네오 Supports/Surfaces: 21세기 물질적 리얼리즘을 위한 선언문
미술사 지도에서, 운동들은 보통 명확한 시작과 끝을 가집니다. 그들은 밝게 빛나다가 사라지고 결국 박물관의 조용한 기록 보관소로 옮겨집니다. 1966년 이론적 불꽃 속에서 태어난 Supports/Surfaces는 꺼지기를 거부한 드문 예외입니다.
이 운동은 원래 1968년 5월의 정치적 급진주의에 의해 촉진되었고, 결국 마오주의자와 마르크스주의자 파벌 간의 격렬한 분열로 소모되었지만, 그 진정한 유산은 이념적 기원보다 훨씬 더 오래 지속되는 것으로 입증되었습니다. Supports/Surfaces의 핵심 발견은 정치적이지 않고 존재론적이었습니다: support(스트레처)와 surface(캔버스)를 분리함으로써, 이 예술가들은 회화의 물리적 진실을 드러냈습니다. 그들은 회화가 환상으로의 창이 아니라 현실 세계의 물질적 객체임을 증명했습니다.
2026년 1월의 미술계를 탐색하면서, 이 개념은 비평가들이 "Neo-Supports/Surfaces" 운동이라 부를 수 있는 형태로 진화했습니다: 이제 80대 또는 90대인 창립자들 중 일부가 여전히 가장 활발한 작품을 제작하는 한편, 구정치를 벗어던지고 매체의 예술적 힘에 전적으로 집중하는 신진 세대가 함께 활동하고 있습니다.
감식가에게 이것은 역사 수업이 아니라, 1960년대의 급진적 해체와 오늘날 수집가들이 추구하는 물질적 "진실"을 연결하는 살아있는 타임라인입니다.
I. 살아있는 기둥: 창립자들은 여전히 작업 중
역사적인 아방가르드의 창시자들이 여전히 전성기에서 활동하는 모습을 목격하는 것은 드문 특권입니다. 이들은 50년 전 이 운동의 문법을 세운 인물들입니다.
Claude Viallat - Galerie Ceysson Bénétière에서의 개인전, 2023 - 설치 사진
이 이야기는 Claude Viallat (b. 1936), 이 운동의 지칠 줄 모르는 대부로부터 시작됩니다. 1966년, Viallat는 캔버스를 나무 틀에서 해방시키는 급진적인 결정을 내리며 toile libre 시대를 열었습니다. 오늘날 89세인 그는 여전히 그룹에서 가장 눈에 띄는 인물로, 매일 작품을 제작하는 전설적인 근면성으로 움직이고 있습니다. 그는 단순히 과거를 반복하는 것이 아니라 평생의 궤적을 심화시키며, 그의 시그니처인 "콩" 모양이라는 단일 제약 안에서 무한한 변주가 가능함을 증명하고 있습니다.
Daniel Dezeuze, "Oeuvres Récentes 2020-2015" at Musee Paul Valery (Sète, France), 2026
Viallat가 캔버스를 주장했다면, Daniel Dezeuze (b. 1942)는 공백을 주장했습니다. 빈 나무 틀과 벽에 기대어 있는 유연한 사다리를 전시하는 것으로 유명한 Dezeuze는 수십 년간 서양 회화의 "골격"을 드러내 왔습니다. 2026년에도 그의 작품은 "창문"의 환상을 해체하며, 예술의 타협 없는 "객체성"을 고집하고 있습니다. 그의 지적 엄격함은 이 운동의 기준점으로 남아 있습니다.
Noël Dolla - Galerie Ceysson Bénétière St. Etienne 개인전, 2025 - 설치 사진
Noël Dolla (b. 1945)는 이 운동의 원조 건축가들 중 마지막 세대에 속합니다. 대담한 색채 사용과 비정통적 재료로 유명한 Dolla는 추상의 언어를 캔버스 너머로 꾸준히 확장해 왔습니다. 그의 초기 작품인 염색된 행주, 팽팽하게 당긴 끈, 그리고 랜드 아트 개입은 기존의 위계질서에 도전하며 Supports/Surfaces의 물질주의적 정신을 사적 및 공적 영역 모두에 가져왔습니다. 최근 몇 년간 Dolla의 작업은 여전히 창의적이며, 거대한 야외 설치와 공간, 건축, 관람자의 움직임과 상호작용하는 섬세한 과정 기반 작품 사이를 오가고 있습니다. 엄격한 개념적 핵심을 유지하면서도 접근 방식을 재창조하는 그의 능력은 현대 추상미술에서 중요한 힘이자 이 운동의 기원과 연결되는 살아있는 고리입니다.
