추상 조각 - 가득함과 비어 있음의 언어
모더니즘의 초기 시절부터, 2차원과 3차원 추상 미술의 본질과 차이에 대한 질문이 제기되어 왔습니다. 20세기 초 첫 번째 10년 동안, 콘스탄틴 브랑쿠시는 추상 조각이 무엇을 전달해야 하는지에 대한 기본적인 질문을 던졌습니다: 주제의 이미지인가, 아니면 본질인가? 다음 10년 동안, 파블로 피카소는 조각이 조각되거나, 성형되거나, 주조될 필요가 없음을 증명했습니다: 그것은 조립될 수 있었습니다. 그 다음 10년 동안, 알렉산더 칼더는 조각이 움직일 수 있음을 보여주었습니다. 그리고 수십 년 후, 그의 교차 분야 작품을 언급하며, 도널드 저드는 "특정 객체들"을 회화와 조각이라는 단어의 대안으로 제안했습니다. 이 주제는 여러 권의 책을 채울 수 있지만, 오늘 우리는 추상 조각의 역사에서 몇 가지 주요 사건을 간략하게, 인정하건대 많이 축소된 타임라인으로 여러분께 제공합니다.
추상 조각의 아버지
콘스탄틴 브란쿠시는 1876년 루마니아에서 태어났습니다. 그 당시 유럽 미술의 세계는 기본적으로 회화와 조각으로 구성되어 있었고, 두 장르는 거의 전적으로 구상적이었습니다. 추상으로의 점진적인 진화가 시작되었지만, 순수한 추상을 시도하거나 그것이 정확히 무엇을 의미하는지 정의할 만큼 대담한 전문 예술가는 거의 없었습니다. 브란쿠시의 첫 조각 경험은 전적으로 실용적이었으며, 어린이 노동자로서 사용할 농기구를 조각하는 것이었습니다. 그가 결국 미술학교에 입학했을 때 그는 고전적으로 훈련받았습니다. 그러나 브란쿠시가 1903년 루마니아를 떠나 파리에 도착했을 때, 그는 모더니스트 대화에 참여하게 되었습니다. 그는 추상에 대한 아이디어에 열렬히 동의했으며, 곧 조각의 현대적 목적은 “겉모습이 아니라 사물의 아이디어, 본질을 제시하는 것”이라는 결론에 도달했습니다.
1913년, 브란쿠시의 초기 추상 조각 중 일부가 뉴욕시에서 그 해의 아모리 쇼의 일환으로 전시되었으며, 이 전시는 현대 미술을 미국에 소개하는 데 크게 기여했습니다. 비평가들은 그의 조각 마드모아젤 포가니 초상을 공개적으로 조롱했는데, 그 이유 중 하나는 그것이 달걀처럼 보였기 때문입니다. 13년 후, 브란쿠시는 그의 조각 중 하나가 미국 연방법을 변경하게 하면서 미국인들에게 마지막 웃음을 주게 됩니다. 이는 한 수집가가 브란쿠시의 새 조각 중 하나를 구매하고 미국으로 배송하려고 시도했을 때 발생했으며, 그 조각은 전혀 새와 닮지 않았지만 비행을 나타내고 있었습니다. 세관 당국은 추상 조각을 예술로 면세하지 않고 수집가에게 수입세를 부과했습니다. 수집가는 소송을 제기했고 승소하여, 미국 법원에서 어떤 것이 예술로 간주되기 위해 반드시 재현적일 필요는 없다는 공식 선언을 이끌어냈습니다.
Constantin Brancusi - The Kiss, 1907 (Left) and Portrait of Mademoiselle Pogany, 1912 (Right), Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, © 2018 Constantin Brancusi / Artists Rights Society (ARS), NY / ADAGP, Paris
파블로 피카소와 조합 예술
파블로 피카소는 추상 조각 분야에서 또 다른 중요한 초기 개척자였지만, 그가 그렇게 하려는 의도는 없었을지도 모른다. 1912년경, 피카소는 큐비즘에 대한 자신의 아이디어를 3차원 영역으로 확장하기 시작했다. 그는 콜라주를 만들기 시작했는데, 이는 층이 있는 표면과 페인트 대신 발견된 재료와 물체를 사용하여 이미 일종의 3차원적 특성을 가지고 있었다. 그런 다음 그는 콜라주의 아이디어를 실제 물체를 조립하여 완전한 3차원 공간으로 번역했으며, 특히 종이, 나무, 금속 및 철사와 같은 재료로 기타를 만들었다.
전통적으로 조각은 주형에서 나오거나 점토와 같은 덩어리를 형성하거나 조각과 같은 어떤 종류의 축소 과정에서 나왔습니다. 피카소는 다양한 발견된 재료 조각을 조합하여 형태를 만드는 행위를 통해 그 전통에 무심코 도전했습니다. 게다가 그는 이 조합물을 받침대에 두지 않고 벽에 걸어 사람들을 놀라게 했습니다. 예술 관람객들은 피카소의 기타에 혼란스러워하고 심지어 분노하며 그것이 그림인지 조각인지 알고 싶어 했습니다. 피카소는 그것이 둘 다 아니라고 주장하며, “그건 아무것도 아니야, 그건 기타야!”라고 말했습니다. 그러나 그가 의도했든 아니든 그는 조각의 근본적인 정의에 도전했고, 추상 예술에 대한 가장 오랜 논쟁 중 하나를 시작했습니다.
Pablo Picasso - Cardboard Guitar Construction, 1913, MoMA
레디메이드
피카소와 브란쿠시와 같은 예술가들이 그들의 시대에 예술 관객들에게 얼마나 혁신적으로 보였던지 간에, 1913년이 또한 다다이스트 예술가 마르셀 뒤샹이 발견된 물체로 구성된 예술 작품을 지칭하기 위해 "레디메이드"라는 용어를 차용한 해라는 점은 흥미롭다. 뒤샹에 따르면, 평범한 물체는 "예술가의 단순한 선택에 의해 예술 작품의 존엄성으로 격상될 수 있다." 1917년, 뒤샹은 아마도 그의 가장 유명한 레디메이드인 분수를 전시했는데, 이는 옆으로 놓인 소변기와 "R. Mutt"라는 서명이 포함되어 있다.
뒤샹은 뉴욕 독립 예술가 협회의 첫 전시회에 제출하기 위해 분수를 만들었다. 이 전시회는 심사위원과 상금이 없는 현대 미술의 완전히 개방된 전시회로 알려졌다. 그러나 이 작품은 기이하게도 전시회에서 거부당했고, 이는 전시회의 전체 목적이 작품에 대한 판단을 내리지 않는 것이었기 때문에 예술계에서 큰 논란을 일으켰다. 협회의 이사회는 분수에 대해 “어떠한 정의로도 예술 작품이 아니다”라는 성명을 발표했다. 그럼에도 불구하고 이 작품은 이후 세대의 창작자들에게 영감을 주었다.
1964년에 제작된 뒤샹의 1917년 원본 분수의 복사본
팩투라와 테크토니카
1921년, 러시아에서 "제1차 구성주의 작업 그룹"이라는 예술가 그룹이 등장했습니다. 그들이 구성주의라고 부른 이 운동의 목표는 형식적이고, 기하학적, 추상 원칙에 기반한 순수한 예술을 창조하여 관객을 적극적으로 참여시키는 것이었습니다. 구성주의의 조각 원칙은 두 개의 별개의 요소로 나뉘었습니다: 팩투라는 조각의 물질적 특성을 의미하고, 텍토니카는 조각이 3차원 공간에서 존재하는 방식을 의미했습니다.
구성주의자들은 조각이 어떤 주제도 필요 없으며, 완전히 추상적인 속성을 가질 수 있다고 믿었습니다. 그들에게 중요한 것은 물질성과 공간을 탐구하는 것이었습니다. 그들은 물체가 전시 공간을 차지하는 방식과 그것이 관람자와의 사이의 공간과 상호작용하는 방식에 대해 특히 의식하고 있었습니다. 구성주의 조각은 조각이 단순히 공간을 차지하는 것 외에도 공간을 포함하고 정의할 수 있다는 개념을 정의하는 데 도움을 주었으며, 공간 자체가 작품의 중요한 요소가 될 수 있다는 것을 보여주었습니다.
제1회 구성주의 전시회, 1921
공간에서 그림 그리기
1920년대 후반에 현대주의 추상 조각 언어는 입체적 부조, 발견된 물체, 기하학적 및 인물 추상화, 그리고 물리적 공간의 충만함과 공허함의 개념을 포함하고 있었다. 이탈리아 미래주의자들은 움베르토 보치오니의 공간의 연속성의 독특한 형태와 같은 작품에서 조각을 사용하여 움직임, 즉 다이나미즘을 보여주려고 시도하기도 했다(자세히 보기). 그러나 실제로 조각에 움직임을 도입하고 키네틱 조각이라는 새로운 영역을 창조한 영예는 알렉산더 칼더에게 돌아간다.
칼더는 기계 공학을 전공했으며, 이후에야 미술 학교에 다녔습니다. 졸업 후 그는 기계 장난감을 만들기 시작했고, 결국 전체 기계 서커스를 디자인했습니다. 1929년경, 그는 섬세하고 장난기 가득한 철사 조각을 만들기 시작했으며, 이를 "공간에서 그리기"라고 설명했습니다. 1930년, 그는 그의 철사 조각에 움직이는 부분을 추가했을 때, 마르셀 뒤샹은 이 예술 작품들을 "모바일"이라고 불렀습니다. 칼더의 운동하는 모바일은 이제 그의 작품 중 가장 즉각적으로 인식할 수 있는 부분이 되었으며, 메타메카닉스의 창조자인 장 팅겔리와 같은 예술가들에게 영감을 주었습니다. 또한, 1960년대에 이 개념을 정교한 극단으로 발전시킨 베네수엘라 예술가 게고와 같은 "공간에서 그리기"의 가장 다작한 모더니스트 대가에게도 영향을 미쳤습니다.
게고, 공간 철사 구조, 부분 설치 모습
조합 및 누적
1950년대에 개념 예술가들은 피카소와 뒤샹이 개척한 아이디어를 발전시켰습니다. 발견된 객체의 개념은 대도시들이 쓰레기로 과중해지면서 보편화되었고, 산업 제품의 대량 생산과 소비가 새로운 정점에 도달했습니다. 다학제 예술가 로버트 라우센버그는 피카소의 콜라주와 조합의 기본 요소를 뒤샹의 발견된 객체와 예술가의 선택에 대한 개념과 결합하여 그의 추상 조각에 대한 상징적인 기여를 창조했습니다. 그는 그것들을 "콤바인"이라고 불렀으며, 본질적으로 다양한 쓰레기, 잔해 및 산업 제품으로 만들어진 조각적 조합으로, 예술가에 의해 신중하게 하나의 덩어리로 결합되었습니다.
Robert Rauschenberg - Monogram, Freestanding combine, 1955, © 2018 Robert Rauschenberg Foundation
비슷한 시기에, 개념 예술가 아르망은 누보 리얼리스트의 창립 멤버 중 한 명으로, 뒤샹의 레디메이드 개념을 출발점으로 삼아 그가 "축적"이라고 부르는 일련의 조각 작품을 만들었습니다. 이러한 작품을 위해 아르망은 동일한 레디메이드 물체를 여러 개 수집하여 그것들을 용접하여 조각 덩어리로 만들었습니다. 이러한 방식으로 제품을 활용함으로써 그는 레디메이드 제품의 개념을 재맥락화하고, 그것을 추상적인 형태로 사용하여 이전의 의미를 제거하고 상징적이고 주관적인 것으로 변형시켰습니다.
Arman - Accumulation Renault No.106, 1967, © Arman
재료 및 공정
1960년대에 조각가들은 자신의 작품의 순수한 형식적 측면에 점점 더 집중하게 되었다. 그들의 전임자들의 감정과 드라마를 일종의 거부로 삼아, 에바 헤세와 도널드 저드와 같은 조각가들은 자신의 작품에 사용된 원자재와 그들의 물체가 만들어지는 과정에 집중했다. 에바 헤세는 종종 독성이 있는 산업 재료인 라텍스와 유리섬유를 사용하여 작업하는 데 선구적인 역할을 했다.
Eva Hesse - Repetition Nineteen III, 1968. Fiberglass and polyester resin, nineteen units, Each 19 to 20 1/4" (48 to 51 cm) x 11 to 12 3/4" (27.8 to 32.2 cm) in diameter. MoMA Collection. Gift of Charles and Anita Blatt. © 2018 Estate of Eva Hesse. Galerie Hauser & Wirth, Zurich
헤세와 달리, 그녀의 조각 형태에서 기술과 개성이 두드러지게 드러난 반면, 도널드 저드는 예술가의 손길의 흔적을 완전히 제거하려고 노력했다. 그는 그가 특정 객체(Specific Objects)라고 부르는 것을 만들기 위해 작업했으며, 이는 2차원 및 3차원 예술의 정의를 초월하고 산업적 과정과 재료를 사용하며, 일반적으로 예술가가 아닌 기계나 다른 작업자에 의해 제작되었다.
Donald Judd - Untitled, 1973, brass and blue Plexiglas, © Donald Judd
현대 옴니디isciplinar 아트
현대 조각가들이 지난 100년 이상 동안 이룬 발전 덕분에 오늘날은 추상 미술에서 놀라운 개방의 시대입니다. 현대의 많은 실천이 전방위적이며, 그 결과로 흥미롭고 다형적인 미적 현상이 나타납니다. 많은 현대 추상 예술가들의 작품은 "회화", "조각", 또는 "설치"와 같은 단순한 레이블을 초월하는 독특한 존재감을 가지고 있습니다. 추상 조각의 현대주의 개척자들은 현대 예술가들이 누리는 많은 개방성과 자유, 그리고 우리가 그들의 미적 해석을 통해 우리 세계를 즐길 수 있는 무수한 방법에 대해 상당 부분 책임이 있습니다.
특집 이미지: 알렉산더 칼더 - 블루 페더, 1948, 운동하는 철사 조각, © 칼더 재단
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio
