헬렌 프랭컨탈러

Helen Frankenthaler는 포스트 페인터리 추상미술을 시작한 것으로 알려진 매우 영향력 있는 미국의 추상 미술가였습니다. 그녀는 개성과 실험을 옹호했습니다. 혁신적인 기법과 지적인 태도를 통해 그녀는 자신의 경력뿐만 아니라 동시대 여러 예술가들의 경력도 정의한 회화 방법을 개척했습니다. 60년에 걸친 전문 경력 동안 Frankenthaler는 개방성과 독창성에 헌신하며 자신의 좌우명인 “규칙은 없다. 그것이 예술이 태어나는 방식이며, 돌파구가 생기는 방식이다. 규칙에 반하거나 무시하라. 그것이 발명의 본질이다.”를 몸소 보여주었습니다.

그녀의 품에 안긴 세상

오늘날 추상의 대가로 여겨지지만, Helen Frankenthaler는 한때 추상으로 나아가는 초기 과정이 어려웠다고 말했습니다. 그녀는 학교에서 입체파와 신표현주의를 공부했지만, 그들의 사상에 지적으로만 반응했을 뿐, 자신만의 추상 작품을 만들도록 영감을 받지는 못했습니다. 대학 졸업 후, 진보적인 활동 예술가들과 이론가들을 만나면서야 Helen은 자신만의 독특한 추상적 목소리를 발견할 수 있었습니다.

Frankenthaler가 대학을 떠난 후 맺은 가장 영향력 있는 인연은 1950년 미술 전시회에서 만난 미술 평론가 클레멘트 그린버그였습니다. 그린버그는 그녀에게 화가이자 교육자인 한스 호프만의 수업을 듣도록 권유했고, 추상 표현주의 화가 잭슨 폴록과 Lee Krasner를 소개해 주었습니다. 호프만, 폴록, 크래스너의 기법에서 Frankenthaler는 혁신의 길을 보았습니다. 특히 잭슨 폴록이 캔버스를 바닥에 놓고 직접 물감을 부은 방식에 깊은 감명을 받았고, 곧 그 방식을 채택했습니다. 노바스코샤 여행 후, 그곳의 아름다운 풍경을 품에 안고 있다고 말하며, Frankenthaler는 작업실 바닥에 펼쳐진 펼치지 않은 캔버스 위에 그 본질을 담은 산과 바다라는 그림을 시작했습니다.

Helen Frankenthaler - 산과 바다, 1952년. 기름과 목탄, 바탕칠하지 않은 캔버스. 219.4 × 298.1 cm. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

도약

산과 바다는 획기적인 작품이었습니다. Frankenthaler가 혁신한 두 가지 핵심 차이점이 그녀의 기법을 폴록의 것과 구별시켰습니다. 잭슨 폴록이 사용한 두꺼운 에나멜 물감 대신, Frankenthaler는 테레빈유로 묽게 한 유성 물감을 사용했습니다. 그리고 캔버스에 바탕칠을 하지 않고 완전히 생캔버스를 사용했습니다. 묽게 한 물감이 바탕칠하지 않은 캔버스에 미친 효과는, 물감이 표면 위에 쌓이지 않고 바로 스며들어 얼룩지게 했다는 점입니다.

Frankenthaler는 이를 흡수-얼룩 기법이라 불렀으며, 이는 새로운 방식이었습니다. 이전까지 그림은 표면과 그 위에 그려진 이미지 두 요소로 구성되었습니다. 그녀가 즉흥적으로 발명한 흡수-얼룩 기법으로 표면과 이미지가 하나로 합쳐져 통일된 미적 대상이 되었습니다. 화면은 색과 하나가 되었습니다. 그녀는 이런 방식으로 그린 동기가 단지 아름다운 그림을 만들기 위함이며, 회화 혁명을 의도한 것은 아니라고 주장했습니다. 그러나 예술사를 진지하게 공부한 그녀는 자신의 발견이 갖는 의미를 정확히 이해했습니다.

Helen Frankenthaler - 그로토 아주라, 1963년. 종이에 유화. 58.4 x 73.7 cm. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

다음 큰 물결

Frankenthaler는 산과 바다를 클레멘트 그린버그에게 보여주었습니다. 그는 워싱턴 D.C.에서 온 화가 모리스 루이스와 케네스 놀랜드를 초대해 Frankenthaler의 작업실을 방문하게 했고, 그녀의 발견을 보여주었습니다. 놀랜드와 루이스는 각각 회화의 대상성이나 작가의 개성이 방해되지 않는 색채 관계 탐구 방법을 찾고 있었습니다. 흡수-얼룩 기법이 바로 그들이 찾던 것이었습니다. 이 기법은 붓질을 없애고 그림을 평면화하여 이미지와 대상이 하나가 되게 하며, 모든 초점을 색과 화면에 맞추게 했습니다.

루이스와 놀랜드는 워싱턴 D.C.로 돌아가 즉시 이 새로운 기법을 사용하기 시작했습니다. 한편 클레멘트 그린버그는 이 경향을 감정이 격한 추상 표현주의 작품과는 뚜렷이 구별되는 것으로 홍보했습니다. Frankenthaler가 발견한 것과 이후 많은 화가들이 차용한 것을 설명하기 위해 그린버그는 포스트 페인터리 추상(Post-Painterly Abstraction)이라는 용어를 만들어 미국 미술의 다음 큰 물결이라 불렀습니다.

Helen Frankenthaler - 서부의 꿈, 1957년. 바탕칠하지 않은 캔버스에 유화. 177.8 x 218.4 cm. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

초월

이후 20년 동안 Frankenthaler는 영향력 있고 유명한 예술가로 성장했습니다. 1960년 32세에 뉴욕 유대인 박물관에서 회고전을 가졌고, 9년 후 휘트니 미술관과 유럽 전역에서 주요 전시회를 열었습니다. 모리스 루이스, 케네스 놀랜드, 마크 로스코, 클리포드 스틸, 줄스 올리츠키 등과 함께 그녀는 색면 미술 운동의 창시자이자 지도자로 알려졌으며, 색채와 그 초월적 가능성을 폭넓고 다면적으로 탐구했습니다.

1970년대 초, 절정의 성공을 누리던 시기에 Helen Frankenthaler는 두 번째 주요 예술적 돌파구를 가져온 실험적 선택을 했습니다. 목판화 작업을 시작한 것입니다. 1950년대부터 다른 종류의 판화와 종이 작업을 해왔지만, 목판화는 흰 선과 단단한 경계가 특징인 독특한 미학적 도전을 제시했습니다. 그녀는 선과 경계를 없애 흡수-얼룩 기법에서 얻은 것과 같은 신비로운 색면을 재현하고자 했습니다. 1973년 동쪽과 저 너머라는 목판화 작품으로 그 목표를 달성했습니다. 이 작품은 목판화의 소박한 아름다움을 지니면서도 섬세하고 유기적인 연속된 색면으로 기존 목판화와 차별화되었습니다. 그녀가 발명한 이 과정은 수십 년 전 흡수-얼룩 기법이 회화에 가져온 혁명과 마찬가지로 판화 매체를 혁신했습니다.

Helen Frankenthaler - 동쪽과 저 너머, 1973년. 8색 목판화, 버프 라미네이트 네팔 수제 종이. 80 x 54.6 cm. MoMA 소장. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), 뉴욕

예술을 넘어서

작품 외에도 Helen Frankenthaler는 오늘날까지 보조금, 전시회 및 기타 프로젝트를 통해 예술적 혁신을 장려하는 재단을 설립하고 지원했습니다. 1980년대에는 미국 국립예술기금(National Endowment for the Arts)의 자문 역할도 맡았습니다. 악명 높게도 그녀의 권고는 그 기관의 예산 삭감으로 이어졌습니다. 그녀는 자신의 의도를 이렇게 설명했습니다. “정치, 유행, 세련됨에 덜 얽매인 고상한 정신을 경험했던 시절이 있었다고 느낍니다. 그들은 위대한 전통의 지속을 격려하고 예술의 중요한 발전을 보호했습니다.”

논란이 있었지만, Helen Frankenthaler는 NEA에서의 활동이 예술가들 사이의 지적 담론 수준을 높이고 더 높은 수준의 작품을 장려하기를 바랐습니다. 바로 그녀 자신의 연구, 교육, 개방성, 독창성, 그리고 현명한 실험에 대한 헌신이 그녀의 작품 세계를 정의하는 혁신적 작업으로 이어졌습니다. 그것이 또한 그녀가 83세로 세상을 떠날 때까지 20세기 추상미술사에 지울 수 없는 흔적을 남기고, 미래 예술가들이 나아갈 방향을 찾는 데 본보기가 될 수 있었던 이유입니다.

대표 이미지: Helen Frankenthaler - 회색 불꽃놀이 (부분), 1982년. 캔버스에 아크릴. 183 x 301 cm. © 2019 Helen Frankenthaler Foundation, Inc./Artists Rights Society (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공