형태와 형상의 심리학

추상 미술은 왜 매력적일까요? 형태, 색상 및 형상의 시각적 언어로 간주되는 추상 미술 작품에 대한 매력에는 매우 특별한 무언가가 있습니다. 관객의 즐거움과 예술가의 창작 뒤에 있는 심리를 설명하려는 여러 이론이 존재합니다. 예술가의 트라우마의 영향은 종종 추상화로의 눈에 띄는 전환에서 관찰될 수 있습니다: 유명하게도, 윌렘 드 쿠닝은 알츠하이머병이 발병한 후에도 계속해서 그림을 그렸으며, 그 이후 그의 스타일은 점점 더 추상적이 되었습니다. 드 쿠닝의 예와 그와 유사한 많은 예들은 예술이 표현과 인식을 변화시키는 인간 뇌의 변화에 대한 통찰을 제공할 수 있음을 보여줍니다. 다음 보고서에서는 추상 미술과 관련된 몇 가지 심리학 이론을 다룰 것입니다.

신경미학: 예술 연구에 과학적 객관성 도입하기

1990년대에 런던 대학교의 시각 신경과학자 세미르 제키(Semir Zeki)는 신경미학(neuroaesthetics)이라는 학문을 창립하였으며, 이는 다양한 예술 기법의 상대적 성공을 신경학적 기초에서 조사합니다. 추상 작품에 대한 매력의 이유를 조사한 여러 과학적 연구들은 이 예술 장르를 연구하는 것이 관객이 익숙한 형태를 식별하려고 애쓰면서 매우 활발한 신경 활동을 자극한다는 결론을 내렸습니다. 따라서 이 작품은 '강력한' 것으로 여겨집니다. 작품을 퍼즐로 보는 뇌는 이 문제를 '해결'할 수 있을 때 기쁨을 느낍니다 (Pepperell, Ishai).

특정 연구, 보스턴 대학교의 앤젤리나 호울리-돌란이 주도한 이 연구(심리 과학, 제22권, 435페이지)는 전문 예술가가 만든 추상 미술이 아이들이나 동물들이 만든 무작위 선과 색의 조합만큼 시각적으로 즐거울 것인지에 대해 질문했습니다. 호울리-돌란은 자원봉사자들에게 유명한 추상 예술가의 작품과 아마추어, 어린이, 침팬지 또는 코끼리가 만든 작품을 사전 지식 없이 감상하도록 요청했습니다. 자원봉사자들은 일반적으로 전문 예술가의 작품을 선호했으며, 라벨이 그것이 침팬지에 의해 만들어졌다고 알려주었을 때도 마찬가지였습니다. 따라서 이 연구는 우리가 작품을 감상할 때, 그 이유를 설명할 수는 없지만, 예술가의 비전을 감지할 수 있는 능력이 있다는 결론을 내렸습니다. 호울리-돌란의 연구는 인상파 미술의 흐릿한 이미지가 감정과 감정에서 중심적인 역할을 하는 뇌의 편도체를 자극한다는 발견을 따릅니다. 그러나 해석 가능한 요소를 제거하려는 추상 미술은 이 범주에 포함되지 않습니다.

이 연구에서 영감을 받아, Kat Austen은 New Scientist (2012년 7월 14일)에서 잭슨 폴록의 작품 Summertime: Number 9A를 감상한 경험을 바탕으로 추상 미술의 매력을 탐구합니다. 그녀는 이 작품이 추상 미술이 그녀의 감정을 자극한 첫 번째 사례였다고 씁니다. 오스텐은 인식 가능한 객체가 전혀 없는 것처럼 보이는 추상 미술 작품들이 – 즉, 로스코, 폴록, 몬드리안 – 잘 균형 잡힌 구성으로 인해 뇌의 시각 시스템에 호소하거나 '탈취'하는 효과를 가질 수 있다는 가설을 제기합니다.

캐나다 대학교의 오신 바르타니안(Oshin Vartanian) 연구에 따르면, 연구자는 자원봉사자들에게 일련의 원본 그림과 구성이 변경된 그림을 비교하도록 요청했습니다. 바르타니안은 우리가 패턴과 구성에 대해 더 강한 반응을 보인다는 것을 발견했습니다. 거의 모든 자원봉사자들은 원본 작품을 선호했으며, 반 고흐의 정물화와 미로의 블루 I와 같은 다양한 스타일로 작업할 때도 마찬가지였습니다. 이 연구 결과는 관람자가 그림의 특정 구성 뒤에 있는 공간적 의도를 본질적으로 인식하고 있다는 것을 시사합니다.

오스틴으로 돌아가면, 그녀는 리버풀 대학교의 심리학자인 알렉스 포사이프의 연구 결과도 고려합니다. 포사이프는 추상 미술에서 사용되는 형태와 뇌가 복잡한 장면을 처리하는 능력 사이의 연관성을 밝혀냈으며, 마네와 폴록의 작업을 언급합니다. 포사이프는 압축 알고리즘을 사용하여 예술 작품의 시각적 복잡성을 측정하고 복잡한 이미지를 저장한 결과, 일부 예술가들이 이 복잡성을 활용하여 뇌의 세부 사항에 대한 필요에 호소할 수 있다고 결론지었습니다. 포사이프는 또한 뇌가 프랙탈 패턴에 끌리는 이유와 추상 미술의 매력을 탐구했습니다. 자연에서 가져온 이러한 반복 패턴은 야외에서 진화한 인간의 시각 시스템에 매력적일 수 있으며, 포사이프는 추상 예술가들이 "너무 높은 프랙탈 콘텐츠를 접할 때 우리가 일반적으로 경험하는 부정적인 경험을 완화하기 위해 색상을 사용할 수 있다"고 추론합니다. 오스틴은 신경미학이 아직 초기 단계에 있으며, 광범위한 주장을 하기에는 너무 이르다고 지적합니다. 그러나 이 연구 분야에서 다루어진 여러 이론들은 추상 미술의 시각적 매력에 대한 더 큰 통찰력을 제공합니다. 특히, 일부 과학자들은 뇌가 폴록을 포함한 예술가의 작업에 끌릴 수 있다고 추론했습니다. 우리는 손으로 쓴 편지와 같은 시각적 움직임을 재생하는 것처럼 처리하기 때문입니다. 이것은 폴록의 작품에서 인식되는 역동성에 대한 하나의 이해가 될 수 있으며, 그의 에너제틱한 생산은 관객에 의해 다시 살아납니다.

Margaret Neill - 매니페스트, 2015. 종이에 목탄과 물. 63.5 x 101.6 cm.

바실리 칸딘스키: 예술의 영적 본질에 대하여

이제 약 100년 전으로 돌아가 보겠습니다. 독일 표현주의의 선두주자 중 한 명으로, 공감각 예술가로 알려진 그는 다음과 같습니다: 칸딘스키는 20세기 초 추상 미술의 심리에 대한 이론에서 중심적인 역할을 했습니다. 그의 저서 ‘예술의 정신적 의미’는 1911년에 출판되었으며, 추상 회화의 기초 텍스트로 알려지게 되었고, 형태, 선, 색상의 감정적 특성을 자세히 탐구했습니다. 칸딘스키의 공감각은 색에 대한 비정상적인 민감성과 색을 볼 뿐만 아니라 들을 수 있는 능력으로 나타났습니다. 이로 인해 그는 회화가 지적 분석을 피해야 하며, 대신 음악 처리와 관련된 뇌의 부분에 도달할 수 있도록 허용되어야 한다고 추론했습니다. 칸딘스키는 색과 형태가 예술가가 구성에서 영적 조화를 이룰 수 있는 두 가지 기본 수단이라고 믿었으며, 따라서 예술의 창조와 인식을 내부 필요와 외부 필요의 두 가지 범주로 나누었습니다. 세잔을 언급하며, 칸딘스키는 예술가가 선형과 색채 형태의 병치를 만들어 조화를 이루어야 한다고 제안했습니다. 이는 칸딘스키가 "모든 시대의 예술에서 가장 중요한 원칙"이라고 주장한 대조의 원칙입니다. 우리는 이 학술 작업에서 논의된 칸딘스키의 원칙 중 하나를 잭슨 폴록의 예술적 실천에 적용할 수 있습니다. 그는 캔버스를 바닥에 놓고 높은 곳에서 물감을 떨어뜨렸습니다. 칸딘스키에게 예술가는 예술의 규칙을 따르지 않아야 하며, 가능한 모든 수단으로 자신을 표현할 자유가 있어야 합니다: 이는 내부 필요에 대한 필수 요소입니다. 에드워드 라빈에 따르면, 폴록에게 회화는 "작품이 화가의 개성과 독립적으로 존재하는 요구를 가지고 있는 경험이 된다. 이러한 요구는 종종 작품의 내적 필요를 위해 개인적인 선택을 포기해야 하는 것처럼 보인다." (잭슨 폴록의 작업에서 신화적 음색) 어느 정도 이 이론은 포사이프와 언급된 다른 이들의 이론과 모순되며, 이는 예술가가 작품 창조에서 제한된 선택을 가지고 있음을 암시합니다. 그럼에도 불구하고, 이는 추상 미술 창조 과정의 힘을 보여줍니다.

Anya Spielman - 버리, 2010. 종이에 유화. 28 x 25.4 cm.

피크 시프트

피크 시프트 원리의 기본 아이디어는 동물들이 정상적인 자극보다 더 과장된 자극에 더 큰 정도로 반응할 수 있다는 것입니다. 이 개념은 원래 동물 행동학자 니콜라스 틴버겐에 의해 설명되었으며, V.S. 라마찬드란과 윌리엄 히어스틴이 1999년 논문 예술의 과학에서 적용했습니다. 그들은 세 gull 실험을 적용했는데, 이 실험에서 병아리들은 어미의 부리 위의 빨간 점과 끝에 세 개의 빨간 줄이 있는 막대기를 똑같이 잘 쪼는 것을 보여주었습니다. 이는 병아리들이 '슈퍼 자극'에 반응한다는 것을 입증하기 위해서이며, 여기서 빨간 윤곽의 양이 그것을 나타냅니다. 두 사람에게 이 빨간 끝이 있는 막대기는 관객이 달성한 반응 수준에 비해 피카소의 걸작과 유사할 것입니다.

라마찬드란은 추상 예술가들이 이 이론을 조작하여 그들이 묘사하고자 하는 본질을 파악하고, 그것을 과장하며, 나머지 모든 것을 제거함으로써 가장 긍정적인 결과를 얻는다고 주장했다. 라마찬드란에 따르면, 우리가 추상 예술에 반응하는 것은 기본적인 반응에서 어떤 원래 자극에 대한 피크 시프트이며, 관객이 원래 자극이 무엇이었는지를 기억하지 못할 수도 있다.

Jessica Snow - 세상이 밀려온다, 2014. 유화. 60 x 54 인치.

뇌 손상과 추상화

데 쿠닝으로 돌아가면, 연구에 따르면 뇌에는 단일한 예술 센터가 없으며, 대신 두 반구가 예술을 창조하는 데 사용된다는 것을 보여줍니다. 이는 뇌 손상이나 신경퇴행성 질환 이후 예술적 능력이나 예술적 생산의 성격에 영향을 미칠 수 있습니다. The Scientist의 안잔 차터지에 따르면, 뇌의 오른쪽 손상은 공간 처리 장애를 초래할 수 있으며, 이는 종종 동일한 정도의 사실성을 요구하지 않는 표현적 스타일의 채택으로 이어집니다. 마찬가지로, 뇌의 왼쪽 손상은 예술가들이 작업에서 더 생생한 색상을 사용하도록 영감을 주고, 그들의 이미지 내용도 변경하도록 할 수 있습니다. 캘리포니아 예술가 캐서린 셔우드의 스타일은 왼쪽 반구 출혈성 뇌졸중 이후 비평가들에 의해 더 '거칠고' '직관적'이라고 평가되었습니다. 예술 생산에 국한되지 않고, 뇌 손상은 예술에 대한 감상도 변화시킬 수 있다고 차터지는 말합니다. 더 구체적으로, 오른쪽 전두엽의 손상은 추상성, 사실성 및 상징성에 대한 판단을 손상시킬 수 있으며, 오른쪽 두정엽의 손상은 생명감과 상징성에 대한 판단에 영향을 미칠 수 있습니다.

게리 팔러 - 20 (2015) 블루, 2015. 59.1 x 45.7 인치

생산보다 명성

예술을 경험하는 방법에 따라 우리가 더 긍정적으로 반응한다는 것을 시사하는 중요한 증거가 있습니다. 추상 미술 작품이 제시될 때, 사람들이 그것이 박물관에서 온 것이라고 들었을 때 더 매력적이라고 평가하며, 그것이 컴퓨터 생성물이라고 믿을 때보다 더 그렇습니다. 비록 그림이 동일하더라도 말입니다. 이는 다양한 심리적 수준에서 작용하며, 박물관에 가는 것에 대한 아이디어인 사건 기억을 처리하는 뇌의 부분과, 작품의 진정성이나 지위 요소에 더 긍정적으로 반응하는 안와전두피질을 자극합니다. 이는 작품의 진정한 감각적 내용보다 더 그렇습니다. 이는 지식이 시각적 이미지가 아닌 추상 미술에 대한 우리의 매력에서 중요한 역할을 한다는 것을 시사합니다. 마찬가지로, 우리는 예술과 문화에 대한 정보를 기억하는 것에서 더 큰 즐거움을 얻을 수도 있습니다.

Greet Helsen - 여름의 기분, 2014. 아크릴화, 캔버스. 70 x 100 cm. 

추상 미술은 예술가들에게 매력적이다.

추가 연구에 따르면 추상 미술이 특정 그룹의 사람들, 특히 예술가들에게 더 강하게 매력적으로 다가가는 이유가 밝혀졌습니다. 비예술가와 예술가의 뇌에서 발생하는 전기적 리듬을 기록한 연구에 따르면, 피험자의 예술적 배경이 추상 미술의 처리에 큰 영향을 미쳤으며, 예술가들은 정보에 대해 집중된 주의와 능동적인 참여를 보였습니다. 한 이론은 이것이 뇌가 시각적 자극을 이해하기 위한 방법으로 다른 작품을 회상하기 위해 기억을 사용하고 있기 때문일 수 있다고 제안합니다. 이러한 회상의 감각과 인식을 찾기 위한 다층적인 과정이 추상 미술에 지속적인 매력을 제공하는 것으로 보입니다. 칸딘스키의 탐구적인 1911년 작품부터 피크 시프트 개념, 그리고 현대의 신경미학 연구에 이르기까지, 추상 미술의 심리학은 추상 미술을 해독하고 설명하며 즐기려는 지속적인 관심을 확인하는 방대하고 끊임없이 변화하는 연구 분야입니다. 

특집 이미지: 존 몬티스 - 타블로 #3, 2014, 47.2 x 35.4 인치