폴 클레의 그림이 미국 예술가들에게 영감을 준 방법

추상 표현주의가 첫 번째 순수한 미국 미술 운동이었다고 종종 말해진다. 이는 뉴욕 스쿨의 구성원들로 대표되는 미국 예술가들이 유럽의 영향을 벗어나 그들만의 독특한 미적 목소리를 확립한 첫 번째 사례를 나타낸다고 주장된다. 그러나 뉴욕 스쿨의 시작을 앞둔 30년 동안 그려진 폴 클레의 그림들을 자세히 살펴보면, 아마도 추상 표현주의자들이 미술사 책들이 제안하는 것만큼 구세계의 영향에서 자유롭지 않았던 것일지도 모른다. 이제 처음으로 스위스 베른에 있는 폴 클레 센터가 미국 전후 예술가들이 폴 클레의 작업에 의해 영향을 받은 다양한 방식에 대한 진지한 학술 조사를 시작하려고 한다. 이 조사를 시작하기 위해 센터는 최근 폴 클레 이후의 10명의 미국인들 전시회를 열었다. 클레의 그림과 함께 잭슨 폴록, 마크 토비, 케네스 놀랜드, 윌리엄 바지오티스, 아돌프 고틀리브, 노먼 루이스, 로버트 마더웰, 진 데이비스, 테오도로스 스타모스, 브래들리 워커 톰린의 훌륭한 작품들이 전시되고 있다. 이는 20세기 가장 영향력 있는 미국 화가들의 작품을 볼 수 있는 비할 데 없는 기회일 뿐만 아니라, 폴 클레 센터의 큐레이터들의 말에 따르면, 이 획기적인 전시는 또한 '...

“이 예술가들이 클레의 예술 개념과 실천에 의해 얼마나 영감을 받았는지를 eloquent하고 인상적으로 증언하는 내용입니다.”

추상 아방가르드의 선구자

1879년 스위스 베른에서 태어난 폴 클레는 결코 타고난 예술가가 아니었습니다. 1897년부터 1918년까지 철저히 유지한 그의 일기에서 그는 색을 이해하는 데 있어 자신이 끔찍한 실패자라고 생각했으며, 예술가로서 자신이 운명 지어졌다고 확신했습니다. 그러나 1911년, 여러 해의 학습과 여러 번의 실패를 겪은 후, 그의 태도와 운명은 완전히 바뀌었습니다. 그 해 그는 바실리 칸딘스키를 만나고 아방가르드 블루 라이더 그룹의 일원으로 받아들여졌습니다. 클레는 칸딘스키의 정신적 기민함과 미학적 아이디어에 영감을 받았습니다. 그리고 비록 그는 다소 독특한 미학적 접근 방식을 유지했지만, 클레는 빠르게 그룹의 철학적 발전에 영향력 있는 기여자가 되었습니다.

그러나 제1차 세계 대전이 시작되었다. 많은 동료 예술가들처럼 클레도 강제로 프로이센 군대에 징집되었다. 클레는 전선에서 싸울 필요는 없었지만, 전쟁은 그의 많은 친구들의 생명을 앗아갔고, 그가 예술을 바라보는 방식을 극적으로 변화시켰다. 클레는 "이 세상이 끔찍해질수록, 예술은 더욱 추상화된다."고 말했다. 전후, 그는 보편적이고 순수한 것을 드러내는 방법으로서 추상화에 그 어느 때보다 헌신하게 되었다. "예술은 가시적인 것을 재현하지 않는다,"고 그는 말했다. "그것은 가시적으로 만든다." 이러한 선구적인 태도를 실험의 중심에 두고, 그는 빠르게 제1차 세계 대전 이후 유럽 아방가르드의 선두주자로서 널리 알려지게 되었다.

폴 클레 - 보름달의 불, 1933, © 폴 클레 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / VG 빌드-쿤스트, 본

베른으로의 귀환

클레가 보여준 명백한 열정과 천재성은 그를 동료들 사이에서 존경받게 만들었고, 1930년대에는 젊은 세대의 영향력 있는 교사로 자리 잡았다. 그는 1931년부터 1933년까지 뒤셀도르프 아카데미에서 존경받는 교수로 재직했으며, 물론 유명한 바우하우스의 주요 강사 중 한 명이기도 했다. 그러나 1933년 바이마르 공화국이 끝나고 유럽이 다시 전쟁의 위기에 처했을 때, 클레는 신흥 나치당의 표적이 된 예술가 목록에 포함되었다. 그는 독일을 떠나 스위스로 돌아갔다. 그 사이에 그의 많은 미술상들은 미국으로 도피했다. 클레는 1933년부터 1940년 사망할 때까지 유럽에서 거의 작품을 판매하지 않았지만, 그의 미술상들은 미국에서 그의 많은 그림을 계속 판매했다. 그리고 1930년대와 40년대 내내 미국 전역에서 수많은 클레 전시회가 열렸다.

뉴욕 학교의 많은 회원들은 폴 클레의 그림에서 받은 영감에 대해 공개적으로 이야기했습니다. 클레와 마찬가지로 이 예술가들도 최근에 끔찍한 세계 대전에서 벗어나 새로운 방법으로 표현할 수 없는 것을 표현하려고 했습니다. 그들이 그의 시각적 스타일을 직접적으로 모방하지는 않았지만, 클레가 그의 그림을 만들기 위해 사용한 방법들은 그들이 보다 시대를 초월하고 고대적이며 순수한 예술을 만드는 방법을 찾는 데에 영감을 주었습니다. 폴 클레가 인정받는 많은 혁신 중에서, 그리고 미국의 제2차 세계 대전 이후 아방가르드에 직접적인 영향을 미친 것들은 자동주의(무의식적으로 그리기, 나중에 초현실주의자들이 채택한 기법), 원시주의(예술을 만드는 가장 초기의 원초적 방법으로 회귀하기, 나중에 아르 브뤼의 지지자들이 채택한), 그리고 환원주의(보편적인 상징을 가장 단순한 본질로 줄이는 것, 클레가 초기 추상 예술가들인 칸딘스키와 말레비치에게서 배운 것)입니다.

폴 클레 - 부와르의 이미지, 1922, 종이에 유화와 수채화로 복사, 13 1/10 × 19 3/10 인치, 33.2 × 49 cm, © 폴 클레 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕 / VG Bild-Kunst, 본

자동 그리기

폴 클레 이후의 10명의 미국인 전시는 클레와 가장 자주 연관되는 세 가지 개념을 잘 보여주는 미국 아티스트들의 작품을 선정하는 데 탁월한 성과를 거두고 있습니다. 자동 드로잉의 영역에서 잭슨 폴록, 브래들리 워커 톰린, 그리고 마크 토비의 작품이 전시되고 있습니다. 폴록의 작품 번호 16 (1948)은 그 생동감 넘치는 팔레트로 눈길을 끌고 있습니다. 제스처로 그린 흰색 선들이 폭발적인 노란색 얼룩과 극적인 검은색 소용돌이와 뒤섞여 있으며, 모두 깊은 파란색의 바다 위에 펼쳐져 있습니다. 이 그림은 클레가 작업했던 자동 드로잉 방법을 완벽하게 나타내며, 폴록이 그의 상징적인 "스플래터" 그림을 혁신할 때 유명하게 사용했던 방법입니다. 톰린의 작품 번호 12 (1949)은 제스처 마킹, 서예적이고 선형적인 형태, 넓고 직관적인 검은색 붓 자국을 통해 자동 드로잉의 사용을 보여줍니다. 마크 토비의 임프린트 이후 (1961)는 모서리에서 모서리까지 직관적인 마킹으로 가득 찬 폭발적인 전면 구성으로, 잠재의식의 불안, 긴장 에너지, 그리고 서정적 표현을 드러냅니다.

마크 토비 - 인프린트 이후, 1961, 종이에 구아슈, 99.7 x 69.5 cm, 필립스 컬렉션, 워싱턴 D.C., 1962년 구입, © 2017, ProLitteris

원시주의

원시주의를 보여주는 10 Americans After Paul Klee,에는 로버트 마더웰, 테오도로스 스타모스, 윌리엄 바지오티스의 작품이 포함되어 있습니다. 마더웰의 Abstraction on Turquoise (1945)는 그의 초기 작품에 익숙하지 않은 이 화가의 팬들에게는 절대적인 계시가 될 것입니다. 마더웰은 대담하고 검은 생물형의 우울한 제스처 추상화로 명성을 쌓았습니다. 이 그림은 생생한 색상과 거의 기발한 느낌을 주지만, 그 원시적인 형태와 질감은 그가 후속 작품에서 취한 방향을 명확히 나타냅니다. 테오도로스 스타모스의 Ohne Titel (1945)는 전시회에서 아마도 가장 구상적인 작품일 것입니다. 섬 풍경을 연상시키는 원시적 추상화로, 이 작품은 동굴 벽화의 이미지를 불러일으킵니다. 윌리엄 바지오티스의 Pierrot (1947)는 제목이 암시하듯 같은 이름의 고전 프랑스 팬터마임 캐릭터를 언급합니다. 그림 속 단순화된 원시적 형태는 캐릭터를 본질적인 요소로 축소하고, 그를 매우 단순화된 방식이면서도 매우 표현적인 방식으로 묘사합니다.

로버트 마더웰 - 터키석 위의 추상, 1945, 오일, 에나멜 페인트, 모래 및 석탄을 사용한 캔버스 판, 61 x 50 cm, 데달루스 재단, Inc., © 데달루스 재단, Inc. / 2017, 프로리터리스

환원주의

레덕티비즘, 즉 본질적이고 보편적인 상징을 가장 단순한 형태로 축소하는 것을 보여주는 10 Americans After Paul Klee에는 아돌프 고틀리브, 케네스 놀랜드, 진 데이비스, 노먼 루이스의 작품이 포함되어 있다. 아돌프 고틀리브의 두 작품인 Labyrinth #1 (1950)과 The Seer (1950)는 많은 면에서 폴 클레의 초기 레덕티브 추상 작품과 매우 유사하다. 그리드의 배경을 가지고 작업하면서, 그들은 기하학적 요소와 형상적 참조가 혼합된 추상화된, 축소된 상징 형태의 모음을 제시한다. 그들의 풍화된 표면과 제스처적 하층은 구성의 더 두드러진 요소들의 단순성을 반박하는 복잡성과 깊이를 만들어낸다. 케네스 놀랜드의 In the Garden (1952)는 고틀리브 작품들과 매혹적인 대화를 나눈다. 그것은 캔버스의 거의 정확한 중앙에 극적인 X를 포함하고 있으며, 이는 아마도 깨진 그리드 또는 원시적인 지시적 표식을 나타낼 수 있는 대각선 선들로 둘러싸여 있다. 단순화되었지만, 이 그림의 색상 간의 밀고 당김은 놀라운 깊이와 광채를 부여한다.

진 댄스 I (1960) - 진 데이비스는 축소적 구성의 최고의 예입니다. 이 특정 그림이 폴 클레에 의해 직접적으로 영감을 받았다고 말하기는 어렵습니다. 그것의 순수한 색상과 매우 정제된 선형 기하학적 이미지는 이 전시회의 다른 모든 작품들과는 거리가 멉니다. 그러나 그것은 분명히 클레에게 영감을 준 초기 추상 예술가들, 예를 들어 말레비치와 같은 예술가들에게 회귀하며, 선, 직사각형, 순수한 색상 영역의 축소적 측면을 탐구한 몬드리안과 같은 예술가들에게도 회귀합니다. 마지막으로, 노먼 루이스의 프롬나드 (1950)는 전시회에서 중요한 공백을 채웁니다. 축소주의, 원시주의 및 자동 드로잉의 요소를 통합하여, 폴 클레의 영향력의 진화에 대한 질문을 해결합니다. 그 복잡성, 에너지 및 흥분 속에서, 이 구성은 다른 작품들 사이에서 순수하게 미국적이고 순수하게 미래 지향적인 것으로 두드러집니다. 그것은 클레가 발전시키는 데 도움을 준 아이디어의 영향을 받았음이 틀림없지만, 또한 이 모든 미국 화가들이 이루고자 했던 다음 단계의 표현을 나타냅니다.

'10 Americans After Paul Klee'는 스위스 베른의 폴 클레 센터에서 2018년 1월 7일까지 전시됩니다.

특징 이미지: Kenneth Noland - In the Garden, 1952, 하드보드에 유화, 49.5 x 76.2 cm, The Phillips Collection, Washington, DC, 1952년 구입, © 2017, Prolitteris