예술이 액자를 떠날 때: 예술가의 대상이 지닌 고귀함

주요 예술가들의 양탄자, 접이식 스크린, 도자기, 태피스트리가 어떻게 박물관급 수집품이 되었는지, 그리고 하나를 집에 들이기 전에 알아야 할 점들.

1911년, 소니아 들로네는 갓 태어난 아들의 요람을 위해 조각보 담요를 만들었습니다. 어린 시절 우크라이나 농가에서 보았던 퀼트를 떠올리며, 분홍색, 크림색, 녹색, 자주색의 불규칙한 천 조각들을 모아 조합했습니다. 결과물은 너무 인상적이어서 나중에 액자에 넣어 Couverture de berceau라는 제목으로 전시했습니다. 이 작은 담요는 그녀가 구상에서 추상으로 결정적으로 전환한 작품이었으며, 곧 로베르와 함께 발전시킬 오르피즘 운동을 예고했습니다. 이 운동은 아폴리네르가 명명했으며 순수 색채의 리드미컬한 상호작용에 기반을 두고 있습니다. 겸손하고 실용적인 이 물건은 카지미르 말레비치가 그의 유명한 검은 사각형을 그리기 훨씬 전부터 완전히 새로운 회화 언어의 길을 제시했습니다.

소니아 들로네 - 아기 요람 덮개 - 1911년

수십 년 후인 1958년 10월, 마르크 샤갈은 제네바 호수 근처 친구 집에 머물고 있었습니다. 그들의 집에는 피에르 보나르의 놀라운 접이식 스크린 Promenade des nourrices, frise des fiacres(1894-97)이 있었습니다. 다섯 가지 색상의 4패널 석판화로, 나비파 시기의 걸작이었습니다. 샤갈은 며칠 동안 이 작품과 함께 지냈습니다. 이 예술 작품은 더 이상 벽에 고정된 평면 창이 아니었습니다: 접히고, 스스로 서며, 공간을 나누었습니다. 순수 예술과 가정용 가구 사이의 이러한 투과성에 매료된 샤갈은 자신만의 접이식 스크린을 구상하기 시작했습니다. 완성까지 거의 5년의 세심한 작업이 걸렸고, 1963년에 석판화로 완성되었습니다.

마르크 샤갈 - 파라벤트 - 1963년

그러나 이러한 기초적인 순간들에도 불구하고, 예술의 역사는 오랫동안 지속된 위계적 반사를 지니고 있었습니다: "순수 예술"(회화, 조각, 건축)과 "응용 예술"(가구, 양탄자, 도자기, 보석)의 엄격한 분리입니다. 오랫동안 예술 작품이 유용해지는 순간, 시장은 그것을 '공예'나 '부수 상품'이라는 하위 지위로 격하했습니다.

하지만 이 위계는 학문적 구성물일 뿐입니다. 예술가의 사물은 캔버스의 상업적 희석물이 아닙니다. 그것은 창조가 끊임없이 틀의 폭정을 벗어나 물리적이고 일상적인 세계에 거주하려는 증거입니다.

바우하우스 반란: 가구가 순수 예술이 되었을 때

예술과 사물 사이의 경계를 의도적으로 파괴하는 것은 1919년에 공식적으로 규정되었습니다. 독일 바이마르에서 건축가 발터 그로피우스는 바우하우스 학교의 창립 선언문을 발표하며 이렇게 선언했습니다: "장인과 예술가 사이에 거만한 장벽을 세우는 계급 구분 없이 새로운 장인 조합을 만들자."

바우하우스와 같은 시기 활동한 러시아 구성주의자들(예: 류보프 포포바와 바르바라 스테파노바)에게 예술과 공예의 분리는 부르주아적이고 퇴폐적인 개념이었습니다. 그들의 철학적 목표는 사회를 근본적으로 변화시키는 것이었고, 이를 위해 예술은 박물관의 조용하고 무균한 공간에만 머물러서는 안 되었으며 일상생활에 스며들어야 했습니다. 의자, 찻주전자, 태피스트리 또는 섬유 패턴을 회화와 같은 기하학적이고 개념적인 엄격함으로 디자인하는 것은 그들에게 최고의 예술 행위였습니다. 이것이 바로 Gesamtkunstwerk, 즉 '총체 예술 작품'을 추구하는 것이었습니다.애니 알버스 - Black-White-Yellow (세부) - 1926년

애니 알버스 같은 예술가들을 통해 직조와 섬유 디자인은 '여성의 가사 노동'에서 엄격하고 아방가르드한 예술 형식으로 격상되었으며, 베틀이 이젤만큼 지적으로 요구되는 작업이 될 수 있음을 증명했습니다.

전후의 놀이터: 피카소의 도자기와 칼더의 태피스트리

제2차 세계대전 이후, 20세기의 위대한 거장들 중 일부는 이념적 의무감 때문만이 아니라 새로운 재료를 탐구하려는 순수하고 장난기 어린 열망에서 실용적인 물건들에 눈을 돌렸습니다.

1946년 7월, 파블로 피카소는 프랑스 남부 발로리스에 있는 마두라 도예 작업장을 방문했고, 그곳에서 수잔과 조르주 라미에가 그를 환영했습니다. 그는 세 점의 작은 작품을 제작했고, 다음 해 여름에 다시 방문했으며, 1947년부터는 20년 동안 3,500점 이상의 도자기 작품을 제작하는 끊임없는 도자기 모험을 시작했습니다. 그는 단순히 주말 취미로 도자기를 만든 것이 아니라, 매체를 전복시키며 접시에 얼굴을 그려 점토의 3차원 곡선이 미노타우로스나 여성의 광대뼈가 되도록 했습니다. 피카소에게 도자기는 그의 예술을 주방과 식당으로 가져오는 방법이자, 손으로 직접 만지며 즐길 수 있는 촉각적 기쁨이었습니다.

1948년경 발로리스의 마두라 작업장에서 작업 중인 파블로 피카소

마찬가지로, 위대한 키네틱 조각가 알렉산더 칼더는 단순히 모빌만 만든 것이 아닙니다. 그는 망치로 두드린 황동과 은선으로 정교하고 아방가르드한 보석을 디자인했으며, 오브송과 나중에는 니카라과의 장인 직조공들과 협력하여 대담하고 원색적인 기하학적 형태를 거대한 태피스트리와 러그로 옮겼습니다.

건축가 르 코르뷔지에는 이 특정 매체를 옹호하며 1949년에 뮤랄노마드라는 멋진 신조어를 만들었습니다. 그는 차갑고 음향이 울리는 콘크리트 건축의 현대 시대에 태피스트리가 완벽한 예술 형식이라고 주장했습니다. 태피스트리는 따뜻함을 제공하고 소리를 흡수하며, 말아서 팔 아래에 끼고 새 아파트로 옮길 수 있기 때문입니다. 프랑스 중부의 오뷔송은 르 코르뷔지에, 뤼르사, 마티외, 술라주 등 많은 이들이 그들의 채색 만화를 장인 직공들에게 맡긴 작업장이 되었습니다.

르 코르뷔지에 - 르 카나페 II (오뷔송 태피스트리) - 1956

현대 거장들: 그레이슨 페리의 도자기부터 쿠사마의 디자이너 오브제까지

오늘날 예술, 공예, 상업적 오브제 사이의 경계는 그 어느 때보다 흐릿하고 더 매혹적입니다.

한쪽 끝에서는 일부 예술가들이 오브제를 사용해 '공예'를 하이 아트의 정상으로 끌어올립니다. 2003년 영국 예술가 서 그레이슨 페리는 권위 있는 터너상을 수상하며 전통적 기득권을 충격에 빠뜨렸습니다. 그의 매체는 유약을 입힌 도자기 꽃병이었는데, 처음 보면 고전적이고 장식적인 항아리 같지만 자세히 보면 어둡고 풍자적이며 매우 개인적인 이미지로 덮여 있었습니다. 페리는 혼자 힘으로 도자기가 르네상스 유화만큼 개념적 무게를 담을 수 있음을 증명했습니다.

 

그레이슨 페리 - 중국의 길버트와 조지 - 1993 (2003년 터너상 도자기 꽃병 중 하나)

 

미국 예술가 셰일라 힉스는 수십 년간 원사와 실로 거대한 폭포수 같은 조각품을 만들어 섬유가 청동이나 대리석만큼 고귀한 조각 재료임을 증명했습니다.

Lignes de Vie - 셰일라 힉스 전시, 퐁피두 센터 - 2018

반대편에서는 현대 미술이 '슈퍼 브랜드' 협업을 완전히 수용하여 실용적인 물건들이 전 세계 상업적 확장의 매개체가 되었습니다. 야요이 쿠사마는 루이비통 핸드백에 환각적인 물방울 무늬를 가득 붙였습니다. 무라카미 다카시와 데미안 허스트는 한정판 스케이트보드를 디자인했습니다. 아이 웨이웨이는 한정판 러그를 디자인했습니다.

이 두 가지 경향, 하이 크래프트 부흥과 슈퍼 브랜드 전략은 겉보기만큼 대립적이지 않습니다. 두 경우 모두 예술적 제스처가 벽을 벗어나 일상생활 속에서 순환할 수 있어야 한다고 주장합니다. 이것이 상업적 타락일까요, 아니면 앤디 워홀의 유명한 격언 "좋은 비즈니스가 최고의 예술이다"의 궁극적 실현일까요? 이 예술가들에게 한정판 오브제는 1만 파운드짜리 손으로 짜인 러그든 100파운드짜리 스케이트보드든 팝 문화를 완전히 침투시키는 수단이며, 그들의 시각 언어가 은행 금고뿐 아니라 거리, 거실, 옷장 속에도 존재하도록 보장합니다.

캔버스에서 양탄자로: 다감각적 번역의 예술

작가가 일회성 병풍을 디자인하든 한정판 양탄자를 허가하든, 철학적 질문이 제기됩니다: 복제물도 여전히 예술인가?

예를 들어 추상화를 손으로 매듭지은 양모 양탄자에 옮기는 것은 단순한 복사본이 아닙니다. 그것은 다감각적 번역 행위입니다. 아크릴 페인트의 평평하고 광택 있는 색상은 두껍고 무광의 섬유가 됩니다. 기하학적 형태의 날카로운 가장자리는 촉각적인 직조로 변해, 털 방향에 따라 빛을 다르게 반사합니다. 작품은 새로운 차원, 즉 무게, 온기, 음향, 질감을 얻습니다.

양탄자 디자인 - Guillaume Moschini의 Lin X에서 영감을 받음

예술가의 개념적 비전을 물리적 현실로 옮기기 위해서는 장인, 직조공, 주조공, 도예가의 개입이 필요합니다. 이 협업은 결코 예술가의 저작권을 훼손하지 않으며, 오히려 순수한 아이디어와 재료 숙련도 간의 대화를 축하하는 것입니다.

예술과 함께 살기: 가정을 몰입형 설치 예술로

역사적으로, 완벽하게 흰 벽으로 된 "화이트 큐브" 갤러리는 우리에게 예술을 멀리서, 두 손을 단단히 등 뒤에 모은 채, 종교적 침묵 속에서 바라보도록 가르쳤습니다.

작가의 오브제는 이 차가운 경계를 허뭅니다. 그것은 촉감, 사용, 친밀감을 다시 도입합니다. 한정판 태피스트리, 조각 램프 또는 채색 병풍을 수집하는 것은 예술을 단순히 가구 수준으로 낮추는 것이 아닙니다. 오히려 가정 공간을 몰입형 설치 예술의 반열로 끌어올리는 것입니다. 그림을 단순히 감상하는 것을 거부하고, 그 안에 살아가는 대담한 선택입니다.

하이쿠 - IdeelArt Editions의 병풍 - 2026년 - 곧 IdeelArt에서 만나보실 수 있습니다

자주 묻는 질문: 한정판, 다수판 및 작가의 오브제

1. 미술 복제물과 원본 작가 판본의 차이점은 무엇인가요?

복제물(박물관 포스터나 산업용 인쇄물과 같은)은 예술가의 직접적인 개입이나 통제 없이 기존 작품을 단순 기계적으로 복사한 것으로, 그 가치는 순전히 장식적입니다. 반면에 원본 판(또는 다수판)은 예술가 또는 그 유산이 구상하고 승인하며 통제하는 프로젝트입니다. 석판화이든, 8점 한정의 청동 주물이든, 20점 한정으로 짜인 양탄자이든, 판본은 번호가 매겨지고 수량이 제한되며 진품 증명서가 동봉됩니다. 이는 미술 시장에서 진정한 2차 가치를 지닙니다.

2. 한정판이 오픈 에디션보다 비싼가요? 그 이유는 무엇인가요?

네, 한정판은 거의 항상 오픈 에디션보다 더 비싸며, 때로는 그 차이가 상당합니다. 그 이유는 간단합니다: 희소성이 가치를 만듭니다. 한정판은 복제 수가 고정되어 있으며(보통 8, 20, 50 또는 100개), 이후 인쇄판, 직조 도안, 몰드는 파기되거나 공식적으로 폐기됩니다. 아티스트는 각 증명본과 완성품에 깊은 개인적 통제를 가하며, 작품에는 진품 증명서, 서명 및 번호가 기재된 인스크립션, 완전한 출처 문서가 동반됩니다. 오픈 에디션은 복제 수에 제한이 없고, 수요에 따라 무한정 재인쇄될 수 있으며, 아티스트 감독이 적고 중고 시장에서 재판매 가치가 없습니다. 요컨대, 희소성, 저작권, 그리고 이 둘에 따른 제도적 신뢰성에 대해 비용을 지불하는 것입니다.

3. 에디션 번호(예: 20개 중 4번째)가 왜 중요한가요?

에디션 번호는 작품이 얼마나 희귀한지 정확히 알려주고 통제된 시리즈 내 위치를 확인시켜 줍니다. 전체 에디션 수(분모)가 적을수록 장기적으로 각 작품의 가치가 더 높아지는 경향이 있습니다. 일부 수집가는 시리즈 내 위치(분자)도 중요하게 여기지만, 현대 에디션에서는 모든 증명본이 동일한 기준으로 제작됩니다. 가장 중요한 것은 번호가 아티스트 서명과 일치하는 진품 증명서와 함께 있어야 한다는 점입니다.

4. 진품 증명서란 무엇이며 왜 중요한가요?

진품 증명서(COA)는 작품이 원본 아티스트 에디션임을 증명하는 공식 문서입니다. 제목, 연도, 재료, 크기, 에디션 크기, 에디션 번호, 아티스트 또는 그 유산의 서명, 발행 갤러리나 스튜디오가 포함됩니다. COA가 없으면 작품의 시장 가치는 떨어지고 미래 구매자, 보험사, 경매사에서 의문을 가질 수 있습니다. 적당한 가격 이상의 모든 에디션에 대해 COA는 작품만큼 중요합니다.

5. 아티스트 러그, 병풍 또는 도자기 에디션을 어떻게 진품 인증할 수 있나요?

진품 인증은 작품에 있는 아티스트의 서명, 에디션 번호, 진품 증명서, 갤러리나 작업실의 출처, 이상적으로는 카탈로그 레조네나 출판된 에디션 등록부에 기록된 항목 등 검증 가능한 요소들의 연쇄에 의존합니다. 평판 좋은 갤러리들은 제작 사진, 직조 도안 또는 원본 드로잉도 보관합니다. 고가의 중고 시장 구매를 위해 특정 아티스트나 유산에 대한 전문가 인증 서비스도 존재합니다.

6. 아티스트 러그와 한정판 예술품은 좋은 투자일까요?

네, 역사적으로 미술 시장은 주요 예술가가 만든 실용적 물건을 높이 평가해 왔습니다. 알렉산더 칼더의 태피스트리, 파블로 피카소의 도자기, 살바도르 달리의 주얼리, 나비스 시대의 병풍은 오늘날 주요 경매장에서 활발히 거래됩니다. 현대 예술가의 엄격한 소량 한정판 양탄자나 디자인 물건은 그 자체로 예술 작품으로 간주되며, 그 재정적 가치는 예술가의 주요 회화 가치와 병행하여 발전하는 경우가 많습니다. 다만, 예술 투자는 다른 문화 자산과 마찬가지로 장기적인 관점이 필요합니다.

7. 한정판 작품이 시간이 지남에 따라 가치가 상승할 수 있나요?

네, 많은 작품이 그렇습니다. 가치 상승을 이끄는 요인은 예술가의 시장 명성 상승, 특정 판본의 희귀성, 시리즈의 역사적 중요성, 보존 상태의 질, 출처 문서화입니다. 중요한 전시회나 경력 이정표와 연관된 판본은 더 빠르게 가치가 상승하는 경향이 있습니다. 반대로 명확한 COA(진품 증명서)가 없거나 출처가 손상된 판본은 예술가와 상관없이 거의 가치가 상승하지 않습니다.

8. 예술가의 작품 제작에서 장인(직조사, 도예가, 주조소)의 역할은 무엇인가요?

미술사는 근본적으로 협업적입니다. 조각가 오귀스트 로댕이 자신의 청동 작품을 직접 주조하지 않고 명장 주조소와 협력했듯이, 양탄자를 디자인하는 화가는 리시에(장인 직조사)와 협력합니다. 장인은 예술가의 개념적 비전을 재료로 번역하는 뛰어난 기술적 전문성을 제공합니다. 예술가는 시제품과 최종 작품을 승인합니다. 이러한 협업은 미술계 생태계에서 인정받고 축하받는 부분이며, 예술가의 저작권을 전혀 훼손하지 않습니다.

9. 매체(양탄자의 질감, 병풍의 부조)가 추상 작품의 인식에 어떻게 영향을 미치나요?

매체의 변화는 작품의 특성을 바꿉니다. 캔버스 위의 기하학적 추상화는 종종 평면성과 착시 효과를 활용합니다. 같은 기하학적 형태가 양탄자에 옮겨지면 두께와 빛을 고르지 않게 흡수하는 질감을 갖게 됩니다. 병풍 위에서는 작품이 3차원적이고 동적인 성격을 띠게 되는데, 패널의 각도와 관람객의 움직임에 따라 색상과 형태가 다르게 반응합니다. 이 물체는 캔버스와 달리 물리적 상호작용을 요구합니다.

10. 고급 예술 양탄자와 태피스트리에 일반적으로 사용되는 재료는 무엇인가요?

고급 예술 양탄자는 주로 순수 양모, 양모와 비스코스 혼방(보통 70/30), 또는 최고급 작품의 경우 양모와 실크로 제작됩니다. 뉴질랜드 양모는 긴 섬유, 광택 및 내구성 때문에 선호됩니다. 뒷면은 일반적으로 면으로 되어 있습니다. 오뷔송(Aubusson)과 유사한 작업장에서 짜여진 태피스트리의 경우, 손으로 방적한 양모와 실크를 예술가의 사양에 맞게 염색한 후 전통적인 베틀에서 짜냅니다. 재료는 예술가의 의도에 대한 시각적 충실도와 장기적인 내구성을 위해 선택됩니다.

11. 핸드 노트, 핸드 터프트, 기계 제작 아트 러그의 차이점은 무엇인가요?

핸드 노트 러그는 숙련된 장인이 수직 직조기에서 한 매듭씩 제작하며, 보통 몇 달이 걸리고 가장 명망 있고 내구성이 뛰어난 기법입니다. 핸드 터프트 러그는 터프팅 건으로 늘어진 캔버스 뒷면에 실을 뚫어 만든 후 뒷면을 보강하는 2차 레이어로 마감하며, 제작 속도가 빠르고 디자인 자유도가 높으며 품질도 우수할 수 있습니다. 기계 제작 러그는 산업적으로 생산되며 작가의 감독이 없고 미술 작품 에디션으로 간주되지 않습니다. 대부분의 현대 작가 에디션은 디자인 복잡성과 가격대에 따라 핸드 터프트 또는 드물게 핸드 노트 방식으로 제작됩니다.

12. 핸드 터프트 아트 러그나 석판화 병풍 제작에는 얼마나 걸리나요?

약 250x300센티미터 크기의 핸드 터프트 아트 러그는 보통 6주에서 12주 사이의 제작 기간이 필요하며, 디자인, 샘플링, 품질 관리 시간이 추가됩니다. 비슷한 크기의 핸드 노트 러그는 6개월 이상 걸릴 수 있습니다. 석판화 병풍은 만화 준비, 판 제작, 연속 색상 다중 인쇄, 나무 패널에 장착, 최종 조립 과정을 거칩니다. 샤갈의 1963년 병풍은 영감에서 완성까지 5년이 걸렸는데 이는 예외적인 경우이며, 현대 작가의 병풍은 보통 개념에서 배송까지 12~18개월이 소요됩니다.

13. 작가의 러그를 집에서 일반 바닥 러그로 사용할 수 있나요?

네, 작가의 러그는 실제 생활에서 사용하도록 디자인되었습니다. 선택은 통행량과 개인적인 사용에 따라 달라집니다. 침실, 서재, 격식 있는 응접실과 같은 통행량이 적은 공간에서는 미술 러그가 장식적이고 촉감적인 기능을 충분히 발휘하며 큰 마모 없이 사용할 수 있습니다. 출입구나 주요 거실과 같은 통행량이 많은 공간에서는 많은 수집가들이 계절별로 위치를 바꾸거나 바닥 전시와 벽걸이를 번갈아 사용합니다. 작품은 일상 생활의 일부로 남아 있으면서도 장기 보존됩니다.

14. 현대적인 인테리어에서 작가의 병풍을 어떻게 전시해야 하나요?

병풍은 세 가지 모드로 작동합니다. 공간 분할기로서, 개방형 공간을 조직하고 영구적인 칸막이 없이 시각적 구역을 만듭니다. 벽 장식으로서, 평평한 벽에 부분적으로 펼쳐 놓으면 조각적인 부조 작품이 됩니다. 독립 조각으로서, 방 한가운데 완전히 펼쳐 놓으면 설치 작품처럼 공간을 지배합니다. 패널의 각도를 다양하게 조절하여 빛과 시각적 관점을 조절할 수 있습니다. 작품을 완전히 감상하려면 최소 1~2미터의 관람 거리를 확보하세요.

15. 가정에서 실용적인 예술 작품을 보존하는 기준은 무엇인가요?

이 작품들은 생활 속에서 사용하도록 만들어졌지만, 몇 가지 간단한 주의사항으로 수십 년 동안 좋은 상태를 유지할 수 있습니다. 가장 큰 적은 직사광선(UV 광선)으로, 이는 칠해진 병풍의 안료를 변색시키거나 양모나 실크 러그의 염료를 시간이 지나면서 바래게 합니다. 습도는 40~60% 사이로 적절히 조절하는 것이 이상적입니다. 양모 러그는 비터 바 없는 부드러운 진공 청소가 좋으며, 몇 년마다 전문적인 세탁을 권장합니다. 병풍은 라디에이터나 높은 습도 환경에서 멀리 보관하거나 전시해야 합니다.

16. 작가에게 직접 맞춤 판본을 의뢰할 수 있나요?

네, 다만 과정은 작가와 그들을 대표하는 갤러리에 따라 다릅니다. 일부 작가는 현재 연구와 맞는 프로젝트일 경우 러그, 태피스트리, 조각 작품의 한정판 직접 의뢰를 환영합니다. 다른 작가들은 갤러리나 유산을 통해서만 작업합니다. 의뢰 판본은 일반적으로 제안 단계, 디자인 시안, 판 수 및 가격에 대한 계약, 긴 제작 기간을 포함합니다. 저희 작가들의 러그와 병풍에 대해 더 알고 싶으시면 언제든지 연락 주세요. 

17. 한정판 예술 작품은 수집가나 디자인 애호가에게 의미 있는 선물인가요?

네, 주요 인생 행사, 기업 선물, 기념일 축하용으로 점점 인기를 얻고 있습니다. 서명되고 번호가 매겨진 판본은 미술의 문화적 신뢰성, 아름다운 물건의 일상적 존재감, 검증 가능한 시장 가치를 제공합니다. 이 조합은 드뭅니다. 처음 받는 사람에게는 석판화, 도자기, 서명된 판화 같은 소규모 판본이 접근하기 쉽습니다. 경험 많은 수집가에게는 러그, 태피스트리, 조각 판본이 오래가는 인상을 줍니다.

18. 온라인으로 예술 판본을 구매하는 것은 안전하고 신뢰할 수 있나요?

네, 갤러리가 설립되어 있고 투명하다면 가능합니다. 명확한 출처, 전체 판 정보(제목, 연도, 재료, 크기, 판 수), 인증서 정책 공개, 안전한 결제, 보험이 포함된 전문 배송, 반품 정책을 확인하세요. 신뢰할 수 있는 온라인 갤러리는 작가 약력, 전시 이력, 고해상도 이미지를 제공합니다. 고객 서비스는 연락 가능하고 신속하게 응답해야 합니다. 온라인 구매의 편리함은 고가 판본을 포함한 모든 수준의 수집가들에게 표준 관행이 되었습니다.

프랜시스 베르토미에 작성

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