Bernard Pagès - 갤러리 개인전 Ceysson Bénétière 리옹, 2013 - 설치 사진
Bernard Pagès (b. 1940) 는 Supports/Surfaces의 조각적 선구자를 대표합니다. 처음부터 Pagès는 회화와 조각의 경계를 해체하며, 나무, 돌, 금속, 콘크리트 같은 소박한 재료를 조합하여 과정, 병치, 그리고 물질의 고유한 특성을 전면에 내세운 작품을 선보였습니다. 그의 작업은 대상, 공간, 관람자 간의 관계에 깊은 주의를 기울이며, 예술적 저작권과 가치에 대한 지속적인 질문을 특징으로 합니다. Pagès의 최근 전시들은 그가 핵심 혁신가로서의 위치를 재확인시켜 주었으며, 이 운동의 원칙들이 새로운 형태와 재료를 통해 계속해서 재활성화될 수 있음을 보여주고 있습니다. 구조, 리듬, 물리적 존재에 대한 그의 지속적인 탐구는 Supports/Surfaces의 실험 정신이 살아 있고 진화하고 있음을 보장합니다.
II. 갤러리 엔진: Ceysson & Bénétière의 결정적 역할
네 명의 창립 작가 모두 활발히 전시되고 있으며, 특히 1차 시장에서 Ceysson & Bénétière에 의해 두드러지게 대표되고 있습니다. 이 갤러리의 지속적인 헌신은 Supports/Surfaces 작가들의 지속적인 가시성과 접근성을 보장하는 데 중요한 역할을 해왔습니다.
실제로 Supports/Surfaces의 운명을 형성하는 많은 주체들 중에서 Ceysson & Bénétière의 역할은 독보적입니다. 2006년에 설립된 이 갤러리는 Saint-Étienne의 지역 공간에서 출발해 유럽, 북미, 아시아에 걸쳐 9개의 전시 공간을 가진 다국적 세력으로 성장했으며, 2025년 도쿄 갤러리의 개관이 그 정점입니다. 전통적인 수도권 밖의 깊은 지적·물류 기반에 뿌리를 둔 이 원심적 확장은 Ceysson & Bénétière가 현대 미술 시장의 규칙을 새롭게 쓰도록 했습니다.
"Supports/Surfaces" 전시, Galerie Ceysson Bénétière, 도쿄 2025 - 설치 사진
처음부터 갤러리는 Supports/Surfaces의 역사적·예술적 가치를 대담하게 내걸었습니다. 시장에서 오랫동안 과소평가된 예술가들인 Claude Viallat, Noël Dolla, Bernard Pagès, Daniel Dezeuze, André-Pierre Arnal, Patrick Saytour 등 많은 이들을 옹호함으로써 Ceysson & Bénétière는 이 운동의 유산을 재평가하고 확보하는 데 결정적인 역할을 했습니다. 그들의 큐레이션 엄격성, 학술 출판 프로그램, 국제 전시 전략은 이 예술가들의 작품이 최고 수준에서 계속해서 가시적이고 수집되며 논의되도록 보장했습니다.
갤러리의 헌신은 단순한 유산 보존에 그치지 않습니다. 2025년 도쿄 개막전(위 설치 사진 참조)과 같은 전시를 통해, 주요 Supports/Surfaces 조사전을 주도하며 Ceysson & Bénétière는 이 운동을 살아있는, 전 세계적으로 중요한 힘으로 자리매김했습니다. 역사적 깊이와 현대적 역동성의 균형을 맞추는 그들의 능력은 Supports/Surfaces의 물질주의적이고 과정 중심적인 정신을 새로운 영역으로 확장하는 신진 예술가들을 지원하는 데서 분명히 드러납니다.
III. "순수한" 상속자들: 엄격함과 자율성
"Neo Supports/Surfaces" 운동은 60년대의 원초적 해체를 정밀하고 사색적인 과학으로 다듬은 거장들에게 직접 교육받은 "중간 세대" 예술가들에 의해 이어지고 있습니다.
Frédéric Prat - Galerie Richard에서의 개인전, 2025 - 설치 사진
Frédéric Prat (b. 1966)는 운동의 "고전적" 전환을 대표합니다. 파리 미술학교에서 Claude Viallat와 Toni Grand의 제자인 Prat는 그의 경력 내내 운동의 문법을 정화하는 데 힘썼습니다. 그는 자연주의적 연상을 엄격히 거부하며, 대신 "비형태"에 대한 극단적인 탐구에 몰두합니다. 그의 대형 정사각형 캔버스는 단색 배경 위에 자율적인 "회화적 사건", 루프와 선들이 배치되어 자신들 외부의 어떤 것도 나타내려 하지 않습니다. Viallat가 반복을 사용해 구성을 파괴했다면, Prat는 "비이미지"를 사용해 순수한 사유의 대상을 구축합니다. 프랑스 Galerie Richard가 그를 대표하며, 그의 엄격한 형식주의는 글로벌 디지털 맥락에서 IdeelArt에 의해 대표됩니다.
Stéphane Bordarier - 2023년 Galerie ETC에서의 개인전 - 설치 사진
Nîmes에서 Stéphane Bordarier (b. 1953)는 그룹의 신학자로 활동합니다. 그의 작업은 타협 없는 제약, 즉 colle de peau (동물 가죽 접착제)의 사용으로 정의됩니다. 이 매체는 빠르게 굳기 때문에 Bordarier는 "가짜 단색화"를 시간과의 싸움 속에서 그려야 하며, 주관적 망설임의 가능성을 제거합니다. 이 과정은 자아보다 절차에 집중하는 운동의 정신과 완벽히 일치합니다.
Guillaume Moschini - 2023년 Galerie Oniris에서의 개인전 - 설치 사진
Guillaume Moschini (b. 1970)는 Viallat, Saytour, Bioulès의 삼두정치 아래에서 멘토링을 받으며, 스승들의 공격적인 해체를 부드럽게 만들었습니다. 그는 무처리 캔버스와 "imbibition" 기법을 사용하여 희석된 아크릴 물감을 섬유에 직접 스며들게 합니다. 그 결과는 빛과 투명성의 "선순환"이며, 관람객과 대립하기보다 색채로 진동하는 "부드러운 기하학"입니다. 프랑스 추상 미술계의 주요 인물로서 Galerie Oniris를 통해 활동하며, Moschini의 작품은 IdeelArt를 통해 국제 수집가들에게 도달합니다.
IV. 혁신가들
이 운동이 계속되는 이유는 도전받고 있기 때문입니다. 가장 젊은 세대는 Supports/Surfaces의 도구를 사용하여 그 논리를 비판하거나 새로운 미디어로 확장합니다.
No 1113 by Jean-Daniel Salvat, 2020
Jean-Daniel Salvat (b. 1969)는 92년 Viallat 수업의 제자로서, 본질적으로 운동을 뒤집어 "Post-Supports/Surfaces"를 창조했습니다. 그의 멘토가 캔버스의 소박한 직조를 찬양한 반면, Salvat는 투명 비닐의 뒷면에 그림을 그립니다. 관람객은 플라스틱을 통해 작품을 보게 되어, 디지털 화면의 매끄러움을 반영하는 부드럽고 산업적인 "복제본" 같은 회화를 경험합니다. 그는 운동의 대상에 대한 집착을 유지하면서 소박함을 합성물로 대체합니다. 그의 작품은 또한 IdeelArt.com을 통해 구매할 수 있습니다.
Nicolas Chardon - 2014년 Galerie Jean Broly에서의 개인전 - 설치 사진
Nicolas Chardon (b. 1974)은 Patrick Saytour의 가정용 직물과 개념적 대화를 나눕니다. Chardon은 "Vichy"(깅엄) 직물에 그림을 그리지만, 반전이 있습니다: 그가 직물을 팽팽하게 당기면 격자선이 긴장으로 인해 자연스럽게 왜곡됩니다. 그는 이러한 왜곡된 선을 따라 기하학적 사각형을 그리며, 마음속의 "이상적인" 기하학이 항상 지지대의 물리적 현실에 굴복해야 함을 증명합니다.
Adrien Vescovi - 2017년 Ceysson & Bénétiere St Etienne 개인전 - 설치 사진
마지막으로, 유산은 Adrien Vescovi (b. 1981)와 함께 야외로까지 확장되었습니다. 그는 1970년의 "Intérieur/Extérieur" 전시회의 상속자입니다. Vescovi는 toile libre를 완전히 작업실 밖으로 옮깁니다. 천연 염료를 사용하여 그의 캔버스를 몇 달 동안 햇빛, 바람, 비에 노출시키며, 운동의 초점을 "마르크스주의적 물질주의"에서 "생태학적 물질주의"로 전환합니다. 2026년 주요 기관 프로젝트를 앞두고 있으며, 운동 창립자들을 옹호하는 강력한 세력인 Ceysson & Bénétière와도 전시했습니다.
V. 평행 역사와 서양 문화의 보편적 언어
Supports/Surfaces가 특정 프랑스 반란으로 시작되었지만, 그 질문들은 보편적이었습니다. 그림을 해체하려는 충동은 님(Nîmes)만의 것이 아니라 전 세계적인 시대정신이었습니다.
수집가에게 이 섹션은 "상속자"의 계보를 그리는 것이 아니라 동료 정신들의 별자리입니다. 이들은 서로 다른 수도와 다른 시대에서 등장한 서양 예술가들로, 같은 "Supports/Surfaces" 결론에 도달하여 물질적 진리를 찾는 것이 문화 간 필수임을 증명합니다.
"La Couleur en Fugue", Fondation Louis Vuitton, 2022. Sam Gilliam - Drape Paintings 시리즈
미국의 대응자: Sam Gilliam (1933–2022).
역사적 동시성의 사례입니다: 클로드 비알라가 프랑스 남부에서 그의 캔버스를 펼치던 바로 그 순간, Sam Gilliam은 워싱턴 D.C.에서 스트레처를 제거하고 있었습니다. 그의 유명한 "Drape Paintings" - 광대하고 색으로 가득 찬 캔버스가 공간에 매달려 있는 작품들은 프랑스 학교의 후손이 아니라 그 영적 쌍둥이입니다. 프랑스 창립자들처럼, Gilliam은 색을 틀의 엄격한 구조에서 해방시키는 것이 실제 공간에 존재하게 한다는 것을 이해했습니다. 느슨하고 조각적인 주름으로 걸려 있거나 강렬한 안료로 물든 그의 작품은 캔버스를 창문이 아닌 물리적 피부로 다루며, 대서양 건너 물질주의적 탐구를 입증합니다.
"La couleur en fugue" at Fondation Louis Vuitton, 2022. Steven Parrino
펑크 평행선: Steven Parrino (1958–2005).
Steven Parrino는 회화의 경계를 급진적 해체로 밀어붙인 것으로 국제적으로 인정받고 있습니다. 그의 상징적인 작품들은 크고 원형의 캔버스가 비틀리고 접히거나 구겨져 있으며, 대담한 줄무늬나 금속성 단색으로 자주 칠해져 캔버스를 조각적 객체로 다루어 재료의 물리성과 저항성을 강조합니다. 바닥에 구겨진 금속 형태는 이러한 제스처를 반향하며 회화와 조각 사이의 경계를 해체합니다.
Parrino의 개입은 단순한 파괴에 관한 것이 아니라, 회화의 관습이 전복될 때 발생하는 에너지와 긴장에 관한 것입니다. 그는 독자적으로 접근법을 개발했지만, Parrino의 작업은 Supports/Surfaces의 정신과 강하게 공명합니다: 둘 다 과정, 물질성, 그리고 회화된 객체의 자율성을 전면에 내세웁니다. 그의 작업은 운동의 직접적인 연장이 아니라 강력한 평행선을 이루며, 회화의 한계를 급진적으로 재고하는 방식이 대서양 양쪽에서 어떻게 전개되었는지를 보여줍니다.
PS1 MOMA에서의 Sergej Jensen, 2011년. 설치 사진.
현대적 대화: Sergej Jensen (1973년생) & Wyatt Kahn (1983년생).
오늘날 베를린에서 뉴욕에 이르는 예술가들은 이 논리를 계속 확장하고 있습니다. Jensen의 "페인트 없는 회화"(리넨과 황마로 꿰맨)는 Patrick Saytour의 가정용 직물 사용을 반영합니다. 한편 Wyatt Kahn은 원시 캔버스와 형태가 잡힌 프레임을 퍼즐처럼 조립하여 Daniel Dezeuze의 빈 사다리에 대한 건축적 답변을 만듭니다. 그들은 프랑스인을 모방하는 것이 아니라 같은 재료 언어를 말하고 있습니다.
Wyatt Kahn - 제목 없음 (그레이스케일 도시-회화) - 2018 ©Wyatt-Kahn
VI: 글로벌 공명: Supports/Surfaces와 아시아
Supports/Surfaces는 프랑스에서 시작되었지만, 회화의 재료와 관습을 급진적으로 재고하는 점은 전후 아시아 미술에서 놀라운 유사점을 찾을 수 있습니다. 직접적인 아시아의 대응물이나 공식적인 연결은 없지만, 한국의 단색화와 일본의 구타이 같은 예술가와 운동들은 Supports/Surfaces를 움직이게 하는 많은 동일한 관심사를 독립적으로 탐구해왔습니다.
Dansaekhwa 예술가들인 Park Seo-Bo (1931–2023), Ha Chong-Hyun (b. 1935), 그리고 Lee Ufan (b. 1936)는 캔버스의 물질성, 반복적 제스처, 그리고 지지체의 자율성을 전면에 내세웁니다. 그들의 과정 중심적이고 명상적인 작품은 종종 캔버스를 조작하거나 긁거나 짜는 방식을 포함하며, 이는 Supports/Surfaces에서 발견되는 물질 실험과 해체를 반향합니다.
"Lee Ufan과 Claude Viallat, Encounter"가 2023년 Pace London에서 전시된 설치 사진.
마찬가지로, Gutai group는 1950~60년대 일본에서 회화에 대한 실험적 접근을 개척했으며, 비전통적 지지체, 퍼포먼스적 제스처, 신체와 우연의 창작 행위 통합을 수용했습니다. 예술가들로는 Kazuo Shiraga (1924–2008)는 역동적인 발로 그린 캔버스와, 급진적인 물질 실험과 퍼포먼스적 “병 던지기” 회화로 알려진 Shozo Shimamoto (1928–2013)와 함께 Supports/Surfaces 정신을 밀접하게 반영하는 물질성과 과정 지향성을 구현하며, 회화를 환상으로 보는 위계에 도전하고 작품의 객체성 및 물리적 존재를 주장합니다.
오늘날 이러한 친화성은 큐레이터와 비평가들에 의해 점점 더 인정받고 있으며, 이들은 Supports/Surfaces, Dansaekhwa, Gutai를 전시에서 함께 묶어 물질성, 과정, 그리고 회화의 전통적 경계 해체라는 더 넓은 세계적 움직임을 강조합니다. 이 융합은 예술에서 물질적 진실을 찾는 탐구가 지리적 한계에 묶이지 않고 대륙과 문화를 넘어 공명함을 보여줍니다.
"Action" - Shozo Shimamoto와 Kazuo Shiraga가 2023년 Whitestone 갤러리에서 선보인 설치 사진
VI. IdeelArt 별자리: 실천 속의 물질적 리얼리즘
"Neo Supports/Surfaces" 운동은 단순한 역사적 주석이 아니라, 현대 미술 실천을 통해 계속해서 울려 퍼지는 살아있는 주파수입니다. IdeelArt에서 이 계보는 이미 언급한 직접적인 후계자들에 의해 뒷받침됩니다. Frédéric Prat는 "비형태"의 엄격한 정화를, Jean-Daniel Salvat는 비닐 작업을 통해 회화의 표면 자체를 질문하며, Guillaume Moschini는 절차적인 색채 적용으로 자아를 제거하여 지지체의 진동을 드러냅니다.
그러나 "물질의 진실" 추구는 이 직접적인 후손들을 넘어 확장됩니다. 이는 의식적이든 직관적이든 같은 결론에 도달한 다양한 국제 예술가들의 별자리에서 나타납니다: 예술 작품은 이미지가 되기 전에 먼저 현실 세계의 오브제여야 한다는 것입니다.
Jean Feinberg - "Minimal/Maximal" 전시, Ed Rothfarb 스튜디오, 2025 - 설치 사진
Jean Feinberg (미국)는 "회화는 오브제"라는 운동의 주장을 구현합니다. 그녀의 작품은 전통 회화의 직사각형 창을 거부하고, 폐목재, 캔버스, 페인트로 만든 "구성물"을 선호합니다. Bernard Pagès의 초기 실험처럼, Feinberg의 작품은 어떤 것의 이미지가 아니라 관람자의 공간으로 돌출하는 자율적 실체입니다. 발견된 잔해와 구조용 목재를 통합함으로써, 그녀는 오브제의 물리적 긴장이 예술의 진정한 주제임을 입증합니다.
Louise Blyton - "Mulooning" - 멜버른 Five Walls 갤러리 개인전, 2025 - 설치 사진
Louise Blyton (호주)는 "지지대의 진실"과 깊은 대화를 나눕니다. Claude Viallat의 캔버스 해방 정신에 따라, Blyton은 원시 리넨을 수동적인 배경에서 능동적이고 가시적인 재료로 승격시킵니다. 그녀의 축소적 기법—리넨을 형태가 잡힌 발사 나무 위에 감싸고 끝없는 자아 없는 안료 층을 적용하는 것—은 회화도 조각도 아닌 하이브리드 오브제를 만듭니다. 이 작품들은 제작 과정을 숨기지 않고, 표면의 직조된 현실을 축하합니다.
Anthony Frost 그의 작업실에서 (2023)
Anthony Frost (UK)는 겸손한 재료를 과감하게 수용함으로써 "순수 미술"의 고상함을 거부하는 운동의 정신을 전달합니다. Noël Dolla가 행주와 탈라탄을 사용했던 것처럼, Frost는 돛천, 과일망, 황마포를 사용하여 그의 감각적인 추상을 만듭니다. 이들은 환상을 위한 중립적인 표면이 아니라, 자신만의 역사를 주장하는 거칠고 산업적인 현실입니다. 그의 작품은 "Neo Supports/Surfaces" 정신이 표현의 기만보다 물질의 거친 정직함을 우선시하는 예술가가 있는 곳 어디에서나 번성함을 증명합니다.
"Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection", Richard Caldicott, 빅토리아 & 앨버트 박물관, 2025년
Richard Caldicott (UK)는 이 운동의 해체적 논리를 사진 매체에 적용합니다. Daniel Dezeuze가 회화를 스트레처까지 분해해 그 골격을 드러냈듯, Caldicott는 사진을 빛과 종이라는 기본 메커니즘으로 분해합니다. 그의 포토그램과 종이 네거티브를 통해 카메라의 기록 기능을 우회하여 세계의 물리적 흔적을 담은 이미지를 만듭니다. 그는 사진의 "존재론적 진실"을 드러내어 현실의 거울에서 구체적 형태를 생성하는 장치로 변모시킵니다.
우리는 "Neo Supports/Surfaces" 운동이 프랑스 기원보다 훨씬 더 크다고 믿습니다; 그것은 물질적 진실을 향한 전 세계적 탐구입니다. "임시 회화," "캐주얼리즘," "신물질주의," 또는 Dansaekhwa와 Gutai에서 볼 수 있듯, 브루클린에서 서울까지 아티스트들이 이 같은 탐구에 적극 참여하고 있습니다.
이것은 향수가 아니라 21세기를 위한 유효하고 보편적인 방법론입니다. 니스의 스튜디오에서 시작된 것이 워싱턴 D.C.의 커튼, 덴마크의 섬유 예술, 뉴욕의 미니멀리즘, 아시아의 명상적 캔버스에서 울려 퍼집니다.
창립자들은 진실을 찾기 위해 회화를 분해했고; 제도적 다리가 그 진실을 보존했으며; 전 세계 세대의 아티스트들이 그것을 사용해 새로운 건축물을 세우고 있습니다. 1968년의 정치 팜플렛은 사라졌을지 몰라도, 미학적 발견은 여전히 유효합니다: 회화의 대상은 회화 그 자체입니다.
Francis Berthomier 작성
Claude Viallat & Christelle Thomas. "Avatar 2005-2025". 툴롱 Hôtel des Arts. 2025년 12월.
이 기사는 프랑스 툴롱의 Hôtel des Arts에서 열린 Viallat 전시회를 최근 방문한 데서 영감을 받았으며, Claude Viallat 본인과의 대화에서 그가 여전히 하루에 세 작품을 제작한다는 사실이 확인되어 그의 지속적인 활력과 운동의 생명력을 증명합니다.
특집 이미지: "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970" Carré d'Art (니스, 프랑스) 2018. 설치 사진.
