예술을 인식하는 방식을 변화시킨 유명한 추상화들

“우리가 가질 수 있는 이미지는, 상상하는 사람이 누구인지에 따라 달라진다고 할 수 있다.” - 존 호스퍼스, 철학적 분석에 대한 소개에서

우리는 비전가들에게 의존하여 숨겨진 문을 열어, 세상의 일부와 우리 자신에 대한 일부를 엿볼 수 있도록 합니다. 그렇지 않으면 숨겨질 수 있는 것들입니다. 비전은 추상 예술가들의 전문 분야이며, 지난 100년 이상 동안 많은 유명한 추상화들이 인류의 시야를 확장하는 데 성공했습니다. 그 이미지를 창조한 비전가들은 단순히 우리, 관람객들에게 새로운 것을 볼 수 있는 선물을 주었을 뿐만 아니라, 전혀 새로운 시각을 제공했습니다.

유명한 추상화: 1910년대 – 1920년대

인정하건대, 이 기사에서 우리의 선택 중 일부는 논란의 여지가 있을 수 있습니다. 왜냐하면 모든 추상 미술 애호가가 서로 다른 취향을 가지고 있기 때문입니다. 그러나 대부분은 우리가 선택한 첫 번째 추상화가 예술을 인식하는 방식을 변화시켰다는 데 동의할 것입니다. 바실리 칸딘스키의 무제 (첫 번째 추상 수채화)는 1910년에 그려졌으며, 미술 역사학자들에 의해 첫 번째 순수 추상화로 간주됩니다. 생생한 색상의 점, 얼룩 및 선을 대담하게 표현한 이 작품은 객관적 현실에 대한 모든 시각적 참조를 포기합니다. 이 그림은 예술가들을 주제의 속박에서 해방시켰고, 관객들이 이미지가 무엇일 수 있는지에 대한 개념과 전혀 새로운 방식으로 교감하도록 초대했습니다.

바실리 칸딘스키 - 제목 없음 (첫 번째 추상 수채화), 1910. 수채화와 인도 잉크 및 연필로 종이에 그린 작품. 19.5 × 25.5. 조르주 퐁피두 센터, 파리

1921년, 11년 후에 피에트 몬드리안은 그의 상징적인 Tableau I을 그렸다. 새로운 목소리를 실험하는 기간을 거친 후, Tableau I은 몬드리안의 정의하는 스타일을 확립했다. 강한 검은 선과 구획화된 색상 필드는 관객에게 정제된 기하학과 수학적 정밀성의 일면을 보여주었다. 작품의 깨끗한 선과 정밀성은 형태, 색상 및 선 이외의 어떤 것에도 언급하지 않았다. 이 작품은 세대의 화가, 조각가, 건축가 및 디자이너에게 영향을 미칠 스타일을 열었으며, 오늘날에도 창의적인 사고를 이끄는 역할을 계속하고 있다.

피트 몬드리안 - 태블로 I, 1921. 유화. 96.5 cm x 60.5 cm. 뮌스터 루드비히, 쾰른, 독일

1925년, 조안 미로는 그의 그림 라 만차 호하 (The red spot)로 추상과 초현실주의 사이의 장벽을 허물었습니다. 미로는 자신을 추상주의자로 여기지 않았습니다. 그는 배고프고 지친 채로 작은 집에 돌아와서 머릿속에 보이는 이미지를 그렸다고 말했습니다. 라 만차 호하 (The red spot)는 의인화된 형상, 꿈 같은 토템, 순수한 추상 사이의 미세한 경계를 넘나듭니다. 이미지 안에는 어린아이 같은 것, 그러나 끔찍한 것이 숨어 있습니다. 이 작품을 통해 미로는 우리의 악몽과 꿈의 숨겨진 아이코노그래피로 가는 문을 활짝 열었습니다.

조안 미로 - 라 만차 로하 (The red spot), 1925. 유채와 파스텔로 그린 캔버스. 146 x 114 cm. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 소장. © 조안 미로 재단, 바르셀로나

유명한 추상화: 1930년대 – 1940년대

서구 세계가 20세기 두 번째로 우울증, 기근, 전쟁에 빠져들면서, 추상화는 예술 세계에서 주요한 힘으로 확고히 자리 잡았습니다. 이 스타일로 작업하는 예술가들은 순수한 것, 진정한 것, 그리고 인간 정신 내에서 자유로운 것을 연결하려는 노력에 기여하는 다양한 방법을 사용하고 있었습니다. 영국에서 화가 벤 니콜슨은 그의 추상 작업을 그가 백색 부조 회화라고 부르는 작품으로 확장했습니다. 그의 초기 주요 작품 중 하나인 1935 (백색 부조)는 새로운 시각적 지평을 열어, 니콜슨을 영국 추상화의 가장 중요한 목소리 중 하나로 자리매김하게 했습니다. 니콜슨은 화가 피에트 몬드리안과 친구였으며, 그의 영향을 받았습니다. 백색 부조 작품은 몬드리안의 날카로운 선과 기하학적 공간 사용을 확장하여, 차원적 레이어링과 단색 팔레트를 도입했습니다. 니콜슨의 첫 번째 백색 부조 회화는 1933년에 제작되었으며, 1935 (백색 부조)가 제작될 당시 그는 추상화, 구성주의, 구체 예술의 요소를 결합한 스타일을 확립했습니다. 이는 미니멀리즘과 포스트 페인터리 추상화의 초기 씨앗을 암시합니다.

1930년대와 1940년대의 스펙트럼 반대편에는 뉴욕 스쿨로도 알려진 추상 표현주의자들이 있었다. 몬드리안과 니콜슨과 같은 예술가들의 합리적인 지리와 공간 축소를 철저히 거부한 추상 표현주의자들은 그들의 작업에서 원초적인 감정과 연결되기를 추구했다. 잭슨 폴록만큼 이 스타일을 구현하는 데 영향력 있고 성공적인 추상 표현주의자는 없었다.

악명 높은 알코올 중독자이자 신경증 환자인 폴록은 정신분석에 영감을 받아 자신의 잠재의식 깊숙이 들어가 영감을 얻었습니다. 그의 작품은 신체성과 무의식의 토템 이미지를 바탕으로 현대의 전후 불안을 강렬하게 묘사했습니다. 폴록의 첫 번째 드립 페인팅 중 하나인 풀 패덤 파이브는 1947년에 그려졌으며, 추상 미술을 영원히 변화시켰습니다. 이 작품은 그의 초기 붓 스타일과 그의 비전 있는 드립 기법의 융합입니다. 동전, 담배 꽁초 및 그의 작업실에서 나온 기타 무작위 조각들이 포함되어 있어 추상화에 전혀 새로운 질감과 깊이를 투사합니다. 풀 패덤 파이브는 폴록의 경력에서 전환점을 가져왔으며, 캔버스와의 관계를 영원히 변화시켰습니다.

잭슨 폴록 - 풀 패덤 파이브, 1947. 못, 압정, 단추, 열쇠, 동전, 담배, 성냥 등으로 그린 유화. 50 7/8 x 30 1/8 인치. © 2019 폴록-크라스너 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

유명한 추상화: 1950년대

1950년대에 이르러 추상 표현주의자들은 예술계의 상상력을 확고히 장악하게 되었다. 어디에서나 예술가들은 원초적 자아, 무의식, 그리고 잠재의식의 숨겨진 이미지를 연결하려고 노력하고 있었다. 이러한 열기 속에서 동양 철학, 특히 도교와 선불교에 대한 많은 예술가들의 관심이 커지면서 차분함을 향한 경향이 나타났다. 이 시기에 발생한 가장 심오한 운동 중 하나는 색면 회화로 알려진 추상 회화 스타일이다.

색면화의 목표는 일반적으로 이해되는 바와 같이 주제, 형태, 선 및 이미지 제작의 다른 제약으로부터 독립적으로 색상을 탐구하는 것이었습니다. 화가들은 명상적인 특성을 추구하였고, 성공적일 경우 그 특성은 작품에서 관객으로 이전되었습니다.

추상 화가 헬렌 프랭켄탈러는 색채 분야 운동의 가장 심오한 목소리 중 하나였습니다. 1952년에 그린 그녀의 그림 산과 바다에서 프랭켄탈러는 자신이 발명한 새로운 화법인 "흡수-얼룩 과정"을 세계에 소개했습니다. 이 과정에서 프랭켄탈러는 유채의 농도를 희석하기 위해 테레빈유를 사용했습니다. 그녀는 희석된 물감을 바닥에 놓인 비프라이밍 캔버스 위에 섬세하게 부어 물감이 캔버스를 완전히 스며들게 하여 작품에 전혀 새로운 질감과 외관을 부여했습니다. 흡수-얼룩 과정은 유기적이고 변형되는 구성을 띠며 고요함을 느끼게 하는 숭고한 색채의 영역을 만들어냈습니다. 프랭켄탈러의 산과 바다는 색채 분야 운동의 첫 번째 성공 중 하나로 여겨지며 오늘날에도 그 운동의 가장 사랑받는 이미지 중 하나로 남아 있습니다.

헬렌 프랭켄탈러 - 산과 바다, 1952. 캔버스에 유채와 목탄. 86 5/8 x 117 ¼ 인치. © 2019 헬렌 프랭켄탈러 재단, Inc./예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕

아마도 색면화가들과 가장 유명하게 연관된 예술가는 마크 로스코일 것입니다. 그는 이러한 레이블과 대부분의 다른 레이블을 강력히 거부한 예술가입니다. 로스코는 전적으로 색상으로 작업하며, 그와 관객이 인간 감정의 깊이를 경험할 수 있는 영적 차원을 열기 위해 노력했습니다. 색상에 완전히 집중했지만, 로스코는 그것을 이 영적 연결이 이루어질 수 있는 수단에 불과하다고 일축했습니다. 로스코의 정의적인 초기 작품 중 하나는 1953년에 그린 No. 2, Green, Red and Blue입니다. 이 작품은 로스코의 미래 작업의 상징으로, 추상 미술과 초월적 영성의 세계 모두에서 독특하게 사랑스러운 거주자로서 그의 목소리를 확립합니다.

마크 로스코 - No. 2, 녹색, 빨간색 및 파란색, 1953. 개인 소장

유명한 추상화: 1960년대 – 1970년대

추상화가 1960년대와 1970년대에 접어들면서, 많은 화가들이 그 기본 아이디어를 거부하고, 구상으로 돌아가며 개념 미술의 영역을 탐구하고 있었습니다. 그럼에도 불구하고, 추상화의 명료함과 자유의 힘은 여전히 큰 가능성을 지니고 있었습니다. 이 시기의 가장 숭고한 목소리 중 하나는 미국의 추상 화가 아그네스 마틴이었습니다. 선으로 구성된 격자 그림으로 알려진 마틴은 추상 미술의 상징적인 목소리로 남아 있습니다.

아그네스 마틴의 그림 밤바다는 1963년에 제작된 작품으로, 그녀의 결정적인 스타일이 될 초기 예 중 하나입니다. 이 작품은 거의 단색의 파란색 배경이 금박으로 그려진 세심한 격자 패턴과 교차하고 있습니다. 이 작품은 색상을 포용하면서 선에도 동등한 힘을 부여합니다. 단순함을 포용하면서도 광대함, 복잡성, 그리고 서로 얽힌 상호 의존성을 전달합니다. 마틴은 선이 그녀에게 순수함을 나타낸다고 말했습니다. 그녀는 자신의 작품을 통해 관객에게 순수함의 감정이 전달되기를 희망했습니다. 그녀의 이미지의 단순함과 그녀가 전달하고자 했던 감정의 직접성은 추상 표현주의와 미니멀리즘 사이의 간극을 메우는 데 중요한 역할을 했습니다.

아그네스 마틴 - 밤바다, 1963. 캔버스에 유채와 금박. 72 x 72 인치. © 아그네스 마틴 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

1970년대에 로버트 마더웰은 미니멀리즘의 매력과 정반대인 목소리로 추상화의 세계를 다시 한 번 뒤흔들었습니다. 그의 원초적이고 거친 제스처는 에너지, 힘, 불안을 동시에 전달했습니다. 그들에는 냉철한 힘이 있었고, 동시에 순수 추상의 힘과 자유를 구현하는 깊은 감정이 드러났습니다.

머더웰의 결정적인 작품은 1971년에 제작된 "스페인 공화국에 대한 애가 No. 110"입니다. 이 그림의 격렬한 에너지는 관객을 감싸고 캔버스에서 튀어나올 것처럼 보입니다. 그것은 충격적인 생명력을 지니고 있으며, 감정을 공간으로 전달하는 공격성을 가지고 있습니다. 많은 화가들이 추상화가 더 이상 의미가 없다고 생각하던 시기에, 머더웰은 이 스타일에 강력한 새로운 생명력을 주입했습니다. 그의 신선한 비전과 자신감 있는 목소리는 추상화가 지속될 수 있도록 도왔으며, 오늘날에도 여전히 추상 예술가들에게 영감을 주고 힘을 실어주고 있습니다.

로버트 마더웰 - 스페인 공화국에 대한 애가 No. 110, 1971. 아크릴과 그래파이트, 목탄을 캔버스에 사용. 82 x 114 인치. 솔로몬 R. 구겐하임 미술관. 로버트 마더웰 © 데달루스 재단, Inc./VAGA를 통해 아티스트 권리 협회(ARS), 뉴욕에 의해 라이센스.

미래에 대한 우리의 인식 변화

오늘날의 현대 추상 예술가들은 이들 각각의 예술가에게 빚을 지고 있습니다. 그들이 표현 방식에서 자유를 추구한 방법과 관객들이 새로운 시각을 열도록 도운 방법 모두에 대해 말입니다. 추상은 우리가 진화하는 사회가 제시하는 끝없는 복잡성을 이해하려고 할 때 계속해서 새로운 문을 열어줍니다. 과거의 위대한 추상 예술가들의 예를 바탕으로, 오늘날과 내일의 추상 예술가들이 우리의 현대적 불안과 두려움을 번역하는 데 도움을 줄 수 있기를 바라며, 우리 자신의 눈의 한계를 넘어 볼 수 있도록 도와주기를 바랍니다.

특집 이미지: 바실리 칸딘스키 - 구성 VII, 1913. © 바실리 칸딘스키 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리 / 에리히 레싱 / 아트 리소스, NY
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio