Anthony 카로의 주목할 만한 조각 5점

2013년에 세상을 떠났을 때, Anthony Caro는 그의 세대에서 가장 영향력 있는 영국 조각가로 여겨졌습니다. 그의 영향력은 작품뿐만 아니라 교육에서도 비롯되었습니다. 1953년부터 1981년까지 주 2일 런던의 세인트 마틴 미술학교에서 가르쳤습니다. 그곳에서 그의 주요 혁신 중 하나는 조각과 드로잉 수업을 결합하여, 수업의 초점을 대상을 모방하는 것에서 “이해하는 것”으로 바꾼 점이었습니다. 같은 관점이 그의 예술가로서의 작업에도 반영되었습니다. 초기에는 조각을 실물을 보고 모방했습니다. 초기 작품들은 주로 점토로 빚거나 돌을 조각했으며, 전통적인 방식으로 받침대 위에 올려놓았습니다. 그러나 1960년에 갑자기 금속으로 만든 비구상 추상 조각으로 전환하여 바닥에 직접 놓기 시작했습니다. 이 작품들이 환경과 분리되어 있다고 인식하는 대신, 관람객들은 작품과 연결되어 있다고 느꼈고, 작품 주위를 걸으며 움직임에 따라 변화하는 모습을 감상할 수 있었습니다. 대상을 이해하고 추상적 본질을 표현하려는 그의 목표는 또한 작품에 발견된 물건과 재료를 사용해야 한다는 결론에 이르게 했습니다. 그는 이것들이 현대 일상생활의 사물이며, 그 안에 담긴 내재적 의미가 현대 관람객에게 많은 메시지를 전달한다고 생각했습니다. 예술가로서의 그의 진화는 일상생활에서 기성품을 조립해 조각으로 만든 마르셀 뒤샹과, 그 개념을 확장해 공간과 인간 관계를 재정의하는 대규모 지각적 경험을 창조하는 현대 예술가 제시카 스톡홀더 사이의 완벽한 다리 역할을 했습니다. Caro가 남긴 유산은 끊임없는 창조의 연속이며, 여기 그의 가장 주목할 만한 다섯 작품이 있습니다:

잠에서 깨어나는 여자 (1955)

Caro는 런던 왕립미술학교에서 자연을 관찰하며 조각을 배웠습니다. 그는 그리스, 로마, 에트루리아 예술가들의 조각을 직접 모방하도록 교육받았습니다. 졸업 후 런던에서 허트퍼드셔로 이사한 그는 현대주의 생물형태 조각가이자 위대한 헨리 무어에게 무작정 전화를 걸어 스튜디오 조수 자리를 요청했습니다. 무어는 거절했지만 6개월 후 다시 오라고 했고, Caro는 돌아와서 일자리를 얻었습니다. 무어에 대한 존경에도 불구하고 Caro는 학문적 훈련과 무어의 영향 사이에서 갈등을 겪었습니다. 1956년 첫 개인전을 열었을 때, 이 두 가지 영향이 특히 가장 화제가 된 조각 “잠에서 깨어나는 여자” (1955)에서 뚜렷이 드러납니다. 여성의 자세는 무어가 조각한 누운 여성 형상과 닮았으며, 작품의 영웅적 신체적·감정적 특성은 고전적 참조를 떠올리게 합니다.

스물네 시간 (1960)

독창적인 목소리를 찾기 위한 내적 갈등에도 불구하고, Caro가 만든 구상 조각들은 대중에게 좋은 반응을 얻었습니다. 한 작품은 1958년 베니스 비엔날레에 전시되었고, 다른 작품은 1959년 파리 비엔날레에서 조각상을 받았습니다. 그러나 이 명성은 미국의 영향력 있는 추상 예술가들, 예를 들어 헬렌 프랭켄탈러, 케네스 놀랜드, 로버트 마더웰과의 교류를 가져왔습니다. 이들과의 만남은 그의 본능적인 추상화 욕구를 자극했고, 스타일에 극적인 변화를 줄 자신감을 심어주었습니다. 그의 새로운 접근법은 1960년 “스물네 시간”에서 처음 나타났으며, 이 작품의 성공은 그의 교육 과정을 급진적으로 개편하게 했고, 그를 영국 학문적 전위의 선두에 세웠습니다.

이른 아침 (1962)

1963년 런던 화이트채플 갤러리에서 Caro의 15점 추상 조각 개인전이 열렸고, 이 전시가 그를 국제적 명성으로 이끌었습니다. 많은 관람객에게 갤러리 내부 공간은 마치 공사가 진행 중인 듯 보였으며, 금속 형태들이 외피를 기다리며 흩어져 있는 듯했습니다. 그 중 눈에 띄는 것은 “이른 아침” (1962)이라는 제목의 크고 빛나는 빨간색 강철과 알루미늄 조립 작품이었습니다. 형태, 선, 각도가 만나 이 정의할 수 없는 형상을 만들었으며, 명백히 지적인 결정의 결과였습니다; 우연이 아닌 선택이었습니다. 작품을 보는 각도마다 새로운 가능성이 열립니다. 이 작품은 다른 구조를 지지하는 받침대가 아니라, 단순히 바라보고 꿈꾸는 신비로운 여정을 위한 지지대입니다.

노란 그네 (1965)

1959년 처음 미국을 방문했을 때, Caro가 맺은 가장 영향력 있는 인연 중 하나는 이미 용접 금속 작업을 하던 추상 표현주의 조각가 데이비드 스미스와의 만남이었습니다. 스미스와 Caro는 친구이자 경쟁자가 되었습니다. Caro는 스미스가 자동차 사고로 사망한 해인 1965년에 “노란 그네”를 만들었습니다. 이 작품의 다층적 특성은 관람객이 작품 주위를 움직일 때 끝없이 다양한 시각적 해석을 가능하게 합니다. 빈 공간이 구성에 포함되어 때로는 견고한 재료보다 지각적 권위를 행사합니다. 생생한 색채 사용은 Caro가 한때 언급한, 자신과 동시대 예술가들이 인상주의 정신의 계승자, 즉 혁명적 실험 정신의 수호자라는 바람을 표현합니다.

엠마 디퍼 (1977)

1977년, Caro는 임시로 작업하러 간 캐나다 서스캐처원 외딴 스튜디오에서 평소 사용하는 재료를 구할 수 없다는 곤란한 상황에 처했습니다. 그래서 그는 현지에서 농업용으로 사용되는 얇은 금속을 작업에 도입하는 방식으로 작업 방식을 조정했습니다. 위에 소개된 “엠마 디퍼” (1977)는 이 재료로 만든 첫 조각입니다. 작품명은 그의 스튜디오가 있던 엠마 호수에서 따왔습니다. 이 작품은 조각 자체를 강조하지 않아 겸손하다고 평가받습니다. 얇은 금속 선들은 작품 안팎의 빈 공간이 만들어내는 형태에 밀려 뒷전으로 물러납니다. 이 조각은 용기는 단지 빈 형태일 뿐이지만, 그 안의 빈 공간이 유용하다는 도가(도교) 수수께끼의 정수를 보여줍니다.

대표 이미지: Sir Anthony Caro - 엠마 디퍼, 1977. 2130 x 1700 x 3200 mm. 채색 강철 소장품. Barford Sculptures Ltd 제공

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다

필립 Barcio 작성