단색화 한국화 - 추상 미술의 새로운 트렌드
많은 다양한 경로가 같은 목적지로 이어진다. 인류의 예술 역사 속에서 다양한 자극들이 화가들이 우리가 단순화의 충동이라고 부를 수 있는 것, 즉 시각 언어를 줄이는 데 참여하게 만들었다. 단색화는 1970년대에 등장한 한국화의 한 경향에 붙여진 이름이다. 그 당시 한국의 문화는 수십 년의 전쟁을 겪은 후 마침내 다시 번영하고 있었다. 한국 화가들은 그들의 사회가 겪고 있는 고통을 넘어 고대의 순수한 무언가와 연결되기를 원했다. 단색화는 그들의 방법이었다. 이 단어는 대략 "단색화"로 번역되지만, 이 운동과 관련된 그림들은 단색이라기보다는 중립적이고 차분하다. 단색화의 진정한 핵심은 이와 관련된 예술가들이 주제를 스스로 부정했다는 점이다. 이는 그들이 아무것도 없는 상태에서 이미지를 쌓아 올리고 그것들이 드러날 때 발견해야 한다는 선택을 요구했다.
한국화 vs. 서양 미니멀리즘
아마도 서구에서는 서구 미술 세계가 모든 글로벌 미술 트렌드를 영감을 준다고 당연하게 여기는 경향이 있습니다. 그래서 다른 문화의 예술가들이 서구 예술가들이 했거나 하고 있는 것과 비슷한 예술을 만들고 있다는 것을 알게 되면, 우리는 그 다른 문화의 예술가들이 우리의 방식을 모방하고 있다고 가정합니다. 이 현상은 서구 미술 세계가 단색화에 대해 인식하게 되면서 현재 일어나고 있습니다.
서양인들은 단색화의 차분한 색상 팔레트를 보고 단색화가 모노크롬을 의미한다는 이야기를 듣고 즉시 한국인들이 이브 클라인, 엘스워스 켈리, 게르하르트 리히터 또는 브라이스 마든을 모방하고 있다고 가정합니다. 서양인들은 단색화가 1970년대에 등장했다는 이야기를 듣고 도널드 저드의 "특정 객체"와 같은 이전의 서양 개념이 이 경향에 영향을 미쳤을 것이라고 가정합니다. 그리고 예, 단색화 작가들과 서양 미니멀리스트 작가들이 비슷한 지점에 도달한 것처럼 보이지만, 그들이 그곳에 도달하기 위해 걸어온 길은 전혀 다릅니다.
김환기- 제목 없음, 1970, 캔버스에 유채, 222 x 170.5 cm, © 김환기
여기에서의 전망
많은 길이 같은 목적지로 이어진다는 것은 사실이지만, 사람이 선택하는 길은 도착했을 때 목적지에 대한 인식에 깊은 영향을 미칠 수 있다. 처음 보기에는 단색화가 서양인들이 미니멀리즘으로 도달한 것과 같은 목적지인 것처럼 보인다. 그림들은 유사한 미학을 가지고 있고, 유사한 색조를 지니며, 관객에게 유사한 메시지를 전달하는 것처럼 보인다. 그러나 미니멀리즘과 단색화는 이 단순화와 축소의 장소에 이르기까지 매우 다른 경로를 따랐다. 이러한 다른 경로에 대한 인식은 두 종류의 작품에 대한 매우 다른 해석을 초래한다.
미니멀리즘은 예술의 과거에 대한 반응으로 발전했습니다. 단색화는 과거를 포용하고 사회와 자연의 관계의 뿌리로 돌아가고자 하는 욕망에서 발전했습니다. 미니멀리스트 예술은 추상적 축소의 과정을 통해 이루어지며, 사물이 제거되고 평면적인 용어로 표현됩니다. 단색화 예술은 쌓아 올리고 레이어링하는 과정을 통해 이루어지며, 사물이 축적되고 반복적인 패턴을 통해 표현됩니다. 서양 예술에서 단색화 그림은 일반적으로 단일 색조로 구성됩니다. 단색화의 단색 개념은 특정 색조의 전체 범위로 작업하며, 빛과 어둠, 질감, 재료 및 기타 힘에 의해 어떻게 영향을 받는지를 탐구하는 것입니다. 요약하자면, 미니멀리즘은 빼고, 단색화는 더합니다.
하종현 - 작품 74-06, 1974, 헴프에 유화, 60 3/8 x 45 3/4 인치, © 하종현
산업적 과정 대 자연적 과정
환원적 미니멀리스트 회화와 단색화의 또 다른 주요 차이점은 과정의 개념에 있다. 도널드 저드의 "특정 객체들"의 주요 원칙 중 하나는 산업적 과정을 사용하는 것이었다. 저드는 물건을 제조하고 있었다. 인간적 요소와 기계적 요소는 결과에 모두 필수적이었다. 단색화는 자연적 과정에 초점을 맞춘다. 때때로 합성 재료를 포함하기도 하지만, 그것은 자연 요소, 자연 질감 및 인간이 온 자연의 뿌리로의 회귀를 나타낸다.
단색화는 한국이나 인류의 과거를 거부하는 것이 아니다. 그것은 자연 세계의 모든 구성원이 공유하는 보편적인 무언가로 돌아가려는 시도이다. 서양의 미니멀리스트 예술가들이 최소한의 것으로 마무리하는 데 집중한 반면, 단색화 예술가들은 최소한의 것으로 시작하여 그로부터 발전하는 데 집중하며, 단순함이라는 본질적인 요소를 유지한다. 단색화 그림은 동굴의 석순처럼 쌓이고, 화산의 재나 숲의 화재에서 나오는 그을음처럼 축적되며, 산호초처럼 형태로 변모한다.
권영우- P80-103, 1980, 한국 종이에 천 보드 패널에 장착, 162.6 x 129.5 cm, © 권영우
유일한 상수는 변화이다
단색화의 주요 원칙은 에너지, 자연, 물질성, 촉각성, 부드러움, 질감, 반복, 석탄, 가루, 철, 안료와 같은 자연 요소, 그리고 캔버스와 판지와 같은 자연 표면입니다. 일부 후속 단색화 작품에서는 스팽글, 강철, 플라스틱, 아크릴과 같은 합성 재료의 포함이 자연 세계에 대한 인간 문화의 포함을 표현하는 것으로 보입니다.
자연 미적 현상과 마찬가지로, 단색화의 회화와 조각은 결코 완성된 것처럼 보이지 않습니다. 그것들은 계속 진행될 수 있고, 계속 성장하고 변화할 수 있으며, 또는 갑자기 해체되거나 녹아내리거나 우리의 눈앞에서 사라질 수도 있습니다. Judd의 조각은 최종성을 표현합니다. Agnes Martin의 회화는 조직적이고 완전합니다. Yves Klein의 스펀지 조각은 완성된 제품입니다: 결코 변하지 않도록 의도된 고정된 객체입니다. 단색화에게 변화의 개념과 지속적인 진화의 가능성은 작업의 필수적인 부분이며, 우리가 귀 기울일 때 제공하는 조화로운 메시지의 중심입니다.
특집 이미지: 하종현 - 작품 77-15, 1977, 혼합 매체, 129 x 167.3 cm. © 하종현
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필립 Barcio
