Anthony 카로의 주목할 만한 조각 5점

그가 2013년에 사망했을 때, Anthony 카로는 그의 세대에서 가장 영향력 있는 영국 조각가로 여겨졌다. 그의 영향력은 그의 작업과 교육 모두에서 비롯되었다. 1953년부터 1981년까지 주 2회 런던의 세인트 마틴 예술학교에서 가르쳤다. 그곳에서 그의 주요 혁신 중 하나는 조각 수업과 드로잉 수업을 결합하여 수업의 초점을 주제를 복사하는 것에서 "이해하는 것"으로 바꾸는 것이었다. 같은 관점이 그의 예술가로서의 작업을 정의하기도 했다. 초기에는 그는 자신의 조각을 실제에서 복사했다. 그는 초기 작품을 주조하거나 돌에서 조각하였고, 전통적인 방식으로 그것들을 받침대 위에 놓았다. 그러나 1960년에 그는 갑자기 금속으로 비유적이지 않은 추상 조각을 만들기로 전환하고, 그것들을 바닥에 직접 놓았다. 이러한 작품들이 환경과 분리되어 있다고 인식하는 대신, 관객들은 작품과 연결되어 있다고 느끼고, 심지어 그 주위로 걸어 다니며 움직일 때 그 외관의 변화를 목격할 수 있었다. 그의 주제를 이해하고, 그 본질을 표현하려는 목표는 그가 작업에 발견된 물체와 재료를 사용해야 한다는 결론으로 이어졌다. 그는 이것들이 현대 일상 생활의 것들이라고 느꼈다. 그들이 담고 있는 내재적 의미는 현대 관객에게 많은 것을 말해준다. 그의 예술가로서의 진화는 카로를 마르셀 뒤샹과 같은 예술가들과 완벽한 다리 역할을 하게 했는데, 그는 처음으로 일상 생활에서 발견된 물체를 조각으로 조립하였고, 제시카 스톡홀더와 같은 현대 예술가들은 그 개념을 확장하여 인간과 공간의 관계를 재정의하는 대규모 지각 경험을 창조한다. 카로가 남긴 유산은 끊임없는 발명의 유산이며, 여기 그의 가장 주목할 만한 작품 다섯 점이 있다:

여성의 깨어남 (1955)

카로는 런던의 로열 아카데미에서 공부하면서 자연에서 조각하는 법을 배웠다. 그는 그리스, 로마, 에트루리아 예술가들의 조각을 직접 복사하는 법을 배웠다. 졸업 후, 그는 런던에서 허트포드셔로 이사했으며, 그곳에서 유명한 모더니스트이자 생물형 조각가인 헨리 무어에게 차가운 전화를 걸어 그의 스튜디오 조수로 일할 수 있는 자리를 요청했다. 무어는 그를 거절했지만, 6개월 후에 다시 오라고 말했다. 카로는 그렇게 했고, 일자리를 얻었다. 그러나 무어에 대한 존경심에도 불구하고, 카로는 그의 학문적 훈련과 무어가 그에게 미친 영향 모두에 어려움을 겪었다. 카로가 1956년에 첫 개인전을 가졌을 때, 그 두 가지 영향은 특히 전시회에서 가장 화제가 된 조각인 "여성의 깨어남"(1955)에서 완전히 드러난다. 여성의 자세는 무어가 조각한 누워 있는 여성 형태와 부인할 수 없이 유사하며, 작품의 영웅적인 신체적 및 감정적 특성은 많은 고전적 참조를 불러일으킨다.

스물 네 시간 (1960)

그의 독창적인 목소리를 찾기 위한 내적 갈등에도 불구하고, 카로가 만든 비유적 조각들은 대중에게 좋은 반응을 얻었다. 하나는 1958년 베니스 비엔날레에 전시되었고, 또 하나는 1959년 파리 비엔날레에서 조각상을 수상했다. 그러나 이러한 명성은 그를 헬렌 프랭켄탈러, 케네스 놀랜드, 로버트 마더웰과 같은 미국의 영향력 있는 추상 예술가들과 접촉하게 했다. 그들과의 상호작용은 그의 본능적인 추상화에 대한 추진력을 자극했고, 그의 스타일에 극적인 변화를 주는 자신감을 갖도록 격려했다. 그의 새로운 접근 방식은 1960년 "스물네 시간"에서 처음으로 나타났다. 이 작품의 성공은 그로 하여금 그의 교육 커리큘럼을 근본적으로 개편하게 만들었고, 그를 영국 학계의 아방가르드 최전선에 놓이게 했다.

이른 아침에 (1962)

1963년, 런던의 화이트채플 갤러리에서는 카로의 15개의 추상 조각으로 구성된 개인전이 열렸고, 이 전시는 그를 국제적인 명성으로 이끌었다. 많은 관람객들에게 갤러리의 내부 공간은 마치 건설이 진행 중인 것처럼 보였다—금속 형태들이 외부 껍질을 기다리며 흩어져 있는 듯했다. 다른 형태들 사이에 두드러지게 자리 잡고 있는 것은 "이른 아침에"(1962)라는 제목의 크고 빛나는 빨간색 강철과 알루미늄 조합이었다. 형태, 선, 각선이 만나 이 정의할 수 없는 형태를 만들어냈다: 분명히 지적 결정의 결과이며, 선택이지 우연이 아니다. 이 작품을 바라보는 각 관점은 새로운 가능성을 제공한다. 이것은 다른 구조를 지탱하는 것이 아니라, 단순히 바라보고 꿈꾸는 것을 위한 심오한 여정을 지탱하는 것이다.

옐로우 스윙(1965)

카로가 1959년에 처음으로 미국을 여행했을 때, 그가 맺은 가장 영향력 있는 인연 중 하나는 조각가 데이비드 스미스와의 관계였다. 스미스는 그 당시 이미 용접된 금속으로 작업하고 있는 추상 표현주의자였다. 스미스와 카로는 친구이자 경쟁자가 되었다. 카로는 스미스가 교통사고로 사망한 해인 1965년에 조각 작품 "옐로우 스윙"을 만들었다. 이 작품의 다면적인 특성은 관람자가 주위를 돌아다닐 때 끝없이 다양한 시각적 해석을 가능하게 한다. 빈 공간은 구성에 통합되어 있으며, 때때로 고체 재료에 대한 지각적 권위를 행사한다. 그 생생한 색상 사용은 카로가 한때 언급했던 바와 같이, 그와 그의 동시대 사람들이 인상주의의 정신을 계승하는 자로 여겨질 수 있기를 바라는 열망을 표현한다. 혁신적인 실험적 태도의 수호자들로서.

에마 디퍼(1977)

1977년, 카로는 캐나다 사스카추완의 원격 스튜디오에서 임시로 일하게 되었을 때, 자신이 평소에 사용하던 재료에 접근할 수 없다는 사실을 깨닫고 곤란한 상황에 처하게 되었다. 그래서 그는 지역에서 농업 용도로 사용되는 얇은 금속을 포함하도록 자신의 작업 방식을 조정했다. "엠마 디퍼"(1977)는 그가 이 재료로 만든 첫 번째 조각이다. 이 작품은 그의 스튜디오가 위치한 엠마 호수의 이름을 따서 명명되었다. 이 작품은 조각 자체를 강조하지 않기 때문에 겸손하다고 묘사되었다. 얇은 금속 선들은 작품 내외의 빈 공간에서 형성되는 형태보다 뒤로 물러난다. 이 조각은 용기가 단지 비어 있는 형태일 뿐이라는 도교의 수수께끼의 정수를 나타내는 것과 같다. 그러나 우리가 유용하다고 여기는 것은 그 안의 공허함이다.

특집 이미지: 서 Anthony 카로 - 엠마 디퍼, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. 페인팅 스틸 컬렉션. 바포드 조각품 유한회사 제공.

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필립 Barcio