괴르그 헤롤드와 빛나는 서쪽, 본 미술관에서

대부분의 사람들은 아마도 Georg Herold를 이른바 “구세대”의 일원으로 분류할 것이다. 결국 그는 70세다. 실제로 7년 전 본 미술관은 야심 찬 단체전 The Luminous West에 그를 포함시키면서 불운하고 다소 무의미한 이 꼬리표를 공식적으로 헤롤트에게 붙였다. 이 전시는 독일 라인란트/노르트라인베스트팔렌 지역 출신 작가 33명의 작품을 선보였다. 전시의 목표는 독일 이 지역의 미학적 유산에 대한 일관된 비전을 세우고, 이를 바탕으로 지역의 미래가 어떠할지 예측적으로 고찰하는 것이었다. 이 기념비적인 과업을 수행하기 위해 미술관은 독특한 큐레토리얼 방식을 채택했다. 먼저 5명으로 구성된 학술팀에 “구세대”를 대표하는 작가 19명을 선정하도록 했다. 팀은 이 지역의 이른바 “역사적 핵심”에서 시작했는데, 여기에는 조제프 보이스, 지그마르 폴케, 이미 크노벨, 게르하르트 리히터, 블링키 팔레르모 등 5명의 작가가 포함되었다. 이어서 그들은 게오르크 헤롤트를 비롯한 “구세대” 작가 14명을 더 선정했다. 다음으로 미술관은 이른바 “구세대” 작가들, 혹은 그중 아직 생존해 있던 작가들에게 전시에 포함할 만하다고 생각하는 “젊은 세대” 작가들을 추천해 달라고 요청했다. 당시 63세였으니 게오르크 헤롤트가 구세대의 대표로 선정된 것이 모욕처럼 보이지 않을 수도 있다. 하지만 그럼에도 불구하고 그 명칭에는 어딘가 잘못된 점이 있다. 헤롤트가 미술계에 막 등장한 신인이었던 때는 그리 오래전 일이 아니다. 그리고 오늘날까지도 그의 작품은 매혹적이고 신선하며 재치 있고 불손하고 도발적이다. 많은 경우, The Luminous West에서 미래를 대표한다고 여겨진 시간상 더 젊은 작가들의 작품보다 훨씬 그러하다. 현재 같은 공간인 본 미술관에서 열리고 있는 새로운 게오르크 헤롤트 개인전은 이 사실을 선명하게 드러낸다. 그의 작품은 여전히 역동적이며 계속해서 최첨단을 보여 준다. 나는 예술에서 “늙음”을 판단하는 유일한 기준이 생물학적 나이여서는 안 되는 것인지 생각하게 된다. 헤롤트가 보여 주듯, 때로는 시간이 흐른 뒤에야 작가에게서 최고의 아이디어와 가장 강력한 작품이 모습을 드러내며, 초기 작업의 온전한 의미와 잠재력이 마침내 밝혀진다.

늦은 등장

게오르크 헤롤트는 1947년 독일 예나에서 태어났다. 예나는 인구 약 10만 명의 대학 도시다. 그는 처음에 대장장이 견습생으로 훈련받았고, 이후 대학에 진학해 본격적으로 예술가가 되기 위한 공부를 시작했다. 먼저 자신이 성장한 곳에서 가까운 할레의 할레 예술디자인대학교에서 공부했다. 그런 다음 독일 남부의 뮌헨으로 옮겨 1974년부터 1976년까지 뮌헨 미술 아카데미에 다녔다. 이후 북쪽의 함부르크로 가서 1977년부터 1981년까지 지그마르 폴케의 지도로 함부르크 미술대학교에서 공부했다. 함부르크에 있는 동안 헤롤트는 몇몇 다른 학생 작가들과 친분을 쌓았는데, 그중 가장 두드러진 인물은 마르틴 키펜베르거와 알베르트 욀렌이었다. 이들은 이미 예술을 대하는 펑크적 태도로 이름을 알리기 시작한 상태였다.

헤롤트는 이 새로운 야생아들과 함께 1980년대 독일 미술계에서 떠오르는 “악동들” 가운데 한 명으로 불리게 되었다. 대학을 졸업했을 때 헤롤트는 34세였다. 그럼에도 그는 새롭고 젊으며 거침없는 세대의 일원으로 여겨졌다. “악동들” 중 한 명은 오래 살아남지 못했다. 키펜베르거는 1997년 44세의 나이로 세상을 떠났지만, 짧은 경력 동안 미술계에 엄청난 영향력을 발휘했고 현대 미술가라는 것이 무엇을 의미하는지 거의 혼자 힘으로 다시 정의했다. 욀렌은 오늘날에도 작가이자 교사로 활동하고 있다. 그의 추상화는 사랑받고 있으며, 과정에 대한 그의 탐구는 신흥 세대의 작가들에게 막대한 영향을 미쳤다. 그리고 헤롤트가 있다. 그는 “악동들” 가운데 가장 나이가 많다. 그는 성숙기에 접어드는 데 가장 오랜 시간이 걸렸고, 어떤 면에서는 가장 오래 분류를 거부해 왔다. 그는 한때 이렇게 말했다. “나는 모호하고 온갖 해석을 허용하는 상태에 도달하고 싶다.” 그 목표에 충실하듯 그의 작품 세계는 모든 분류를 거부하며, 그 안의 어떤 단일 작품도 아직 성공적으로 진단되지 않았다.

Georg Herold - 무제(캐비아), 1990년, 캐비아, 래커, 캔버스에 잉크, 31 1/2 × 43 1/4인치, 80 × 109.9cm, 사진 제공 Magenta Plains, 뉴욕

끝까지 고수하기

게오르크 헤롤트를 기억하게 만든 첫 작품은 건축에 사용되는 얇은 목재 각재를 벽에 나사로 고정한 것이었다. 그는 이 작품에 Präsentation der ersten Latte, 또는 첫 번째 각재의 프레젠테이션.이라는 이름을 붙였다. 이 작품은 그가 아직 학교에 다니던 1977년, 지그마르 폴케가 가르치던 수업의 과제로 제작되었다. 엄격한 형식적 관점에서 이 작품은 의심할 여지 없이 명확했다. 선과 형태를 나타냈다. 벽에 걸린 3차원 오브제로서 회화와 조각의 역할에 의문을 제기했다. 미니멀하면서도 개념적이었다. 제목은 무언가 의례적인 것을 암시했다. 재료의 이력은 이것이 앞으로 등장할 더 큰 무언가의 구성 요소임을 암시했다. 발견된 오브제로서의 지위는 마르셀 뒤샹과 로버트 라우션버그를 떠올리게 했다. 그러나 이 작품에는 어딘가 익살스러운 면도 있었고, 어쩌면 부조리한 면도 있었다.

하지만 시간이 흐르면서 그 첫 작품의 제목은 예언적인 것으로 드러났다. 헤롤트는 건축용 각재라는 재료로 몇 번이고 돌아왔다. 그는 그것을 더 큰 조각 작품에 사용했고, 다양한 구성으로 벽에 걸었으며, 회화와 다른 작품의 지지대로 사용했고, 섬뜩하면서도 구상적인 조각 연작을 만드는 원재료로 사용했다. 이러한 형태를 만들기 위해 헤롤트는 건축용 각재를 실과 나사로 서로 묶는다. 그런 다음 묶인 막대 위에 캔버스를 팽팽하게 씌워 인간 신체의 형태를 감싸는 일종의 고치를 만든다. 그는 캔버스가 시간이 지나며 마르고 수축하도록 내버려 둔 뒤 형태에 페인트와 래커를 칠한다. 경우에 따라서는 이 형태를 한정판 청동 주물로 제작하기도 한다. 지그마르 폴케의 수업에서 만든 초기 작품의 맥락에서 보면, 이 구상적 형태들은 잠재적 의미의 깊이에서 시적이다. 하지만 재료의 본질을 알지 못하더라도 그 존재감은 고통에서 관능에 이르기까지 다양한 감정을 불러일으킨다. 그것들은 인간화하는 동시에 비인간화하며, 춤의 이미지부터 죽음의 이미지까지 무수한 해석을 불러낸다.

Georg Herold - 무제, 2011년, 각재, 캔버스, 래커, 실과 나사, 115 x 510 x 65cm, 이미지 © Saatchi Gallery, 모든 권리 보유

캐비아와 벽돌

헤롤트가 이름을 알리게 된 또 다른 작품군은 생선 알을 주된 매체로 사용한 회화 연작이다. 이 추상적인 캐비아 회화는 한국의 단색화를 연상시키는 고요하고 자연스러운 특질을 지닌다. 거의 단색에 가깝고, 질감이 은은하며 아름답다. 그러나 의문을 제기하는 것은 바로 그 매체다. 작품을 만드는 데 들어간 수백만, 어쩌면 수십억 개의 물고기 알은 이것이 문자 그대로 살육의 장임을 의미한다. 그것들은 문자 그대로 낭비된 잠재력을 나타낼 수도 있다. 하지만 캐비아는 그저 음식일 뿐이며, 정확히 말하면 꼭 필요한 음식도 아니다. 값비싼 사치품이다. 이 회화들이 상업, 예술, 착취에 관해 어떤 메시지를 전하는지에 대해서는 논의할 것이 많을 수 있다. 반대로 아무것도 말할 것이 없을지도 모른다. 어쩌면 그저 예쁜 회화일 뿐일 수도 있다.

Georg Herold - 무제, 2011년, 캐비아(번호 표기), 아크릴, 캔버스에 래커, 2개 연작, 각 350 x 203cm, 이미지 제공 Galerie Bärbel Grässlin

헤롤트가 자주 돌아오는 또 다른 재료는 벽돌이다. 그는 팽팽하게 당긴 캔버스 표면에 벽돌을 직접 붙인다. 벽돌의 무게는 종종 표면을 아래로 끌어당겨 천을 늘이고 주름과 물결을 만든다. 그 모습은 대개 부분적으로 훼손된 예술 작품처럼 보인다. 관람객이 벽돌이 결국 떨어질지 지켜보고 궁금해하는 동안 작품에는 긴장감이 생긴다. 이 작품들은 곧 일어날 재난처럼 보인다. 동시에 물질성, 질감, 입체성, 공간을 매혹적으로 탐구한다. 재미있으며, 어떤 면에서는 조롱하는 듯한 태도마저 보인다. 또한 더없이 모호하다. 우리에게 보여 주는 것과 말해 주는 것 사이에는 커다란 간극이 있다. 하지만 결국 이것들은 하나의 구조물일 뿐이며, 첫 번째 각재를 제시한 데서 한 걸음 더 나아간 것이다. 무엇보다도 신선하다. 게오르크 헤롤트가 어떤 구세대의 일부로 분류될 만한 작가가 아니라는 사실을 계속해서 증명한다. 사실 존중을 담아 말하자면, 살아 있는 작가 가운데 그런 꼬리표를 붙일 만한 작가는 아무도 없다.

Georg Herold의 본 미술관 전시는 2018년 1월 7일까지 열린다.

대표 이미지: Georg Herold - Herrenperspektive(남성의 관점), 2002년, 지붕 각재, 유리와 노끈으로 만든 조각, 235 x 60 x 365cm, 사진 © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, Arp Museum Bahnhof Rolandseck, 사진: Galerie Grässlin

모든 이미지는 예시를 위한 용도로만 사용되었습니다

Phillip Barcio 작성