네오 Supports/Surfaces: 21세기 물질적 리얼리즘을 위한 선언문
미술사의 지도에서 미술 운동은 대개 시작과 끝이 분명합니다. 강렬하게 타오르다가 사그라들고, 결국 박물관의 조용한 기록 보관소로 옮겨갑니다. 이론의 불길 속에서 1966년에 탄생한 Supports/Surfaces는 꺼지기를 거부한 드문 예외입니다.
이 운동은 원래 1968년 5월의 정치적 급진주의에서 힘을 얻었고, 결국 마오주의 파와 마르크스주의 파벌 간의 폭력적인 분열로 소진되었지만, 그 진정한 유산은 이념적 기원보다 훨씬 오래 지속되는 것으로 드러났습니다. Supports/Surfaces의 핵심적인 발견은 정치적인 것이 아니라 존재론적인 것이었습니다. 지지체(틀)와 표면(캔버스)을 분리함으로써 이 예술가들은 회화의 물리적 실체를 드러냈습니다. 회화는 환영 속으로 난 창이 아니라 현실 세계의 물질적 오브제임을 증명한 것입니다.
2026년 1월의 미술계를 살펴보면, 이 개념은 비평가들이 “네오-서포츠/서페이시스” 운동이라 부를 만한 흐름으로 진화했습니다. 이제 80대 또는 90대가 된 창립 멤버 일부가 여전히 가장 중요한 작품을 활발히 제작하는 한편, 부상하는 후계 세대는 과거의 정치를 벗겨내고 매체의 예술적 힘에 전적으로 집중하고 있습니다.
안목 있는 애호가에게 이것은 단순한 미술사 수업이 아닙니다. 1960년대의 급진적인 해체와 오늘날 컬렉터들이 추구하는 재료의 ‘진실’을 잇는 살아 있는 연대표입니다.
I. 살아 있는 기둥: 창립자들은 여전히 작업 중
역사적인 아방가르드의 창시자들이 여전히 전성기의 역량을 발휘하며 활동하는 모습을 지켜보는 것은 드문 특권입니다. 이들은 50년 전 이 운동의 문법을 확립한 예술가들입니다.
클로드 비알라 - 갤러리 세이송 베네티에르 개인전, 2023 - 설치 전경
이 이야기는 클로드 비알라 (1936년생)와 함께 시작됩니다. 그는 이 운동의 지칠 줄 모르는 대부입니다. 1966년 비알라는 캔버스를 나무 틀에서 해방하는 급진적인 결정을 내리며 자유로운 캔버스의 시대를 열었습니다. 89세인 오늘날에도 그는 매일 작업을 이어가는 전설적인 근면함으로 그룹에서 가장 눈에 띄는 인물로 남아 있습니다. 그는 과거를 그저 되풀이하는 것이 아니라 평생 이어 온 작업의 깊이를 더하며, 자신만의 시그니처인 ‘콩’ 모양이라는 단 하나의 제약 안에서도 무한한 변주가 가능하다는 것을 증명합니다.
다니엘 드제즈, 프랑스 세트의 뮤제 폴 발레리에서 열린 《최근 작품 2020-2015》, 2026
비알라가 캔버스를 차지했다고 한다면, 다니엘 드제즈 (1942년생)는 공백을 차지했습니다. 빈 나무 프레임과 벽에 기대어 놓은 유연한 사다리를 전시하는 것으로 유명한 드제즈는 서양 회화의 ‘골격’을 드러내는 데 수십 년을 바쳤습니다. 2026년에도 그의 작업은 ‘창’이라는 환상을 해체하며, 예술의 타협 없는 ‘사물성’을 주장합니다. 그의 지적 엄밀함은 여전히 이 운동의 중요한 기준점입니다.
노엘 돌라 - Galerie Ceysson Bénétière 생테티엔 개인전, 2025 - 설치 전경
노엘 돌라(1945년생)는 이 운동의 원년 설계자 가운데 현재까지 활동하는 몇 안 되는 작가다. 대담한 색채 사용과 비정통적인 재료로 유명한 돌라는 캔버스를 넘어 추상 표현의 언어를 꾸준히 확장해왔다. 염색한 행주와 팽팽히 당긴 실을 활용한 초기 작품, 대지미술 작업은 기존의 위계에 도전하고 Supports/Surfaces의 유물론적 정신을 사적 공간과 공적 영역 모두로 가져왔다. 최근에도 돌라의 작업은 여전히 새로운 시도를 이어가며, 기념비적인 야외 설치 작업과 공간, 건축, 관람객 자신의 움직임을 다루는 섬세한 과정 중심 작업 사이를 오간다. 엄밀한 개념적 핵심을 유지하면서도 접근 방식을 새롭게 하는 능력은 그를 동시대 추상의 중요한 동력이자 이 운동의 기원을 잇는 살아 있는 연결고리로 만든다.
베르나르 파제스 - 갤러리 개인전 Ceysson Bénétière 리옹, 2013 - 설치 전경
베르나르 파제스(1940년생)는 Supports/Surfaces의 조각적 선봉을 대표한다. 초기부터 파제스는 회화와 조각의 경계를 허물고, 나무·돌·금속·콘크리트 같은 소박한 재료를 조합해 제작 과정과 병치, 물질 자체의 고유한 성질을 부각하는 작품을 만들어왔다. 그의 작업은 사물과 공간, 관람객 사이의 관계에 깊은 관심을 기울이는 동시에 예술적 저자성과 가치에 끊임없이 질문을 던진다. 최근 전시들은 새로운 형식과 재료를 통해 운동의 원칙을 끊임없이 되살릴 수 있음을 보여주며, 그가 핵심적인 혁신가임을 재확인했다. 구조와 리듬, 물리적 현존에 대한 지속적인 탐구를 통해 Supports/Surfaces의 실험 정신은 살아 숨 쉬며 계속 진화하고 있다.
II. 갤러리의 동력: Ceysson & Bénétière의 결정적 역할
창립 작가 네 명 모두 현재도 활발히 전시되고 있으며, 1차 시장에서는 특히 Ceysson & Bénétière를 통해 작품을 선보이고 있다. 갤러리의 지속적인 헌신은 Supports/Surfaces 작가들의 가시성과 접근성이 꾸준히 유지되도록 하는 데 핵심적인 역할을 해왔다.
실제로 Supports/Surfaces의 운명을 좌우하는 많은 이들 가운데 Ceysson & Bénétière의 역할은 독보적이다. 2006년에 설립된 이 갤러리는 생테티엔의 지역 갤러리에서 유럽, 북미, 아시아 전역에 걸쳐 9곳의 전시 공간을 운영하는 다국적 세력으로 성장했으며, 2025년 도쿄 갤러리의 기념비적인 개관도 그중 하나다. 전통적인 수도권 밖에 깊이 있는 지적·물류 기반을 두고 확장한 이 갤러리는 현대 미술 시장의 규칙을 새로 쓰고 있다.
"Supports/Surfaces" 전시, Galerie Ceysson Bénétière, 도쿄 2025 - 설치 전경
갤러리는 처음부터 Supports/Surfaces의 역사적·예술적 가치에 과감히 승부를 걸었다. 시장에서 오랫동안 저평가된 Claude Viallat, Noël Dolla, Bernard Pagès, Daniel Dezeuze, André-Pierre Arnal, Patrick Saytour를 비롯한 예술가들을 적극적으로 조명함으로써 Ceysson & Bénétière는 이 운동의 유산을 재평가하고 보존하는 데 결정적인 역할을 했다. 엄격한 큐레이팅, 학술 출판 프로그램, 국제 전시 전략은 이 예술가들의 작품이 널리 소개되고, 소장되고, 최고 수준에서 논의되도록 했다.
갤러리의 헌신은 단순히 유산을 보존하는 데 그치지 않는다. Supports/Surfaces를 집중 조명한 2025년 도쿄 개관전(위 설치 전경 참조)과 같은 전시를 통해, Ceysson & Bénétière는 이 운동을 살아 숨 쉬며 세계적으로 의미 있는 흐름으로 자리매김했다. 역사적 깊이와 동시대적 역동성의 균형을 잡는 역량은 Supports/Surfaces의 유물론적이고 과정 중심적인 정신을 새로운 영역으로 확장하는 신진 예술가들을 지원하는 데서도 드러난다.
III. 운동의 배후에 있는 학교: 교사가 된 혁명가들
예술 혁명가에게는 미술관 회고전 너머에 특별한 인정이 있다. 자신이 일으키는 데 기여한 혁명을 가르칠 기회다. 회화의 기존 규칙에 도전한 예술가가 뒤를 이을 이들의 양성을 맡는다. 한때 제도에 맞선 도전은 이제 제도 안에서 힘을 발휘한다. Supports/Surfaces의 역사에서 미술학교는 바로 이런 기회를 제공했다. 급진적 운동을 공부하는 데 그치지 않고, 새로운 발견을 이뤄낸 예술가들을 직접 만나는 기회였다.
Claude Viallat은 이 자리에서 탁월한 권위를 발휘했다. 그의 교수 경력은 반복되는 형태가 등장한 1966년보다 앞선 1963년에 시작되었으며, Supports/Surfaces의 결성과 그 이후의 발전 과정 내내 이어졌다. 니스, 리모주, 마르세유 등에서 근무한 뒤 그는 1979년 님에 부임했고, 이후 1991년 파리 보자르로 자리를 옮겼다. 따라서 님에서 그는 아직 일어나지 않은 격변을 가르친 것이 아니었다. 이미 자신이 확립을 도운 접근법을 전하면서, 자신의 작품에서 그 가능성을 계속 탐구할 수 있었다. 학생들은 그 명제의 해석자가 아니라 제안자를 만났다.
이러한 점에서 님 미술학교는 운동의 제도적 유산에서 독특한 위치를 차지한다. 이 학교는 지지체, 표면, 색, 과정에 관한 질문이 예술적 발명에서 교육으로 직접 이어질 수 있는 환경을 제공했다. 예술 교육사 인터뷰 아카이브에 기록된 Viallat의 수업은 재료를 다루는 실천과 대화를 강조했으며, 학생들이 모방하는 모델이 되지 않으려면 어떻게 해야 하는가라는 문제도 다뤘다. 이 특권에는 책임이 따랐다. 혁명이 열어 놓은 자유를 전수해야 했으며, 그 자유를 알아보기 쉬운 형식으로만 전해서는 안 되었다.
Alain Clément는 이 기관에서 관련은 있지만 독자적인 경험을 보탰다. Nîmes에서 가르친 뒤 1985년부터 1990년까지 학교를 이끌었다. Supports/Surfaces의 창립자는 아니었지만 그 구성원들과 가까웠던 그는 1960년대 후반의 예술적 문제 제기에 참여했고, 자신만의 개념적 탐구를 발전시켰다. 이후 서정적인 몸짓과 색채 구성에 천착한 점에서 그의 기여는 특히 중요하다. 그는 과거의 입장을 영구적인 의무로 여기지 않으면서 급진적 변화의 경험을 바탕으로 가르칠 수 있는 예술가였다.
회화와 조각 사이의 Clément의 대화는 독립성을 물리적으로 표현한다. 몸짓은 구조가 되고, 색은 부피를 암시하며, 곡선은 캔버스를 벗어나 공간으로 옮겨갈 수 있다. 그의 작품은 예술가이자 교사의 권위가 고정된 교리를 옹호하는 데서 비롯될 필요가 없음을 보여준다. 언어가 끊임없이 새로워지는 모습을 보여주는 데서도 권위가 나올 수 있다.
그러나 이러한 성취에는 그 자체의 역설도 담겨 있다. 이 글의 저자와 대화를 나누며 교육 프로그램을 회고하던 Clément는 같은 경향의 작품을 만드는 예술가가 너무 많아질 위험을 농담조로 언급했다. “우리는 멈춰야 했습니다.” 그가 활짝 웃으며 말했다. 이 말은 성공적인 전수가 공식처럼 굳어질 위험이 생기는 순간을 포착한다. 혁명가로서 누릴 수 있는 최고의 인정, 자신이 가능하게 만드는 데 일조한 것을 가르칠 수 있다는 사실에는 어제의 해방이 내일의 관습이 될 위험도 따른다.
그러나 제도적 인정이 모든 참여자에게 똑같이 주어지는 것은 아니다. 이 글의 필자에게 한때 소중한 친구였던 앙드레-피에르 아르날은 이 역사를 다루는 서술에서 더 중요한 자리를 차지할 만하다. 이러한 개인적 평가는 주요 인물들의 가시성이 한 세대 전체에 대한 평가를 대신할 수 없음을 일깨운다. 혁명은 학교와 미술관에 들어설 수 있지만, 그 기여의 일부는 여전히 충분히 인정받지 못할 수 있다.
앙드레-피에르 아르날 - 제목 없음(빨간 삼각형) - 1973
(F.베르토미에 컬렉션)
님이 중요한 이유는 예술적 발명, 제도적 인정, 직접적인 전승이 만나는 곳이기 때문이다. 회화의 관습을 뒤엎는 데 기여한 이들은 다음 세대를 가르치는 위치에 있었다. 가장 오래가는 결실은 그들의 발견을 재현하는 것이 아니라, 학생들이 그 발견을 바탕으로 다른 무언가를 발견할 가능성이었다.
IV. "순수한" 계승자들: 엄격함과 자율성
"네오 서포트/서피스" 운동은 거장들에게 직접 배운 "중간 세대" 작가들이 이어가고 있다. 이들은 60년대의 거친 해체 작업을 정밀하고 사색적인 탐구로 다듬었다.
프레데리크 프라 - 갤러리 리샤르 개인전, 2025 - 설치 전경
프레데리크 프라(1966년생)는 이 운동의 "고전적" 전환을 대표한다. 파리 보자르에서 클로드 비알라와 토니 그랑에게 배운 프라는 이 운동의 조형 문법을 정제하는 데 평생을 바쳤다. 그는 자연주의적 연상을 엄격히 거부하고, 대신 "비형태"를 극한까지 탐구한다. 대형 정사각형 캔버스에는 모노크롬 배경을 바탕으로, 그 자체 외에는 어떤 것도 재현하기를 거부하는 독립적인 "회화적 사건", 고리와 선이 펼쳐진다. 비알라가 구성을 해체하기 위해 반복을 사용했다면, 프라는 "비이미지"를 통해 순수 사유의 대상으로 구성한다. 프랑스의 갤러리 리샤르가 그의 작품을 소개하며, 글로벌 디지털 환경에서는 IdeelArt가 그의 엄격한 형식주의를 선보인다.
스테판 보르다리에 - 갤러리 ETC 개인전 Solow, 2023 - 설치 전경
님에서 스테판 보르다리에(1953년생)는 이 그룹의 신학자 역할을 한다. 그의 작업은 타협하지 않는 한 가지 제약, 즉 콜 드 포(동물성 아교)의 사용으로 규정된다. 이 재료는 빠르게 굳기 때문에 보르다리에는 시간과의 싸움 속에서 자신의 "가짜 모노크롬"을 그려야 하며, 주관적으로 망설일 여지를 없앤다. 이러한 과정은 자아보다 절차를 중시하는 이 운동의 초점과 완벽하게 맞닿아 있다.
Guillaume Moschini - Galerie Oniris 개인전, 2023 - 설치 전경
Viallat, Saytour, Bioulès의 3인방에게 지도를 받은 Guillaume Moschini(1970년생)는 스승들의 공격적인 해체 방식을 누그러뜨렸습니다. 바탕칠하지 않은 캔버스와 "흡수" 기법을 사용해 묽게 탄 아크릴 물감이 섬유에 직접 스며들게 합니다. 그 결과 빛과 투명성이 만들어 내는 "선순환", 관람객에게 맞서기보다 색채로 진동하는 "부드러운 기하학"이 탄생합니다. Galerie Oniris를 통해 프랑스 추상미술계의 주요 작가로 자리 잡은 Moschini의 작품은 IdeelArt를 통해 해외 컬렉터들에게도 전해집니다.
V. 혁신가들
이 운동이 계속 살아남는 이유는 도전을 받고 있기 때문이기도 합니다. 젊은 세대는 Supports/Surfaces의 도구를 활용해 그 논리를 비판하거나 새로운 매체로 확장합니다.
Jean-Daniel Salvat의 No 1113 , 2020
Jean-Daniel Salvat(1969년생)은 Viallat의 92학번 제자로서, 사실상 이 운동을 뒤집어 "Post-Supports/Surfaces"를 만들어 냈습니다. 스승이 캔버스의 소박한 직조를 찬미한 반면, Salvat은 투명 비닐의 뒷면에 그림을 그립니다. 관람객은 플라스틱 너머로 작품을 바라보게 되며, 그 결과 디지털 화면의 매끄러움을 비추는, 매끈하고 산업적인 그림의 "복제품"이 탄생합니다. 그는 사물에 대한 이 운동의 집착은 유지하면서 소박한 재료를 합성 재료로 바꿉니다. 그의 작품은 또한 IdeelArt.com에서 만나볼 수 있습니다.
Nicolas Chardon - Galerie Jean Broly 개인전, 2014 - 설치 전경
Nicolas Chardon(1974년생)은 Patrick Saytour의 가정용 직물과 개념적 대화를 나눕니다. Chardon은 "Vichy"(깅엄) 직물에 그림을 그리되, 여기에는 반전이 있습니다. 직물을 팽팽하게 당기면 장력 때문에 격자선이 자연스럽게 뒤틀립니다. 그는 이렇게 뒤틀린 선을 따라 기하학적 사각형을 그려, 마음속의 "이상적" 기하학도 지지체의 물리적 현실 앞에서는 늘 양보해야 한다는 점을 보여 줍니다.
Adrien Vescovi - Ceysson & Bénétiere St Etienne 개인전, 2017 - 설치 전경
마침내 그 유산은 Adrien Vescovi(1981년생)를 통해 야외로까지 이어졌습니다. 그는 1970년의 "Intérieur/Extérieur" 전시를 계승합니다. Vescovi는 toile libre를 작업실 밖으로 완전히 가져갑니다. 천연 염료를 사용해 캔버스를 몇 달 동안 햇빛과 바람, 비에 노출시키며, 이 운동의 초점을 "마르크스주의적 유물론"에서 "생태적 유물론"으로 옮깁니다. 2026년 주요 기관 프로젝트를 진행하는 한편, 이 운동의 창시자들을 옹호해 온 같은 강력한 갤러리 Ceysson & Bénétière에서도 전시했습니다.
VI. 서구 문화의 평행한 역사와 보편적 언어
Supports/Surfaces가 프랑스 특유의 반란으로 시작되었더라도, 이 운동이 던진 질문은 보편적이었습니다. 회화를 해체하려는 욕구는 님에만 국한된 것이 아니었습니다. 그것은 세계적인 시대정신이었습니다.
컬렉터에게 이 섹션은 «계승자»의 계보가 아니라, 정신적으로 가까운 예술가들의 성좌를 보여줍니다. 서로 다른 수도와 시대를 배경으로 등장했지만 같은 «Supports/Surfaces»의 결론에 도달한 서구 예술가들은 물질의 진실을 찾는 일이 문화권을 초월해 필요하다는 점을 입증합니다.
«색채의 일탈», 루이 비통 재단, 2022. 샘 길리엄 - 드레이프 페인팅 연작
미국의 대응 작가: 샘 길리엄(1933–2022).
이는 역사적 동시성의 사례입니다. 클로드 비알라가 프랑스 남부에서 캔버스를 펼치던 바로 그 순간, 샘 길리엄은 워싱턴 D.C.에서 캔버스 틀을 제거하고 있었습니다. 그의 유명한 «드레이프 페인팅»은 색채가 가득한 거대한 캔버스를 공간에 매달아 놓은 작품으로, 프랑스 유파의 후예가 아니라 그 정신적 쌍둥이입니다. 프랑스의 창립자들처럼 길리엄은 색채를 틀의 경직된 구조에서 해방하면 실제 공간을 차지할 수 있다는 점을 이해했습니다. 느슨하고 조각적인 주름으로 걸리거나 강렬한 안료로 물들인 그의 작품은 캔버스를 창문이 아닌 물리적인 피부처럼 다루며, 대서양을 가로지르는 물질주의적 탐구의 타당성을 입증합니다.
«색채의 일탈», 루이 비통 재단, 2022. 스티븐 파리노
펑크의 평행선: 스티븐 파리노(1958–2005).
스티븐 파리노는 회화를 급진적으로 해체하며 그 경계를 확장한 작가로 세계적으로 인정받고 있습니다. 그의 상징적인 작품은 크고 둥근 캔버스를 비틀고 접거나 구겨 만든 것으로, 대담한 줄무늬나 단색의 메탈릭 색상으로 칠해 캔버스를 조각적 오브제로 다루며 재료의 물성과 저항력을 강조합니다. 바닥에 놓인 구겨진 메탈릭 형태는 이러한 제스처를 되풀이하며 회화와 조각의 경계를 허뭅니다.
파리노의 개입은 단순히 파괴에 관한 것이 아니라, 회화의 관습을 뒤엎을 때 생겨나는 에너지와 긴장에 관한 것입니다. 파리노는 독자적으로 자신만의 접근 방식을 발전시켰지만, 그의 작품은 Supports/Surfaces의 정신과 강하게 공명합니다. 두 경우 모두 과정과 물질성, 회화 작품 자체의 자율성을 전면에 내세웁니다. 그의 작업은 이 운동의 직접적인 연장선이라기보다 강력한 평행선으로 자리하며, 회화의 한계를 근본적으로 재고하려는 시도가 대서양 양쪽에서 어떻게 펼쳐졌는지를 보여줍니다.
PS1 모마의 세르게이 옌센, 2011. 설치 전경.
동시대의 대화: 세르게이 옌센(1973년생)과 와이엇 칸(1983년생).
오늘날 베를린에서 뉴욕에 이르기까지 작가들은 이러한 논리를 계속 확장하고 있습니다. 옥양목과 삼베를 꿰매 만든 옌센의 ‘물감 없는 회화’는 파트리크 세투르의 가정용 직물 사용을 떠올리게 합니다. 한편 와이엇 칸은 날것 그대로의 캔버스와 형태를 낸 프레임을 퍼즐처럼 조립해, 다니엘 드쥐즈의 빈 사다리에 건축적 방식으로 화답합니다. 이들은 프랑스 작가들을 모방하는 것이 아니라 같은 재료의 언어로 이야기하고 있습니다.
와이엇 칸 - 무제(회색조 도시 회화) - 2018 ©Wyatt-Kahn
VII. 세계적 공명: Supports/Surfaces와 아시아
Supports/Surfaces는 프랑스에서 시작되었지만, 회화의 재료와 관습을 급진적으로 재고한 방식은 전후 아시아 미술에서도 두드러진 유사성을 찾을 수 있습니다. 아시아에 직접적인 대응 운동이나 공식적인 연관성이 있는 것은 아니지만, 한국의 단색화와 일본의 구타이 같은 작가와 운동은 Supports/Surfaces를 움직이는 여러 문제의식을 독자적으로 탐구해 왔습니다.
박서보(1931–2023), 하종현(1935년생), 이우환(1936년생) 같은 단색화 작가들은 캔버스의 물질성과 반복적 몸짓, 지지체의 자율성을 전면에 내세웁니다. 과정 중심의 명상적인 작품에는 캔버스를 조작하거나 긁고 엮는 작업이 자주 등장하며, 이는 Supports/Surfaces에서 볼 수 있는 재료 실험과 해체를 떠올리게 합니다.
「이우환과 클로드 비알라, 만남」, 페이스 런던, 2023. 설치 전경.
마찬가지로, 일본의 구타이 그룹은 1950년대와 60년대에 회화에 대한 실험적 접근을 선구적으로 펼쳤으며, 비전통적인 지지체와 퍼포먼스적 몸짓을 수용하고 창작 행위에 신체와 우연성을 통합했습니다. 다음과 같은 작가들은 가즈오 시라가 (1924–2008)는 역동적인 발화 캔버스로, 급진적인 재료 실험과 퍼포먼스적 ‘병 던지기’ 회화로 알려진 쇼조 시마모토(1928–2013)는 Supports/Surfaces의 정신을 긴밀히 반영하는 물질성과 과정 중심성을 구현합니다. 이들은 회화를 환영으로 보는 위계에 도전하고, 작품의 사물성과 물리적 현존을 강조합니다.
오늘날 이러한 친연성은 큐레이터와 비평가들에게 점점 더 널리 인식되고 있으며, 이들은 재료성, 과정, 회화의 전통적 경계 해체를 향한 더 광범위한 세계적 움직임을 조명하기 위해 전시에서 Supports/Surfaces, 단색화, 구타이를 함께 다룹니다. 이러한 수렴은 예술에서 재료의 진실을 찾는 일이 지리적 한계에 갇히지 않고 여러 대륙과 문화에 걸쳐 공명한다는 점을 보여줍니다.
《Action》 - Whitestone 갤러리의 쇼조 시마모토와 가즈오 시라가, 2023. 설치 전경
VIII. IdeelArt의 별자리: 실천 속의 물질 리얼리즘
“네오 Supports/Surfaces” 운동은 단순한 역사적 각주가 아닙니다. 동시대 작업을 통해 계속 진동하는 살아 있는 파동입니다. IdeelArt에서 이 계보는 이미 살펴본 직접적인 계승자들로 이어집니다. “비형태”를 엄격하게 정제하는 Frédéric Prat, 비닐 작업을 통해 회화의 표면 자체에 질문을 던지는 Jean-Daniel Salvat, 그리고 절차적인 색채 적용으로 자아를 지우고 지지체의 진동을 드러내는 Guillaume Moschini입니다.
하지만 “재료의 진실”을 추구하는 흐름은 이러한 직접적인 후예들에 국한되지 않습니다. 의식적으로든 직관적으로든 같은 결론에 도달한 다양한 국제 작가들의 면면에서도 이를 확인할 수 있습니다. 예술 작품은 이미지가 되기 전에 먼저 현실 세계의 오브제여야 한다는 결론입니다.
Jean Feinberg - Ed Rothfarb 스튜디오 《Minimal/Maximal》 전시, 2025 - 설치 전경
Jean Feinberg(미국)은 “회화는 오브제”라는 이 운동의 주장을 구현합니다. 그녀의 작품은 전통 회화의 직사각형 창을 거부하고, 재활용 목재와 캔버스, 물감으로 만든 “구조물”을 택합니다. Bernard Pagès의 초기 실험처럼 Feinberg의 작품은 어떤 대상을 묘사한 이미지가 아니라 관람자의 공간으로 돌출되는 자율적 실체입니다. 주운 잔해와 구조용 목재를 결합함으로써, 오브제의 물리적 긴장이 예술의 진정한 주제라는 논지를 입증합니다.
Louise Blyton - "Mulooning" - 멜버른 Five Walls 갤러리 개인전, 2025 - 설치 전경
Louise Blyton(호주)은 “지지체의 진실”과 깊이 있는 대화를 나눕니다. 클로드 비알라가 캔버스를 해방한 정신을 이어받아, Blyton은 가공되지 않은 리넨을 수동적인 배경에서 능동적이고 눈에 보이는 재료로 격상시킵니다. 리넨을 형태를 잡은 발사나무에 감싸고 자아를 드러내지 않는 안료층을 끝없이 덧입히는 환원적 기법으로 회화도 조각도 아닌 혼성 오브제를 만들어냅니다. 작품은 제작 과정을 숨기지 않고 표면에 짜인 현실을 기념합니다.
스튜디오에 있는 Anthony Frost(2023)
Anthony Frost (영국)은 소박한 재료를 과감하게 활용해 "순수 미술"의 고귀함을 거부하는 이 운동의 태도를 이어갑니다. Noël Dolla가 행주와 타를라탄 천을 사용했듯, Frost는 돛천, 과일 포장망, 삼베로 강렬한 추상 작품을 만듭니다. 이는 환상을 위한 중립적인 표면이 아니라, 고유한 역사를 드러내는 거칠고 산업적인 실체입니다. 그의 작품은 재현의 기만보다 재료의 가감 없는 정직함을 우선시하는 곳이라면 어디에서든 "네오 Supports/Surfaces" 정신이 살아 있음을 보여줍니다.
"Fragile Beauty: Photographs from the Sir Elton John and David Furnish Collection", Richard Caldicott, 빅토리아 앤드 앨버트 박물관, 2025
Richard Caldicott (영국)은 이 운동의 해체 논리를 사진 매체에 적용합니다. Daniel Dezeuze가 골격을 드러내기 위해 회화를 캔버스 틀까지 벗겨냈듯, Caldicott은 사진을 빛과 종이라는 기본 요소로 환원합니다. 포토그램과 종이 네거티브를 통해 그는 카메라의 기록 기능을 우회하고, 세계의 물리적 흔적이 담긴 이미지를 만들어냅니다. 그는 사진의 "존재론적 진실"을 드러내며, 사진을 현실의 거울에서 구체적인 형태를 만들어내는 것으로 탈바꿈시킵니다.
우리는 "네오 Supports/Surfaces" 운동이 프랑스에서 비롯된 것보다 훨씬 더 광범위하며, 물질적 진실을 찾는 세계적인 탐구라고 생각합니다. "프로비저널 페인팅," "캐주얼리즘," "뉴 머티리얼리즘," 또는 단색화와 구타이라는 이름으로 불리든, 브루클린에서 서울까지 작가들은 같은 탐구에 적극적으로 참여하고 있습니다.
이것은 향수가 아니라 21세기를 위한 유효하고 보편적인 방법론입니다. 님의 작업실에서 시작된 것은 워싱턴 D.C.의 휘장, 덴마크의 섬유 예술, 뉴욕의 미니멀리즘, 아시아의 명상적인 캔버스에서 메아리칩니다.
창립자들은 회화의 진실을 찾기 위해 회화를 해체했고, 제도적 가교는 그 진실을 보존했으며, 전 세계의 한 세대의 작가들은 이를 바탕으로 새로운 구조를 구축하고 있습니다. 1968년의 정치 팸플릿은 빛이 바랬을지 모르지만, 미학적 발견은 여전히 유효합니다. 회화의 대상은 회화 그 자체입니다.
Francis Berthomier 글
Claude Viallat & Christelle Thomas. "Avatar 2005-2025". 툴롱 오텔 데 자르. 2025년 12월.
이 글은 최근 프랑스 툴롱의 오텔 데 자르에서 열린 비알라 전시를 방문한 경험에서 영감을 얻었습니다. 클로드 비알라와 직접 나눈 대화를 통해 그가 여전히 하루에 세 점의 작품을 제작한다는 사실을 확인했고, 이는 그의 지속적인 활력과 이 운동의 살아 있는 에너지를 보여주는 변함없는 증거였습니다.
대표 이미지: 2018년 프랑스 님의 카레 다르에서 열린 "Supports/Surfaces : Les origines 1966-1970". 설치 전경.
