수집할 수 있는 구아슈 아트를 발견하세요

우리는 이전에 구아슈 아트에 대해 글을 썼으며, 추상화와 관련된 그 풍부한 역사와 전통을 탐구했습니다. 구아슈는 여러 다른 매체의 가장 바람직한 특성을 결합한 다재다능한 페인트 매체입니다. 구아슈는 유화처럼 불투명할 수 있지만 아크릴처럼 빠르게 마릅니다. 수채화처럼 물로 활성화되므로 마른 후에도 쉽게 재활성화할 수 있지만, 반드시 투명하지 않기 때문에 생생한 색조 면에서 수채화를 능가합니다. 구아슈는 사용하기 편리하고 청소하기도 쉬워 초보자가 배우기에 용이합니다. 그럼에도 불구하고 그 단순성에도 불구하고 구아슈의 미묘함과 추상적 가능성은 화가가 진정으로 마스터하는 데 평생이 걸릴 수 있으며, 구아슈 아트를 감상하는 관객이 완전히 이해하는 데도 마찬가지입니다.

구아슈 아트 수집

많은 중요한 20세기 추상 화가들이 구아슈를 사용했습니다. 아그네스 마틴은 구아슈가 건조된 후 다른 매체인 잉크와 그래파이트로 그릴 수 있는 특성을 가지고 있기 때문에 좋아했습니다. 알렉산더 칼더는 구아슈의 즉각성과 그가 만들어낸 색상의 생동감 때문에 구아슈를 소중히 여겼습니다. 그리고 마티스는 구아슈를 사용하여 그의 가장 유명한 작품인 아이코닉한 컷아웃, 즉 그가 암 진단을 받은 70대에 만든 밝고 다채로운 추상 콜라주를 만들었습니다.

오늘날 현대 예술가들은 지난 세기 거장들이 그랬던 것처럼 여러 가지 이유로 작업에 구아슈를 활용합니다: 그 화려한 색상, 사용의 용이성, 표면과 관객에게 즉각적인 영향을 미치는 점, 그리고 사색을 불러일으키는 층을 쌓을 수 있는 능력 때문입니다. IdeelArt에서 우리가 대표하는 여러 현대 추상 예술가들이 그들의 작품에 구아슈를 통합했습니다. 구아슈 예술을 사랑하거나 수집하는 분이라면, 이들 예술가와 그들의 작품 예시를 소개합니다:

Joanne Freeman

Joanne Freeman의 구아슈 작품은 100% 면 섬유로 만들어진 전통적인 천연 종이인 수제 인도 카디 종이에 그려졌습니다. 그녀의 구성은 하드 엣지 기하학과 유기적 제스처의 조합을 전달합니다. 이들은 부분적으로는 통제에 기반하고 부분적으로는 즉흥성에 기반한 과정의 결과입니다. 그녀는 하드 엣지를 얻기 위해 영역을 테이프로 가리고, 그 후 즉흥적으로 이미지를 발전시킵니다. 구아슈의 특정 특성은 Freeman이 명확하고 생생한 색상의 언어로 물리성과 감정을 전달할 수 있게 합니다. 여기 보여지는 두 작품은 그녀의 커버 시리즈의 일부로, 중세기 앨범과 페이퍼백 책 표지의 간소화된 미학을 참조합니다.

Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. Gouache on handmade Khadi paper. 13 x 13 in

Jean Feinberg

Jean Feinberg는 색상 관계가 재료와 공간과 상호작용하는 방식을 탐구하기 위해 다양한 재료와 매체를 활용합니다. 그녀는 종종 발견한 종이와 함께 구아슈 작품을 구성하며, 일본 종이 위에 페인트와 콜라주 요소를 쌓아 올립니다. 이러한 층이 쌓인, 공기 같은 작품은 Feinberg가 스튜디오 전역에서 수집한 수많은 다채로운 스크랩 종이 조각으로 시작됩니다. 스크랩 종이는 색상 팔레트를 형성하고 구성 내의 형태와 선을 안내하여 감정과 자연의 힘을 탐구하는 방향으로 나아갑니다.

Jean Feinberg - Open Heart, 2015. Gouache and collage on Japanese paper. 24.8 x 18.5 in

Ellen Priest

재즈 음악은 Ellen Priest에게 중요한 영향을 미칩니다. 그녀의 크고 입체적인 추상 콜라주는 벨룸에 수채화로 직관적으로 그린 소규모 연구에서 시작됩니다. Priest는 이러한 연구를 재즈 작곡과의 시각적 만남이라고 부릅니다. 그녀의 재즈 쿠바노 시리즈에서는 수채화가 평면적인 느낌을 주며, 색상의 강도가 활동적인 흰색 공간과 상호작용하여 입체감을 만들어내고, 여름 해변에서의 빛, 물, 공기 및 공간의 감각을 모방합니다.

Ellen Priest - 재즈 쿠바노 #5 전면 연구, 2013. 유니크. 구아슈, 종이에. 106.7 x 106.7 cm

Tracey Adams

그녀의 패널 위의 그림처럼, Tracey Adams가 2016년부터 만들어온 구아슈와 종이 작품들은 조직성과 자발성이 만나는 지점을 탐구합니다. 각 구아슈 작품에서 Adams는 제한된 색상 팔레트나 특정한 신체 제스처의 어휘와 같은 특정한 엄격한 매개변수를 설정합니다. 그 틀 안에서 그녀는 구아슈, 잉크, 콜라주를 조합하여 본능적으로 구성을 만들어냅니다.

Tracey Adams - Music is a Means of Rapid Transportation, 2016. Collage, ink and gouache on Arches paper. 29.9 x 22 in

Elizabeth Gourlay

Elizabeth Gourlay의 그림은 은유적 의미가 풍부하다. 층이 있는 색상과 다양한 매체를 사용하여, 그것들은 지적이고 외부적인 요소에 대한 내면의 감정적 반응에서 나타난다. 그녀의 부서진 선 구아슈 그림은 이탈리아 움브리아에서 보낸 시간 동안 마주한 자연과 건축 환경에 대한 반응으로 Gourlay가 만든 더 큰 작품 시리즈의 일부이다.

Elizabeth Gourlay - Broken Line B, 2014. Graphite and gouache on vellum. 8.7 x 8.7 in

Margaret Neill

에너지와 신체성이 Margaret Neill의 서정적인 그림에서 발산됩니다. 패턴이 나타났다 사라지고; 유기적인 신체적 제스처가 기하학적 공간과 뒤섞이며; 복잡한 것들 속에서 평온함과 조화의 감각이 존재합니다. Neill은 시리즈로 작업하는 경향이 있으며, 그녀가 특정한 형식적 개념이라고 부르는 것을 탐구하다가 아이디어가 스스로 해결되었다고 느낄 때까지 작업합니다. 그녀의 Groove 시리즈는 뱀처럼 구불구불한 형태의 층을 포함하고, Switchback 시리즈는 반투명하고 불투명한 타원형 형태의 조합을 탐구합니다.

Margaret Neill - Groove 2, 2005. Acrylic and gouache on paper. 22.8 x 22 in

Tom McGlynn

Tom McGlynn의 작품은 그가 "사회적 추상"이라고 부르는 현대 환경에 대한 반응으로, 예를 들어 간판과 로고에서 흔히 볼 수 있는 보편적인 시각적 구성 요소를 포함합니다. 그는 이러한 추상의 본질을 시적으로 해석하여 관객과 본능적인 수준에서 연결되는 작품을 만듭니다. 그는 아크릴 페인트와 구아슈를 조합하여 농축되고 생생한 색상 팔레트를 달성하며, 그의 구성을 가장 순수한 상태로 단순화합니다. McGlynn은 그의 데칼 시리즈를 “일종의 아플리케 문화, 색상과 형태의 비체화된 현상학”을 언급한다고 설명하며, 그의 테스트 패턴 시리즈는 그가 "기계적 눈의 색상 보정 테스트"라고 부르는 것을 참조합니다.

Tom McGlynn - Decal (Two Yellow Bars Over Red on Blue), 2014. Acrylic/gouache on wood. 23.6 x 29.9 in

특집 이미지: Tom McGlynn - 아코마 1, 2012. 유니크. 아크릴/구아시 온 우드. 60.9 x 76.2 cm
필립 Barcio