2025년에 주목해야 할 10명의 남미 추상 미술가들
남미 추상 미술은 전례 없는 시장 검증과 전 세계 기관의 인정을 바탕으로 놀라운 르네상스를 경험하고 있습니다.
이 부흥은 단순한 큐레이터 트렌드 감지가 아닙니다; Lygia Pape와 Hélio Oiticica 같은 중견 거장들의 경매가 급등으로 수치화되었으며, Hauser & Wirth, Pace, David Zwirner 같은 세계적 엘리트 갤러리들이 역사적 유산과 현대 작가들을 대표함으로써 확고해졌습니다.
동시에 게티 미술관부터 현대미술관에 이르기까지 여러 박물관들은 네오-콘크리티즘과 키네틱 아트 같은 운동에 대한 진지한 학문적 재평가를 수행하며, 이들을 주변부에서 세계 미술사 중심으로 끌어올리고 있다.
여기 소개된 열 명의 예술가는 이 부활한 전통의 계승자이자 혁신가로서, 강력한 시각 언어를 활용해 정체성, 물질성, 장소라는 현대적 문제를 탐구한다.
Ad Minoliti (아르헨티나)
Ad Minoliti(1980년 출생)는 남미 현대 추상 미술에서 가장 혁신적인 목소리 중 하나로 떠올랐으며, "기하학과 색상을 사용해 비이분법적 가상 허구를 구축하는" "포스트-기하학적" 작품을 창조한다. 2024년 9월부터 2025년 2월까지 세인트루이스 현대미술관에서 열린 주요 전시 "Manifestación pluriversal"은 미국 관객들에게 사회적 실천으로서의 독특한 추상 접근법을 소개했다.
Minoliti의 작품은 아르헨티나의 풍부한 기하학적 추상 전통을 바탕으로 하면서도 그 가능성을 완전히 재구상한다. 그들의 "캔디 팔레트"와 장난기 가득한 형식적 탐구는 The Guardian이 "비이분법적 기하학"이라고 묘사한 작품을 만들어내는데, 이는 순수 시각적 수단을 통해 전통적 이분법적 사고에 도전하는 추상 작품이다. 최근 프로젝트들은 퀴어성, 페미니즘, 그리고 가상 미래를 주제로 탐구하며 추상 미술이 현대 사회 문제와 어떻게 교감할 수 있는지를 보여준다.
그들의 전시 "Nature is Queer"(2024)와 Galerie Crèvecoeur에서 열린 "The Feminist School of Painting" 참여는 그들의 국제적 인지도가 높아지고 있음을 보여준다. Minoliti의 작품은 추상을 사용해 대안적 미래를 상상하고 기존 사회 구조에 도전하는 남미 신세대 예술가를 대표한다.
브루노 던리 (브라질)
브루노 던리(1984년 페트로폴리스 출생)는 비평가들이 '화가의 화가'라고 부르는 작가로 자리매김했다. 그의 작품은 회화의 근본적인 속성을 깊이 이해하면서도 매체를 새로운 영역으로 밀어내는 모습을 보여준다. 2024년 4월부터 6월까지 나라 로슬러 리우데자네이루에서 열린 그의 최근 개인전 "Pequenas Alegrias"(작은 기쁨들)는 끊임없는 수정과 정제를 통한 추상의 성숙한 접근법을 선보였다.
던리의 그림은 여러 겹의 칠하기, 수정, 지우기를 통해 천천히 드러난다. 그의 절제된 제스처는 표현과 순수 추상 사이에 떠 있는 듯한 작품을 만들어내며, 관람자의 시각에 따라 풍경, 건축, 혹은 순수한 감정을 암시하는 형태를 보여준다. 비평가들은 그의 작품이 Alfredo Volpi의 기하학적 탐구와 Luc Tuymans 같은 현대 유럽 화가들의 보다 화가다운 접근법 모두와 관련이 있음을 지적했다.
그의 2023년 Nara Roesler 뉴욕 전시 "Clouds"는 추상을 "추상적 사건"으로 탐구하며 자연 현상이 순수 형식적 탐구로 어떻게 전환될 수 있는지 살펴보았습니다.
현재 Nara Roesler가 대표하는 Dunley는 브라질의 모더니스트 유산을 기리면서도 철저히 현대적인 독특한 브라질식 현대 회화 접근법을 계속 발전시키고 있습니다.
Cristina Ghetti (아르헨티나/스페인)
아르헨티나 출신 Cristina Ghetti(1969년생)는 스페인 발렌시아에서 활동하며 옵아트, 기하학적 추상, 키네틱 아트를 잇는 독특한 기하학적 추상 접근법을 발전시켰습니다. 시각예술 및 멀티미디어 석사 학위를 보유하고 발렌시아 공과대학에서 "Post Medial Geometry"라는 박사 논문을 완성한 Ghetti는 예술적 직관과 학문적 엄격함을 모두 실천에 담고 있습니다.
그녀의 그림은 엄격한 기하학적 체계를 사용해 미묘한 지각 변화를 만들어내어 정적인 구성이 맥동하고 숨쉬는 것처럼 보이게 합니다. 옵아트 전통 안에서 Ghetti의 연속적 색채 구조는 그녀가 "시각적 음악"이라고 설명하는 것을 만듭니다: 순수하게 시각적 수단으로 자체 음향 특성을 생성하는 듯한 패턴입니다. 그녀의 기법은 움직임과 깊이를 인지하도록 마음을 속이는 디지털 구성을 만든 후 이를 캔버스에 아크릴화로 옮기는 것입니다.
Ghetti의 작품은 MACBA 부에노스아이레스, 워싱턴 DC의 아르헨티나 대사관, 마이애미의 Frost Art Museum 등에서 광범위하게 전시되었습니다. 그녀의 작품은 코스타리카 산호세 국립 현대미술 및 디자인 박물관과 부에노스아이레스의 Eduardo Sívori 플라스틱 아트 시립 박물관 등 영구 소장품에 포함되어 있어 스페인 거주에도 불구하고 남미 미술계와의 지속적인 연결을 보여줍니다.
Daniela Marin (베네수엘라/페루)
베네수엘라 출신 Daniela Marin(1977년생)은 페루 리마를 기반으로 남미 현대 추상미술에서 가장 매력적인 목소리 중 하나로 자리매김했습니다. 명망 있는 Altos de Chavón 디자인 학교를 졸업한 Marin은 건축적 정밀함과 거의 음악적인 색채 리듬을 유지하는 작품을 만듭니다.
그녀의 그림은 "구성적 서정성"이라고 부를 수 있는 것을 보여줍니다: 각 캔버스는 기하학적 형태를 체계적으로 겹겹이 쌓아 올려 수학적 기원을 초월해 깊이 감성적인 무언가를 이룹니다. 그녀가 신중한 색채 조율을 통해 달성한 빛남은 위대한 베네수엘라 키네틱 아티스트들과 비교되었지만, 그녀의 작품은 개념적 엄격성에서 뚜렷이 현대적입니다.
현재 IdeelArt에서 대표하는 Marin의 작품은 베네수엘라 유산과 그녀가 선택한 페루 거주지 사이의 문화 간 대화를 반영하며, 이민과 문화적 융합이라는 더 넓은 라틴 아메리카 경험을 말하는 추상을 창조합니다.
Francisca Aninat (칠레)
칠레 예술가 Francisca Aninat는 현대 남미 미술에서 가장 독특한 추상 회화 접근법 중 하나를 발전시켰습니다. 그녀의 작업 과정은 문자 그대로 칠해진 캔버스를 찢고 꿰매어 재조립함으로써 회화와 섬유 물체로서 기능하는 작품을 만들어내며, 매체 간 전통적 경계를 도전합니다.
그녀의 최근 개인전 "Hills in the Distance"는 파리 Bendana-Pinel에서 2024년 7월까지 열렸으며, 찢고 꿰맨 캔버스가 그녀가 "촉각적 추상"이라고 부르는 것을 어떻게 만들어내는지 보여주었습니다. 각 작품은 기억, 트라우마, 치유에 대한 명상이 되며, 수리하는 물리적 행위가 작품 의미의 중심이 됩니다.
Aninat의 작업 과정은 회화의 근본적인 물질성에 주목하면서도 분열과 재구성이라는 더 넓은 주제를 다루는 작품을 만듭니다—이 주제들은 칠레의 복잡한 정치 역사 맥락에서 강력하게 공명합니다. 그녀의 작품은 케임브리지 대학교 여성 미술 컬렉션을 포함한 여러 소장품에 있으며, 시각적이면서도 물리적인 경험으로서 추상에 대한 독특한 접근법을 계속 발전시키고 있습니다.
Jaime Gili (베네수엘라/영국)
런던에 기반을 둔 베네수엘라 예술가 Jaime Gili는 수십 년간 "중세 모더니즘 미술, 건축, 디자인의 운동성과 낙관주의"를 기념하는 기하학적 추상에 독특한 접근법을 발전시켜 왔으며, 그 관심사는 철저히 현대적입니다. 그의 고채도 하드엣지 회화는 한 평론가가 "움직이는 전기 기하학"이라고 묘사한 작품을 만듭니다.
Gili의 작품은 베네수엘라의 풍부한 키네틱 및 기하학 미술 전통을 명확히 차용하지만, 이러한 역사적 참조를 현대 관객을 위해 재충전합니다. 그의 회화, 판화, 공공미술은 라틴 아메리카 모더니즘 전통이 단순한 향수가 아닌 방식으로 어떻게 재활성화될 수 있는지를 보여줍니다. 최근 작품은 점점 더 고국의 정치 상황에 관여하며, 추상적 수단으로 구체적 사회 현실을 다룹니다.
1996년부터 영국에서 거주하며 작업해온 Gili는 남미 추상미술의 세계적 확산을 대표합니다. 그의 작품은 주요 소장품에 포함되어 있으며, 기하학적 추상과 정치적 참여의 교차점을 탐구하는 젊은 예술가들에게 계속해서 영향을 미치고 있습니다.
Johanna Unzueta (칠레)
Johanna Unzueta (b. 1974, Santiago)는 "따뜻한 미니멀리즘"이라고 부를 수 있는 작품을 만듭니다—자연 소재와 수작업 과정을 활용하여 체계적이면서도 깊이 인간적인 느낌을 주는 기하학적 추상화입니다. 뉴욕과 베를린을 오가며 작업하는 Unzueta는 펠트, 나무, 드로잉을 결합한 독특한 작업 방식을 발전시켰습니다.
그녀의 최근 Casey Kaplan(2024) 전시 "Naturalist"는 자연 환경과 인공 환경 간의 관계를 탐구하는 수단으로서 추상에 대한 성숙한 접근법을 선보였습니다. 특히 그녀의 펠트 작품은 전통 공예 기법이 토착 텍스타일 전통과 현대 미니멀 아트를 모두 아우르는 정교한 추상 구성을 만드는 데 어떻게 활용될 수 있는지를 보여줍니다.
Unzueta의 작품은 예술 생산을 의도적으로 늦추는 수작업 과정을 통해 "노동, 생산성, 진보의 개념"을 다룹니다. 수학적 시스템이 아닌 직관적 표현을 통해 만들어진 그녀의 기하학적 구성은 현대적이면서도 시대를 초월한 느낌을 줍니다. 그녀는 또한 시각 문화에 대한 폭넓은 참여를 반영하는 편집 디자인과 아티스트 출판물에도 활발히 활동하고 있습니다.
Marina Perez Simão (브라질)
Marina Perez Simão(1980년생, 비토리아)는 브라질에서 가장 유명한 현대 추상 화가 중 한 명으로, 2025년은 그녀의 국제적 인정을 위한 중대한 해가 될 것입니다. Instituto Tomie Ohtake(2025년 8월-10월)에서의 주요 기관 전시 "Tuning Fork"는 브라질에서의 첫 주요 박물관 전시를 의미하며, Fondation Cartier의 파리(2023년 4월-10월)에서 열린 "Horizontes - Peintures brésiliennes" 참여는 그녀의 작품을 유럽 관객에게 소개했습니다.
Pace Gallery와 Mendes Wood DM 모두가 대표하는 Simão는 풍경의 경계에 머무르면서도 결코 구상적이지 않은 회화를 만듭니다. 그녀의 포화된 색 영역은 순수한 분위기로 녹아들어, 시각적 경험만큼이나 감정적 경험으로서 기능하는 작품을 만듭니다. 기억과 이미지의 축적과 병치를 기반으로 한 그녀의 과정은 깊이 개인적이면서도 보편적으로 공명하는 회화를 탄생시킵니다.
최근 전시로는 Mendes Wood DM Paris(2024)의 "Diffusion"과 라이프치히 G2 Kunsthalle의 "ZWIELICHT"가 있으며, 이는 그녀의 국제적 입지가 커지고 있음을 보여줍니다. 그녀의 작품은 브라질의 풍부한 모더니즘 유산과 현대 글로벌 위치를 모두 포용하는 독특한 브라질식 추상 접근법을 나타냅니다.
Marina Weffort (브라질)
Marina Weffort(1980년생, 상파울루)는 회화, 조각, 공예의 교차점에 존재하는 작품을 창조하며 브라질 텍스타일 추상의 최첨단을 대표합니다. 브라질에서 가장 권위 있는 현대 미술 갤러리 중 하나인 Galeria Luisa Strina가 대표하는 Weffort는 회화, 드로잉, 오브제, 설치 작업을 통해 재료, 과정, 의미 간의 관계를 탐구합니다.
그녀의 미니멀 텍스타일 추상 작품은 빛과 함께 숨쉬는 듯한 격자 구조를 만들기 위해 자르고 짠 천을 사용합니다. 이 작품들은 순수 미술과 공예 사이의 전통적인 위계질서에 도전하며, 텍스타일 기법이 브라질 문화 전통과 현대 국제 미술 담론 모두에 호소하는 정교한 추상 구성을 만드는 데 어떻게 활용될 수 있는지를 보여줍니다.
Weffort의 작업은 현대 브라질 미술에서 재료 실험과 과정 기반 작업으로 향하는 더 넓은 경향을 반영합니다. 그녀가 다양한 매체 간 관계를 탐구한 결과물은 개념적으로 엄격하면서도 감각적으로 매력적인 작품으로, 추상미술의 가능성을 확장하는 새로운 세대의 브라질 아티스트를 대표합니다.
Martin Reyna (아르헨티나)
Martin Reyna는 '액체 기하학'이라 부를 수 있는 분야의 대가로 떠올랐습니다. 주로 수채화라는 심각한 추상 담론에서 종종 경시되는 매체를 사용하여, Reyna는 중력을 주요 구성 도구로 삼는 대형 작품을 만듭니다. 그의 수직 워시는 통제된 자발성으로 종이에 흘러내리며 자연 현상과 순수한 색채 경험을 모두 암시하는 분위기 효과를 창출합니다.
부에노스아이레스와 파리를 오가며 활동하는 Reyna의 작품은 추상 표현주의의 제스처적 자유와 Helen Frankenthaler 같은 아티스트들의 색면 탐구 사이의 간극을 연결하지만, 뚜렷이 남미적 감성을 지닙니다. 그의 회화는 종종 아르헨티나 팜파스의 광활한 풍경을 연상시키면서도 확고히 비재현적입니다.
아티스트의 최근 작품은 수채화의 본질적인 예측 불가능성을 활용하여 놀라운 구조적 완성도를 가진 작품을 창조하는 세련된 이해로 주목받고 있습니다. 각 작품은 시각적 악보처럼 읽히며, 색상 관계가 자체 내적 음악을 생성하는 듯합니다.
그의 작품은 최근 베네수엘라 MACA-Zulia에서 열린 'The Sound of Color'라는 박물관 전시의 주제로, 라틴 아메리카 추상미술의 광범위한 맥락 내에서 그의 위치를 확고히 했습니다.
현재 IdeelArt가 대표하는 Reyna는 액체 매체를 통해 그의 독특한 추상 접근법을 계속 발전시키고 있습니다.
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이 열 명의 아티스트들은 현대 남미 추상미술의 다양성과 활력을 대표하며, 각각은 추상과 정체성, 전통과 혁신 사이의 지속적인 대화에 독특한 관점을 제공합니다.
그들을 하나로 묶는 것은 공유된 스타일이나 접근법이 아니라, 추상미술을 새로운 영역으로 밀어내면서도 그들의 지역의 풍부한 문화 전통과 연결되어 있으려는 헌신입니다. 남미 미술이 국제적 인정을 계속 얻어감에 따라, 이 아티스트들은 21세기 추상이 무엇을 의미하는지 정의하는 데 중요한 역할을 할 위치에 있습니다.
그들의 작품은 남미 추상미술이 단순히 국제적 트렌드를 따르는 것이 아니라, 적극적으로 이를 형성하며 추상미술이 현대 사회, 정치, 문화적 현실과 어떻게 소통할 수 있는지에 대한 새로운 가능성을 창조하는 동시에 형식적 혁신과 미적 경험에 대한 본질적 헌신을 유지하고 있음을 보여줍니다.
Francis Berthomier
