색면파의 선구자들로부터 우리는 무엇을 배웠는가?

추상 표현주의를 생각할 때 무엇이 떠오르나요? 화가들이 감정이 담긴 몸짓으로 캔버스 위에 물감을 던지고, 떨어뜨리고, 튀기고, 문지르는 모습을 상상하나요? 액션 페인팅이 추상 표현주의의 큰 부분이었지만, 이 운동에는 좀 더 절제된 면도 있었습니다. 컬러 필드 회화라고 불린 이 양식은 색으로 이루어진 평평하고 화가의 붓질이 드러나지 않는 표면을 특징으로 했습니다. 컬러 필드 회화에서는 화가의 개성이 액션 페인팅보다 덜 드러납니다. 액션 페인팅 화가들이 자신의 무의식적 작용을 작품에 담았다면, 컬러 필드 화가들은 관람자가 자신의 깨달음을 경험할 수 있는 장을 만든 것입니다.

포스트 페인터리 추상

“페인터리”라는 용어는 붓질과 질감 같은 회화 표면의 특성을 뜻하며, 이는 작품에서 화가의 손길이 뚜렷이 드러나는 것을 의미합니다. 예를 들어, 두껍게 칠해진 물감 층과 명확히 보이는 붓자국, 그리고 화가의 개별 기법이 분명한 작품을 페인터리하다고 할 수 있습니다. 포스트 페인터리 추상은 1960년대에 등장한 운동으로, 페인터리한 작품을 피한 화가들이 주축이었습니다.

포스트 페인터리 추상이라는 표현은 미술 평론가 클레멘트 그린버그가 만들었으며, 1964년 로스앤젤레스 카운티 미술관에서 열린 전시회의 제목으로 사용되었습니다. 그 전시에는 추상 표현주의와 연관된 31명의 화가들이 참여했습니다. 잭슨 폴록과 윌렘 드 쿠닝 같은 초기 추상 표현주의 화가들은 개별 기법이 표면에 뚜렷이 드러나는 페인터리한 작품을 만들었지만, 포스트 페인터리 추상 화가들은 화가의 손길이 드러나지 않는 평평한 표면의 추상 작품을 만들었습니다.

로버트 마더웰 - 스페인 공화국에 바치는 애가 110호, 1971년, 캔버스에 아크릴과 흑연, 목탄, 로버트 마더웰 © 데달루스 재단/뉴욕 VAGA 라이선스

컬러 필드 화가들

포스트 페인터리 추상 화가들 중에는 컬러 필드 화가로 알려진 그룹이 있었습니다. 이들의 이름은 작품에 넓은 색면을 사용하는 경향에서 유래했습니다. 이들의 색면은 작품을 가까이서 보면 관람자를 완전히 감싸는 듯한 느낌을 줍니다. 단순한 칠해진 표면이 아니라, 내면 성찰이 일어날 수 있는 공간이었습니다.

컬러 필드 화가들은 표면을 배경으로 삼아 대상을 그리는 대신, 표면 자체를 주제로 삼았다는 점에서 혁신적이었습니다. 이들은 작품에서 형태를 피했고, 어떤 형상도 나타나지 않았습니다. 배경과 전경이 하나였으며, 색면은 고유한 맥락이 없고 관람자가 개인적이고 신화적인 무언가와 연결되어 이미지의 한계를 넘어설 수 있는 장소였습니다.

프랭크 스텔라 - 하란 II, 1967년, 캔버스에 폴리머와 형광 폴리머 페인트, 120 × 240 인치, 샌프란시스코 드 영 미술관, © 2019 프랭크 스텔라 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

캔버스 위의 장

추상 표현주의는 캔버스를 무언가가 일어나는 장으로 봅니다. 액션 페인팅 작품에는 극적이고 감정적인 요소가 있습니다. 컬러 필드 화가들도 캔버스를 장으로 사용하지만, 그곳에서 자신의 극을 펼치는 대신 관람자의 내면 성찰이 극을 만들거나 완전히 창조할 수 있는 장소입니다. 컬러 필드 회화는 관람자를 작품 속으로 끌어들여 단순한 물감, 색, 표면 이상의 것을 사색하도록 초대합니다. 관람자는 이 장을 개인적 여정의 부적으로 삼아 자신을 성찰하도록 초대받는 것입니다.

컬러 필드 회화를 볼 때는 지속적인 성찰이 필요합니다. 액션 페인팅에서 즉각적인 감동을 받거나, 기하학적 추상 작품에서 조화를 느끼거나, 구상 작품에서 향수, 낭만, 기쁨을 느끼는 대신, 컬러 필드 회화 관람자는 새로운 깨달음을 향해 내면을 들여다봐야 합니다. 그러나 자유는 때로 부담이 되기도 합니다. 액션 페인팅 화가들의 고뇌는 내면을 자유롭게 표현할 수 있는 완전한 자유에서 비롯됩니다. 컬러 필드 회화에서는 그 두려운 자유가 관람자에게 넘어갑니다.

비대상적 감정의 장

스스로는 그 명칭을 거부했지만, 마크 로스코는 많은 이들에게 가장 영향력 있는 컬러 필드 화가로 여겨집니다. 로스코의 상징적인 작품은 수평으로 배열된 색 띠들로 이루어져 있으며, 이 띠들은 경계에서 서로 어우러집니다. 그의 작품은 때로는 주황, 노랑, 빨강 같은 밝은 색조를, 때로는 파랑, 갈색, 검정색을 특징으로 합니다. 이 작품들을 마주한 관람자는 흥분과 기쁨에서부터 침울함과 절망에 이르기까지 다양한 감정에 휩싸입니다. 로스코는 자신의 작품에 대해 이렇게 말했습니다. “내 그림 앞에서 우는 사람들은 내가 그림을 그릴 때 느꼈던 것과 같은 종교적 체험을 하고 있다.”

마크 로스코 - 오렌지와 노랑, 1956년, 캔버스에 유화, 180.3 x 231.1 cm, 알브라이트-녹스 미술관, 버팔로, 뉴욕, 미국

지퍼 선

바넷 뉴먼은 로스코와 비슷한 맥락의 작품을 만들었지만, 관람자에게 주는 느낌은 매우 달랐습니다. 뉴먼의 컬러 필드 회화는 “지퍼”라고 불리는 훨씬 가는 색 띠로 구분된 세로 방향의 넓은 색면을 특징으로 합니다. 뉴먼의 지퍼 회화는 때로 한 개, 때로 여러 개의 지퍼를 포함하며, 지퍼의 가장자리는 뚜렷하거나 주변 색면과 어우러지기도 합니다. 뉴먼 작품의 세로선과 지퍼의 존재는 로스코 작품과는 다른 감정적 반응을 불러일으킵니다.

지퍼는 눈이 한 곳에 오래 머무르지 못하게 합니다. 세로선은 마치 인물이나 길을 나타내는 듯한 인격화된 성격을 띠기도 합니다. 눈을 끌어당겼다가 다시 색면으로 흩어지게 만듭니다. 뉴먼의 작품은 대담함을 전달하며, 이 때문에 로스코 작품보다 약간 더 불안한 느낌을 줍니다. 이들은 긴장되고 현대적인 사색을 초대합니다.

바넷 뉴먼 - 오네먼트 I, 1948년, 캔버스에 유화 및 마스킹 테이프에 유화, 27 1/4 x 16 1/4 인치 (69.2 x 41.2 cm), © 2019 바넷 뉴먼 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

합일과 깨달음

클리포드 스틸의 컬러 필드 회화는 로스코나 뉴먼과는 전혀 다른 존재감을 지닙니다. 그의 색 공간은 변화하거나 진화하는 상태처럼 보이며, 유기적인 성질을 띱니다. 구체적인 형태는 없지만, 영역들이 움직이고 상호작용하며 미래의 형태 가능성을 암시합니다. 로스코와 뉴먼 작품이 안정감을 주는 반면, 스틸의 작품은 변화의 감각을 더 많이 전달합니다. 서로 다른 힘들이 모여 내면 성찰의 시간이 제한되어 있음을 암시합니다. 스틸은 자신의 작품에 대해 이렇게 말했습니다. “이것들은 일반적인 의미의 그림이 아니라, 두려운 합일 속에서 생명과 죽음이 융합된 것이다. 나에게 이 작품들은 불을 지피고, 이를 통해 다시 숨 쉬며, 황금 실을 잡고, 나만의 깨달음을 찾게 한다.”

클리포드 스틸 - PH-971, 1957년, 캔버스에 유화, 113 1/4 인치 x 148 인치 x 2 1/4 인치, 샌프란시스코 현대미술관 소장, © 덴버 시 및 군, 클리포드 스틸 미술관 제공 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

감정의 분출

헬렌 프랭켄탈러는 가장 혁신적인 컬러 필드 화가 중 한 명입니다. 그녀는 바탕칠을 하지 않은 캔버스에 묽게 희석한 물감을 직접 부어 얼룩지게 하는 독창적인 기법을 개발했습니다. 도구로 펴 바르지 않고 붓질의 흔적을 완전히 피함으로써 더욱 평평한 평면을 만들었으며, 물감이 캔버스 위에서 예상치 못한 방식으로 퍼지고 서로 어우러지도록 했습니다. 얼룩진 영역들은 서로 스며들고 변형하며 결합했습니다. 프랭켄탈러의 얼룩 기법은 깊고 유기적인 자연 과정을 전달하는 작품을 탄생시켰습니다.

헬렌 프랭켄탈러 - 캐니언, 1965년, 캔버스에 아크릴, 44 x 52 인치, © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

얼룩진 모습

모리스 루이스는 프랭켄탈러의 얼룩 기법에 깊은 영향을 받았으며, 이를 변형해 자신만의 독특한 미학적 접근법을 개발했습니다. 루이스도 프랭켄탈러처럼 묽게 희석한 물감을 캔버스에 부어 얼룩진 효과를 냈지만, 캔버스를 깔때기처럼 접는 것과 유사한 비밀스러운 기법을 사용했다고 전해집니다. 루이스가 만든 색면은 신비롭고 내면을 들여다보게 하는 독특한 성질을 지닙니다.

모리스 루이스 - 살리언트, 1954년, 캔버스에 아크릴 수지(매그나), 74 1/2 x 99 1/4 인치 (189.2 x 252.1 cm), © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

조금 더 분위기 있게

프랭켄탈러와 루이스의 아이디어를 바탕으로 쥘 올리츠키는 자신만의 독특한 컬러 필드 회화 기법을 개발했습니다. 그는 스프레이 건으로 캔버스에 물감을 뿌려 여러 겹의 물감을 가볍게 덧칠해 빛나는 분위기의 색면을 만들었으며, 오늘날에도 미래지향적인 느낌을 줍니다. 올리츠키의 특징적인 스타일은 캔버스 가장자리 근처에 단단한 선을 추가한 점으로, 이 경계선은 컬러 필드 회화의 종말을 예고하는 듯하며, 마치 주제가 틀 안에 제시되는 개념을 다시 도입하는 것처럼 보입니다.

쥘 올리츠키 - 파투츠키 인 파라다이스, 1966년, © 쥘 올리츠키 유산 / 뉴욕 VAGA 라이선스

지속되는 유산으로서의 사색

이 컬러 필드 선구자들은 단순한 예술품을 넘어 관람자의 초월적 미적 경험을 중개하는 매개체 역할을 하는 작품을 만드는 데 성공했습니다. 색 자체 외에는 주제가 없는 작품을 만들어 회화를 인식하는 방식을 바꾸고, 회화를 신화적이고 영적인 영역으로 이끌었습니다. 사색은 컬러 필드 선구자들이 남긴 지속적인 유산입니다. 우리 중 많은 이에게 이들의 작품은 부적과 같아, 더 깊은 내면 성찰의 길로 안내합니다.

대표 이미지: 헬렌 프랭켄탈러 - 산과 바다, 1952년, 바탕칠하지 않은 캔버스에 유화와 목탄, 86 3/8 × 117 1/4 인치 (219.4 × 297.8 cm), © 2019 헬렌 프랭켄탈러 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성