Lee 크래스너와 그녀의 인상적인 작품들

어떤 예술가들은 특정 스타일에 너무 집중하여 거의 모든 예술 애호가가 그들의 작품의 전형적인 예를 쉽게 설명할 수 있습니다. 그러나 다른 예술가들은 의도적으로 그리고 지속적으로 그들의 스타일을 발전시키며 하나의 미적 접근 방식에 제한받기를 거부합니다. Lee 크래스너는 후자의 전형을 보여줍니다. 전형적인 Lee 크래스너의 그림을 설명하는 것은 불가능합니다. 왜냐하면 그녀의 작업은 결코 전형적이지 않았기 때문입니다. 그녀의 경력 동안 여러 번 크래스너는 그림에 대한 접근 방식을 완전히 전환했습니다. 비록 그녀가 일반적으로 추상 표현주의자들과 연관되어 있지만, 그녀는 고전적 사실주의 화가로서 경력을 시작했습니다. 그녀는 또한 공공사업청을 위해 벽화 화가로 일했으며, 그녀의 유대인 유산에서 영감을 받은 소규모 작품과 개인 생활에서 영향을 받은 대규모 작품, 콜라주, 생물형 추상, 하드 엣지 추상 등 다양한 실험을 수년간 진행했습니다. 뇌 동맥류로 고통받은 후에도 그녀는 20년 이상 자신의 작업을 계속 재창조했습니다. 그녀의 작품은 매우 다양하고 독창적이어서 Lee 크래스너는 오늘날 20세기 미국 아방가르드의 정신을 구현하는 인물로 여겨집니다. 

브루클린 태생

Lee 크래스너는 1908년 브루클린에서 태어나 가족 중 최초로 미국 땅에서 태어난 사람입니다. 그녀는 어릴 때부터 화가가 되고 싶다는 꿈을 가지고 있었습니다. 그러나 1900년대 초반에는 전문 예술가가 되고자 하는 젊은 여성들에게 많은 기회가 없었습니다. 예술을 공부하고 싶어하는 여성들은 교직으로 나아가도록 권장받았습니다. 뉴욕에는 예술 수업을 전공할 수 있는 여학생을 허용하는 고등학교가 단 하나 있었는데, 그것이 바로 워싱턴 어빙 여고였습니다. Lee 크래스너는 그 학교에 지원하여 입학 허가를 받았습니다.

고등학교를 졸업한 후, 크래스너는 실제로 교사 자격증을 취득했습니다. 그러나 그 후, 그녀는 교직에 들어가는 대신 웨이트리스로 일하며 그림 수업을 계속 들었습니다. 그녀는 내셔널 아카데미 오브 디자인에서 고전 기법을 마스터하고, 뉴욕 아트 스튜던트 리그에서 인체를 그리는 방법을 공부했습니다. 그녀는 매우 재능이 뛰어나서 1935년에는 워크스 프로그레스 어드민스트레이션에서 벽화 화가로서의 귀한 자리를 얻었습니다. 이는 어떤 예술가에게도 드문 일이며, 여성 예술가에게는 더욱 드문 일이었습니다. 그녀의 일은 다른 예술가들이 만든 인물 벽화 디자인을 복사하는 것이었습니다. 크래스너는 자신의 디자인을 그리는 것을 선호했기 때문에 이를 이상적이라고 생각하지 않았지만, 이는 그녀가 대공황 동안 생계를 유지할 수 있게 해주었고 그녀의 교육을 확장시켜 주었습니다.

Lee Krasner - Gaea, 1966. Oil on canvas. 175.3 x 318.8 cm. Museum of Modern Art Collection. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

전체 페인팅

1937년, WPA에서의 직책을 맡은 지 2년이 지난 Lee 크래스너는 자신의 작업에서 첫 번째 주요 진화를 시작했다. 그녀는 현대주의와 추상화를 옹호하는 독일의 존경받는 화가이자 교육자인 한스 호프만의 수업에 등록했다. 호프만의 지도 아래, 크래스너는 입체파, 네오-입체파, 야수파, 콜라주 및 기타 초기 현대주의 경향의 개념을 배웠다. 그녀는 이러한 아이디어를 자신의 작업에 자연을 연상시키는 추상 모티프로 전체 표면을 덮는 회화 접근법인 올 오버 스타일의 발전에 적용했다.

크래스너는 1940년에 한스 호프만과의 수업을 마쳤다. 그리고 1941년, 그녀는 화가 잭슨 폴록과의 로맨틱한 관계를 시작했다. 그녀가 그 당시 폴록이 만들고 있던 본능에 의해 이끌리는 작품을 처음 접했을 때, 그녀는 자신의 작업 과정을 즉시 재평가했다. 비록 그녀의 작업이 추상적이 되었지만, 그녀는 여전히 실제 삶에서 작업하고 있었다. 폴록에게 영감을 받아 그녀는 자신의 진정한 무의식적인 자아와 연결되고, 캔버스에 자신의 감정을 표현하기 위한 탐구를 열정적으로 추구했다.

Lee Krasner - Mosaic Collage, 1939. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

리틀 이미지 시리즈

그녀의 잠재의식 자아를 찾는 과정에서 크래스너는 자신의 뿌리로 돌아갔다. 그녀의 가족은 현재의 우크라이나에서 이민을 왔다. 그들의 러시아 유대인 유산은 성경을 해석하는 고대의 상징적 방법인 카발라에 의해 영향을 받았다. 카발라의 상징적 개념을 바탕으로 크래스너는 자신의 직관적이고 상징적인 시각 언어를 개발하였고, 이를 그녀가 '리틀 이미지 시리즈'라고 부르는 일련의 그림에 통합하였다.

이 작업의 이름은 아마도 각 그림이 명확한 의미 없이 추상적인 어휘를 나타내는 수많은 작은 이미지로 구성된 것처럼 보인다는 아이디어에서 유래했을 것입니다. 또는 이 이름은 이 시리즈가 시작된 시점에 그녀가 경험한 환경의 변화에서 유래했을 수도 있습니다. 그 변화는 크래스너와 폴록이 도시를 떠나 롱아일랜드의 한 부동산으로 이사하면서 발생했습니다. 폴록은 그의 대규모 작품을 위해 헛간을 차지했습니다. 크래스너는 집의 2층 스튜디오를 채택했으며, 그 공간과의 대화 속에서 그녀의 작업을 조정했습니다. 

Lee Krasner - Noon, 1947, from the Little Imageseries. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

콜라주를 잘라내다

Lee 크래스너의 다음 주요 미적 변화는 1950년대 초에 일어났습니다. 전설에 따르면, 그녀는 여러 작품의 질에 실망하여 캔버스를 찢기 시작했습니다. 한스 호프만과 함께 공부하던 초기 시절, 크래스너는 마티스의 열렬한 팬이 되었고 콜라주 실험을 했습니다. 마티스와 그의 오려낸 작품에 영감을 받아, 그녀는 찢어진 그림을 강력하고 감정적인 콜라주를 위한 원자재로 사용하기 시작했으며, 실패의 조각들을 그녀의 작품에서 급진적인 새로운 방향으로 변형시켰습니다.

그녀의 인생에서 이 시기에, 크래스너에게는 그녀의 일과 관련된 것 외에도 많은 다른 좌절이 있었다. 그녀의 남편 잭슨 폴록은 알코올 중독자이자 바람둥이였으며, 자신의 독특한 액션 페인팅 스타일로 빠르게 유명해졌다. 1956년, 크래스너가 여름 동안 유럽에 있을 때, 폴록은 애인과 친구와 함께 술을 마시고 운전하다가 알코올에 취해 자동차 사고로 사망했다.

Lee Krasner - City Verticals, 1953 (Left) / Lee Krasner -  Burning Candles, 1955 (Right), two canvas collages. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

생명의 순환

이미 폴록이 죽기 전에 크래스너는 자신의 작업에서 또 다시 방향을 바꾸기 시작했다. 그녀는 추상적이고 자연적인 형태의 풍부한, 생물형 구성들을 그리기 시작했다. 유럽에서 돌아온 후, 그녀는 이 모티프를 더 탐구하며, 작업할 수 있는 공간이 더 많아졌기 때문에 작품의 크기도 커지게 되었다. 그녀의 구성에는 웅장하고 광범위한 제스처와 단순화된 색상 팔레트가 나타났으며, 이전 작업에서의 혼란과 좌절은 자연 세계의 과정에 대한 더 넓은 시각으로 바뀌었다.

남편의 죽음 이후 6년 동안 Krasner는 감정적으로 강력한 이 새로운 스타일을 추구했습니다. 그녀가 이 작품 시리즈에 붙인 이름들은 생명의 주기와 연결되어 있는 것 같았고, 아마도 그녀의 슬픔과 회복에 의해 상징적이거나 안내받고 있었던 것일 수 있습니다. 이 시리즈 중 첫 번째인 Earth Green은 자연적인 색상 팔레트인 녹색, 빨간색, 흰색 및 황갈색을 특징으로 했습니다. 다음 시리즈인 Night Journeys는 더 어둡고 우울한 이미지를 담고 있었습니다. 그녀의 경력에서 이 단계는 1962년에 Krasner가 뇌 동맥류로 고통받으면서 갑작스럽게 끝났고, 그로 인해 그녀의 작업은 몇 년 동안 중단되었습니다.

Lee Krasner - The Sun Woman II, 1958, part of the Earth Green Series. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

강경 노선

동맥류에서 회복한 후, 크래스너는 그녀가 중단했던 곳에서 다시 시작하여 유기적인 형태와 구성들을 탐구했습니다. 그러다가 1970년대 초, 그녀는 갑자기 또 다른 새로운 방향으로 작업을 전환했습니다. 그녀는 시각적 언어에서 거의 기하학적으로 보이는 평면적이고 날카로운 추상화를 그리기 시작했습니다. 그녀의 색상 팔레트도 더 순수해져서 밝고 직접적이며 낙관적인 느낌의 그림들이 탄생했습니다.

그녀의 동시대 사람들이 추구하던 다른 미적 경향들이 이 새로운 방향으로의 크라스너에게 영감을 주었을 가능성이 있다. 색면화(Color Field painting)는 많은 추상 표현주의자들 사이에서 지지를 얻었고, 미니멀리즘은 이전 세대의 감정과 드라마에 대한 반작용으로 예술계에서 적극적으로 지배하고 있었다. 하지만 1970년대에 크라스너가 그린 하드 엣지(hard edge) 작품에는 이 두 스타일의 요소가 포함되어 있지만, 그녀의 감정을 표현하는 방식은 전적으로 독특하다.

Lee Krasner - Sundial, 1972. Oil on linen. © 2018 Pollock-Krasner Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York

Lee 크래스너의 유산

1983년, Lee 크래스너는 그녀의 첫 경력 회고전이라는 영예를 받았다. 이 전시는 텍사스 휴스턴의 미술관에서 열렸다. 크래스너는 전시회에 참석하기에는 너무 아팠지만, 브루클린 출신으로서 전시가 그녀의 고향으로 이동할 날을 고대하고 있었다. 그러나 그녀는 1984년 6월, 뉴욕 MoMA에서 그녀의 회고전이 열리기 불과 6개월 전에 세상을 떠났다. MoMA 전시회에 대한 보도 자료는 "크래스너는 지난 6월 그녀의 죽음 직전까지 계속해서 그림을 그렸으며, 그녀의 마지막 작품은 끊임없는 탐구를 나타낸다."라고 말했다.

그녀의 경력의 실험적 성격에 대해 진정으로 특별한 점은 모든 변화 속에서도 Lee 크래스너가 뚜렷하고 개별적인 미적 목소리를 유지했다는 것입니다. 그녀의 초기 작품에서 사용한 시각적 언어의 요소들은 수많은 진화를 거치면서도 그녀의 전체 작업에 걸쳐 울려 퍼집니다. 그녀의 마지막 작품들은 초기 노력들과 유동적인 대화를 나누고 있습니다. 이는 크래스너가 미국 모더니즘 전통에서 차지하는 위치에 대한 강력한 증거입니다. 그녀의 작품은 급진적으로 창의적인 사고를 나타내며, 그녀 안에 있는 전위의 구현을 말해줍니다.

특집 이미지: Lee 크래스너 - 자화상, 1930. 린넨에 유화. 76.5 × 63.8 cm. © 2018 폴록-크래스너 재단 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio