형태와 형상의 심리학

추상 미술이 왜 매력적일까요? 형태, 색채, 그리고 형상의 시각적 언어로 여겨지는 추상 미술에는 특별한 매력이 있습니다. 관람자가 추상 미술을 즐기는 심리와 예술가의 창작 과정을 설명하려는 여러 이론이 존재합니다. 예술가의 외상 경험은 종종 추상화로의 뚜렷한 변화에서 관찰되는데, 예를 들어 빌럼 드 쿠닝은 알츠하이머병에 걸린 후에도 계속 그림을 그렸으며, 그 후 그의 작품 스타일은 점점 더 추상적으로 변했습니다. 드 쿠닝과 그와 비슷한 많은 예들은 예술이 표현과 인식을 변화시키는 인간 뇌의 변화를 이해하는 데 도움을 줄 수 있음을 보여줍니다. 다음 보고서에서는 추상 미술과 관련된 몇 가지 심리학 이론을 다루겠습니다.

신경미학: 예술 연구에 과학적 객관성 도입

1990년대에 런던 대학교 칼리지의 시각 신경과학자 세미르 제키는 신경미학이라는 학문 분야를 창설했습니다. 이 분야는 신경학적 근거에서 다양한 예술 기법의 상대적 성공을 연구합니다. 추상 작품에 대한 매력의 이유를 탐구한 여러 과학 연구들은 이 장르의 예술을 감상할 때 관람자가 익숙한 형태를 식별하려 애쓰면서 매우 활발한 신경 활동이 일어나 작품이 ‘강력하다’고 느껴진다는 결론을 내렸습니다. 작품을 퍼즐로 보는 뇌는 이 문제를 ‘해결’할 때 만족감을 느낍니다(페퍼렐, 이샤이).

매사추세츠 보스턴 칼리지의 안젤리나 호울리-돌란이 주도한 한 연구(심리과학, 22권, 435쪽)는 전문 예술가가 만든 추상 미술이 아이들이나 동물들이 만든 무작위 선과 색채의 집합만큼 눈에 즐거운지 질문했습니다. 호울리-돌란은 자원자들에게 유명 추상 미술가의 작품 한 점과 아마추어, 아이, 침팬지, 코끼리가 만든 작품 한 점을 보여주었고, 어느 것이 어느 것인지 알리지 않았습니다. 자원자들은 대체로 전문 예술가의 작품을 선호했으며, 라벨에 침팬지가 만들었다고 적혀 있어도 마찬가지였습니다. 이 연구는 우리가 작품을 볼 때 이유는 알 수 없지만 예술가의 비전을 감지할 수 있음을 결론지었습니다. 호울리-돌란의 연구는 인상파 미술의 흐릿한 이미지가 감정과 정서에 중심 역할을 하는 뇌의 편도체를 자극한다는 발견을 따랐습니다. 그러나 해석 가능한 요소를 제거하려는 추상 미술은 이 범주에 속하지 않습니다.

이 연구에서 영감을 받은 뉴사이언티스트의 캣 오스틴(2012년 7월 14일)은 잭슨 폴록의 작품 Summertime: Number 9A을 보고 처음으로 추상 미술이 그녀의 감정을 자극했다고 쓰며 추상 미술의 매력을 탐구합니다. 오스틴은 뇌가 인식할 수 있는 대상이 전혀 없는 것처럼 보이는 추상 미술 작품들—즉 로스코, 폴록, 몬드리안—이 균형 잡힌 구성을 통해 뇌의 시각 체계를 자극하거나 ‘장악’할 수 있다고 가설을 제기합니다.

캐나다 대학의 오신 바르타니안 연구에서는 자원자들에게 원본 그림과 구성이 변경된 그림을 비교하게 했는데, 바르타니안은 우리가 패턴과 구도에 대해 더 강한 반응을 보인다는 것을 발견했습니다. 거의 모든 자원자가 반 고흐의 정물화와 미로의 Bleu I 같은 다양한 스타일에서도 원본 작품을 선호했습니다. 이 결과는 관람자가 그림의 특정 구도에 담긴 공간적 의도를 본능적으로 인지한다는 것을 시사합니다.

오스틴으로 돌아가서, 그녀는 리버풀 대학의 심리학자 알렉스 포사이스의 연구 결과도 고려합니다. 포사이스는 추상 미술에서 사용된 형태와 뇌가 복잡한 장면을 처리하는 능력 사이의 연관성을 밝혔으며, 마네와 폴록의 작품을 언급합니다. 시각적 복잡성을 측정하고 복잡한 이미지를 저장하는 압축 알고리즘을 사용해, 포사이스는 일부 예술가들이 뇌가 세부 사항을 필요로 하는 점에 호소하기 위해 이 복잡성을 활용할 수 있다고 결론지었습니다. 또한 포사이스는 자연에서 가져온 반복되는 프랙탈 패턴에 대한 뇌의 매력과 추상 미술의 매력을 탐구했습니다. 이러한 패턴은 야외에서 진화한 인간 시각 체계에 호소할 수 있으며, 추상 예술가들은 색채를 사용해 “프랙탈 함량이 너무 높을 때 우리가 보통 겪는 부정적 경험을 달래는” 효과를 낼 수 있다고 포사이스는 추론합니다. 오스틴은 신경미학이 아직 초기 단계이며 성급한 결론을 내리기에는 이르다고 지적하지만, 이 분야의 여러 이론은 추상 미술의 시각적 매력에 대한 더 깊은 통찰을 제공합니다. 특히 일부 과학자들은 우리가 폴록 같은 예술가의 작품에 끌리는 이유가 손글씨를 재생하듯 시각적 움직임을 처리하기 때문일 수 있다고 추론합니다. 이는 폴록의 역동성이 관람자에게 재현되는 한 이해일 수 있습니다.

Margaret Neill - Manifest, 2015. 종이에 목탄과 물. 63.5 x 101.6 cm.

바실리 칸딘스키: 예술 속의 영성에 대하여

이제 약 한 세기 전으로 돌아가 독일 표현주의의 선두주자 중 한 명이자 공감각 예술가로 알려진 칸딘스키를 살펴봅시다. 그는 20세기 초 추상 미술의 심리학에 관한 이론에서 중심적 역할을 했습니다. 1911년에 출간된 그의 저서 『예술 속의 영성에 대하여』는 추상 회화의 기초 텍스트로 알려졌으며, 형태, 선, 색채의 감정적 특성을 상세히 탐구했습니다. 칸딘스키의 공감각은 색채에 대한 비정상적 민감성과 색을 보는 것뿐 아니라 듣는 능력으로 나타났습니다. 그는 그림이 지적 분석을 피하고 음악 처리와 관련된 뇌 부위에 도달해야 한다고 주장했습니다. 칸딘스키는 색채와 형태가 예술가가 영적 조화를 이루는 두 가지 기본 수단이라고 믿었으며, 예술의 창작과 인식을 내적 필요와 외적 필요 두 범주로 나누었습니다. 세잔을 언급하며, 예술가는 선형과 색채 형태의 병치를 통해 조화를 창조한다고 제안했으며, 이는 칸딘스키가 “모든 시대에 가장 중요한 예술 원리”라고 여긴 대조의 원리입니다. 이 학술 연구에서 논의된 칸딘스키의 원리 중 하나는 잭슨 폴록의 예술적 실천에 적용할 수 있는데, 폴록은 캔버스를 바닥에 놓고 위에서 물감을 떨어뜨렸습니다. 칸딘스키에게 예술가는 예술의 규칙에 얽매이지 않고 가능한 모든 수단으로 자신을 표현할 자유가 있어야 하며, 이는 내적 필요의 필수 요소입니다. 에드워드 라빈에 따르면, 폴록에게 그림은 “작품이 화가의 개성과 독립적으로 존재하는 요구를 갖는 경험이 된다. 이 요구는 종종 작품의 내적 필요에 따라 개인적 선택을 포기하도록 요구하는 것처럼 보인다.” (잭슨 폴록 작품의 신화적 음영) 어느 정도 이 이론은 포사이스 등 앞서 언급된 이론과 상충하는데, 이는 예술가가 작품 창작에 제한된 선택만을 가진다는 것을 암시하기 때문입니다. 그럼에도 불구하고, 추상 미술 창작 과정의 힘을 보여줍니다.

Anya Spielman - Bury, 2010. 종이에 유화. 28 x 25.4 cm.

극대 이동

극대 이동 원리의 기본 개념은 동물이 정상 자극보다 더 과장된 자극에 더 강하게 반응할 수 있다는 것입니다. 이 개념은 동물행동학자 니콜라스 틴버겐이 처음 제시했으며, V.S.라마찬드란과 윌리엄 허스틴이 1999년 논문 예술의 과학에서 갈매기 실험을 적용했습니다. 이 실험에서 병아리는 어미 부리의 빨간 점뿐 아니라 끝에 세 개의 빨간 줄무늬가 있는 막대도 똑같이 쪼는 경향이 있습니다. 이들은 빨간 윤곽의 양으로 표현된 ‘초자극’에 반응하는 것입니다. 두 사람은 이 빨간 끝이 달린 막대를 관람자가 반응하는 수준과 비교할 때 피카소의 걸작과 비슷하다고 보았습니다.

라마찬드란은 추상 예술가들이 묘사하려는 본질을 찾아내어 과장하고 나머지는 제거함으로써 이 이론을 활용해 가장 긍정적인 결과를 얻는다고 주장했습니다. 라마찬드란에 따르면, 추상 미술에 대한 우리의 반응은 원래 자극에 대한 기본 반응에서 극대 이동한 것이며, 관람자는 원래 자극이 무엇인지 기억하지 못할 수도 있습니다.

Jessica Snow - Worlds Rush In, 2014. 캔버스에 유화. 60 x 54 인치.

뇌 손상과 추상화

드 쿠닝으로 돌아가서, 연구들은 뇌에 단일 예술 중심이 없으며 양쪽 반구가 예술 창작에 관여한다는 것을 보여주었습니다. 이는 뇌 손상이나 신경퇴행성 질환 후 예술 능력이나 창작 성격에 영향을 줄 수 있습니다. The Scientist의 안잔 채터지는 뇌 오른쪽 손상이 공간 처리 장애를 일으켜 사실주의를 덜 요구하는 표현주의적 스타일을 채택하게 할 수 있다고 말합니다. 마찬가지로 왼쪽 뇌 손상은 예술가가 작품에 더 생생한 색을 사용하고 이미지 내용을 바꾸도록 영감을 줄 수 있습니다. 캘리포니아 예술가 캐서린 셔우드는 왼쪽 반구 출혈성 뇌졸중 후 비평가들로부터 더 ‘거칠고’ ‘직관적’인 스타일로 평가받았습니다. 채터지는 뇌 손상이 예술 감상에도 영향을 미칠 수 있다고 말합니다. 구체적으로, 오른쪽 전두엽 손상은 추상성, 사실성, 상징성 판단을 저해하고, 오른쪽 두정엽 손상은 생명감과 상징성 판단에 영향을 줄 수 있습니다.

Gary Paller - 20 (2015) Blue, 2015. 59.1 x 45.7 인치

생산보다 명성

우리가 예술을 경험하는 방식에 따라 더 긍정적으로 반응한다는 상당한 증거가 있습니다. 추상 미술 작품을 볼 때, 그것이 박물관 소장품이라고 들으면 컴퓨터 생성 작품이라고 믿을 때보다 더 매력적으로 평가합니다. 이는 여러 심리적 수준에서 작용하며, 박물관 방문이라는 일화 기억을 처리하는 뇌 부위와 작품의 지위나 진품성에 더 긍정적으로 반응하는 안와전두피질을 자극합니다. 이는 시각적 이미지보다 지식이 추상 미술에 대한 매력에 중요한 역할을 한다는 것을 시사합니다. 마찬가지로, 우리는 예술과 문화에 관한 정보를 기억하는 데서 더 큰 즐거움을 얻을 수도 있습니다.

Greet Helsen - Sommerlaune, 2014. 캔버스에 아크릴. 70 x 100 cm. 

추상 미술은 예술가들에게 매력적이다

추가 연구들은 추상 미술이 특정 집단, 즉 예술가들에게 더 강하게 매력적일 수 있는 이유를 보여주었습니다. 비예술가와 예술가의 뇌에서 발생하는 전기 리듬을 기록한 연구에서, 피험자의 예술적 배경이 추상 미술 처리에 큰 영향을 미치며, 예술가들이 정보에 집중하고 적극적으로 관여함을 밝혔습니다. 한 이론은 이것이 뇌가 시각 자극을 이해하기 위해 다른 작품을 기억하는 데서 비롯된다고 제안합니다. 이러한 기억과 인식을 찾는 다층적 과정이 추상 미술의 지속적인 매력의 많은 부분을 제공합니다. 칸딘스키의 탐구적 1911년 작업부터 극대 이동 개념, 그리고 현대 신경미학 연구에 이르기까지, 추상 미술의 심리는 방대하고 끊임없이 변화하는 연구 분야로서 추상 미술을 해독하고 설명하며 즐기려는 지속적인 관심을 확인시켜 줍니다. 

대표 이미지: John Monteith - Tableau #3, 2014, 47.2 x 35.4 인치