따라야 할 추상 사진작가들
추상 사진은 디지털 카메라의 발명 이후, 특히 카메라가 휴대기기와 결합된 이후로 크게 발전했습니다. 추상 사진가들은 실험을 요구하는 형태로 작업합니다. 그러나 암실 시절, 한 장의 네거티브를 현상하는 데 시간과 비용, 화학약품이 필요했던 때에는 추상 사진에 투자하는 것이 대부분의 예술가들에게 너무 큰 부담이었습니다. 그리고 그 형태의 가능성을 탐구하려는 이들에게도 대중의 인식은 드물었습니다. 하지만 이제 실험은 비교적 저렴해졌습니다. 가장 저렴한 휴대폰을 구할 수 있는 사람이라면 누구나 무한히 많은 사진을 찍을 수 있습니다. 시각 문화가 사진으로 넘쳐나면서 심지어 일반 미술 감상자들도 사진 추상이 무엇인지 기본적으로 이해하게 되었습니다. 오늘날 우리는 모두 사진가이며, 우연히라도 때때로 추상적인 사진을 찍습니다. 따라서 현대 추상 사진이 나아갈 더 높은, 더 세밀한 정의를 발전시켜야 할 책임은 예술가들에게 있습니다; 지성과 마음, 자원을 온전히 예술 발전에 바치는 이들에게 말입니다. 여기 우리가 주목할 만한 현대 추상 사진가 열 명을 소개합니다:
제시카 이튼
캐나다 출신 사진가 제시카 이튼의 추상 사진은 디지털 과정을 통해 만들어진 것처럼 보입니다. 그러나 실제로는 전통적인 예술적 노동을 통해 탄생합니다. 이튼은 자신이 “아름답고 눈에 띄지 않는 형태”라고 부르는 큐브와 구체 같은 물체를 만들고, 이를 회색으로 칠합니다. 그런 다음 같은 네거티브에 여러 번 촬영하는데, 매번 렌즈 위에 새로운 색 분리 필터를 씌웁니다. 그 결과물은 겹쳐진 추상 형태로 가득한 층층이 쌓인 입체 공간을 보여줍니다. 그녀가 단순한 형태를 반복적으로 사용하는 것은 솔 르윗의 말에서 영감을 받아 “형태의 재생산은 개념을 강화할 뿐이다”라는 생각에 주목하게 하기 위함입니다.
제시카 이튼 - cfaal 260, 2012. © 제시카 이튼 (왼쪽) / 제시카 이튼 - cfaal 115, 2011. © 제시카 이튼 (오른쪽)
바바라 로젠탈
멀티미디어 예술가 바바라 로젠탈은 자신의 사진을 추상이라고 부르지 않습니다. 대신 개념적이고 초현실적이라는 말을 사용합니다. 그녀의 사진은 관람자에게 심리적 영향을 주기 위해 의도되었습니다. 예술 그 자체로서 고려할 때, 그녀의 작품은 독특한 미적 영역을 차지합니다. 로젠탈은 종종 극단적인 명암 대비 효과를 사용하여 주변의 어둠이 인지 가능한 내용만큼 중요하게 여겨지는 기하학적 구성을 만듭니다. 이는 인지 가능한 이야기의 가치에 대한 의문을 제기합니다. 그녀의 사진 합성 작품은 또한 기하학, 선과 공간의 형식적 개념을 탐구하며, 기억, 문화, 신화와 같은 주제와도 교차합니다.
바바라 로젠탈 - 두 개의 개념 사진. © 바바라 로젠탈
일린 퀸란
보스턴 출신 일린 퀸란은 자신이 추상 정물 사진이라고 부르는 작품을 만듭니다. 그녀는 스튜디오에서 다양한 재료와 표면으로 복잡하고 입체적인 풍경을 구성한 뒤 이를 촬영합니다. 그 결과물은 질감, 형태, 공간, 색의 관계를 탐구합니다. 그녀는 빛과 물질성을 사용해 생동감 있는 이미지를 만들지만, 디지털 보정은 하지 않고 암실 조작과 같은 아날로그 기술을 선호하여 아이디어를 완성합니다.
일린 퀸란 - 그레이트 베이신, 2012. 젤라틴 실버 프린트. © 일린 퀸란 (왼쪽) / 일린 퀸란 - 블랙 프라이데이, 2011. 크로모제닉 컬러 프린트. © 일린 퀸란 (오른쪽)
바바라 카스텐
초기 근대주의 사상은 추상 사진가 바바라 카스텐에게 영감을 줍니다. 그녀는 스튜디오에서 건축적 구성을 만들며, 기하학적 물체와 거울을 배치해 색, 선, 형태, 공간이 네오플라스티시즘이나 데 스틸을 연상시키는 시각 언어로 결합되도록 합니다. 빛과 그림자를 능숙하게 조작하여 2차원과 3차원 공간에 대한 시각적 인식을 도전하는 사진을 만듭니다.
바바라 카스텐 - Construct VI-B, 1981. 폴라로이드. © 바바라 카스텐
리즈 데셰네스
리즈 데셰네스의 작품은 사진이 무엇일 수 있는지에 대한 본질적인 질문을 던집니다. 그녀는 대부분의 관람자가 전통적으로 생각하는 사진을 만들지 않습니다. 대신 화학적 과정을 사용하여 손으로 화학약품을 표면에 바르고, 화학 반응이 날씨와 주변 빛에 따라 표면에 노출을 만듭니다. 그녀는 빛이 건축 공간의 형태와 상호작용하는 방식, 그리고 빛이 색의 인식에 미치는 영향을 탐구합니다.
리즈 데셰네스의 일부 작품 설치 전경
고트프리트 예거
독일 사진가 고트프리트 예거는 추상 사진에 관한 책을 여러 번 쓴 바 있습니다. 1937년생인 예거는 그의 책, 강의, 수업, 방대한 작품을 통해 여러 세대의 예술가들에게 영향을 미쳤습니다. 바우하우스 사상에 깊이 영향을 받아 실험 사진에서 새로운 길을 개척하며 현대 문화와의 관련성을 발견하고 확장하는 방법을 모색해왔습니다.
고트프리트 예거 - Pinhole Structure 3814 C 25 (카메라 옵스큐라 작업), 1967. © 고트프리트 예거
왈레드 베쉬티
런던 출신 예술가 왈레드 베쉬티는 사진을 포함한 다양한 미적 경로를 활용해 보이는 것과 보이지 않는 힘 사이에서 우연히 일어나는 협력에 대한 관심을 탐구합니다. 그의 추상 사진은 여러 형태를 띠었습니다. 한 시리즈에서는 노출되지 않은 필름을 짐 속에 숨겨 보안 검색 시 엑스레이에 노출되게 하여 유령 같은 단색 사진을 만들었습니다. 또 다른 시리즈에서는 추상 사진 선구자 라즐로 모홀리-나기의 아이디어를 재해석하여 구겨진 사진지를 빛에 노출시켜 추상 이미지를 만드는 방법을 탐구했습니다.
왈레드 베쉬티의 투명 사진. © 왈레드 베쉬티 (왼쪽) 및 그의 구겨진 포토그램 예시. © 왈레드 베쉬티 (오른쪽)
프랑코 폰타나
1960년대부터 이탈리아 사진가 프랑코 폰타나는 일상 속에 감춰진 추상을 찾아내고 드러내왔습니다. 그의 생생한 추상 사진은 자연, 건축, 그리고 현대 물리적 세계의 다양한 측면을 정밀하게 구성합니다. 그의 아스팔트 사진은 작업자, 날씨, 시간의 흔적으로 변형된 거리의 특별한 부분을 분리하여 색, 선, 형태 연구로 탈바꿈시킵니다. 그의 추상 풍경은 눈을 놀라게 하는 빛남으로 순간순간 자연에서 드러나는 무형의 추상을 보여줍니다.
프랑코 폰타나 - 아스팔트. © 프랑코 폰타나
롤프 아모트
노르웨이 예술가 롤프 아모트는 자신을 음조 이미지 작곡가라고 부릅니다. 그는 레이저 회화, 디지털 사진, 전통적인 화학 사진 기법을 실험해왔습니다. 디지털 포토페인팅에서는 시각 영역 내에 공간을 만드는 덧없는 색채 구성을 창조하려 노력합니다.
롤프 아모트 - 인도로의 귀환, 2002-2003. 디지털 포토페인팅. © 롤프 아모트
실비오 울프
이탈리아 예술가 실비오 울프는 실험과 사진 이미지 제작 과정의 한계를 확장하는 데 관심이 있습니다. 그는 사진의 다양한 요소를 탐구하는 독특한 작품들을 많이 제작했습니다. 그의 대표작은 호라이즌 시리즈입니다. 이 작품들에서는 필름 롤의 앞부분, 즉 사진가가 필름을 카메라에 장전할 때 불가피하게 노출되는 부분을 사용했습니다. 보통 사진 과정에서 버려지는 이 부분들을 그는 반투명한 색과 빛, 완전한 어둠 사이의 빛나는 마법 같은 환경에 존재하는 초월적 추상 색면으로 변모시켰습니다.
실비오 울프 - 호라이즌 14 – 노랑, 2002. © 실비오 울프 (왼쪽) / 실비오 울프 - 호라이즌 13 – 빨강, 2002. © 실비오 울프 (오른쪽)
대표 이미지: 고트프리트 예거 - 그라데이션 (세부), 1983, 아그파 브로비라 112에 인화한 32점의 독특한 젤라틴 실버 프린트. © 고트프리트 예거
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio
