단색화 한국화 - 추상 미술의 새로운 트렌드
여러 가지 다른 길이 같은 목적지로 이어집니다. 인류가 예술을 창조해 온 역사 속에서, 화가들이 시각 언어를 단순화하거나 줄이려는 충동에 몰두하게 된 다양한 동기가 있었습니다. 단색화는 1970년대에 등장한 한국 회화의 한 경향에 붙여진 이름입니다. 그 당시 한국 문화는 수십 년간의 전쟁 후에 마침내 다시 꽃피기 시작했습니다. 한국 화가들은 자신들의 사회가 겪어온 고통을 넘어선, 고대적이고 순수한 무언가와 연결되기를 원했습니다. 단색화가 그들의 방법이었습니다. 이 단어는 대략 “단색화”로 번역되지만, 이 운동과 관련된 그림들은 단색이라기보다는 중립적이고 차분한 색조를 띱니다. 단색화의 진정한 핵심은 작가들이 주제를 스스로 부정했다는 점에 있습니다. 이는 아무것도 없는 상태에서 이미지를 만들어내고, 그것이 드러나는 대로 발견해 나가야 하는 선택이었습니다.
한국 회화와 서양의 최소주의
서양에서는 서양 미술계가 전 세계 미술 경향에 영감을 준다고 당연하게 여기는 경향이 있습니다. 그래서 다른 문화권의 예술가들이 서양 예술가들이 했거나 하고 있는 것과 비슷한 작품을 만든다고 느낄 때, 우리는 그들이 우리 방식을 모방한다고 생각합니다. 이런 현상은 서양 미술계가 단색화를 인식하게 되면서 지금 벌어지고 있습니다.
서양인들은 단색화 작품의 차분한 색조를 보고, 단색화가 단색화를 의미한다는 말을 들으면 즉시 한국인들이 이브 클라인, 엘스워스 켈리, 게르하르트 리히터 또는 브라이스 마든를 모방한다고 생각합니다. 서양인들은 단색화가 1970년대에 등장했다는 말을 듣고 도널드 저드의 “특정 물체”와 같은 이전 서양 개념이 이 경향에 영향을 미쳤을 것이라고 추정합니다. 그리고 사실 단색화 작가들과 서양의 최소주의 작가들이 비슷한 지점에 도달한 것처럼 보이지만, 그들이 그곳에 이르기까지 걸어온 길은 전혀 다릅니다.
김환기 - 제목 없음, 1970년, 캔버스에 유화, 222 x 170.5 cm, © 김환기
여기서 보는 관점
많은 길이 같은 목적지로 이어진다는 것은 사실이지만, 어떤 길을 택하느냐에 따라 도착했을 때 목적지에 대한 인식이 크게 달라질 수 있습니다. 단색화는 얼핏 보면 서양인들이 최소주의로 도달한 목적지와 같아 보입니다. 그림들은 비슷한 미학과 색조를 지니고 있으며, 관람자에게 비슷한 메시지를 전달하는 것처럼 보입니다. 그러나 최소주의와 단색화는 단순화와 축소라는 이 지점에 이르기까지 매우 다른 길을 걸었습니다. 그 다른 길을 인식하면 두 종류의 작품을 매우 다르게 해석하게 됩니다.
최소주의는 과거 미술에 대한 반작용으로 발전했습니다. 단색화는 과거를 받아들이고 사회와 자연의 관계 뿌리로 돌아가려는 욕구에서 발전했습니다. 최소주의 미술은 추상적 축소주의 과정을 통해 이루어지며, 사물을 제거하고 평면적으로 표현합니다. 단색화 미술은 쌓아 올리고 층을 이루는 과정을 통해 이루어지며, 반복적인 무늬로 표현됩니다. 서양 미술에서 단색화는 보통 단일 색조로 이루어집니다. 단색화의 단색화 개념은 특정 색조의 전체 범위를 다루며, 빛과 어둠, 질감, 재료 및 기타 요소에 의해 어떻게 영향을 받는지 탐구하는 것입니다. 요컨대, 최소주의는 빼고, 단색화는 더합니다.
하종현 - 작업 74-06, 1974년, 삼베에 유화, 60 3/8 x 45 3/4 인치, © 하종현
산업적 과정과 자연적 과정
축소적 최소주의 회화와 단색화의 또 다른 중요한 차이는 과정에 대한 개념입니다. 도널드 저드의 “특정 물체”의 핵심 원칙 중 하나는 산업적 과정을 사용하는 것이었습니다. 저드는 물건을 제작하고 있었습니다. 인간과 기계적 요소가 모두 결과에 필수적이었습니다. 단색화는 자연적 과정에 집중합니다. 때로는 합성 재료를 포함하기도 하지만, 인간이 태어난 자연적 요소, 자연적 질감, 자연적 뿌리로 돌아가려는 시도를 나타냅니다.
단색화는 한국이나 인류의 과거를 거부하는 것이 아닙니다. 그것은 자연 세계의 모든 구성원이 공유하는 보편적인 무언가로 돌아가려는 시도입니다. 서양의 최소주의 작가들이 최소한의 것으로 마무리하는 데 집중했다면, 단색화 작가들은 최소한의 것으로 시작해 그 위에 쌓아 올리면서도 본질적인 단순함을 유지하는 데 집중합니다. 단색화 그림은 동굴의 종유석처럼 쌓이고, 화산재나 산불의 그을음처럼 쌓이며, 산호초처럼 형태를 이루어 갑니다.
권영우 - P80-103, 1980년, 닥지에 한지, 판넬에 부착, 162.6 x 129.5 cm, © 권영우
유일한 변하지 않는 것은 변화
단색화의 핵심 원칙은 에너지, 자연, 물질성, 촉감, 부드러움, 질감, 반복, 석탄, 가루, 철, 안료 같은 자연적 요소, 캔버스와 판넬 같은 자연적 표면입니다. 후기 단색화 작품에서는 스팽글, 강철, 플라스틱, 플렉시글라스 같은 합성 재료의 포함이 인간 문화가 자연 세계에 포함된다는 개념을 표현하는 듯합니다.
자연적 미적 현상과 마찬가지로, 단색화 그림과 조각은 결코 완성되지 않은 것처럼 보입니다. 계속 진행 중일 수도 있고, 계속 자라고 변화할 수도 있으며, 갑자기 해체되거나 녹아 없어지거나 사라질 수도 있습니다. 저드의 조각은 완성의 표현입니다. 아그네스 마틴의 그림은 조직적이고 완전합니다. 이브 클라인의 스펀지 조각은 완성된 제품, 변하지 않을 고정된 물체입니다. 단색화에 있어 변화의 개념과 계속 진화할 가능성은 작품에 필수적이며, 우리가 귀 기울일 때 조화로운 메시지의 중심입니다.
대표 이미지: 하종현 - 작업 77-15, 1977년, 혼합 재료, 129 x 167.3 cm. © 하종현
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio
