브라이스 마든과 선의 서예적 처리

전통적인 붓 외에도, 브라이스 마든의 뉴욕 스튜디오의 테이블 위에는 수십 개의 막대기가 펼쳐져 있다. 나무 가지에서 떨어진 평범한 막대기들인데, 각 막대기의 한쪽 끝은 잉크에 담가져 색칠되어 있다. 마든은 이 막대기로 그리며, 종이에 기하학적 기호를 열과 행으로 만들어내고, 두루마리에 쓰인 시를 연상시키는 구성으로 표현한다. 마든의 상상력에서 직관적으로 그려진 이 기호들은 부분적으로 중국 서예에서 영감을 받았다. 또한 공석이라고 불리는 물체의 영향을 받기도 한다. 공석은 자연에서 발견되거나 선택된 돌이다. 이들은 추상적인 물리적 특성으로 인해 귀중하게 여겨지며, 학자들이 사색의 목적으로 사용한다. 그들의 형태, 주름, 구멍, 비대칭적 균형, 표면의 광택, 질감, 색상, 그리고 자연물과의 유사성을 연구함으로써 많은 것을 배울 수 있다. 마든이 만드는 그림처럼, 공석 안에 숨겨진 가능성들은 발견되기를 기다리고 있으며, 그 층과 선 속에 평범하게 숨겨져 있다.

비행기 이미지

브라이스 마든은 1960년대에 화가로서 두각을 나타냈습니다. 그는 1963년 예일 대학교에서 MFA를 받았고 같은 해 뉴욕시로 이사했습니다. 그는 곧 유대인 박물관에서 경비원으로 일할 기회를 얻었습니다. 그곳에서 그는 가장 뛰어난 동시대 작가들의 작품을 연구할 수 있었습니다. 그 시기에 많은 동료 예술가들은 회화에 대한 일반적인 불만을 느꼈습니다. 일부는 오래된 직사각형 캔버스를 조롱하며, 비정상적인 형태로 형성된 캔버스를 실험하고 있었습니다. 그리고 많은 예술가들은 회화가 죽었다고 단언하기도 했습니다.

하지만 마든은 전혀 동의하지 않았다. 그의 생각에 회화가 할 일이 아직 많이 남아 있었다. 1964년경, 그는 회화의 평면에 주목하기 시작했다. 다른 방식으로 표현하자면, 평면은 회화의 전체 표면을 의미한다. 화가가 회화에 추가하는 모든 것은 평면 내에 존재한다. 현대주의의 많은 부분은 가능한 한 평면을 평평하게 만드는 데 집중했으며, 원근법, 밀고 당기기, 또는 그림에 깊이를 더할 수 있는 어떤 것도 제거했다. 그 목표의 정점을 달성하기 위해, 마든은 그가 평면성의 궁극적인 표현으로 여긴 단색화를 그리기 시작했다. 그는 자신의 단색화 버전을 평면 이미지라고 불렀는데, 그 이유는 그가 말했듯이 “평면이 이미지였다” 고 했다.

브라이스 마든 - 딜런 회화, 1966. 캔버스에 유채와 밀랍. 153.35 x 306.07 cm. 샌프란시스코 현대 미술관 (SFMOMA), 샌프란시스코, CA. © 브라이스 마든

직사각형에 대한 찬사

1960년대 화가들이 직사각형 캔버스에 대해 느꼈던 조롱에 관해서, 브라이스 마든은 결코 반대 진영에 속하지 않았습니다. 그는 직사각형을 그림을 위한 궁극적인 형태로 간주합니다. 2014년 내셔널 갤러리 오브 아트와의 인터뷰에서 그는 이렇게 말했습니다. “직사각형은 위대한 인간의 발명입니다. 60년대에는 이런 형태의 그림이 많이 있었죠. 하지만 저는 정말로 직사각형이 좋았습니다. 그리고 그 형태에 정확히 맞는 색을 찾을 수 있다면, 그리고 정말로 그것이 맞다면, 형태의 절대적인 정확성을 가지고 있다면, 그 그림이 무엇을 할 수 있을지 신만이 알 것입니다."

그 아이디어, 즉 그림이 무언가를 할 수 있다는 것은 마든이 예술 전반에 대해 깊이 간직한 존경심과 특히 회화에 대한 존경심을 드러낸다. 그가 단색화를 제작하던 시기에 예술이 무엇인지, 그리고 무엇이 될 수 있는지에 대한 더 큰 대화가 진행되고 있었다. 대중적인 생각은 예술이 무엇이든 될 수 있으며, 모든 것이 잠재적으로 예술이라는 것이었다. 마든은 이에 동의하지 않았다. 그는 예술을 인문주의적 노력으로 방어하며, 예술 작품은 인간의 손에 의해 만들어져야 한다고 주장했다. 1960년대와 70년대 동안, 그는 대담한 단색화를 변명 없는 직사각형에 그리며 회화를 방어함으로써 명성을 쌓았다. 이 작업은 그를 유명하게 만들었고, 1975년에는 미니멀리즘의 거장 중 한 명으로 여겨지며 뉴욕의 구겐하임에서 개인 회고전을 가졌다.

브라이스 마든 - 계절, 1974-75. 캔버스에 유채. 243.8 x 632.5 cm. 메닐 컬렉션, 휴스턴, TX. © 브라이스 마든

서양과 동양의 만남

마든이 1970년대에 그의 명성의 정점에 도달하고 있을 때, 그는 또한 자신의 예술을 이끌 새로운 방향을 찾기 시작하고 있었다. 1980년대 초, 그는 동양 문화와의 일련의 만남이 그에게 새로운 관계를 형성하는 데 영감을 주었을 때, 그가 찾고 있던 영감을 발견했다. 특히 그는 중국 서예에 주목했으며, 개별 기호의 제스처 선과 쓰여진 구절의 열과 행의 격자 같은 특성을 모두 감탄했다.

그는 콜드 마운틴 그림이라는 서예 미학을 바탕으로 한 일련의 그림을 시작했다. 그는 직관적이고 추상적인 서예 기호의 한 층을 그린 다음, 페인트를 긁어내고 또 다른 기호의 층을 그리는 과정을 반복하여 구성이 완성될 때까지 계속했다. 콜드 마운틴이라는 이름은 9세기 중국의 은둔자 승려 한산이 쓴 수백 편의 시로 구성된 콜드 마운틴 시에서 영감을 받았다. 그림의 강렬한 팔레트와 서예적인 모습은 시 두루마리의 미학을 반영하며, 그들의 제스처적이고 층이 있는 이미지는 자유, 자연, 조화를 추구하는 시의 정신을 불러일으킨다.

브라이스 마든 - 콜드 마운틴 6 (브리지), 1989-1991. 리넨에 유채. 108 × 144 인치. 274.3 × 365.8 cm. 샌프란시스코 현대 미술관 (SFMOMA), 샌프란시스코, CA. © 브라이스 마든

학자 바위

서예 외에도, Marden에게 큰 동양의 영향을 준 것은 gongshí, 즉 중국 학자 돌과의 만남이었다. 그 돌들 속에는 온 세상과 모든 생명이 보인다고 전해진다. 최근 몇 년 동안, Marden은 그의 스튜디오에 학자 돌 컬렉션을 모았다. 그는 그들의 복잡함, 패턴, 층, 색상 관계, 그리고 그 안에서 관찰하는 복잡한 조화를 탐구한다. 이러한 관찰은 Red Rocks 회화라는 시리즈로 나타났다.

레드 록스 그림에서 마든은 다시 레이어로 작업하며 선형 형태를 만들고, 그것을 긁어내고, 다시 칠하며 점차적으로 페인트를 쌓아가면서 이미지가 스스로 해결되도록 합니다. 이 그림의 최종 형태는 돌에서 분명히 드러나는 자연 형태와 더 직접적으로 관련이 있는 것처럼 보입니다. 그러나 그들은 여전히 그의 서예적 흔적의 제스처 에너지를 포함하고 있어 구성에 지속적인 움직임의 감각을 부여합니다.

브라이스 마든 - 오렌지 록스, 레드 그라운드 3, 2000-2002. 리넨에 유채. 75 x 107 인치. © 브라이스 마든

그것은 모두 그림에 있다

또한 그의 레드 록 그림에서 마든은 선의 사용을 캔버스의 가장자리까지 확장하여 선을 사용해 프레임의 가장자리를 윤곽짓고, 작품의 직사각형 한계를 강조합니다. 최근 이러한 작품에 대해 이야기하면서 그는 선을 이렇게 사용하는 선택이 그림의 본질과 그것이 어떻게 해석되고 있는지에 대한 질문과 관련이 있다고 언급했습니다. 그는 "이 그림은 세부 사항이 아닙니다. 이 그림은 그 자체입니다. 그 밖에서는 아무것도 일어나지 않습니다. 그것이 바로 이 모든 프레임의 의미입니다."라고 말했습니다.

그 진술, 즉 그림 밖에서는 아무것도 일어나지 않는다는 것과 모든 본질적인 것이 그 안에 포함되어 있다는 것은 마든이 만드는 서예적 선 작품에 영감을 준 동양 전통의 전반적인 주제에 필수적이다. 이는 인간이 자연 밖에 존재하며 독립적으로 작동할 수 있다는 문화적 인식에 대한 대안이다. 현실은 인간이 자연의 일부이지, 자연을 밖에서 관찰하는 별개의 존재가 아니라는 것이다. 모든 것은 자연 안에 있으며, 우리도 포함된다. 그 밖에서는 아무것도 일어나지 않는다.

브라이스 마든 - 리턴 I, 1964-65. 캔버스에 유채. 50 1/4 x 68 1/4" (127.6 x 173.4 cm). 모마 컬렉션. 캐시와 리차드 S. 풀드 주니어의 부분 기증 및 약속된 기증. © 2019 브라이스 마든 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

흐릿한 선

브라이스 마든의 지난 60년간의 작업을 살펴보면, 그의 작품 전체에 걸쳐 일관된 요소들이 있습니다. 그의 팔레트는 일관되게 차분하며, 그는 직사각형 패널의 단색 작품에서 직접적으로, 또는 서예적 선 구성에서 간접적으로 직사각형을 일관되게 수용해왔습니다. 그러나 그는 평면 이미지를 통해 완전한 평면성을 추구하는 것에서 벗어나 선 작업에서 층이 있는 깊이감을 수용하는 것으로 나아가면서 심오한 변화도 있었습니다.

마든에게 그 변화들은 그가 감상하는 회화의 요소를 나타낸다. 그가 경력의 각 단계에서 보는 각 그림은 그 당시의 자신을 상기시켜 준다. 그 작품들을 다시 만나고 돌아갈 수 있다는 것은 그가 끊임없는 변화 속에서도 변하지 않는 무언가에 뿌리를 두고 있다는 느낌을 준다. 그가 한 번 표현했듯이, “회화의 한 가지 특징은 그것이 그렇게 남아 있다는 것이다. 그리고 당신은 그것으로 돌아갈 수 있다. 그리고 매번 돌아갈 때마다 당신은 다르지만, 그것은 동일하다. 그것은 안정된 것이다.”

특집 이미지: 브라이스 마든 - 두 번째 편지, 젠 스프링 (세부 사항), 2006 – 2009. 린넨에 유채. © 브라이스 마든
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio