피에트 몬드리안 작품에서 스타일의 진화

많은 예술가들이 보편적인 것을 표현하기 위해 노력합니다. 하지만 보편적이라는 것은 무엇을 의미할까요? 피에트 몬드리안에게 그것은 영적인 것을 의미했습니다: 그러나 교조적이거나 종교적이지는 않았습니다. 오히려 몬드리안은 영적이라는 단어를 모든 존재를 연결하는 근본적인 균형을 지칭하는 데 사용했습니다. 오늘날 우리가 돌아볼 수 있는 피에트 몬드리안 작품의 방대한 양은 객관적이고 구상적인 표현에서 순수한 추상으로의 미적 진화를 겪은 예술가의 이야기를 들려줍니다. 그 진화를 다양한 단계로 추적함으로써 우리는 몬드리안이 인류의 보편적인 본질을 이해하고 이를 추상 예술을 통해 완벽하게 표현하고자 했던 개인적인 철학적 및 예술적 여정을 따라갈 수 있습니다.

젊은 피에트 몬드리안

많은 추상 예술가들처럼, 피에트 몬드리안은 자연 세계를 정확하게 복사하는 방법을 배우며 예술 훈련을 시작했습니다. 어린 시절 그는 아버지에게서 그림을 배우고, 전문 예술가인 삼촌에게서 그림 그리는 법을 배웠습니다. 20세에 몬드리안은 암스테르담의 왕립 시각 예술 아카데미에 등록하여 고전 기법에 대한 교육을 계속 받았습니다. 그는 대가들의 작품을 복사하는 데 능숙해졌습니다. 졸업할 무렵 그는 기술적 드로잉의 전문가가 되었고, 실제 이미지에서 완벽하게 복사하는 데 필요한 분석적 기술을 개발했습니다.

하지만 학교를 졸업한 후, 몬드리안은 후기 인상파에 노출되었고, 그가 회화를 통해 이룰 수 있는 것에 대한 비전이 발전하기 시작했다. 그는 이러한 예술가들이 직접적인 모방을 통해 표현할 수 있는 것보다 더 실질적인 것을 표현하려고 시도한 다양한 방법에 영감을 받았다. 예를 들어, 빛의 질이나 색의 경험을 강화하는 방식이었다. 몬드리안은 조르주 쇠라와 폴 세잔과 같은 예술가들의 기법을 탐구하며, 재현 회화에서 벗어나는 과정을 시작했다. 그는 추상을 통해 자연 세계의 근본적인 진실을 표현할 방법을 찾고자 했다.

피트 몬드리안 - 저녁: 빨간 나무, 1908-1910. 99 x 70 cm. 헤이그 시립 미술관, 헤이그, 네덜란드  

본질에 대한 성찰

우선, 몬드리안은 사실적인 색으로 그릴 필요성을 없애고 형태를 완벽하게 모방할 필요성을 포기했습니다. 그는 시리즈로 작업하는 경향이 있었으며, 같은 이미지를 여러 가지 미세하게 다른 방식으로 그렸습니다. 예를 들어, 1905년경에 시작한 일련의 그림에서 그는 같은 농가를 여러 가지 다른 스타일로 그렸으며, 색상을 바꾸고 형태의 표현을 바꾸고 선의 사용을 바꾸었습니다. 각 이미지에는 농가가 인근의 수역에 반사되는 것과 같은 유사점이 있지만, 각 그림의 분위기는 다릅니다. 그러나 다양한 분위기에도 불구하고 각 그림은 자연스럽고 조화로운 균형감을 가지고 있습니다.

연속 작업 과정을 통해 몬드리안은 그가 도달한 다양한 결과에 그의 분석적 기술을 적용할 수 있었습니다. 그는 추상이 그의 그림의 감정적이고 미적 특성에 영향을 미칠 수 있는 다양한 방식을 이해하는 데 능숙해졌습니다. 또한 그는 자연 세계에 존재하는 근본적이고 보편적인 패턴과 인간이 그것을 미적으로 즐거운 것으로 해석하는 방식에 대해 더 인식하게 되었습니다. 그가 말했듯이; “보편적인 것이 본질이라면, 그것은 모든 삶과 예술의 기초입니다. 따라서 보편성을 인식하고 그것과 하나가 되는 것은 우리에게 가장 큰 미적 만족과 가장 큰 아름다움의 감정을 줍니다.”

피에트 몬드리안 - 꽃이 핀 사과나무, 1912

정신과 장소

1908년, 몬드리안은 테오소피 사회의 회원이 되었습니다. 이 조직은 바실리 칸딘스키와 테오 반 도스부르크와 같은 예술가들도 회원으로 두고 있었습니다. 테오소피스트들은 우주의 고대 영적 지혜와 연결되고 이해할 방법을 찾고자 했습니다. 몬드리안은 예술이 삶의 더 높은 질문들과 직접적으로 연결되어 있으며, 예술을 통해 존재의 조화로운 본질이 전달될 수 있다고 확신했습니다. 테오소피스트들의 보편적 지혜에 대한 영적 탐구의 영향을 받아, 몬드리안은 자신의 접근 방식을 단순화하고, 사물을 기본적인 본질로 되돌리려 했습니다. 이는 그의 예술에서 다양한 방식으로 나타났으며, 예를 들어 1908년의 저녁: 붉은 나무와 같은 더 간소화된 형태와 더 순수한 색상 사용으로 나타났습니다.

그의 시각 언어를 간소화하는 과정은 1912년 몬드리안이 파리로 이주했을 때 가장 중요한 전환점을 맞이했다. 그곳에서 아방가르드는 분석적 입체주의의 아이디어에 의해 지배되었다. 입체주의가 표면과 평면에 대처하는 방식과 색상 팔레트를 제한하는 방식은 몬드리안이 추상화에 완전히 헌신하도록 격려했다. 그는 움직임이나 사차원성을 포착하는 데 관심이 없었지만, 입체주의의 평면 사용을 실험하고 그들의 차분하고 단순화된 색상 사용을 채택했다.

피에트 몬드리안 - 회색 나무, 1911. 유화. 78.50 cm × 107.5 cm (30.9 in × 42.3 in). 헤이그 시립 미술관, 헤이그

다시 집으로 돌아가다

1914년, 몬드리안은 아버지를 만나기 위해 집으로 잠시 돌아갈 예정이었으나 파리를 떠났습니다. 그러나 제1차 세계 대전의 발발로 인해 그는 다음 5년 동안 네덜란드에 머물게 되었습니다. 이 기간 동안 파리의 아방가르드에서 멀어졌지만, 몬드리안은 보편적인 조화로운 본질을 표현하기 위해 그의 추상적인 시각 언어를 정제하려는 탐구를 계속했습니다. 우연히도, 이 시기에 네덜란드에는 몬드리안이 결국 발전시킬 상징적인 스타일을 확립할 유사한 미적 탐구를 가진 두 명의 예술가가 있었습니다. 그 중 한 명인 바르트 반 더 렉은 몬드리안에게 그의 색상 사용이 여전히 재현적이며 순수하고 기본적인 색상으로 나아가야 한다고 설득했습니다.

다른 예술가는 테오 반 도스부르크로, 그는 몬드리안에게 이미지를 평면화하여 부피를 없애고 선과 색상만 남기도록 영향을 주었습니다. 몬드리안은 이 계시에 대해 이렇게 말했습니다; “나는 평면을 사용하여 부피를 파괴하는 데 이르렀습니다. 이것은 평면을 가로지르는 선들로 이루어졌습니다. 그러나 여전히 평면은 너무 온전하게 남아 있었습니다. 그래서 나는 오직 선만 만들고 색상을 선 안에 담았습니다. 이제 유일한 문제는 이러한 선들도 상호 대립을 통해 파괴하는 것이었습니다.”

피트 몬드리안 - 구성, 1916, 유채, 나무 포함, 47 1/4 x 29 3/4 인치 (120 x 75.6 cm), 솔로몬 R. 구겐하임 미술관, 뉴욕 솔로몬 R. 구겐하임 창립 컬렉션, © 2007 몬드리안/홀츠만 신탁

조화로 나아가기

제1차 세계 대전 동안 테오 반 도스부르크와 바르트 반 더 렉과 함께 몬드리안은 우리가 지금 그의 개별화된 스타일로 생각하는 것을 성공적으로 발전시켰습니다. 그들은 그들의 접근 방식을 '드 스틸'이라고 불렀습니다. 이는 네덜란드어로 '스타일'을 의미합니다. 그들은 모든 형상적 참조에서 자유로운 순수한 추상을 성공적으로 달성했습니다. 몬드리안은 심지어 참조 제목의 사용을 없애고, 그의 드 스틸 그림을 색상에 대한 구체적인 설명만 뒤따르는 구성으로 명명했습니다.

초기 De Stijl 작품에서 몬드리안은 여러 색조의 색면을 사용하고 수평, 수직 및 대각선 선을 사용했습니다. 그러나 그는 빠르게 대각선 선을 제거하고 수평 및 수직 선만 사용하기를 선호했으며, 이는 그가 자연의 균형 힘을 나타낸다고 여긴 행동과 비행동, 또는 움직임과 정지와 같은 것들을 나타냅니다. 그러나 반 도스부르크는 몬드리안의 접근 방식이 너무 제한적이고 교조적이라고 생각하며 대각선 선의 사용을 유지했습니다. 그 미세한 차이는 두 예술가가 관계를 끝내게 했고, De Stijl의 종말로 이어졌습니다.

피트 몬드리안 - 빨강, 파랑, 노랑의 구성 II, 1929. 캔버스에 유채와 종이. 59.5 cm × 59.5 cm (23.4 in × 23.4 in). 국립 박물관, 베오그라드, 세르비아

보편성 표현하기

반 도스부르크와 몬드리안이 갈라진 후, 그들은 각자의 데 스틸 해석에 이름을 붙였다. 반 도스부르크는 자신의 새로운 스타일을 엘리멘타리즘(Elementarism)이라고 부르고, 몬드리안은 자신의 새로운 스타일을 네오 플라스티시즘(Neo-Plasticism)이라고 불렀다. 네오 플라스티시즘은 수평선과 수직선만을 사용했을 뿐만 아니라, 빨강, 파랑, 노랑의 기본 색상과 검정, 흰색, 회색의 기본 값을 포함했다. 네오 플라스티시즘의 '플라스틱'은 3차원 현실을 표현하려는 모든 예술을 지칭하는 역사에서 유래한 것으로, 이를 플라스틱 아트(plastic arts)라고 한다. 네오 플라스티시즘은 몬드리안이 그의 완전히 추상화된 스타일이 본질적이고, 실제적이며, 보편적인 것을 가장 간단하고 직접적인 방식으로 표현한다고 믿었다는 것을 전달했다.

추상화에 대한 여러 가지 관점이 있습니다. 어떤 사람들은 그것이 실제를 숨긴다고 믿습니다. 다른 사람들은 그것이 본질을 드러낸다고 믿습니다. 어떤 이들은 그것을 일반화와 동일하다고 간주하며, 따라서 본질적으로 불완전하다고 해석합니다. 네오 플라스티시즘을 통해 몬드리안은 이 주제에 대한 확신에 찬 관점을 제시했습니다. 몬드리안은 인간이 최고의 존재 상태에 도달하기 위해서는 축소가 필수적이라고 믿었습니다. 그는 복잡함이 인간 본성의 가장 저급한 요소의 표현이라고 생각했으며, 사소한 세부사항이 우리를 방대한 개인적 차이에 집중하게 만들어 보편성을 달성하는 것을 방해한다고 믿었습니다. 그는 가장 단순하고, 가장 본질적이며, 모든 이와 관련될 수 있는 것을 추구함으로써, 만나는 모든 이가 공감할 수 있고 우리 모두를 깊고 보편적인 방식으로 연결할 수 있는 새로운 완전한 추상 시각 언어를 창조하고자 했습니다.

특징 이미지: 피에트 몬드리안 - 브룩지더 밀의 잘린 모습, 서쪽을 향한 날개, 1902. 유화, 판지에 그린. 30.2 x 38.1 cm. MOMA 컬렉션
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio