Lee 크래스너와 그녀의 인상적인 작품들
어떤 예술가들은 특정한 한 가지 양식에 매우 집중하여 거의 모든 예술 애호가가 그들의 작품 전형적인 예를 쉽게 설명할 수 있습니다. 그러나 다른 예술가들은 의도적으로 끊임없이 자신의 양식을 발전시키며 한 가지 미적 접근에 얽매이기를 거부합니다. Lee Krasner는 후자의 전형이었습니다. 전형적인 Lee Krasner의 그림을 묘사하는 것은 불가능한데, 그녀의 작품은 결코 전형적이지 않았기 때문입니다. 그녀는 경력 동안 여러 차례 그림에 대한 접근 방식을 완전히 바꾸었습니다. 보통 추상 표현주의자들과 연관되지만, 그녀는 경력을 고전적 사실주의 화가로 시작했습니다. 또한 공공사업진흥국(Works Progress Administration)에서 벽화 화가로 일했으며, 콜라주, 생물형 추상, 하드 엣지 추상, 유대인 유산에서 영감을 받은 소규모 작품과 개인적 삶에서 비롯된 대규모 작품을 다양하게 실험하는 데 수년을 보냈습니다. 뇌동맥류를 앓은 후에도 20년 넘게 계속해서 작품을 재창조했습니다. 그녀의 작품 세계는 매우 다양하고 독창적이어서 오늘날 Lee Krasner는 20세기 미국 전위 예술 정신을 구현한 인물로 평가받고 있습니다.
브루클린 출생
Lee Krasner는 1908년 브루클린에서 태어났으며, 가족 중 미국 땅에서 태어난 첫 번째 인물이었습니다. 어린 시절부터 화가가 되고 싶다는 것을 알았습니다. 그러나 1900년대 초반에는 전문 예술가를 꿈꾸는 젊은 여성들에게 기회가 많지 않았습니다. 예술을 공부하고자 하는 여성들은 주로 교사로 진로를 권장받았습니다. 뉴욕에는 여성들이 미술 전공을 할 수 있는 유일한 고등학교인 워싱턴 어빙 여자 고등학교가 있었고, Lee Krasner는 그 학교에 지원해 합격했습니다.
고등학교를 졸업한 후, Krasner는 실제로 교사 자격증을 취득했습니다. 그러나 교직에 들어가기보다는 웨이트리스로 일하며 계속해서 그림 수업을 들었습니다. 그녀는 국립 디자인 아카데미에서 고전 기법을 익혔고, 뉴욕 미술 학생 연맹에서 인체 묘사법을 배웠습니다. 1935년에는 공공사업진흥국의 벽화 화가로 선발되는 영예를 얻었는데, 이는 여성 예술가에게는 매우 드문 일이었습니다. 그 일은 다른 예술가들이 만든 인물 벽화 디자인을 복사하는 것이었으며, Krasner는 자신의 디자인을 그리고 싶어 이상적이라고 생각하지는 않았지만, 대공황 시기에 생계를 유지하고 교육을 확장하는 데 도움이 되었습니다.
Lee Krasner - 가이아, 1966년. 캔버스에 유화. 175.3 x 318.8 cm. 현대 미술관 소장품. © 2018 Pollock-Krasner 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕
전체화법
1937년, WPA에서 일한 지 2년 만에 Lee Krasner는 작품에 첫 번째 큰 변화를 시작했습니다. 그녀는 현대주의와 추상을 옹호하는 독일 출신 화가이자 교육자인 Hans Hofmann의 수업에 등록했습니다. Hofmann의 지도 아래 Krasner는 입체파, 신입체파, 야수파, 콜라주 및 초기 현대주의 경향을 배웠습니다. 그녀는 이러한 개념들을 실천에 옮겨 자연을 연상시키는 추상적 모티프들로 작품 전체 표면을 덮는 '전체화법'이라 불리는 기법을 발전시켰습니다.
Krasner는 1940년에 Hans Hofmann의 수업을 마쳤고, 1941년에는 화가 잭슨 폴록과 연애를 시작했습니다. 당시 폴록이 본능에 따라 작업하던 작품을 처음 접했을 때, 그녀는 자신의 작업 방식을 즉시 재평가했습니다. 그녀의 작품은 추상화되었지만 여전히 현실을 바탕으로 하고 있었습니다. 폴록에게 영감을 받아 그녀는 진정한 무의식적 자아와 연결되고 감정을 캔버스에 표현하려는 열정적인 탐구를 시작했습니다.
Lee Krasner - 모자이크 콜라주, 1939년. © 2018 Pollock-Krasner 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕
작은 이미지 시리즈
무의식적 자아를 찾는 과정에서 Krasner는 자신의 뿌리로 돌아갔습니다. 그녀의 가족은 현재 우크라이나 지역에서 이주해 왔으며, 러시아 유대인 유산은 성경을 해석하는 고대 상징적 방법인 카발라에 영향을 받았습니다. 카발라의 상징적 개념을 바탕으로 Krasner는 자신만의 직관적이고 상징적인 시각 언어를 개발하여 '작은 이미지 시리즈'라 부르는 일련의 그림에 이를 통합했습니다.
이 작품군의 이름은 각 그림이 무수한 작은 이미지들로 구성되어 있어 명확한 의미가 없는 추상적 어휘를 나타내는 것처럼 보인다는 생각에서 유래했을 가능성이 큽니다. 또는 이 시리즈가 시작될 무렵 Krasner와 Pollock이 도시를 떠나 롱아일랜드의 한 부동산으로 이사한 환경 변화에서 비롯되었을 수도 있습니다. Pollock은 헛간을 대형 작품 작업장으로 사용했고, Krasner는 집 안의 2층 작업실을 사용하며 공간과 대화하듯 작품을 조정했습니다.
Lee Krasner - 정오, 1947년, 작은 이미지 시리즈 중. © 2018 Pollock-Krasner 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕
잘라 붙인 콜라주
Lee Krasner의 다음 큰 미적 변화는 1950년대 초에 일어났는데, 전설에 따르면 그녀가 몇몇 작품의 품질에 실망하여 캔버스를 찢기 시작했다고 합니다. Hans Hofmann과 공부하던 시절, Krasner는 마티스의 열렬한 팬이었고 콜라주를 실험한 적이 있었습니다. 마티스와 그의 오려내기 작품에서 영감을 받아, 그녀는 찢어진 그림 조각들을 강렬하고 감정적인 콜라주의 원료로 사용하기 시작했고, 실패의 조각들을 작품 세계의 급진적 새 방향으로 탈바꿈시켰습니다.
이 시기 Krasner의 삶에는 작품 외에도 많은 좌절이 있었습니다. 그녀의 남편 잭슨 폴록은 알코올 중독자이자 바람둥이였으며, 독특한 액션 페인팅 스타일로 빠르게 유명해졌습니다. 1956년, Krasner가 여름 동안 유럽에 머무는 동안, 폴록은 정부와 친구와 함께 음주 운전을 하다가 알코올로 인한 자동차 사고로 사망했습니다.
Lee Krasner - 도시 수직선, 1953년 (왼쪽) / Lee Krasner - 불타는 촛불, 1955년 (오른쪽), 두 점의 캔버스 콜라주. © 2018 Pollock-Krasner 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕
생명의 순환
폴록이 사망하기 전부터 Krasner는 작품 방향을 다시 바꾸기 시작했습니다. 그녀는 추상적이고 자연적인 형태의 풍부한 생물형 구성을 그리기 시작했습니다. 유럽에서 돌아온 후, 그녀는 이 모티프를 더 깊이 탐구하며 작품 크기도 커졌는데, 이는 작업 공간이 더 넓어진 덕분일 수 있습니다. 웅장하고 넓은 붓질과 단순화된 색채 팔레트가 등장했고, 이전 작품의 혼란과 좌절은 자연 세계의 과정에 대한 더 넓은 시각으로 바뀌었습니다.
남편 사망 후 6년 동안 Krasner는 이 감정적으로 강렬한 새 양식을 추구했습니다. 그녀가 이 작품군에 붙인 이름들은 생명의 순환과 관련이 있어 보이며, 아마도 그녀의 슬픔과 회복을 상징하거나 이끌었을 것입니다. 첫 번째 시리즈인 '지구 녹색'은 녹색, 빨강, 흰색, 황갈색의 자연 색조 팔레트를 특징으로 했습니다. 다음 시리즈인 '밤의 여정'은 더 어둡고 음울한 이미지를 담았습니다. 이 경력 단계는 1962년 Krasner가 뇌동맥류를 앓아 몇 년간 작업을 중단하면서 갑작스럽게 끝났습니다.
Lee Krasner - 태양의 여인 II, 1958년, 지구 녹색 시리즈 중. © 2018 Pollock-Krasner 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕
단단한 선
뇌동맥류에서 회복한 후, Krasner는 유기적 형태와 구성을 탐구하던 작업을 이어갔습니다. 그러다 1970년대 초, 그녀는 갑자기 작품을 또 다른 새로운 방향으로 전환했습니다. 거의 기하학적인 시각 언어처럼 보이는 평평하고 단단한 경계의 추상화를 그리기 시작했습니다. 색채 팔레트도 더 순수해져 밝고 직접적이며 낙관적인 느낌의 그림들이 탄생했습니다.
당시 동시대 예술가들이 추구하던 다른 미적 경향들이 Krasner의 이 새로운 방향에 영감을 주었을 가능성이 있습니다. 색면화(Color Field) 회화는 많은 추상 표현주의자들 사이에서 지지를 얻었고, 미니멀리즘은 이전 세대의 감정과 극적인 표현에 대한 반작용으로 예술계에서 주도적이었습니다. 그러나 1970년대 Krasner가 그린 하드 엣지 작품들에는 이 두 양식의 요소가 포함되어 있지만, 그녀만의 독특한 감정 표현이 담겨 있습니다.
Lee Krasner - 해시계, 1972년. 리넨에 유화. © 2018 Pollock-Krasner 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕
Lee Krasner의 유산
1983년, Lee Krasner는 첫 번째 경력 회고전을 여는 영예를 안았습니다. 텍사스 휴스턴의 미술관에서 개막했으며, Krasner는 건강이 좋지 않아 전시회에 참석하지 못했지만, 브루클린 출신으로서 전시가 고향으로 옮겨가기를 기대했습니다. 그러나 그녀는 1984년 6월, 뉴욕 현대 미술관에서 회고전이 열리기 6개월 전에 세상을 떠났습니다. 현대 미술관 전시 보도자료에는 “Krasner는 작년 6월 사망 직전까지 계속 그림을 그렸으며, 그녀의 작품은 끝까지 끊임없는 탐구를 보여준다.”고 적혀 있습니다.
그녀 경력의 실험적 성격에서 진정으로 놀라운 점은 모든 변화 속에서도 Lee Krasner가 뚜렷하고 개별적인 미적 목소리를 유지했다는 것입니다. 그녀가 초기 작품에서 사용한 시각 언어의 요소들은 수많은 변화에도 불구하고 작품 전반에 울려 퍼집니다. 그녀의 마지막 작품들은 초기 작품과 유연하게 대화하는 듯합니다. 이는 Krasner가 미국 근대미술 전통에서 차지하는 위치를 강력히 증명하는 것입니다. 그녀의 작품 세계는 급진적으로 창의적인 정신을 나타내며, 그녀 안에 전위가 구현되었음을 보여줍니다.
대표 이미지: Lee Krasner - 자화상, 1930년. 리넨에 유화. 76.5 × 63.8 cm. © 2018 Pollock-Krasner 재단 / 예술가 권리 협회 (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
