앙리 마티스의 달팽이와 추상 미술의 주요 특성
“달팽이” (1953)은 마티스가 사망하기 전 해에 완성되었습니다. 이는 그의 마지막 주요 “컷아웃”으로 여겨지며, 또한 걸작입니다. 그러나 마티스에게는, 그의 다작에 지치지 않는 그에게, 아마도 또 다른 예술작품일 뿐이었고, 그는 그것을 완성하자마자 잊어버리고 다음 작품으로 넘어갔을 것입니다. 그러나 “달팽이”를 직접 본 사람들에게는, 그것은 현대 추상화의 정점을 exemplifies하는 잊을 수 없는 이미지입니다. 이 작품은 약 3미터 제곱으로, 대부분의 관람객보다 두 배 더 높습니다. 색깔이 있는 형태들이 흰색 배경에 붙어 있습니다. 각 형태는 고화지 색종이에서 잘라낸 것입니다. 형태들은 느슨한 나선형으로 배열되어 있으며, 이는 달팽이의 껍질을 표현합니다. 마티스는 이 작품에 두 번째 제목도 부여했습니다: “라 콤포지션 크로마티크” 또는 “색채 구성.” 이 두 번째 제목은 신비로움을 지니고 있습니다. 대부분의 작가들은 마티스가 색상을 언급하려고 했다고 가정합니다. 그는 결국 이 작품을 위해 완벽하게 보완적인 색조를 선택하여 생동감 있고 기쁜 시각적 구성을 만들어냈습니다. 그러나 크로마틱이라는 단어는 색상과 관련된 의미로 자주 사용되지만, 음악적 의미도 지니고 있습니다. 마찬가지로, 구성이라는 단어도 음악적 의미를 가집니다. 음악에서 크로마틱 스케일은 표준 피아노에서 연주할 수 있는 12개의 모든 음을 포함합니다. 이는 완전하고 포괄적인 스케일입니다. “달팽이”를 바라보면, 많은 관람객들이 12가지 색조가 존재한다고 인식합니다. 마티스가 이 보조 제목으로 음악과 색상을 모두 언급했을 가능성이 있을까요? 한 가지는 확실합니다. 이 작품에 두 가지 제목을 부여함으로써, 마티스는 그것에 비유적이고 추상적인 특성을 부여하여 해석할 수 있는 풍부한 층을 추가하였고, “달팽이”를 추상 예술의 주요 특성을 연구하는 데 이상적인 작품으로 만들었습니다.
풀리다
“달팽이”는 1962년 런던의 테이트에 의해 구입되었습니다. 14년 후, 박물관은 마티스의 후반기 모델, 스튜디오 어시스턴트, 경력 관리자인 맨 리디아 드렉토르스카야로부터 편지를 받았습니다. 이 편지는 “달팽이”의 창작 과정을 설명하고 있습니다. 마티스의 말을 인용합니다: “나는 우선 자연에서 달팽이를 그렸습니다. 그것을 들고 있었습니다. 나는 펼쳐지는 것을 인식했고, 껍질이 정화된 내 마음 속의 이미지를 발견한 후, 가위를 들었습니다.” 이 간단한 문장 안에는 마티스의 전체 경력을 시적으로 요약한 내용이 담겨 있습니다. 그는 우선 자연에서 작업하며 인물화 그림을 그렸습니다. 그의 자연 모방은 색상의 역동적인 추상적 특성을 탐구하면서 풀어졌습니다. 그는 단순화하며 “춤 II” (1932)와 같은 정화된 이미지로 작업을 줄였습니다. 이는 펜실베이니아의 바른스 재단에 있는 벽화입니다. 또는 “누워 있는 누드” (1935)로, 맨 드렉토르스카야가 모델로 나섰습니다. 마지막으로 그는 “가위를 들었습니다.” 이는 십이지장 암 수술의 합병증으로 더 이상 그림을 그릴 수 없게 된 후 작업 방식을 변화시킨 것입니다.
그 문구, “가위를 사용했다”는 마티스가 병상에서 개발한 오려내기 콜라주 기법을 가리킨다. 휠체어에 묶인 그는 보조들에게 사용하고 싶은 정확한 색상을 지정했고, 그들은 그 색상으로 종이 조각을 구아슈로 칠했다. 마티스는 가위로 종이를 잘라 자신의 상상에 맞게 종이를 형성했다. 그는 벽에 걸린 패널 위에 정밀한 구성을 만드는 데 보조들을 지휘했다. 그림에서 오려내기로의 이 진화는 필요에서 비롯되었지만, 또한 형태를 그린 다음 그 안에 색을 칠하는 허위성을 제거하는 완벽한 모더니스트 제스처이기도 했다. 이는 방법, 매체, 재료가 하나가 되는 보다 정직한 과정을 가능하게 했다. “달팽이”는 또한 달팽이 껍질의 나선형 패턴, 마티스가 “펼쳐짐”이라고 언급한 것이 황금비를 참조하기 때문에 특히 심오한 모더니스트 진술로 간주된다. 황금비는 초기 추상 미술에서 자주 사용되는 구성 전략으로, 자연의 보편적 조화의 표현으로 여겨진다.
색상과 음악
"달팽이"에 "라 콤포지션 크로마티크"라는 추가 제목을 부여함으로써, 마티스는 이 작품이 내러티브 표현적 특성뿐만 아니라 순수한 형식적 미적 관점에서도 고려될 수 있는 길을 열었습니다. 이 선택은 작가가 자신의 작품이 관객에 의해 두 가지 방식으로 해석될 수 있음을 수용했다는 것을 인정하는 것이었습니다. 그는 두 가지 방식으로 인식했으며, 우리도 두 가지 관점을 열어보기를 원했던 것이 분명합니다. 단순히 색상과 형태의 구체적이고 형식적인 조합으로 보았을 때, 이 작품은 기쁨, 에너지, 움직임과 같은 다양한 감정적 및 신체적 특성을 드러냅니다. 이미지의 평면성은 겹쳐진 종이의 차원적 측면과 미묘한 방식으로 경쟁합니다. 어두운 색조와 밝은 색조는 깊이의 환상을 만들어냅니다.
그동안 "라 콤포지션 크로마티크"의 음악적 특성을 깊이 있게 탐구하고자 하는 이들에게, 작품에 존재하는 다양한 색조를 더 깊이 살펴보는 것은 기쁨입니다. 오렌지 색조는 몇 가지나 될까요? 초록색은 몇 가지나 될까요? 그림 중앙에는 11개의 형태가 있으며, 흰색 배경과 최소 7개의 조각으로 구성된 오렌지색 프레임이 있습니다. 당신의 뇌가 색을 어떻게 인식하느냐에 따라 최대 19가지의 다양한 색조가 있을 수 있습니다. 그러나 대부분의 사람들은 중앙에서 아홉 가지 뚜렷한 색조를 보고, 흰색과 프레임에서 두 가지 추가 오렌지 색조를 더합니다. 이 12가지 색조는 구성 주위를 서정적으로 흐르며, 또 다른 위대한 모더니스트 개념에 경의를 표합니다: 추상적인 시각적 요소는 음악과 유사하다는 것입니다. 이 모든 다양한 방식으로 이 걸작과 관계를 맺는 것은 추상 미술과 상호작용하는 방법에 대한 마스터 클래스가 됩니다. 이 하나의 컷아웃은 부분적으로 회화이자 부분적으로 부조 조각, 부분적으로 구체적이며, 부분적으로 서정적이고, 부분적으로 기하학적이며, 부분적으로 형상적이고, 부분적으로 추상적입니다. 그것은 이러한 모든 것이며, 동시에 이러한 것들이 아닙니다. 그 다원성 속에서 마티스가 한때 표현한 믿음의 신비를 구현합니다. "정확성은 진리가 아니다."
특집 이미지: 앙리 마티스 - 달팽이, 1953. 종이에 구아슈, 캔버스에 장착된 종이에 잘라 붙임. 287 cm × 288 cm (112 3⁄4 인치 × 108 인치). 현대 미술관, 런던. © Succession Henri Matisse/DACS 2018
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
