추상 미술에서 생체 모양의 역할
바이오모피즘은 그리스어 bio에서 유래했으며, 이는 생명을 뜻하고, morphe는 형태를 의미합니다. 그러나 이것이 생명체를 뜻하는 것은 아닙니다. 오히려 살아 있는 것의 외형이나 특성을 나타내려는 경향을 의미합니다. 과학적인 용어처럼 들리지만, 이 용어가 처음 사용된 것은 1936년 MoMA에서 열린 입체파와 추상미술 전시회에서 바이오모픽 아트를 설명하기 위해서였습니다. 알프레드 H. 바르가 쓴 그 전시회의 카탈로그는 바이오모피즘을 “직선적이기보다는 곡선적이고, 구조적이기보다는 장식적이며, 고전적이기보다는 신비롭고 자발적이며 비이성적인 것을 찬양하는 낭만적 양식”으로 정의했습니다. 바르는 20세기 초부터 현대미술에 나타나기 시작한 특정 추상의 성격을 관람객에게 설명하기 위해 이 용어를 만들었습니다. 바이오모픽 추상은 대표적이거나 기하학적이지 않은, 둥글고 풍성하며 호화로운 형태를 바탕으로 한 시각 언어를 포함합니다. 사람들은 이 형태들을 본 적이 없더라도 본능적으로 인식하고 연결감을 느낍니다.
바이오모피즘의 뿌리
프랑스 철학자 앙리 베르그송은 1900년대 초에 바이오모피즘의 근본 개념을 처음으로 표현했습니다. 당시 지식인 계층의 지배적인 태도는 이성과 과학이 현실 세계를 이해하는 가장 좋은, 아니면 유일한 방법이라는 것이었습니다. 특히 세계를 바라보는 인기 있는 관점은 목적론적 시각이었습니다. 목적론은 모든 것에 두 가지 목적이 있다고 말합니다: 자연적이고 타고난 내재적 목적과 인위적이고 부과된 외재적 목적입니다. 예를 들어, 꽃구근의 내재적 목적은 꽃으로 자라는 것이고, 외재적 목적은 꽃구근 가게 주인에게 수익을 창출하는 것입니다.
앙리 베르그송은 목적이 내재적이거나 외재적인 것이 아니라, 유동적이고 알 수 없으며, 객관적으로 정의할 수 없을 수도 있다고 믿었습니다. 그는 경험과 본능에 기반한 직관이 과학과 논리만큼, 아니 그 이상으로 중요하다고 보았습니다. 그는 창조성이 자연과 마찬가지로 다산성, 돌연변이, 그리고 그가 예측 불가능한 새로움이라 부른 과정을 통해 진화한다고 설명했습니다. 그는 이성과 계획의 한계가 있으며, 무작위성이 자연 세계와 예술가의 창작 작업 모두에서 필수적이라고 느꼈습니다. 그의 철학에서 중요한 개념은 자동성이었는데, 이는 자연 시스템과 창조적 개인이 선례나 설명 없이 독립적이고 예측 불가능하게 행동할 수 있다는 생각입니다.
바실리 칸딘스키 - 구성 II 연구, 1910년. 97.5 x 130.5 cm. 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕시, 뉴욕, 미국
바이오모픽 미술
베르그송이 제안한 생각들은 많은 예술가들이 작품에 접근하는 분석적 방식과는 극명한 대조를 이뤘습니다. 베르그송이 설명한 자연적 과정을 가장 초기로 미학적으로 표현한 작품 중 하나는 앙리 마티스의 Le Bonheur de Vivre입니다. 이 그림은 구상적이면서도 추상적입니다. 에덴과 같은 낙원에서 나체로 쉬고 있는 사람들을 보여줍니다. 바이오모픽 형태가 자연 환경을 이루고 있으며, 인간 형태는 풍만하고 유기적인 모습입니다. 자연 환경은 변화하는 상태에 있는 듯 보이며, 인간 형상과 공유하는 시각 언어는 인류가 끊임없이 진화하는 자연 상태와 연결되어 있음을 암시합니다. 이 그림의 미학은 후에 바이오모픽 추상으로 간주될 기초를 형성했습니다.
바이오모픽 추상은 구성주의와 콘크리트 아트 같은 스타일의 정밀하고 기하학적인 추상 경향을 지배했던 의도적 형식주의에 대한 대안이었습니다. 바실리 칸딘스키는 추상 미술의 영적이고 음악적인 측면에 특히 관심이 많았습니다. 그는 초기 순수 추상화에서 바이오모픽 형태와 기하학적 선과 도형을 결합했습니다. 화가 조안 미로는 자신의 그림이 추상이 아니라 머릿속에 떠오른 꿈의 이미지들을 나타낸 것이라고 주장했지만, 그의 상징적이고 독특한 스타일에 바이오모픽 형태를 유명하게 포함시켰습니다.
앙리 마티스 - 삶의 기쁨 (Le Bonheur de Vivre), 1905-1906년. 캔버스에 유화. 175 x 241 cm. 반스 재단, 로어 메리언, 펜실베이니아, 미국
바이오모픽 조각
바이오모피즘이 추상화에 등장한 직후, 3차원 예술에서도 그 목소리를 냈습니다. 최초의 바이오모픽 추상 조각가는 장 아르프였습니다. 그는 처음에 벽 부조에 바이오모픽 형태를 포함시켰는데, 이는 알 모양의 물체들이 형태 안에 형태가 중첩된 모습이었습니다. 이후 그는 다양한 크기와 형태의 바이오모픽 조각 작품을 제작하며 경력 동안 유기적이고 자연적인 형태의 방대한 언어를 발전시켰습니다.
아르프가 만든 둥근 형태의 언어는 중세기 영국의 두 조각가에게 깊은 영감을 주었으며, 이들은 현대 바이오모픽 추상 조각의 언어를 진정으로 정의했습니다. 첫 번째는 헨리 무어로, 그는 바이오모피즘을 통해 자연과 인간성의 본질적 연결을 표현했으며, 누운 인간 형상의 거대한 바이오모픽 추상 조각으로 가장 잘 알려져 있습니다. 다른 한 명은 바바라 헵워스로, 그녀는 다양한 재료와 기법을 활용해 바이오모피즘의 언어를 거대한 작품 세계에서 크게 확장했습니다.
조안 미로 - 그림, 1933년. 캔버스에 유화. © 2008 Successio Miró / Artists Rights Society (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리
초현실주의와 또 다른 형태
바이오모피즘이 영향을 준 가장 영향력 있는 양식 중 하나는 초현실주의입니다. 이브 탕기(Yves Tanguy)는 황량한 초현실주의 풍경에서 기묘하고 생생하지만 소외된 형태들을 그렸습니다. 그들의 강렬한 빛과 부자연스러운 배경은 종말론적 관념을 불러일으키며, 형태 자체는 생명이라기보다는 뼈와 잔해처럼 보입니다. 한편, 살바도르 달리의 그림에 나오는 흐르거나 떨어지는, 끊임없이 변하는 형태들은 생명과 죽음 사이 어딘가에 존재합니다. 돌로 만들어진 것처럼 보이는 것조차도 그의 꿈같은 이미지 속에서 생명을 얻을 듯 위협적입니다.
초현실주의자들의 바이오모픽 형태 사용은 바이오모픽 추상 미술 연구에 추가적인 해석 층을 더합니다. 이 화가들은 근원 단어 morphe와 특별한 연결고리를 가지고 있었습니다. 그리스 신화에서 힙노스는 잠의 신이며, 그의 아들 모르페우스는 꿈의 신입니다. 초현실주의는 무의식 연구에 기반을 두었고 꿈의 세계에 크게 영향을 받았습니다. 그런 의미에서 초현실주의는 진정한 자동성, 자유와 예측 불가능한 새로움의 완벽한 표현에 의존했으며, 꿈의 신 모르페우스의 영역에 속하는 바이오모피즘의 궁극적 표현이었습니다.
현대 바이오모픽 전통
오늘날 바이오모픽 형태는 추상 미술의 일반적인 미학 어휘 속에 자리를 잡았으며, 많은 현대 미술가들이 작품에 바이오모피즘 전통을 포함시키고 있습니다. 로스앤젤레스에 기반을 둔 추상 화가 게리 팔러는 직관적이고 층층이 쌓인 유기적 형태의 구성을 만들어내며, 과정과 진화의 리듬 속에 서로 포개어 있는 듯한 전통을 직접 탐구합니다. 그리고 보스턴 출신 뉴욕 예술가 Dana Gordon은 색채, 구조, 선과 같은 보다 형식적인 추상적 관심사 탐구에 바이오모픽 패턴을 포함시킵니다.
비록 바이오모피즘의 근본 사상은 이성과 과학에 대한 반작용으로 등장했지만, 예술에서 바이오모피즘의 발전은 사람들이 더 이상 이성과 본능 사이에서 선택할 필요가 없다는 것을 깨닫게 해주었습니다. 이는 우리 본성의 이성적이고 분석적인 면과 알프레드 H. 바르가 “신비롭고 자발적이며 비이성적인” 바이오모픽 세계의 기묘하고 자연스러운 아름다움을 결합하는 데 도움을 주었습니다.
대표 이미지: 이브 탕기 - 나는 너를 기다린다, 1934년. 캔버스에 유화. 28 1/2 x 45 인치 (72.39 x 114.3 cm) 액자: 35 × 50 × 1 인치 (88.9 × 127 × 2.54 cm). LACMA 소장
모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됨
필립 Barcio 제공
