구상미술: 절대적 명료함의 미술에 대한 수집가 안내서

미술사 용어 중 "Concrete Art"만큼 오해받는 단어도 드뭅니다. 일반인에게는 무게감, 견고함, 혹은 회색의 산업 재료를 떠올리게 하지만, 미술계에서는 훨씬 더 급진적인 의미를 지닙니다. 그것은 예술이 반드시 다른 무언가에 대해 "말해야 한다"는 생각을 거부하는 것입니다. 전통적 추상화가 현실에서 추상화(나무를 선으로 축소)하는 반면, Concrete Art는 새로운 현실을 구축합니다. 선, 색, 평면이 의자나 돌처럼 구체적인 실체임을 주장합니다. 오늘날 디지털 소음과 끝없는 서사가 넘치는 세상에서, Concrete Art 작가들이 추구하는 "절대적 명료성"과 자율적 형태는 단지 관련 있을 뿐 아니라 필수적입니다. 그것은 보는 그대로가 바로 그것인 시각적 안식처를 제공합니다.

추상을 넘어서: Concrete Art의 독특한 본질

Suprematism, Constructivism, De Stijl, Neo-Concrete Art, Minimalism과 함께 Concrete Art는 20세기 대략 1913년부터 1970년 사이에 등장한 여섯 가지 기하학적 추상 미술 운동 중 하나입니다. 그러나 이 목록의 다른 모든 운동과는 뚜렷이 다릅니다. 그 차이는 쉽게 눈에 띄지 않을 수 있습니다. 시각적으로 이 여섯 운동 모두 비슷한 작품을 만들었기 때문입니다. 이는 모두 선, 형태, 색과 같은 비객관적이고 형식적인 요소에 뿌리를 둔 동일한 시각 언어를 기반으로 했기 때문입니다.

Daniel Göttin - Untitled 1-12 - 2017

이들 사이의 본질적 차이는 거의 전적으로 의미론적이었으며, 각 운동의 의도와 의미가 독특했습니다. Suprematism은 기하학적 추상을 통해 “순수한 감정이나 지각의 우월성”을 전달했습니다. Constructivism은 현대 세계를 위한 새로운 유용한 상징을 만들기 위해 사용했습니다. De Stijl은 우주의 내재적 조화를 탐구하기 위해 기하학적 요소를 사용했습니다. Concrete Art는 순수하게 플라스틱적이었으며, 사용된 모든 시각 요소는 기계적으로 만들어졌고 상징적, 감정적, 영적 또는 자연주의적 의미가 전혀 없었습니다. Neo-Concrete Art는 Concrete Art와 같은 시각 언어를 사용했지만 순수한 플라스틱성을 거부하고, 사람들이 예술과 상호작용할 때 발생하는 현상학적 가능성에 집중했습니다. Minimalism은 플라스틱 요소가 자기 참조적이어야 한다는 점에 동의했지만, 그 믿음을 극단으로 밀어붙여 미학적 요소에 자율적 힘을 부여하고 작가를 승화시켜 저자성, 서사, 전기 또는 작품의 전체적 존재를 방해할 수 있는 모든 증거를 제거했습니다.

이 모든 운동 중 오직 Concrete Art만이 순수 추상임을 주장할 수 있습니다. 오직 Concrete Art만이 외부 의미를 적극적으로 제거하려 했고, 작가들이 작품에 명확히 보이는 것 이상의 어떤 것도 전달할 필요가 없도록 자유롭게 했습니다.

구체성으로 나아가기

순수하고 플라스틱적인 예술에 대한 경향은 19세기 중반 유럽에서 뿌리를 내렸습니다. 그때 인상주의와 디비지오니즘과 같은 운동에 속한 화가들이 빛과 색과 같은 요소를 개별적으로 고려할 가치가 있는 것으로 분리하기 시작했습니다. 그러나 그 당시 사람들에게 주제와 의미는 여전히 중요했으며, 적어도 예술가 자신이 아니라 후원자들에게는 그랬습니다. 입체파와 미래파 같은 운동이 그 관점을 바꾸기 시작했고, 1900년대 초 Wassily Kandinsky와 Kazimir Malevich 같은 예술가들이 완전히 추상적인 작품을 그릴 수 있는 길을 열었습니다.

하지만 Kandinsky와 Malevich조차도 영성이나 상징주의와 같은 외부 의미를 참조하는 작품을 만들었습니다. 1930년이 되어서야 유럽에서 처음으로 진정으로 무의미하고 순수한 형태의 추상 시각 예술을 받아들이려는 욕망을 성공적으로 언어화한 예술가가 등장했습니다. 그 예술가는 네덜란드 화가이자 작가인 Theo van Doesburg였습니다. Van Doesburg는 1917년경 Piet Mondrian과 함께 De Stijl을 공동 창립하며 처음 주목받았지만, 곧 Mondrian과 결별했습니다. Mondrian은 많은 다른 추상 예술가들처럼 유토피아적 영성에 크게 영향을 받았기 때문입니다. Van Doesburg는 모든 그런 영향과 자연주의적 또는 구상적 참조를 벗어나고자 했습니다. 그래서 1930년, 스위스 예술가 Otto Gustaf Carlsund, 프랑스 화가 Jean Hélion, 아르메니아 화가 Léon Arthur Tutundjian, 프랑스 타이포그래퍼 Marcel Wantz와 함께 Concrete Art 선언문을 공동 저술했습니다.

Leon Arthur Tutundjian - La Boule Noire, 1926, © Leon Arthur Tutundjian

Concrete Art 선언문

선언문은 여섯 가지 원칙을 제시했습니다: “1) 예술은 보편적이다. 2) 예술 작품은 실행 전에 전적으로 정신에 의해 구상되고 형성되어야 한다. 자연, 감각성, 감상성의 형식적 데이터를 받아들여서는 안 된다. 우리는 서정성, 드라마, 상징주의 등을 배제하고자 한다. 3) 회화는 순수한 플라스틱 요소, 즉 표면과 색으로만 완전히 구성되어야 한다. 회화 요소는 ‘자체’ 이상의 의미를 갖지 않는다; 따라서 회화는 ‘자체’ 이상의 의미를 갖지 않는다. 4) 회화의 구성과 그 요소들은 단순하고 시각적으로 통제 가능해야 한다. 5) 회화 기법은 기계적이어야 하며, 즉 정확하고 반인상주의적이어야 한다. 6) 절대적 명료성을 향한 노력이 필수적이다.”

Van Doesburg는 Concrete Art 선언문이 발표된 지 1년 만에 사망하여 이후 수십 년간 그를 공격한 비평가들로부터 이를 방어할 시간이 없었습니다. 비평가들의 불만은 주로 Concrete Art가 차갑고 영혼이 없으며 무미건조하다고 인식한 데 집중되었습니다. 그러나 사실 그것이 바로 이 운동의 의도였습니다. Van Doesburg가 더 오래 살았다면 비평가들과 논쟁하려 하지 않았을 것입니다. 그는 ‘영혼 없음’이라는 말을 칭찬으로, ‘차갑고 무미건조함’이라는 말을 최고의 찬사로 해석했을 가능성이 큽니다.

Art Concret Manifesto, 1930년 5월, wikiart.org 출처

Concrete Art가 처음 많은 예술가들에게 강하게 어필한 이유를 이해하려면, Van Doesburg가 수십 년간의 폭력으로 인해 환멸을 느낀 세대의 일원이었다는 점을 이해하는 것이 필수적입니다. 현대 전쟁이 가져온 대량 사망과 파괴는 그들을 충격에 빠뜨렸습니다. 많은 지식인들은 이 폭력이 진공 상태에서 발생한 것이 아니라고 결론지었습니다. 오히려 정치적, 종교적, 이념적 갈등의 필연적 결과로 보았습니다. Concrete Art는 예술가들이 세계를 파괴 직전까지 몰고 간 현실과 단절할 것을 호소하는 운동이었습니다.

명료성을 위한 시장: 오늘날 Concrete Art 수집

2020년대 중반, 미술 시장은 조용하지만 결정적인 변화를 목격했습니다. 10년간 서사 중심의 정치적 구상 작품이 지배한 후, 수집가와 인테리어 디자이너들은 점점 더 기하학적 추상과 미니멀리즘으로 방향을 전환하고 있습니다. 이 경향은 단순한 미적 변화가 아니라 심리적 변화입니다. 전 세계적 변동성과 디지털 소음이 특징인 시기에 미술계는 "구조로의 도피"를 경험하며, 시각적 안식처를 집단적으로 갈망하고 있습니다.

Concrete Art는 이 운동의 정점에 있습니다. 혼란스러운 외부 세계를 참조하지 않고, 정치, 비극, 재현을 거부하며 순수한 형태를 선호하기 때문에, 유행에 휘둘리지 않는 시대를 초월한 안정성을 제공합니다. 그것은 정의상 확실성의 예술입니다.

Ulla Pedersen - Cut Up Papers 1.5 (왼쪽) 및 Cut Up Paper 1.27 (오른쪽), 2016

“블루칩” 검증

이 운동의 원조 거장들의 시장은 꾸준하고 견고한 성장을 보여, "안전한" 자산군으로서의 지위를 확인시켜 주고 있습니다. Josef Albers는 그의 안정적인 경매 실적으로 시장 보고서에 자주 등장하며(그의 판화 시장은 2015년 이후 매출이 3배 증가했다고 알려져 있습니다), 그는 예외가 아닙니다. Max Bill과 Theo van Doesburg (Contra-Composition VII이 410만 달러의 기록을 세움)의 기록적인 성과는 이 장르의 블루칩 지위를 증명합니다. 한편, Verena Loewensberg과 Richard Paul Lohse 같은 인물들에 대한 기관의 최근 관심 급증은 시장이 이 운동의 주요 유럽 인물들을 적극적으로 재평가하고 격상시키고 있음을 시사합니다.

더불어, 이 운동의 "Neo-Concrete" 부문은 브라질 거장 Lygia Pape와 Hélio Oiticica가 기록적인 판매를 달성하며, 이 운동의 전 세계적이고 문화 간 매력을 입증하고 있습니다.

현대적 기회

통찰력 있는 수집가에게 이 역사적 검증은 시장 신호로 작용합니다. 운동의 "조상"들이 블루칩 지위를 확립하면, 시장의 초점은 자연스럽게 그 생존 후계자를 찾는 쪽으로 넓어집니다. 현대 Concrete Art 수집은 단순한 접근점이 아니라 명망 있는 계보의 지속에 대한 전략적 투자입니다.

IdeelArt에 소개된 현역 작가들의 작품을 구입함으로써, 수집가들은 한 세기 이상의 역사적 대화의 현재 장에 참여합니다. 특정 시기에 강하게 묶인 표현주의 스타일과 달리, Concrete Art의 수학적 순수성은 컬렉션에서 영구적인 "시각적 닻" 역할을 하며, 지적 엄격함과 미적 평화를 모두 추구하는 이들에게 꾸준한 사랑을 받습니다.

Tilman - Artitecture (2015) - Fondation Datris

현대 실천에서의 Concrete Art 유산

Van Doesburg가 1930년 선언문에서 제시한 엄격한 규칙, 즉 기계적 정밀성과 감상성 제거 요구는 오늘날 다소 경직되어 보일 수 있습니다. 그러나 이 운동의 핵심 정신은 현대 실천에서 여전히 살아 숨 쉬고 있습니다. 예술가들은 여전히 재료의 "구체적" 현실을 옹호하며, 구조, 기하학, 색을 감정을 상징하기 위해서가 아니라 관객의 지각과 직접 상호작용하는 자율적 객체를 만들기 위해 사용합니다.

IdeelArt에서는 여러 작가가 이 전통을 이어 21세기로 발전시키고 있습니다:

Tilman: Concrete 전통의 직접적인 후계자로, Tilman은 이 운동을 주요 영감으로 명시적으로 언급합니다. 그의 "구축된 환경"과 쌓인 객체들은 세계를 대표하지 않으며, 새로운 객체로서 세계에 진입합니다. 발견된 시각 요소를 축소 과정을 통해 "만들어진 구체적 객체"로 해석함으로써, 그는 선언문의 요구대로 인상주의적이 아닌 구성된 작품을 완성합니다.

Arvid Boecker: Abstraction-Création의 창립자들이 "정신에 의해 구상되고" 기계적 정밀성으로 실행되어야 하며, 예술가의 낭만적 자아를 제거해야 한다고 주장한 바 있습니다. 독일 화가 Arvid Boecker는 이 "과학적" 창작 방식을 구현합니다. 전통적 붓 대신 스크린 프린팅 스퀴지를 사용하여 손의 표현적 제스처를 제거하고, 캔버스를 엄격한 구성의 현장으로 다룹니다. 그는 덧셈과 뺄셈의 체계적 과정을 통해 유화 층을 쌓아, 색을 감정이 아닌 물리적 무게와 깊이로 만듭니다. 그의 작업은 기계나 건물처럼 객관적이고 실체적인 예술이라는 운동의 꿈을 실현합니다.

Daniel Göttin: Göttin의 작품은 Concrete Art의 "플라스틱" 요소를 3차원 공간으로 확장합니다. 테이프, 목재, 금속과 같은 산업 재료를 사용하여 공간 특정적 개입을 만들고, 방의 건축과 상호작용합니다. 그의 예술은 환상의 창이 아니라 현실의 물리적 변형이며, 빛, 그림자, 재료의 구체적 상호작용을 강조합니다.

Pierre Muckensturm - XXIV 33 212 (Diptych, 2024)

Ulla Pedersen: 덴마크 작가는 자신의 작업을 "색, 물질성, 형태, 균형에 대한 구체적 탐구"라고 설명합니다. 그녀의 작품은 시각적 통제 가능성이라는 운동의 기준에 부합하며, 종종 "축소" 과정을 사용해 긍정적 요소와 부정적 요소를 새로운 구성으로 결합합니다. "형태와 비형태"를 병치함으로써, 그녀는 수학적 정밀성과 형태의 자율성에 대한 운동의 매력을 유지합니다.

Brent Hallard: Hallard의 알루미늄과 종이 작업은 Van Doesburg가 추구한 "절대적 명료성"을 구현합니다. 그의 단색 및 반단색 기하학적 형태 이미지는 서사를 거부하고 정밀성과 정확성을 선호합니다. 미니멀한 아이코노그래피에 집중하여, 작품은 오직 자기 자신만을 참조하는 직접적이고 매개되지 않은 시각적 경험을 만듭니다.

Arvid Boecker, 왼쪽부터: #1744 (2025), #1691 (2024), #1740 (2025)

Pierre Muckensturm: 원래 구상 화가였던 Muckensturm은 "차분함과 지속성"을 포착하기 위해 추상으로 전향했습니다. 그의 대형 유화와 판화는 제스처적 요소를 분리하지만, 표현주의적 서사에 사용하지 않고 구조적 구성 요소로 다룹니다. 그는 캔버스의 변형을 체계적으로 탐구하며, "시간과의 조화"가 Concrete 이상에 부합하는 객관적이고 시대를 초월한 현실감을 창조합니다.

결론: 인간적 요소

현대 관객은 Concrete Art에서 의미를 찾지 않을 수 없습니다. 작가의 의도는 우리에게 크게 중요하지 않은 경우가 많으며, 우리는 작품을 미술사와 개인사라는 맥락에서 보기 때문입니다. 이것은 브라질 작가 Lygia Pape, Hélio Oiticica, Lygia Clark가 설립한 Neo-Concrete 운동에서도 깨달은 점입니다. 그들은 색, 형태, 선이 자기 자신만을 참조하더라도, 우리가 직접 경험할 때 새로운 의미를 갖는다는 것을 알았습니다. Concrete Art 작가들이 객관적 순수를 달성하려 최선을 다했음에도 불구하고, 추상 예술에서 절대적 명료성은 달성하기 어렵습니다. 왜냐하면 인간의 마음이 언제나 기꺼이 상상력을 발휘해 물을 흐리기 때문입니다.

필립 Barcio (2017) 작성 - 프랜시스 Berthomier (2025) 편집.
대표 이미지: ©Brent Hallard - Bondi Bathers Butterfly (2022).

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