수집할 수 있는 구아슈 아트를 발견하세요
우리는 이전에 구아슈 미술에 대해 글을 쓴 적이 있으며, 추상미술과 관련된 그 풍부한 역사와 전통을 탐구했습니다. 구아슈는 여러 다른 매체의 가장 바람직한 특성들을 결합한 다재다능한 물감 매체입니다. 구아슈는 유화처럼 불투명할 수 있지만 아크릴처럼 빠르게 마릅니다. 수채화처럼 물로 활성화되기 때문에 마른 후에도 쉽게 다시 활성화할 수 있지만, 반드시 반투명하지 않기 때문에 수채화보다 더 생생한 색조를 자랑합니다. 구아슈는 사용하기 편리하고 정리도 쉬워 초보자가 배우기에 적합합니다. 그러나 그 단순함에도 불구하고, 구아슈의 미묘함과 추상적 가능성은 화가가 진정으로 숙달하는 데 평생이 걸릴 수 있으며, 구아슈 미술을 감상하는 이가 완전히 이해하는 데도 시간이 필요합니다.
구아슈 미술 수집하기
많은 중요한 20세기 추상 화가들이 구아슈를 사용했습니다. 아그네스 마틴은 구아슈가 마른 후에도 잉크나 흑연 같은 다른 매체로 그릴 수 있는 특성 때문에 좋아했습니다. 알렉산더 칼더는 구아슈의 즉각성과 그가 만들어내는 색상의 선명함을 높이 평가했습니다. 마티스는 암 진단을 받은 70대에 만든 그의 상징적인 밝고 다채로운 추상 콜라주인 컷아웃 작품을 제작할 때 구아슈를 사용했습니다.
오늘날 현대 미술가들도 지난 세기의 거장들이 그랬던 것과 같은 이유로 구아슈를 작품에 활용합니다: 빛나는 색상, 사용의 용이성, 표면과 관람자에게 즉각적인 영향, 그리고 사색을 불러일으키는 층층의 능력 때문입니다. IdeelArt에서 소개하는 여러 현대 추상 미술가들이 구아슈를 작품에 포함시켰습니다. 구아슈 미술을 사랑하거나 수집하는 분들을 위해, 이들 작가와 그들의 작품 예시를 소개합니다:
Joanne Freeman
Joanne Freeman의 구아슈 작품은 100% 면 섬유로 만든 전통적인 인도산 라그지 종이인 수제 카디 종이에 그려집니다. 그녀의 구성은 단단한 모서리의 기하학과 유기적인 제스처가 결합된 형태를 전달합니다. 이 과정은 부분적으로는 통제에, 부분적으로는 즉흥에 기반합니다. 그녀는 단단한 모서리를 만들기 위해 특정 부분을 테이프로 막고, 그 후 즉흥적으로 이미지를 발전시킵니다. 구아슈의 특정 특성 덕분에 Freeman은 명확하고 생생한 색상의 언어로 물리성과 감정을 전달할 수 있습니다. 여기 보여진 두 작품은 중간 세기 음반과 페이퍼백 책 표지의 절제된 미학을 참조한 Covers 시리즈의 일부입니다.
Joanne Freeman - Covers 13-Purple, 2014. 수제 카디 종이에 구아슈. 13 x 13 인치
Jean Feinberg
Jean Feinberg은 다양한 재료와 매체를 활용하여 색상 관계가 재료와 공간과 어떻게 상호작용하는지 탐구합니다. 그녀는 종종 구아슈 작품을 발견한 종이와 함께 구성하며, 일본 종이 위에 물감과 콜라주 요소를 쌓아 올립니다. 이 층층이 쌓인 몽환적인 작품들은 Feinberg가 작업실 곳곳에서 수집한 수많은 다채로운 조각 종이에서 시작됩니다. 이 조각 종이는 색상 팔레트를 형성하고 구성 내의 형태와 선을 안내하며, 감정과 자연의 힘을 탐구하는 데 기여합니다.
Jean Feinberg - Open Heart, 2015. 일본 종이에 구아슈와 콜라주. 24.8 x 18.5 인치
Ellen Priest
재즈 음악은 Ellen Priest에게 중요한 영향입니다. 그녀의 크고 입체적인 추상 콜라주는 구아슈로 직관적으로 벨럼 종이에 그린 소규모 연구작에서 시작됩니다. Priest는 이 연구작들을 재즈 작곡과의 시각적 만남이라고 부릅니다. 그녀의 Jazz Cubano 시리즈에서 구아슈 물감은 평평한 느낌을 주며, 색상의 강렬함이 활발한 흰 공간과 상호작용하여 입체감을 만들어내어 해변의 여름날 빛, 물, 공기, 공간의 감각을 모방합니다.
Ellen Priest - Jazz Cubano #5 전면 연구작, 2013. 유일작. 종이에 구아슈. 106.7 x 106.7 cm
Tracey Adams
판넬에 그린 그림과 마찬가지로, Tracey Adams가 2016년부터 제작해온 구아슈와 종이 작품들은 조직과 즉흥의 만남을 탐구합니다. Adams는 각 구아슈 작품마다 제한된 색상 팔레트나 특정 신체적 제스처 어휘 같은 엄격한 기준을 설정합니다. 그 틀 안에서 그녀는 구아슈, 잉크, 콜라주를 조합해 본능적으로 구성을 만듭니다.
Tracey Adams - 음악은 빠른 이동 수단이다, 2016. 아르쉬 종이에 콜라주, 잉크, 구아슈. 29.9 x 22 인치
Elizabeth Gourlay
Elizabeth Gourlay의 그림은 은유적 의미가 풍부합니다. 층층이 쌓인 색상과 다양한 매체를 사용하여 지적이고 외부적인 요소에 대한 내면의 감정적 반응에서 비롯됩니다. 그녀의 Broken Line 구아슈 작품들은 Gourlay가 이탈리아 움브리아에서 머무는 동안 만난 자연과 건축 환경에 반응하여 만든 더 큰 시리즈의 일부입니다.
Elizabeth Gourlay - Broken Line B, 2014. 벨럼에 흑연과 구아슈. 8.7 x 8.7 인치
Margaret Neill
Margaret Neill의 서정적인 그림에서는 에너지와 물리성이 뿜어져 나옵니다. 패턴이 나타났다가 사라지고, 유기적인 신체 제스처가 기하학적 공간과 뒤섞이며, 복잡한 가운데 평온과 조화가 존재합니다. Neill은 특정한 형식적 개념을 탐구하는 시리즈 작업을 선호하며, 그 아이디어가 해결되었다고 느낄 때까지 작업합니다. 그녀의 Groove 시리즈는 뱀 같은 형태의 구불구불한 층을 포함하고, Switchback 시리즈는 반투명과 불투명한 타원형 형태의 조합을 탐구합니다.
Margaret Neill - Groove 2, 2005. 종이에 아크릴과 구아슈. 22.8 x 22 인치
Tom McGlynn
Tom McGlynn의 작품은 그가 “사회적 추상”이라고 부르는 현대 환경 속의 흔한 시각적 구성, 예를 들어 간판과 로고에서 흔히 볼 수 있는 것들에 반응합니다. 그는 이러한 추상의 본질을 시적으로 해석하여 관람자와 본능적으로 연결되는 작품을 만듭니다. 그는 아크릴 물감과 구아슈를 조합하여 집중되고 선명한 색상 팔레트를 구현하며, 구성을 가장 순수한 상태로 단순화합니다. McGlynn은 자신의 Decal 시리즈를 “일종의 아플리케 문화, 색과 형태의 분리된 현상학”이라고 설명하며, Test Pattern 시리즈는 “기계적 눈의 색상 보정 테스트”를 참조한다고 말합니다.
Tom McGlynn - Decal (파란색 위 빨간색에 노란색 두 줄), 2014. 나무에 아크릴/구아슈. 23.6 x 29.9 인치
대표 이미지: Tom McGlynn - Acoma 1, 2012. 유일작. 나무에 아크릴/구아슈. 60.9 x 76.2 cm
필립 바르치오 작품
