앙리 마티스의 달팽이와 추상 미술의 주요 특성

“달팽이” (1953)은 마티스가 세상을 떠나기 전 해에 완성된 작품입니다. 그의 마지막 주요 “오리기 기법” 작품이자 걸작으로 여겨집니다. 그러나 끊임없이 작품을 만들어내던 마티스에게 이 작품은 아마도 단지 또 하나의 작품에 불과했을 것이며, 완성하자마자 잊어버리고 다음 작품으로 넘어갔을지도 모릅니다. 하지만 “달팽이”를 직접 본 이들에게는 현대 추상미술의 절정을 보여주는 잊을 수 없는 강렬한 이미지로 남아 있습니다. 작품 크기는 약 3미터 정사각형으로, 대부분의 관람객 키의 두 배에 달합니다. 흰색 배경에 색종이 모양들이 붙어 있는 형태입니다. 각 모양은 구아슈 물감으로 칠한 종이에서 오려낸 것입니다. 모양들은 느슨한 나선형으로 배열되어 있는데, 이는 달팽이 껍데기의 형상을 표현한 것입니다. 마티스는 이 작품에 두 번째 제목도 붙였습니다: “La Composition Chromatique,” 즉 “색채 구성”입니다. 이 두 번째 제목은 신비로움을 품고 있습니다. 대부분의 글쓴이들은 마티스가 색을 가리키는 의미로 붙인 것이라 추정합니다. 실제로 그는 작품에 완벽하게 어울리는 보색을 선택하여 생동감 있고 즐거운 시각 구성을 만들어냈습니다. 하지만 ‘chromatic’이라는 단어는 색과 관련된 의미뿐 아니라 음악적 의미도 지니고 있습니다. ‘composition’ 역시 음악에서 곡을 뜻합니다. 음악에서 ‘chromatic scale’은 표준 피아노에서 연주할 수 있는 12개의 음을 모두 포함하는 완전한 음계입니다. “달팽이”를 볼 때 많은 관람객이 12가지 색조를 인지합니다. 마티스가 이 두 번째 제목으로 색뿐 아니라 음악도 함께 암시한 것일까요? 확실한 것은, 두 가지 제목을 붙임으로써 마티스가 이 작품에 구상적이면서도 추상적인 특성을 부여하여 해석의 풍부한 층을 더했고, “달팽이”를 추상미술의 핵심 특성을 연구하는 데 이상적인 작품으로 만들었다는 점입니다.

펼쳐짐

“달팽이”는 1962년 런던의 테이트 미술관에 의해 구입되었습니다. 14년 후, 미술관은 망명한 러시아인으로서 마티스의 말년 모델이자 작업실 조수, 경력 관리인이었던 리디아 들렉토르스카야 부인으로부터 편지를 받았습니다. 편지에는 “달팽이”의 창작 과정이 묘사되어 있습니다. 마티스의 말을 인용합니다: “나는 먼저 자연에서 달팽이를 직접 들고 그렸습니다. 나는 펼쳐짐을 인식했고, 껍데기가 정화된 내 마음속 이미지를 발견한 후 가위를 들었습니다.” 이 간단한 문장 안에는 마티스의 전 생애가 시적으로 요약되어 있습니다. 그는 먼저 자연에서 출발하여 구상화를 그렸습니다. 자연을 모방하던 그의 작업은 색채의 역동적인 추상적 특성을 탐구하면서 풀리기 시작했습니다. 그는 작품을 단순화하여 “춤 II” (1932, 펜실베이니아 반스 재단 벽화)나 “누운 나체” (1935, 들렉토르스카야 부인이 모델이 된 작품)와 같은 정화된 이미지로 축소했습니다. 마지막으로 그는 “가위를 들었고,” 십이지장암 수술 후 더 이상 그림을 그릴 수 없게 되자 작업 방식을 전환했습니다.

