게 바꾸는지, 그리고 그러한 관계가 어떻게 감정의 언어가 될 수 있는지에 있습니다.

유명한 추상화: 1960년대 - 1970년대

추상미술이 1960년대와 1970년대에 접어들면서 많은 화가들은 이미 추상미술의 근본적인 이념을 거부하고 구상으로 돌아가 개념미술의 영역을 탐구하고 있었습니다. 그럼에도 추상미술이 지닌 명료함과 자유의 힘은 여전히 큰 가능성을 품고 있었습니다. 이 시기의 가장 숭고한 목소리 중 하나는 미국의 추상화가 Agnes Martin이었습니다. 선으로 이루어진 격자 회화로 알려진 Martin은 추상미술의 상징적인 목소리로 지금까지도 남아 있습니다.

1963년에 제작된 아그네스 마틴의 그림 밤의 바다는 훗날 그녀의 대표적인 양식이 될 작품의 초기 사례 중 하나입니다. 이 작품에서는 거의 단색에 가까운 파란색 배경을 금박으로 그린 정교한 격자무늬가 가로지릅니다. 이 작품은 색을 포용하는 동시에 선에도 동등한 힘을 부여합니다. 단순함을 받아들이면서도 광대함과 복잡성, 서로 얽힌 상호 의존의 감각을 동시에 전달합니다. 마틴은 자신에게 선이 순수함을 상징한다고 말했습니다. 그녀는 자신의 작품을 통해 순수함의 감정이 관람자에게 전달되기를 바랐습니다. 이미지의 단순함과 자신이 전달하고자 했던 감정의 직접성은 추상표현주의와 미니멀리즘 사이의 간극을 잇는 데 중요한 역할을 했습니다.

Agnes Martin - 밤의 바다 - 1963
© Agnes Martin 유산 관리재단 / Artists Rights Society

마틴의 절제된 조형 언어는 선이 어떤 것도 묘사하지 않으면서 우리의 시선을 붙잡을 수 있음을 보여줍니다. Richard Caldicott의 무제, 2014 (Id.383)는 선과 공간을 색다르고 간결하게 마주하게 합니다. 옅은 바탕 위에서 가늘고 굵은 어두운 선들이 빨간색과 노란색 영역 사이에 열린 각진 구조를 만듭니다. 마틴의 격자를 반복하는 대신, Caldicott은 구성을 몇 가지 관계로 줄여 바라볼수록 그 균형이 더욱 분명해지도록 합니다. 종이에 제작한 그의 연작은 미니멀하고 건축적인 언어를 탐구합니다. 이 조합은 더 느린 종류의 주의를 유도합니다. 대상을 찾는 것이 아니라 간격과 가장자리, 빈 공간이 우리의 경험을 어떻게 형성하는지 인식하게 합니다.

1970년대에 로버트 마더웰은 미니멀리즘의 매력과 정반대처럼 보이는 목소리로 다시 한번 추상 미술계를 뒤흔들었습니다. 그의 원초적이고 거친 제스처는 에너지와 힘, 불안을 동시에 전달했습니다. 그 안에는 금욕적인 강인함이 있었지만, 동시에 순수 추상의 힘과 자유를 구현하는 깊은 감정이 솟아났습니다.

마더웰의 대표작은 1971년에 탄생했으며, 스페인 공화국을 위한 비가 110번이라는 제목이 붙었습니다. 이 그림의 격렬한 에너지는 보는 이를 감싸며 캔버스 밖으로 폭발할 듯합니다. 작품에는 충격적일 만큼 강렬한 생명력이 있으며, 감정과 분노를 공간으로 옮기는 공격성이 느껴집니다. 많은 화가가 추상이 이미 소진되었다고 여겼던 시기에, 마더웰은 이 양식에 강력한 새로운 생명력을 불어넣었습니다. 그의 신선한 시각과 확신에 찬 목소리는 추상이 계속 살아남도록 했고, 오늘날까지 추상 미술가들에게 영감과 힘을 주고 있습니다.

Robert Motherwell - Elegy to the Spanish Republic No. 110 - 1971
© Dedalus Foundation/Artists Rights Society

Motherwell의 Elegy는 반복되고 힘찬 형태가 추상회화에 어떻게 정서적 무게를 부여할 수 있는지 보여줍니다. Tommaso Fattovich의 Punk는 더욱 파편화되고 다채로운 언어를 통해 그 무게에 접근합니다. 검정, 분홍, 옅은 초록, 주황색의 세워진 색면과 붓질이 거친 회갈색 바탕을 가로질러 솟아오르며, 그 가장자리에는 연속된 제스처의 흔적이 남아 있습니다. Fattovich는 이미지가 완성된 듯 느껴질 때까지 색채, 층, 선, 형태에 반응하며 직관적으로 구성을 발전시킵니다. 여기서 중요한 것은 주제의 등가성이 아니라 붓질의 물리적 존재감입니다. Fattovich의 도시적 영감을 받은 추상은 Motherwell의 Elegy가 지닌 구체적인 역사적 의미를 공유하지 않지만, 강렬함을 전달하는 매개체로서 제스처를 마주하는 또 다른 방식을 제시합니다.

미래에 대한 인식을 바꾸기

오늘날의 현대 추상미술가들은 이 각각의 예술가에게 빚을 지고 있습니다. 그들이 표현 방식에서 자유를 추구한 방식뿐 아니라, 관람객이 새로운 보는 방식에 마음을 열도록 도운 방식 때문입니다. 우리가 변화하는 사회가 제시하는 끝없는 복잡성을 이해하려 애쓰는 가운데, 추상미술은 계속해서 우리에게 새로운 문을 열어줍니다. 과거 위대한 추상미술가들의 사례를 바탕으로 오늘과 내일의 추상미술가들은 우리가 현대의 불안과 두려움을 해석하도록 돕고, 우리 눈의 한계를 넘어 바라보도록 도울 수 있기를 바랍니다.

이 역사적 회화 작품들과 대화를 나누는 작품들은 그러한 가능성이 여전히 열려 있음을 보여줍니다. Poynder의 쉼 없는 선과 Marin이 상상한 유기적 형태부터 Göttin과 Annear가 구축한 공간에 이르기까지, 추상미술은 시선을 끌어들이는 다양한 방식을 제시합니다. Frost의 물질적 표면, Helsen의 반투명한 색채, Lee의 감정적 연속 장면, Caldicott의 절제된 구조, Fattovich의 힘찬 붓질은 서로 다른 방향으로 대화를 확장합니다. 이들은 역사적 작품을 대체하거나 그 성취를 반복하지 않습니다. 대신 우리가 배운 것을 새로운 만남으로 가져가고, 추상미술이 우리가 바라보는 방식을 어떻게 계속 변화시키는지 발견하도록 초대합니다.

대표 이미지: Wassily Kandinsky - Composition VII, 1913. © Wassily Kandinsky / Artists Rights Society / ADAGP
모든 이미지는 예시를 위한 용도로만 사용되었습니다

Phillip Barcio 작성 (2016), Francis Berthomier 편집 (2026)