추상 조각 - 가득함과 비어 있음의 언어

모더니즘 초기부터, 2차원과 3차원 추상 미술의 본질과 차이에 관한 질문들이 제기되어 왔습니다. 20세기 첫 10년 동안, 콘스탄틴 브랑쿠시는 추상 조각이 무엇을 전달하려는지에 대한 근본적인 질문을 던졌습니다: 대상의 형상인가, 본질인가? 그 다음 10년 동안, 파블로 피카소는 조각이 반드시 깎거나, 빚거나, 주조할 필요가 없으며 조립할 수도 있음을 증명했습니다. 그 다음 10년에는 알렉산더 칼더가 조각이 움직일 수 있음을 보여주었습니다. 그리고 수십 년 후, 도널드 저드는 그의 다학제적 작품을 언급하며 회화와 조각 대신 “특정 물체”라는 용어를 제안했습니다. 이 주제는 여러 권의 책을 채울 수 있지만, 오늘은 추상 조각의 역사에서 몇 가지 주요 순간들을 간략히, 다소 축약하여 소개합니다.

추상 조각의 아버지

콘스탄틴 브랑쿠시는 1876년 루마니아에서 태어났으며, 당시 유럽 미술계는 주로 회화와 조각으로 이루어져 있었고, 두 분야 모두 거의 전적으로 구상적이었습니다. 점진적인 추상화의 진전이 시작되었지만, 순수 추상을 시도하거나 그 의미를 정의하려는 전문 예술가는 거의 없었습니다. 브랑쿠시의 첫 조각 경험은 매우 실용적이었으며, 어린 시절 농기구를 깎는 일이었습니다. 결국 미술 학교에 진학했을 때도 그는 전통적인 교육을 받았습니다. 그러나 1903년 루마니아를 떠나 파리에 도착한 후, 그는 모더니즘 논의에 참여하게 되었습니다. 그는 추상에 관한 아이디어에 열렬히 동의하며 곧 조각의 현대적 목적은 “외형이 아니라 사물의 생각, 본질을 제시하는 것”임을 결론지었습니다.

1913년, 브랑쿠시의 초기 추상 조각 몇 점이 뉴욕시에서 열린 그 해의 아모리 쇼에 전시되었는데, 이 전시는 미국에 모더니즘 미술을 소개하는 데 큰 역할을 했습니다. 비평가들은 그의 조각 마들무아젤 포가니의 초상이 달걀처럼 보인다는 이유 등으로 공개적으로 조롱했습니다. 13년 후, 브랑쿠시는 미국에서 한 조각품이 연방 법률을 바꾸게 하면서 마지막 웃음을 지었습니다. 한 수집가가 브랑쿠시의 새 조각품을 구입해 미국으로 운송하려 했는데, 이 조각품은 새를 닮지 않고 비행을 상징했습니다. 세관 당국은 추상 조각을 예술품으로 면제하지 않고 수입세를 부과했습니다. 수집가는 소송을 제기했고 승소하여, 미국 법원이 예술품으로 간주되기 위해 반드시 구상적일 필요는 없다는 공식 선언을 내렸습니다.

콘스탄틴 브랑쿠시 - 키스, 1907년 (왼쪽) 및 마들무아젤 포가니의 초상, 1912년 (오른쪽), 필라델피아 미술관, 필라델피아, © 2018 콘스탄틴 브랑쿠시 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / ADAGP, 파리

파블로 피카소와 조립 예술

파블로 피카소는 추상 조각 분야의 또 다른 중요한 초기 개척자였으나, 의도하지 않았을 수도 있습니다. 1912년경, 피카소는 입체파에 관한 자신의 생각을 3차원 영역으로 확장하기 시작했습니다. 그는 콜라주를 만들면서 시작했는데, 콜라주는 겹겹이 쌓인 표면과 물감 대신 발견된 재료와 물체를 사용해 이미 일종의 3차원적 특성을 지니고 있었습니다. 이후 그는 콜라주 개념을 실제 3차원 공간으로 옮겨, 골판지, 나무, 금속, 철사 같은 재료로 기타 등 실제 물체를 조립했습니다.

전통적으로 조각은 틀을 사용하거나 점토 같은 덩어리를 형성하거나 조각하는 감산적 과정을 통해 만들어졌습니다. 피카소는 우연히도 발견된 재료 조각들을 조립하여 조각품을 만드는 전통에 도전했습니다. 더 나아가, 그는 이 조립품을 받침대 위에 놓지 않고 벽에 걸어 사람들을 놀라게 했습니다. 관람객들은 피카소의 기타가 회화인지 조각인지 혼란스러워하며 분노하기도 했습니다. 피카소는 그것들이 어느 쪽도 아니라고 주장하며, “아무것도 아니다, 기타일 뿐이다!”라고 말했습니다. 의도했든 아니든 그는 조각의 근본 정의에 도전했고, 추상 미술에 관한 가장 오래 지속된 논쟁 중 하나를 시작했습니다.

파블로 피카소 - 골판지 기타 조립, 1913년, MoMA

레디메이드

피카소와 브랑쿠시 같은 예술가들이 당시 관람객들에게 혁명적으로 보였던 만큼, 1913년은 다다이스트 예술가 마르셀 뒤샹이 “레디메이드”라는 용어를 발견된 물체로 이루어진 예술 작품을 가리키는 말로 사용하기 시작한 해이기도 합니다. 뒤샹에 따르면, 평범한 물체도 “예술가의 단순한 선택만으로 예술 작품의 위엄을 얻을 수 있다.” 1917년, 뒤샹은 아마도 가장 유명한 레디메이드 작품인 분수를 전시했는데, 이는 옆으로 놓인 소변기 위에 “R. Mutt”라는 서명이 적힌 작품이었습니다.

뒤샹은 이 작품을 뉴욕 독립 예술가 협회의 첫 전시에 출품하기 위해 만들었는데, 이 전시는 심사위원과 상이 없는 완전 개방형 현대 미술 전시로 알려져 있었습니다. 그러나 이 작품은 이상하게도 전시에서 거부되어 미술계에 큰 파장을 일으켰습니다. 전시의 목적이 작품을 심사하는 것이 아니었기 때문입니다. 협회 이사회는 분수에 대해 “어떠한 정의로도 예술 작품이 아니다”라는 성명을 발표했습니다. 그럼에도 이 작품은 이후 세대의 창작자들에게 영감을 주었습니다.

1964년에 제작된 뒤샹의 원작 1917년 분수 복제품

파크투라와 텍토니카

1921년, 러시아에서 ‘구성주의자 제1작업그룹’이라는 예술가 집단이 등장했습니다. 그들이 ‘구성주의’라 부른 이 운동의 목표는 형식적이고 기하학적이며 추상적인 원리에 기반한 순수 예술을 창조하여 관람객이 적극적으로 참여하도록 하는 것이었습니다. 구성주의 조각의 원리는 두 가지 요소로 나뉘었는데, 파크투라는 조각의 재료적 특성을, 텍토니카는 조각이 3차원 공간에서 차지하는 존재감을 뜻했습니다.

구성주의자들은 조각에 어떤 주제도 필요 없으며 완전히 추상적인 성질을 가질 수 있다고 믿었습니다. 그들에게 중요한 것은 재료성과 공간의 탐구였습니다. 그들은 물체가 전시 공간을 차지하는 방식과 관람객과의 공간 사이에서 상호작용하는 방식을 특히 의식했습니다. 구성주의 조각은 조각이 단순히 공간을 차지하는 것을 넘어 공간을 포함하고 정의할 수 있으며, 공간 자체가 작품의 중요한 요소가 될 수 있다는 개념을 정의하는 데 기여했습니다.

제1회 구성주의 전시, 1921년

공간 속의 드로잉

1920년대 후반까지 모더니스트 추상 조각 언어는 입체 부조, 발견된 물체, 기하학적 및 구상적 추상, 그리고 물리적 공간의 충만함과 공허함 개념을 포함했습니다. 이탈리아 미래파 예술가들은 움베르토 보치오니의 공간에서의 연속성의 독특한 형태 같은 작품에서 움직임, 즉 역동성을 조각으로 표현하려 시도했습니다(자세한 내용 참조). 그러나 실제 움직임을 조각에 도입하여 ‘운동 조각’이라는 새로운 영역을 연 사람은 알렉산더 칼더입니다.

칼더는 기계공학을 전공했고, 나중에 미술 학교에 다녔습니다. 졸업 후 그는 기계 장난감을 만들기 시작했고, 결국 기계 서커스를 설계했습니다. 1929년경부터 그는 섬세하고 장난기 가득한 철사 조각을 만들기 시작했으며, 이를 “공간 속의 드로잉”이라고 불렀습니다. 1930년, 움직이는 부품을 추가했을 때 마르셀 뒤샹은 이 작품들을 “모빌”이라 불렀습니다. 칼더의 운동 모빌은 그의 작품 중 가장 즉각적으로 인식되는 부분이 되었으며, 메타메카닉을 창조한 장 탕글리 같은 예술가들에게 영감을 주었습니다. 또한 베네수엘라 예술가 게고에게도 영향을 주었는데, 그는 1960년대에 이 개념을 극도로 발전시켰습니다.

게고, 공간 철사 조립, 부분 설치 모습

콤바인과 축적

1950년대에 개념 미술가들은 피카소와 뒤샹이 개척한 아이디어를 이어받았습니다. 발견된 물체 개념은 대도시들이 쓰레기로 넘쳐나고 산업 제품의 대량 생산과 소비가 최고조에 달하면서 널리 퍼졌습니다. 다학제 예술가 로버트 라우센버그는 피카소의 콜라주와 조립의 기본을 뒤샹의 발견된 물체와 예술가의 선택 개념과 결합하여 추상 조각에 대한 자신의 대표적 기여인 “콤바인”을 만들었습니다. 콤바인은 예술가가 신중하게 결합한 다양한 쓰레기, 잔해, 산업 제품으로 이루어진 조각 조립품이었습니다.

로버트 라우센버그 - 모노그램, 독립형 콤바인, 1955년, © 2018 로버트 라우센버그 재단

같은 시기, 개념 미술가 아르망은 누보 레알리스트의 창립 멤버 중 한 명으로, 뒤샹의 레디메이드 개념을 출발점으로 삼아 ‘축적’이라 부르는 일련의 조각 작품을 만들었습니다. 이 작품들에서 아르망은 동일한 레디메이드 물체를 여러 개 수집해 용접하여 조각 덩어리로 만들었습니다. 이렇게 제품을 활용함으로써 그는 레디메이드 제품의 개념을 재구성하여, 이전 의미를 제거하고 상징적이고 주관적인 추상 형태로 변형시켰습니다.

아르망 - 축적 르노 No.106, 1967년, © 아르망

재료와 과정

1960년대에 이르러 조각가들은 작품의 순수한 형식적 측면에 점점 더 집중했습니다. 이전 세대의 감정과 극적인 표현을 일종의 거부로서, 에바 헤세와 도널드 저드 같은 조각가들은 작품에 사용된 원재료와 제작 과정을 중시했습니다. 에바 헤세는 라텍스와 유리섬유 같은 종종 독성이 있는 산업 재료를 다루는 데 선구자였습니다.

에바 헤세 - 반복 열아홉 III, 1968년. 유리섬유와 폴리에스터 수지, 19개 단위, 각 단위 지름 48~51cm x 27.8~32.2cm. MoMA 소장. 찰스와 아니타 블랫 기증. © 2018 에바 헤세 유산. Galerie Hauser & Wirth, 취리히

헤세와 달리, 자신의 조각 형태에서 기법과 개성을 두드러지게 드러낸 반면, 도널드 저드는 예술가의 손길 흔적을 완전히 제거하려 노력했습니다. 그는 2차원과 3차원 미술의 정의를 초월하는 ‘특정 물체’를 만들고자 했으며, 산업 공정과 재료를 사용하고 보통 기계나 예술가가 아닌 작업자가 제작하는 방식을 택했습니다.

도널드 저드 - 제목 없음, 1973년, 황동과 파란색 플렉시글라스, © 도널드 저드

현대의 전방위 예술

지난 100년 넘게 모더니스트 조각가들이 이룩한 발전 덕분에 오늘날 추상 미술은 놀라운 개방성을 누리고 있습니다. 현대 미술의 많은 실천은 전방위적이며, 흥미롭고 다양한 형태의 미적 현상을 만들어냅니다. 많은 현대 추상 예술가들의 작품은 “회화,” “조각,” “설치” 같은 단순한 분류를 거부할 만큼 독특한 존재감을 지닙니다. 추상 조각의 모더니스트 개척자들은 현대 예술가들이 누리는 개방성과 자유, 그리고 우리가 그들의 세계 해석을 다양한 방식으로 즐길 수 있게 한 데 큰 역할을 했습니다.

대표 이미지: 알렉산더 칼더 - 블루 페더, 1948년, 운동하는 철사 조각, © 칼더 재단
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공