“가위를 들었다”는 표현은 마티스가 병상에서 개발한 오리기 콜라주 기법을 가리킵니다. 휠체어에 앉아 그는 원하는 정확한 색을 조수들에게 지시했고, 조수들은 그 색으로 구아슈 물감으로 종이를 칠했습니다. 마티스는 가위로 종이를 오려 자신의 상상에 맞게 모양을 만들었습니다. 그는 조수들을 지휘하여 벽에 걸린 판넬 위에 정밀한 구성을 완성했습니다. 회화에서 오리기로의 이 변화는 필요에 의해 탄생했지만, 동시에 완벽한 현대주의적 행위였습니다. 이는 형태를 그리고 색을 칠하는 거짓을 벗겨내어 방법, 매체, 재료가 하나가 되는 더 정직한 과정을 가능하게 했기 때문입니다. “달팽이”는 특히 현대주의적 선언으로 여겨지는데, 달팽이 껍데기의 나선형 무늬, 즉 마티스가 ‘펼쳐짐’이라 부른 것은 초기 추상미술에서 자주 사용된 구성 전략인 황금비를 참조하며, 이는 자연의 보편적 조화를 표현하는 것으로 여겨집니다.

색과 음악

“달팽이”에 “La Composition Chromatique”라는 부제목을 붙임으로써 마티스는 이 작품이 서사적 구상적 특성뿐 아니라 순수한 형식적 미학적 관점에서도 평가될 수 있음을 열어두었습니다. 이는 작가가 자신의 작품이 관람자에 의해 두 가지 방식으로 해석될 수 있음을 받아들였다는 인정이었습니다. 마티스 자신도 두 가지 관점으로 작품을 보았으며, 우리 역시 두 관점을 모두 열어두길 바랐습니다. 단순히 색과 모양의 구체적 형식적 조합으로 볼 때, 이 작품은 환희, 에너지, 움직임과 같은 다양한 감정적·물리적 특성을 드러냅니다. 평면적인 이미지가 층층이 쌓인 종이의 입체적 측면과 미묘하게 경쟁합니다. 어둡고 밝은 색조가 깊이의 착시를 만듭니다.

한편 “La Composition Chromatique”의 음악적 특성을 음미하고자 하는 이들에게는 작품에 나타난 다양한 색조를 더 깊이 살펴보는 즐거움이 있습니다. 주황색은 몇 가지 색조가 있을까요? 초록색은 몇 가지일까요? 그림 중앙에는 11개의 모양이 있고, 흰색 배경과 주황색 테두리가 있습니다. 테두리는 적어도 일곱 조각으로 이루어져 있습니다. 뇌가 색을 인지하는 방식에 따라 최대 19가지 색조가 보일 수도 있습니다. 하지만 대부분은 중앙에 9가지 뚜렷한 색조, 흰색, 그리고 테두리의 두 가지 추가 주황색을 봅니다. 이 12가지 색조는 구성 전체를 서정적으로 흐르며 또 다른 위대한 현대주의 개념에 경의를 표합니다: 추상적 시각 요소는 음악과 유사하다는 생각입니다. 이 모든 다양한 관점이 합쳐져 이 걸작과 상호작용하는 방법에 대한 명강의를 이룹니다. 이 오리기 작품은 부분적으로는 회화, 부분적으로는 부조 조각, 부분적으로는 구체적, 부분적으로는 서정적, 부분적으로는 기하학적, 부분적으로는 구상적, 그리고 부분적으로는 추상적입니다. 이 모든 것이면서도 아무것도 아닌 이 작품은 마티스가 한때 표현한 믿음, “정확함이 진실은 아니다”라는 신비를 구현합니다.

대표 이미지: 앙리 마티스 - 달팽이, 1953. 구아슈 물감으로 칠한 종이를 오려서 캔버스에 붙임. 287 cm × 288 cm (112 ³⁄₄ 인치 × 108 인치). 모던, 런던. © Succession Henri Matisse/DACS 2018
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 작성