괴르그 헤롤드와 빛나는 서쪽, 본 미술관에서

대부분의 사람들은 Georg Herold를 소위 "구세대"의 일원으로 분류할 것이다. 그는 결국 70세이다. 사실, 7년 전 쿤스트뮤지엄 본(Kunstmuseum Bonn)은 그를 The Luminous West라는 야심찬 그룹 전시에 포함시키면서 불행하고 다소 의미 없는 라벨을 붙였다. 이 전시는 독일의 라인란트 / 노르트라인-베스트팔렌 지역 출신의 33명의 예술가들의 작품을 선보였다. 전시의 목표는 이 지역의 미적 유산에 대한 응집력 있는 비전을 확립하고, 그것을 이 지역의 미래가 어떤 모습일지를 예측하는 검토와 연결하는 것이었다. 이 거대한 작업을 수행하기 위해, 박물관은 독특한 큐레토리얼 접근 방식을 채택했다. 먼저, 그들은 "구세대"를 대표하는 19명의 예술가를 선정하는 임무를 5인으로 구성된 학술 팀에 맡겼다. 팀은 이 지역의 "역사적 핵심"이라고 부르는 다섯 명의 예술가로 시작했다: Joseph Beuys, Sigmar Polke, Imi Knoebel, Gerhard Richter, Blinky Palermo. 그들은 그 후 Georg Herold를 포함한 14명의 "구세대" 예술가를 추가로 선정했다. 다음으로, 박물관은 이른바 "구세대" 예술가들, 또는 적어도 여전히 살아 있는 예술가들에게 "젊은 세대"의 예술가들을 추천해 달라고 초대했다. 그들의 작품이 전시에 포함될 가치가 있다고 믿는 예술가들이다. 당시 63세였던 Georg Herold가 구세대를 대표하는 인물로 선정된 것은 아마도 모욕으로 여겨지지 않을 것이다. 하지만 그 명칭에는 뭔가 잘못된 점이 있는 것 같다. Herold가 막 예술계에 등장했을 때가 그리 오래되지 않았다. 그리고 오늘날 그의 작품은 여전히 매력적이고, 신선하며, 재치 있고, 불경스럽고, 도발적이다. 많은 경우, The Luminous West에서 미래를 대표한다고 여겨지는 연대적으로 더 젊은 예술가들의 작품보다 훨씬 더 그러하다. 이 사실은 현재 같은 공간인 쿤스트뮤지엄 본에서 전시 중인 새로운 모노그래픽 Georg Herold 전시로 인해 뚜렷하게 드러난다. 그의 작품은 여전히 역동적이며, 최첨단을 대표하고 있다. 나는 생물학적 나이가 예술에서 "노쇠함"의 유일한 척도가 되어서는 안 되는 것이 아닐까 하는 생각이 든다. Herold가 보여주듯이, 때때로 시간이 흐르면서 가장 좋은 아이디어와 가장 강력한 작품이 예술가에게서 나타나고, 이전 작품의 완전한 의미와 잠재력이 마침내 드러난다.

늦은 항목

게오르그 헤롤드는 1947년 독일 예나에서 태어났습니다. 예나는 약 100,000명의 주민이 있는 대학 도시입니다. 그의 초기 훈련은 대장장이 견습생으로 시작되었고, 이후 그는 대학에 진학하여 예술가가 되기 위해 본격적으로 공부하기 시작했습니다. 그는 먼저 그가 자란 근처의 할레에서 미술 및 디자인 대학에 다녔습니다. 그 후 그는 독일 남부의 뮌헨으로 이주하여 1974년부터 1976년까지 미술 아카데미에 다녔습니다. 다음으로 그는 북쪽의 함부르크로 가서 1977년부터 1981년까지 지그마르 폴케 아래에서 미술 대학에서 공부했습니다. 함부르크에 있는 동안 헤롤드는 여러 다른 학생 예술가들과 친분을 쌓았으며, 그 중에서도 가장 두드러진 인물은 마르틴 키펜베르거와 알베르트 외헬렌입니다. 이들은 이미 그들의 펑크적인 예술 접근 방식으로 이름을 알리기 시작했습니다.

이 새로운 야생자들과 함께, 헤롤드는 1980년대 독일 미술계의 떠오르는 "나쁜 소년들" 중 한 명으로 불리게 되었다. 그가 대학을 졸업할 때쯤, 헤롤드는 34세였다. 그럼에도 불구하고 그는 새로운 젊고 대담한 세대의 일원으로 여겨졌다. "나쁜 소년들" 중 한 명은 오래 살지 못했다. 키펜베르거는 1997년 44세의 나이로 사망했지만, 그의 짧은 경력 동안 미술계에 엄청난 영향을 미쳤고, 거의 혼자서 현대 미술가가 된다는 것이 무엇인지 재정의했다. 외렌은 오늘날에도 여전히 예술가이자 교사로 활동하고 있다. 그의 추상화는 사랑받고 있으며, 그의 과정에 대한 탐구는 떠오르는 세대의 예술가들에게 엄청난 영향을 미쳤다. 그리고 "나쁜 소년들" 중 가장 나이가 많은 헤롤드가 있다. 그는 성숙하는 데 가장 오랜 시간이 걸렸고, 어떤 면에서는 가장 오랫동안 범주화되는 것을 거부해왔다. 그가 한때 말했듯이, "나는 애매한 상태에 도달하여 모든 종류의 해석을 허용할 의도이다." 그 목표에 충실하게, 그의 작품은 모든 범주를 거부하며, 그 안의 어떤 단일 작품도 아직 성공적으로 진단되지 않았다.

Georg Herold - Untitled (Caviar), 1990, Caviar, lacquer, ink on canvas, 31 1/2 × 43 1/4 in, 80 × 109.9 cm, photo credits Magenta Plains, New York

그것을 고수하다

Georg Herold가 기억되는 첫 번째 예술 작품은 건축에 사용되는 얇은 나무 판자로, 벽에 나사로 고정되어 있었습니다. 그는 이 작품을 Präsentation der ersten Latte, 또는 Presentation of the first Plank. 이 작품은 1977년에 제작되었으며, 그가 아직 학교에 다닐 때, Sigmar Polke가 가르치는 수업의 과제로 만들어졌습니다. 이 작품은 엄격한 형식적 관점에서 부인할 수 없는 것이었습니다. 그것은 선과 형태를 나타냈습니다. 벽에 걸린 3차원 물체로서, 회화와 조각의 역할에 도전했습니다. 그것은 미니멀하면서도 개념적이었습니다. 제목은 어떤 의식을 암시했습니다. 재료로서의 역사적 맥락은 그것이 더 큰 무언가의 구성 요소임을 암시했습니다. 발견된 물체로서의 지위는 Marcel Duchamp와 Robert Rauschenberg를 떠올리게 했습니다. 그러나 그것에는 또한 기발한 무언가가 있었고, 아마도 어리석은 무언가가 있었던 것 같습니다.

하지만 시간이 지나면서, 그 첫 작품의 제목은 예언적임이 입증될 것이다. 헤롤드는 건축용 판재의 소재로 다시 그리고 또 다시 돌아왔다. 그는 그것들을 더 큰 조각품에 사용했으며, 다양한 구성으로 벽에 걸었고, 그림과 다른 작품의 지지대로 사용했으며, 그리고 일련의 오싹한 인물 조각을 만드는 원자재로 사용했다. 이러한 형태를 만들기 위해 헤롤드는 건축용 판재를 실과 나사로 묶는다. 그런 다음 그는 묶인 나무 위에 캔버스를 늘여 인간의 몸 형태 위에 일종의 고치를 만든다. 그는 캔버스가 시간이 지나면서 마르고 수축되도록 허용한 후, 형태에 페인트와 래커를 칠한다. 어떤 경우에는 그는 그 형태의 한정판 청동 주조를 만든다. 시그마르 폴케와 함께한 그 수업에서의 초기 작업의 맥락에서 볼 때, 이러한 인물 형태는 잠재적 의미의 깊이에서 시적이다. 그러나 그들의 물질적 본질에 대한 지식이 없더라도, 그들의 존재는 고통에서 관능성에 이르는 다양한 감정을 불러일으킨다. 그들은 인간화와 비인간화를 동시에 이루며, 춤의 이미지에서 죽음의 이미지에 이르기까지 무수한 해석을 불러일으킨다.

Georg Herold - Untitled, 2011, Batten, canvas, lacquer, thread and screws, 115 x 510 x 65 cm, image © Saatchi Gallery, all rights reserved

캐비어 앤 브릭스

헤롤드가 잘 알려진 또 다른 작업은 생선 알을 주요 매체로 사용한 일련의 그림들이다. 이 추상 캐비어 그림들은 한국 단색화 그림의 맥락에서 고요하고 자연스러운 품질을 지니고 있다. 그들은 거의 단색이며, 가벼운 질감과 아름다움을 가지고 있다. 그러나 그들의 매체는 질문을 제기한다. 그들이 만들어지는 데 사용된 수백만, 어쩌면 수십억 개의 생선 알은 그들이 문자 그대로의 살육의 현장임을 의미한다. 그들은 잠재적으로 문자 그대로의 낭비된 잠재력을 나타낼 수 있다. 다시 말해, 캐비어는 단지 음식일 뿐이며, 꼭 필요한 음식도 아니다. 그것은 비싼 사치품이다. 이러한 그림들이 상업, 예술, 착취에 대해 어떤 메시지를 전달하는지에 대해 논의할 것이 많을 수 있다. 그러나 어쩌면 말할 것이 아무것도 없을 수도 있다. 어쩌면 그들은 단순히 예쁜 그림일 뿐이다.

Georg Herold - Untitled, 2011, caviar (numbered), acrylic, lacquer on canvas, 2 parts, each 350 x 203 cm, image courtesy Galerie Bärbel Grässlin

헤롤드가 자주 돌아오는 또 다른 재료는 벽돌이다. 그는 벽돌을 자신의 그림의 늘어난 캔버스 표면에 직접 부착한다. 벽돌의 무게는 종종 표면을 아래로 끌어당겨 늘어나게 하고, 천에 주름과 물결을 만든다. 그 결과는 종종 부분적으로 파손된 예술 작품의 모습이다. 관객들은 벽돌이 결국 떨어질지 궁금해하며 작품에 내재된 긴장을 느낀다. 이 작품들은 재앙이 일어나기를 기다리는 것처럼 보인다. 또한 물질성, 질감, 차원성 및 공간에 대한 매혹적인 탐구이기도 하다. 그들은 재미있고, 어떤 면에서는 조롱하는 듯한 방식도 가지고 있다. 그들은 또한 숭고하게 모호하다. 그들이 우리에게 보여주는 것과 그들이 우리에게 말하는 것 사이에는 큰 간극이 있다. 다시 말해, 그들은 단지 구성물일 뿐이며, 첫 번째 판의 제시에서 한 걸음 더 나아간 것이다. 가장 주목할 만한 점은 그들이 신선하다는 것이다. 그들은 게오르크 헤롤드가 어떤 구세대의 일원으로 분류될 자격이 없는 예술가라는 지속적인 증거이다. 사실, 존경스럽게도, 살아있는 예술가는 누구도 그렇지 않다.

Georg Herold는 쿤스트뮤지엄 본에서 2018년 1월 7일까지 전시됩니다.

특집 이미지: 게오르크 헤롤드 - Herrenperspektive (남성의 관점), 2002, 지붕 배트, 유리 및 끈으로 만든 조각, 235 x 60 x 365 cm, 사진 © VG Bild-Kunst, Bonn 2016, 아르프 뮤지엄 바흐노프 롤란트섹, 사진: 갤러리 그레슬린

모든 이미지는 설명 목적으로만 사용됩니다.

필립 Barcio