마크 로스코: 인간 드라마를 찾는 색채의 대가

추상 표현주의와 색면화의 주요 주역인 마크 로스코(1903 – 1970)는 20세기 가장 영향력 있는 화가 중 한 명으로, 그의 작품은 인간의 본질에 깊이 울림을 주었고 지금도 그러하다. 색채의 대가로 알려진 로스코의 그림은 단순한 회화적 요소의 탐구를 넘어선 것이었다. 그의 작품의 형식적 특성에 기반한 수많은 해석에도 불구하고, 그는 풍부한 안료와 색면, 그리고 색조들이 만들어내는 관계를 통해 관람자를 사로잡고 감정을 탐구하며 캔버스 안에서 경험을 일으키는 여정을 시작했다. 이는 종종 이성을 벗어나 설명하기 어려운, 작품과 깊은 인간적 연결을 불러일으킨다.

대부분 독학으로, 그리고 어떤 면에서는 부적응자로서, 마크 로스코는 복잡한 정신을 지닌 인간이자 예술가였다. 그는 특히 ‘색채주의자’라는 꼬리표에 반대하며, 인간 드라마의 불안정을 끊임없이 표현하려는 화가였다. 그의 경력 내내 그는 집단적 사고를 따르지 않고, 인간 본질의 비극에 의해 형성된 독특한 작품 세계를 구축했다. 초기의 구상 작품과 혁신적인 다형태 작품에서부터 상징적인 로스코 예배당과 흑백 시리즈에 이르기까지, 로스코의 작품은 종종 그의 삶을 반영하는 진화적 논리로 해석된다.

작가의 작품 세계를 따라가면, 파리의 루이비통 재단에서 열리고 있는 마크 로스코 전시가 색채의 역할을 연대기적으로 재검토하며, 색채의 제거가 속임수였음을 보여준다. 자두색과 버건디 톤이 배어 있는 그의 어두운 캔버스들은 환상을 깨뜨리며, 1960년대 후반 작품 시리즈에서도 이를 확인할 수 있다. “나는 색에 관심이 없다. 내가 추구하는 것은 빛이다,”라고 로스코는 한때 말하며, 모든 작품을 관통하는 공통된 실을 엮어 색조의 진정한 기능을 드러냈다.

로트코비치에서 로스코까지

색면화의 대명사이자 추상미술의 선구자 중 한 명인 마크 로스코는 1903년 9월 25일 자유주의 유대인 가정에서 마커스 야코블레비치 로트코비치로 태어났으며, 세계적으로 알려진 영어식 이름은 훨씬 나중에 채택했다. 어린 시절, 그는 고향인 드빈스크(현 라트비아 다우가프필스)를 떠나 가족과 함께 1913년 러시아 제국에서 미국으로 이주해야 했다. 고국에서 종교 학교를 다녔고 오리건주 포틀랜드의 링컨 고등학교를 졸업했지만, 로스코는 특별히 종교적이지 않았으며 그의 작품에도 신앙이 크게 반영되지 않았다.

1920년대 초, 그는 장학금을 받고 예일대에 입학했으나 1년 만에 중단하고 1923년 뉴욕으로 이주해 아트 스튜던트 리그에 가입해 입체파 화가 맥스 웨버의 수업을 들었다. 당시 뉴욕은 유럽 예술가들의 피난처이자 독일 표현주의자, 프랑스 현대주의자, 초현실주의자들이 모여들어 젊은 로스코에게 큰 영향을 끼친 창작의 중심지였다. 그는 특히 파울 클레와 조르주 루오의 작품에 깊은 인상을 받았다.

1930년대에 그는 아돌프 고틀리브, 바넷 뉴먼, 존 그레이엄 등 동료 예술가들을 만나면서 화가 밀턴 에이버리와 가까워졌고, 이는 로스코가 예술가의 길을 선택하는 데 중요한 계기가 되었다. 처음에는 에이버리의 영향 아래 있었으나, 점차 다른 이들의 스타일에서 벗어나기 시작했고, 이는 1933년 뉴욕 현대미술관에서 열린 첫 동부 해안 개인전에서 드러났다. 2년 후, 그는 벤 지온, 일리야 볼로토프스키, 아돌프 고틀리브, 루이스 해리스, 얀켈 쿠펠드, 루이스 샹커, 조셉 솔먼, 나훔 차크바소프 등과 함께 독립 예술가 그룹 ‘더 텐’을 결성하며 마커스 로트코비치에서 마크 로스코로 이름을 바꾸었다.

마크 로스코 - Black On Maroon, 1958년. 캔버스에 유화. 266.7 x 365.7 cm. 테이트, 런던. 아메리칸 파운데이션 오브 아츠를 통해 작가가 기증. 1969년. © 1998 케이트 로스코 프리젤 & 크리스토퍼 로스코 - 아다그프, 파리, 2023

시대나 양식적 요소와 상관없이, 마크 로스코는 점차 색채로 상징되는 인간 존재의 비극을 묘사하는 데 관심을 해방시켜 온 것으로 보인다. 그의 첫 뉴욕 개인전은 주로 초상과 도시 풍경을 다루었으며, 색면과 색조에 의해 이끌리는 회화적 논리를 예고했다. 전환기(1940-1950)에는 여전히 구상에 의존했지만, 이 시기에 로스코는 동료 예술가들과 현대 심리학의 선구자 지그문트 프로이트와 칼 융의 영향을 받아 신화적 참조와 초현실적 요소를 작품에 포함시키기 시작했다. 《독수리의 징조》(1942)와 같은 로스코의 그림들은 ‘현대 신화’를 창조하려는 의도의 일부로, 추상 표현주의의 전조 역할을 했다.

구상적 요소나 참조를 완전히 제거한 로스코는 1946년부터 유명한 다형태 작품을 그리기 시작했다. 이 추상 작품들의 구성은 겹쳐진 직사각형 색면으로 완전히 축소되어, 서로 다른 색조와 톤이 스며들며 불러일으키는 감정적, 심리적, 시각적 감각을 탐구했다. “그림은 경험의 그림이 아니다. 그것은 경험이다,”라고 로스코는 요약하며, 그의 임무가 단순한 그림을 넘어 다감각적 경험을 구축하는 것임을 밝히면서, 크기와 액자 포기의 중요성을 색조, 톤, 색채의 생동감만큼 강조했다.

마크 로스코 - No. 14, 1960년. 캔버스에 유화. 290.83 cm x 268.29 cm. 샌프란시스코 현대미술관 - 헬렌 크로커 러셀 기금 구입. © 1998 케이트 로스코 프리젤 & 크리스토퍼 로스코 - 아다그프, 파리, 2023

몰입적이고 친밀한 경험

로스코가 관람자를 작품 속으로 몰입시키려는 의도는 미스 반 데어 로에의 시그램 빌딩을 위해 제작된 유명한 시그램 벽화(1956-1958)를 포함한 여러 의뢰와 프로젝트에서 실현되었다. 이 9점의 캔버스는 테이트 미술관에 자리 잡아 장엄한 로스코 방을 이루었다. 시그램 벽화에서 로스코의 팔레트는 어두워졌고, 갈색, 버건디, 마룬, 붉은 색면들이 서로 스며들었으며, 그의 구도는 수평과 수직의 판으로 바뀌어 건축적 형태, 문과 창문이 배경으로 스며드는 듯한 인상을 주었다. 로스코가 건축과 처음 만난 것은 워싱턴 D.C.의 필립스 컬렉션 의뢰였으며, 이어 하버드 벽화, 그리고 텍사스 휴스턴의 로스코 예배당으로 절정에 달했다. 1970년 자살하기 전, 그는 흑백 시리즈 작업을 진행 중이었으며, 최근 해석에 따르면 이는 미니멀리즘과의 연관성을 시사한다.

그의 회화 활동에 중요한 공백기가 있었던 동안, 로스코는 자신의 회화 비전을 설명하는 책을 집필하는 데 전념했다. 2004년 사후에 출간된 《예술가의 현실》은 20세기 가장 뛰어난 예술가 중 한 명의 마음과 영혼을 엿볼 수 있는 귀중한 자료로, 그의 그림이 지닌 신비를 통해 계속해서 매혹을 선사한다. 로스코의 글을 읽는 것은 그의 그림의 비밀을 푸는 열쇠를 제공하지만, 우리가 그의 초대를 따라 용기 내어 작품과 마주할 때 느끼는 친밀하고 감정적이며 설명할 수 없는 감각적 반응을 대신할 수는 없다. “우리에게 예술은 위험을 감수할 준비가 된 이들만이 탐험할 수 있는 미지의 세계로의 모험이다.”

프랜시스 베르토미에 지음

대표 이미지: 루이비통 재단의 로스코, © Ideelart