올리비에 드브레의 열렬한 추상
올 여름 런던에 오는 가장 매혹적인 전시 중 하나는 올리비에 드브레: 열정적인 추상으로, 6월 말 에스토릭 컬렉션에서 열립니다. 이 전시에 대한 나의 관심은 부분적으로는 아티스트 때문이고, 부분적으로는 전시가 열리는 장소 때문입니다: 이 부티크 박물관은 20세기 초 현대 이탈리아—특히 미래주의—예술의 컬렉션으로 유명합니다. 올리비에 드브레(1920-1999)는 이탈리아인이 아니라 프랑스인이었습니다. 그는 또한 철학적으로 미래주의자들과는 상당히 달랐습니다. 특히 전쟁이 사회에서 긍정적이고 정화하는 힘이라는 그들의 생각에 대해 말이죠. 미래주의 선언서의 여러 서명자들은 제1차 세계 대전에서 파시스트 편에 열정적으로 싸웠습니다. 반면 드브레는 그 전쟁의 여파 속에서 성장했으며, 제2차 세계 대전에서 파시스트에 맞서 싸우는 프랑스 저항군에 합류했습니다. 그럼에도 불구하고 드브레와 초기 이탈리아 현대주의자들 사이에는 예술에서 형이상학을 표현하려는 관심에 있어 매혹적인 교차점이 있습니다. 미래주의자들은 속도와 공감각의 경험과 같은 감각을 그리려는 시도에서 선구적인 발견을 했습니다. 드브레는 묘사 없이 감정을 표현하는 방법으로서 회화를 사용하려는 탐구에서 동등하게 심오한 발견을 했습니다. 드브레는 우리가 다른 사람이 우리의 정확한 감정을 공유한다고 느낄 때 발생하는 깊은 교감의 감각에 관심이 있었습니다. 그는 또한 우리가 느끼는 것을 다른 사람에게 설명하려고 할 때 단어의 불충분함을 깨달았습니다. 그의 그림은 감정 상태를 표현하려는 시도로 이해될 수 있으며, 감정적 연결이 이루어지고 발전할 수 있는 공간을 창조하려는 시도로도 이해될 수 있습니다. 그는 고급 예술의 허세를 거부하고 보다 인본주의적인 제스처를 선호하여 이젤 대신 바닥에 그림을 그렸습니다. 그는 또한 자신의 물감에 모래와 같은 겸손한 재료를 추가하고, 일상적인 도구인 빗자루를 사용하여 매체를 적용했습니다. 그가 만든 다양한 작품은 서정적 추상이라는 용어와 동의어가 되었습니다. 그것은 감각성과 주관성의 물질적 표현으로, 회화의 시적이고 음악적인 동등물입니다.
표지판과 상징
데브레에 대한 가장 자주 들려지는 이야기 중 하나는 파블로 피카소가 파리에서 그의 첫 번째 대규모 개인 전시회를 방문했다는 것이다. 작품을 감상한 후, 피카소는 당시 30대 초반이었던 데브레에게 "당신은 이미 노인처럼 그림을 그린다."고 말했다. 이 수수께끼 같은 발언은 분명히 데브레가 그의 독특한 추상적 목소리를 개발하는 길로 나아가게 한 계기가 되었다. 그는 당시 유행하던 스타일을 모방하기보다는, 예술가가 추상 미술을 통해 생각과 감정을 어떻게 전달할 수 있는지를 발견하기 위한 철저한 과정을 시작했다. 그는 사람들이 서로의 감정을 가장 자주 전달하는 방식을 분석하는 것부터 시작했다: 바로 언어를 통해서. 그는 서면 언어가 상징적 의사소통의 본질적인 구현체라는 것을 깨달았다. 아이디어는 신체적 인간 제스처를 통해 만들어진 표면의 선으로 번역되기 때문이다. 이 깨달음은 그가 자신의 제스처적이고 선형적인 상징 체계를 만드는 길로 나아가게 했고, 이를 통해 자신의 감정을 전달하고 관객 간의 정서적 연결을 촉진할 수 있었다.
올리비에 드레 - 단색 장미 빨강, 빨간 장미 자국, 1984. 캔버스에 유화, 180 x 180 cm. 컬렉션 갤러리, 루이 카레 & Cie, 파리
그 시점까지, 드레가 경험한 가장 일반적인 감정은 외로움과 슬픔이었다. 사실, 그의 예술에 대한 첫 연결은 그가 아홉 살 때 어머니가 돌아가셨을 때 이루어졌고, 아버지와 삼촌은 그가 상실감을 극복하는 방법으로 그림을 그리고 색칠하도록 격려했다. 그가 나중에 나치와 싸우면서 목격한 말로 표현할 수 없는 끔찍한 공포는 그에게 인간 조건을 정의하는 고립과 고통을 반복적으로 상기시켰다. 이러한 끔찍한 감정을 표현하기 위한 그의 돌파구는 1950년대 초에 그가 Signes-Personnages (캐릭터 기호)라고 부른 일련의 추상화에서 나타났다. 주로 흰 배경에 수직의 선형 검은 형태로 구성된 이 작품들은 인간 형상과 문자 사이의 하이브리드를 닮았다. 드레가 이 작품들에서 보여주고자 했던 것은 고립된 인간이 아니라, 고독의 본질 자체를 담고 있는 그림들이다.
올리비에 드레 - 제목 없음, c. 1990. 캔버스에 유화, 100 x 100 cm. 개인 소장
현실은 우리를 그린다
장기적으로 진행된 Signes-Personnages 시리즈 외에도, 데브레는 Signes-Paysages (풍경 기호)라는 그의 추상 풍경화 시리즈에 수십 년을 바쳤습니다. 이 그림들은 생동감 넘치는 색상의 넓은 면으로 정의되며, 헬렌 프랭켄탈러와 마크 로스코와 같은 색면화가들의 작품과 시각적 유산을 공유합니다. 데브레는 자연 환경과 상호작용하면서 느낀 감각을 표현하기 위해 이 그림들을 만들었습니다. 그러나 그는 이 작업을 자연 세계의 그림을 그리는 것으로 이야기하지 않았습니다. 왜냐하면 그는 현실을 인간이 창조하는 것으로 인식하지 않았기 때문입니다. 대신, 그는 인간 경험을 우리가 이해할 수 없는 자연 현실에 의해 끊임없이 형성되고 재형성되는 것으로 인식했습니다. "정신적 분위기와 실제 분위기 사이에는 일종의 겹침이 있다,"고 그는 말했습니다. "우리는 항상 우리 자신 안에 있고, 우리 자신 밖에 있습니다. 나는 나를 생성하는 현실의 감정 속에서 그림을 그립니다."
올리비에 드레 - 제목 없음, 약 1958년. 캔버스에 유화, 27 x 35 cm. 개인 소장.
그가 창조한 방대한 양의 그림 외에도, 드레는 기념비적인 공공 작품 세계에서도 이름을 알렸으며, 수많은 공공 조각품과 런던과 홍콩의 오페라 하우스를 위한 커튼을 포함한 사랑받는 극장 커튼 컬렉션을 만들었습니다. 그가 방대하고 다양한 작품을 되돌아볼 때마다, 그는 그가 찾고자 했던 본질을 le signe du réel 즉, 현실의 징후라고 불렀습니다. 열렬한 추상화는 제스처의 열정과 즉각성이 동시에 존재하는 상징과 감정을 전달하기 위해 그가 고안한 이름입니다.
피카소가 입체파 초기 시절에 그랬듯이, 드브레는 예술적 모방의 세계를 넘어 더 깊은 사실성을 발견하기 위한 탐구를 하고 있었다; 즉, 보이는 것과 보이지 않는 삶의 부분 모두의 신비와 아름다움을 포착하는 사실성.
올리비에 드브레: 열렬한 추상은 2021년 6월 30일부터 9월 12일까지 런던의 에스토릭 현대 이탈리아 미술관에서 전시됩니다.
특집 이미지: 올리비에 드브레 - 제목 없음, c. 1946. 잉크로 종이에. 20.2 x 30.9 cm. 개인 소장.
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
