메시지를 받으셨나요? 추상 예술가들이 환경 긴급성을 전달하는 방법

형상도, 서사도, 문자적 표현도 없이: 시각 예술에서 어떻게 메시지를 전달합니까? 이것이 추상 예술에서 활동가가 직면한 딜레마이며, 진정한 활동가적 추상이 매우 드문 이유를 설명합니다. 구상 예술은 녹는 북극곰, 침수된 도시, 시위자의 얼굴을 보여줄 수 있습니다. 추상 예술은 오직 색, 형태, 제스처, 재료만을 제공합니다. 그러나 기후 위기가 가속화되고 모든 목소리를 요구함에 따라, 선구적인 예술가 그룹은 추상이 명시적 메시지에 저항하는 것에도 불구하고, 오히려 그것이 독특하게 제공하는 것 때문에 활동가가 될 수 있음을 증명했습니다.

도전은 현실입니다. 전통적인 기후 소통(재앙적 이미지, 압도적인 데이터)은 한계에 도달해 종종 연구자들이 "기후 피로" 또는 감정적 마비라고 부르는 상태를 유발합니다. 추상 환경 예술은 대안 전략을 제공합니다: 재난을 묘사하는 대신 환경 과정(흐름, 해체, 축적)을 모델링하고 관람객을 직접적인 감각적·감정적 경험으로 참여시킵니다. 위기를 보여주는 것이 아니라, 그것을 느끼게 합니다.

이 글은 추상 예술가들이 여섯 가지 뚜렷한 미학적 전략을 통해 환경의 긴급성을 어떻게 전달하는지 탐구합니다. 선구적인 예술가들(Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker 등)의 작품을 통해 추상의 명백한 한계가 환경 옹호에서 어떻게 예상치 못한 강점이 되는지 살펴봅니다.

두 가지 모델, 여섯 가지 전략

추상 환경 운동은 두 가지 포괄적인 모델을 통해 작동합니다: 의식, 참여, 집단 애도를 사용하여 관람객이 공유된 감정적 경험을 통해 환경 문제를 "느끼게" 하는 Affective Model과 시각화, 몰입, 규모를 사용하여 관람객이 보이지 않는 생태계 시스템과 과정을 "이해하게" 하는 Cognitive Model.

이러한 모델 내에서, 예술가들은 여섯 가지 핵심 전략을 사용합니다:

1. 보이지 않는 것을 보이게 만들기: 가장 파괴적인 환경력 중 일부는 육안으로 볼 수 없습니다: 대기 중 탄소, 온도 변화, 미시 생태계, 인간 인식에 너무 느리게 움직이는 지질학적 시간. 추상 예술가들은 이러한 숨겨진 현상을 인지 가능한 형태로 번역하여, 우리가 볼 수 없지만 절실히 이해해야 하는 것을 만질 수 있게 만듭니다.

2. 물질적 증인: 환경 위기를 묘사하기보다는, 일부 예술가들은 그들의 재료를 메시지의 능동적 참여자로 만듭니다. 생태학적으로 중요한 물질을 사용하거나 침식, 용해, 부패 같은 자연 과정을 작품 자체에 반영하게 합니다. 작품은 환경 사건의 표현이 아니라 법의학적 흔적, 물리적 증거가 됩니다.

3. 규모와 몰입: 거대한 형식과 몰입형 설치는 관람자를 압도하여 생태계의 광대함과 신체적으로 대면하게 만듭니다. 이 전략은 관찰자와 환경 사이의 편안한 거리를 허물고, 신체적 규모를 사용해 생태 위기를 부추기는 소외를 극복합니다. 작품에 둘러싸이거나 압도당할 때, 지적 이해는 본능적 체험으로 대체됩니다.

4. 데이터/증인의 색채: 환경 추상에서 색채는 감정 표현보다는 부호화된 정보로서 기능하는 경우가 많습니다. 예술가들은 특정 팔레트를 사용해 데이터(오염 수준, 온도 변화, 생물 다양성 지표)를 번역하거나 생물학적 활력에 대한 상징적 증인 역할을 합니다. 특정한 녹색은 단순히 아름다운 것이 아니라, 특정 숲과 특정 생태 관찰 순간에 대한 증언을 담고 있습니다.

5. 반복과 축적: 반복된 제스처, 축적된 대상, 연속된 형태는 시간과 양을 통해 전개되는 생태학적 현상을 모델링할 수 있습니다: 세포 성장, 플라스틱 파편화, 산업 생산의 누적 영향. 개별 요소가 수천 개로 증식할 때, 작품은 단일 이미지로는 불가능한 환경 위기의 규모를 가시화합니다.

6. 체험의 구현: 일부 작품은 단순한 시각적 주의를 넘어선 것을 요구합니다. 신체적 참여를 필요로 하며, 여러 감각(촉각, 후각, 온도)을 자극하거나 협력적 의식을 만듭니다. 관람자를 수동적 관찰자에서 능동적 참여자로 변화시켜, 마음이 아닌 몸에 존재하는 감정적 반응(슬픔, 평온, 불안, 연결)을 유발하며, 윤리적 행동을 촉진하는 깊은 이해를 만듭니다.

이 전략들이 실제로 어떻게 작동하는지 살펴봅시다.

Jaanika Peerna - Big melt #10 및 Big Melt #16 (2016) 

감정 모델: Jaanika Peerna의 Glacier Elegies

Jaanika Peerna는 뉴욕, 베를린, 탈린을 오가며 활동하는 에스토니아 출신 예술가로, 참여적 공연과 통제된 해체를 통해 환경 증언에 대한 가장 정교한 접근법 중 하나를 발전시켰습니다. 그녀의 작업은 2017년경 기후 붕괴를 직접 다루기 위해 의도적으로 전환되어, 초기 자연력(바람, 물, 빛) 연구를 명확한 기후 행동주의로 변모시켰습니다.

Peerna의 기법은 양손에 연필 다발을 쥐고 대형 마일러 시트 위에서 즉흥적이고 전신을 사용하는 제스처를 실행하여 순수한 움직임을 통해 자연력을 기록하는 동적 드로잉을 만드는 것입니다. 연필은 그녀 몸의 연장선이 되어 비평가들이 "자연 과정을 포착하는 그릇"이라 부르는 예술가로 변모시킵니다. 그러나 활동가적 힘은 공연의 두 번째 막에서 드러납니다.

진행 중인 Glacier Elegy 프로젝트에서 Peerna는 관객을 초대해 이 대형 드로잉을 함께 만듭니다. 그런 다음 자연 얼음 덩어리를 표면에 올려놓습니다. 얼음이 녹으면서 그려진 선과 안료를 적극적으로 녹여 협업 창작물을 실시간으로 지웁니다. 이 과정은 수십 년간의 빙하 녹음을 즉각적이고 체험적인 상실 경험으로 압축합니다.

천재성은 대중 참여에 있습니다(전략 6: Embodied Experience). 관객을 창작에 포함시킴으로써 Peerna는 감정적 투자를 보장하며, 이후 파괴는 추상적 데이터가 아닌 공유되고 실체적인 상실이 됩니다. 이 작품은 빙하 녹음을 묘사하는 것이 아니라 그것을 실행하여 관람자를 목격자이자 애도자로 변모시킵니다. 그녀의 접근법은 전통적인 재앙 이미지가 종종 마비를 유발한다는 점을 인식하며, 그녀의 의식적 방법은 압도적인 기후 슬픔을 통과하는 구조화된 "길"을 제공하여 참여를 수동적 관찰에서 그녀가 말하는 "지구에 대한 윤리적 책임과 돌봄의 행위"로 전환시킵니다.

녹아내리는 얼음은 Material Witness (전략 2)로 기능합니다. 물은 단순한 매개체가 아니라 변형과 파괴의 능동적 매개체입니다. 중력과 흐름이 최종 구성을 결정하여 작품을 해체 과정 자체의 법의학적 기록으로 만듭니다. Peerna는 또한 정교한 시간적 차원(Scale/Immersion, 전략 3)을 발전시켰습니다. 그녀의 초기 작업이 느린 자연 과정을 기념했다면, Glacier Elegy는 지질학적 트라우마를 의도적으로 가속화하여 수십 년간의 빙하 후퇴를 의식 공연의 짧은 시간으로 압축합니다. 이 압축은 기후 데이터가 할 수 없는 긴박감을 시뮬레이션합니다.

Peerna는 이 실천을 스튜디오 작업으로 확장하여 동일한 의식적 과정을 단독으로 수행합니다. 그 결과물(제목: "Tipping Point", "Big Melt", "Meltdown", "Ablation Zone")은 강력한 역설을 제시합니다: 순간적인 자연 재앙을 기록하는 Mylar 위의 영구적인 합성 기념물로, 자연 과정의 연약함에 비해 인간이 만든 재료의 지속성을 강조합니다.

Mylar 위에 쌓인 운동선과 제스처(반복/축적, 전략 5)는 기록된 자연력의 복잡성과 강도를 반영합니다. 그리고 Peerna의 미학은 미니멀리즘(흑백 위주)이지만, 그녀의 활동은 정밀한 어휘(데이터로서의 색상, 전략 4)에 기반합니다. 그녀의 제목들은 빙하학과 기후 과학의 중요한 과정을 참조하며, 감성적 미학과 객관적 데이터 포인트를 융합하여 추상 작품을 과학적 현실에 뿌리내리게 합니다.

Reiner Heidorn - Specific Rank #2 및 Specific Rank #1 (2024)

존재론적 모델: Reiner Heidorn의 Bio-Divisionism

Reiner Heidorn은 바이에른에 거주하는 독일 예술가로, 근본적으로 다른 접근법을 사용합니다. 바이에른 알프스와 숲으로 둘러싸인 자신의 스튜디오에서 작업하는 Heidorn은 "Dissolutio" 기법(라틴어로 용해를 의미)을 개발했으며, 이는 인간과 자연 세계 사이의 경계를 명시적으로 해체하는 과정을 목표로 합니다.

Heidorn의 활동은 Peerna의 오염이나 물질적 훼손에 초점을 맞추지 않고 자연과의 건강한 존재론적 관계 회복에 중점을 둡니다. 그의 그림은 그가 "통로" 또는 "개방"이라 부르는 것으로, 관찰자와 관찰 대상 사이에 "경계 없는 공간"을 창조하려는 열망을 담고 있습니다. 환경 위기의 근본 원인으로 생태 철학자들이 지적한 주체/객체 이분법을 해체하려는 이 탐구는 그의 작업의 정치적 효능을 정의합니다.

그의 기법은 보이지 않는 것을 보이게 하기 (전략 1)의 탁월한 예를 제공합니다. Heidorn은 미세한 세포 구조와 담수 생태계를 광활한 몰입형 색채 장으로 변모시킵니다. 미술사가들이 "Neo-Expressionist Bio-Divisionism"이라 부르는 그의 스타일은 그가 "Microscopic Pointillism"이라 명명한 기법을 사용합니다: 수천 개의 작고 정밀한 색점들이 부드러운 그라데이션으로 조직되어 과학적 현미경 관찰의 시각 언어를 감정적 표현으로 전환합니다. 그는 보통 인간의 눈에 보이지 않는 생명의 복잡성과 상호 연결성을 인지 가능하게 하여 생태계를 유지하는 보이지 않는 네트워크를 드러냅니다.

Dissolutio 과정 자체는 암묵적으로 Material Witness로 기능합니다 (전략 2). 그의 작품을 움직임 상태로 유지하고 일시성을 미학적 특성으로 통합하기 위해, Heidorn은 고전적 유화 규칙을 의도적으로 위반하여 캔버스 위에서 직접 색을 혼합하고 거품과 분화구 같은 "오류"를 수용합니다. 이 매체의 변화는 작품이 흐름과 변화를 구현하도록 보장하며, 살아 있고 변하는 물질이라는 개념을 강화하고 자연 과정에 대한 통제를 포기하게 합니다.

그의 작품 형식은 중요한 옹호 메커니즘입니다 (Scale/Immersion, 전략 3). 그의 캔버스는 거대하고 과대하게 제작되어 "관람객을 압도"하도록 설계되었으며, 관람자를 살아 있고 변이하는 물질에 몰입시키는 "포털" 역할을 합니다. 이 거대한 규모는 인간중심주의에 맞서는 의도적인 행동가 전략입니다. 관람객을 생태계의 거대함과 신체적으로 대면하게 함으로써, 작품은 Heidorn이 말하는 "개인의 완전한 무의미함"을 강조합니다. 허무주의와는 거리가 먼 이 접근법은 겸손을 장려하고 그가 "심리적 회복"이라고 묘사하는 것을 촉진합니다. 생물학적 활력 앞에서 무의미함을 느끼는 것은 관람객이 자연과의 분리를 해소하도록 초대하며, 이는 환경 위기를 부추기는 소외의 정반대입니다.

Heidorn의 작품은 Data/Witness로서의 색상에 강하게 기반합니다 (전략 4). 그의 시각 언어는 배경이 아닌 주제이자 목소리로서 녹색이 지배적입니다. 미술사가들은 이를 "신성한 녹색, 축복받은 세계의 깊은 생명의 증인"과 연관짓습니다. 그의 팔레트는 파랑과 황토색으로 풍부해져 숲, 호수, 자율적인 생물학적 세계를 명시적으로 불러일으킵니다. 이 색상들은 장식적 선택이 아니라 특정 장소, 특정 빛, 예술가와 환경 간의 특정 연결 순간의 증인입니다.

Repetition/Accumulation (전략 5)은 그의 방법에 내재되어 있습니다. 미세 점묘법은 수천 개의 작고 정밀한 색점들이 모여 복잡한 생태계를 형성하는 데 기반합니다. 이 반복의 사용은 세포 규모에서 살아있는 물질의 밀도와 구조적 복잡성을 모델링하며, 미시적 수준에서 필수적인 상호 연결성과 생물학적 풍요로움의 미학적 표현입니다.

마지막으로, Heidorn의 궁극적인 목표는 도덕적이면서도 심리적입니다 (Embodied Experience, 전략 6). 그의 그림은 "심리적 회복과 깊은 평온"의 순간을 제공하도록 설계되었습니다. 관람객이 이 "통로"를 지나며 자아와 자연 사이의 경계를 해체하도록 초대함으로써, 몰입 경험은 생태 불안과 소외에 대한 치료적 행위가 됩니다. 비평가들은 관람객이 경험하는 "예상치 못한 부드러움"의 감정을 보고하며, 이 비대립적 접근법의 효과를 입증합니다. 환경 비상시대에 Heidorn의 느림과 사색에 대한 고집은 가속화된 생태계 파괴에 대한 저항의 형태가 됩니다.

어휘 확장: 세 가지 추가 접근법

Olafur Eliasson - Moss Wall (1994)

개념적 추상: Olafur Eliasson

Olafur Eliasson은 덴마크-아이슬란드 출신의 개념 예술가로서 환경 소통의 주요 언어로 추상적이고 미니멀한 형태를 사용합니다. 그는 근본적으로 개념 예술가이지만, 그의 작업은 자연 현상(빛, 물, 대기, 지각)을 비구상적 경험으로 조작함으로써 추상적 행동주의로 분류됩니다.

Eliasson은 보이지 않는 것을 보이게 하기 (전략 1)와 체화된 경험 (전략 6)에 뛰어납니다. Wavemachines나 Regenfenster (Rain window)와 같은 작품은 물 현상과 기상 조건을 재현하여 관객이 통제된 박물관 공간에서 보이지 않거나 통제할 수 없는 자연력을 경험할 수 있게 합니다. Moss wall (1994)은 감각적 물질성(향기, 이끼의 질감)을 무균 박물관 환경에 도입하여 방문객들이 살아있는 생물학적 존재를 예리하게 인식하도록 하여 체화된 경험에 직접적으로 관여합니다.

그의 색채 작업은 위에 나열된 네 번째 전략(Data/Witness)을 보여줍니다. Colour experiments (2019)는 Caspar David Friedrich와 같은 역사적 인물 풍경화를 해체하여 정량화 가능한 데이터 소스로 취급합니다. 색상을 분석, 추출, 비례적으로 추상 캔버스에 분배함으로써 Eliasson은 순수한 색채 "데이터셋"의 풍경을 창조합니다. 그는 자연이 암호화된 추상 형태로 번역될 수 있다는, 일종의 법의학적 미술사를 입증합니다.

그의 프로젝트 Your planetary assembly (2025)는 태양계 모델에서 영감을 받은 색상과 배열을 가진 여덟 개의 추상 다면체를 통해 Scale/Immersion (전략 3)을 활용합니다. 공공 집회 공간(아고라를 참조)으로 설계된 이 설치물의 공간 배치는 참가자들이 더 큰 우주적 맥락 내에서 자신의 즉각적인 환경을 고려하도록 강요하며, 추상 기하학과 우주 지도 제작을 지역 사회 개념과 연결합니다.

Eliasson의 작업은 일관되게 묻습니다: 예술이 기후 위기를 단순히 지적으로 이해하는 것을 넘어 신체적으로 느끼게 할 수 있는 방법은 무엇인가? 그의 접근법은 개념 예술가들이 환경 메시지를 전달하는 주요 수단으로 추상을 사용할 수 있음을 증명하며, 지적 이해를 우회하는 강렬한 경험을 창조합니다.

Alicja Biała, Iwo Borkowicz - Totems (2019)

데이터 시각화: 통계를 구체화하기

점점 더 많은 아티스트들이 복잡한 생태 데이터를 접근하기 쉬운 형태로 번역하는 도구로 추상을 사용합니다. 2005년 아티스트 Tiffany Holmes가 만든 용어인 이 "에코-비주얼라이제이션" 실천은 에너지 소비, 오염 수준, 종 손실 같은 데이터를 기술적이고 예술적인 수단으로 재해석해 행동에 영향을 줍니다. 이는 직접적으로 보이지 않는 것을 보이게 하기 (전략 1)와 데이터/증거로서의 색상 (전략 4)을 활용합니다.

Alicja Biała와 Iwo Borkowicz의 설치작품 Totemy는 직접적인 예를 제공합니다. 이 9미터 높이의 기둥들은 색상, 형태, 질감을 사용해 어업 남용, 대기 오염, 목재 벌채 같은 특정 기후 통계를 나타냅니다. 이는 위압적인 높이로 규모/몰입 (전략 3)을, 통계에 대한 코드화된 색상으로 데이터/증거로서의 색상 (전략 4)을, 압도적인 통계를 구체화하여 보이지 않는 것을 보이게 하기 (전략 1)를 명확히 적용한 사례입니다. 관람객은 문제의 규모를 시각화하고 QR 코드를 스캔해 완전한 문서를 확인하며 추상적 미학과 사실 정보를 연결할 수 있습니다.

ScanLAB Projects, 런던에 기반을 둔 Matt Shaw와 William Trossell이 설립한 아티스트 주도 스튜디오는 3D 스캐너를 사용해 소노란 사막에서 쓰러지는 사과로 선인장 같은 자연 현장의 추상적 디지털 타임랩스 작품을 만듭니다. 기후 변화는 종종 인간이 인지하기에 너무 느린 시간 척도(수십 년에 걸친 빙하 해빙, 수세기에 걸친 침식)로 나타납니다. ScanLAB의 추상적 타임랩스는 시간을 조작하고 압축하여 인간 규모에서 보통 보이지 않는 과정을 가시화합니다. 이 작품은 보이지 않는 것을 보이게 하기 (전략 1)의 개념을 지속 시간의 추상화를 통해 구체화하는 역동적 아카이브 역할을 합니다.

Mandy Barker - Bird's Nest - © Mandy Barker

법의학적 축적: Mandy Barker

영국 아티스트 Mandy Barker는 축적을 통해 해양 오염의 전 지구적 규모를 구체화하는 인상적인 개념적 사진 작업을 발전시켰습니다. 최종 매체는 사진이지만, 그녀의 추상적 구성은 수천 개의 수집된 플라스틱 쓰레기를 의도적으로 조립하고 겹쳐서 만들어집니다.

Barker의 작품은 직접적으로 반복/축적 (전략 5)과 물질적 증거 (전략 2)를 활용합니다. 축적은 단순한 미학이 아니라, 문제의 지속 불가능한 규모를 정량화하기 위한 법의학적 접근입니다. 그녀의 시리즈 PENALTY: The World는 41개국에서 수집한 992개의 축구공과 해양 쓰레기를 모아 이 문제의 전 세계적 범위를 보여줍니다. 시리즈 Hong Kong Soup: 1826 - Spilt는 플라스틱 펠릿(nurdles)을 작품에 통합하여 오염의 시각적 증인 역할을 하며 대규모 유출을 문서화합니다.

각각의 파편은 전 세계 미세 및 대형 플라스틱 위기의 단위로 변모합니다. 재료(폐기물)의 선택은 윤리적 행위가 되어 추상 작품을 물리적 증거로 바꾸고 관객이 재료와 소비에 대한 접근 방식을 재고하도록 초대합니다. 역사적으로 예술에서 반복과 축적은 심리적 주제와 연관되어 왔습니다(예: Yayoi Kusama의 집착적 축적). 환경적 맥락에서 축적은 폐기물, 특히 플라스틱의 축적과 분열과 직접 연결된 중요한 정치적 의미를 갖습니다.

Barker의 추상적 구성은 동시에 아름답고 무섭습니다. 파편을 만다라 같은 패턴이나 별자리 형태로 정교하게 배열하여 시각적 매력을 만들어 관객을 끌어들인 후, 강한 충격을 줍니다: 모든 요소가 쓰레기이며, 모든 조각이 생태 위기의 증거입니다. 이 전략은 추상이 미적 즐거움을 산만함이 아닌 메시지가 전달될 만큼 관객을 오래 붙잡는 훅으로 사용하여 아름다움과 긴급함을 같은 틀 안에 담을 수 있음을 증명합니다.

왜 추상적 행동주의가 효과적인가: 감정과 인지

이러한 관행들의 비교 분석은 추상 환경 예술이 여섯 가지 전략의 서로 다른 조합을 사용하는 두 가지 주요 모델을 통해 성공함을 보여줍니다.

강조된 감정 모델 (Peerna가 대표)은 의식적 관행(전략 6)의 우수성을 보여줍니다. 생태적 슬픔과 집단적 상실을 위한 미학적 구조를 제안함으로써, Peerna는 슬픔을 윤리적 행동으로 전환하는 길을 제공합니다. 이 전략은 미디어 포화와 재앙적 이미지가 유발하는 감정적 마비를 성공적으로 우회합니다. 전통적인 기후 커뮤니케이션이 제공하지 못하는 것을 제공합니다: 압도적인 사실에 직면하면서도 영혼을 치유하고 행동을 촉진하는 방법입니다.

강조된 인지 모델 (Heidorn, Eliasson, 그리고 에코-비주얼라이제이션 아티스트들이 대표)은 추상을 사용하여 세계와의 건강한 관계를 회복합니다. Heidorn은 관찰자/관찰 대상의 경계를 해체하고 거대한 규모 (전략 3)를 사용하여 생물학적 활력 앞에서 겸손을 가르침으로써 이를 달성합니다. 에코-비주얼라이제이션은 추상을 통해 보이지 않는 정보(데이터)를 가시화(전략 4)하여 ScanLAB의 타임랩스처럼 복잡하거나 느린 과정을 인지적으로 이해할 수 있게 합니다. Eliasson은 보이지 않는 대기력을 만질 수 있는 경험으로 만드는 통제된 환경을 만듭니다.

두 모델 모두 중요한 통찰을 공유합니다: 추상화는 지적 이해를 우회하여 본능적이고 신체적인 지식을 창조합니다. 눈앞에서 사라지는 드로잉을 함께 만들 때, 미시 생명체의 거대한 캔버스 앞에서 압도될 때, 정성껏 배열된 해양 쓰레기를 만날 때, 반응은 뇌가 아닌 몸에서 일어납니다. 이것이 연구자들이 '신체적 공감'이라 부르는 것으로, 몸에 살아있고 통계나 참혹한 이미지가 할 수 없는 방식으로 행동을 동기 부여하는 더 깊은 이해 형태를 만듭니다.

긴급한 증언으로서의 추상화

추상화가 행동주의가 될 수 있을까요? Jaanika Peerna, Reiner Heidorn, Olafur Eliasson, Mandy Barker 등 여러 작가의 작품은 확실히 가능하다는 것을 증명합니다. 하지만 이러한 실천은 왜 행동주의 추상화가 드문지 또한 보여줍니다: 그것은 구상이 회피하는 '메시지 문제'를 해결해야 하기 때문입니다. 인물이나 내러티브 없이, 추상 예술가는 다른 전략을 찾아야 합니다: 보이지 않는 시스템을 가시화하고, 재료 변형을 은유로 사용하며, 규모로 압도하고, 색으로 정보를 암호화하며, 반복을 통해 증거를 축적하고, 관찰자를 참여자로 변화시키는 경험을 창조하는 것.

도전은 여전히 현실적입니다. 추상화는 벌채된 숲의 사진이나 기후 난민의 그림처럼 즉각적이고 명확하게 소통하지는 못할 것입니다. 그러나 이러한 접근법은 추상화가 동등하게 가치 있는 것을 제공한다는 것을 보여줍니다: 형태, 재료, 과정으로 환경 위기를 증언하는 능력; 긴급함을 담은 아름다움 창조; 보편적인 시각 언어 구사; 항상 보이지 않는 것을 느끼게 함; 슬픔, 치유, 윤리적 행동을 위한 구조 제공.

관람객과 수집가에게 행동주의 추상화에 참여하는 것 자체가 증언의 행위입니다. Peerna의 빙하 애가나 Heidorn의 미시 생태계와 시간을 보내고, Eliasson의 대기 설치물이나 Barker의 해양 쓰레기 만다라를 접할 때, 여러분은 몸과 감각, 아름다움과 긴급함이 만나는 공간에서 살아있는 다른 종류의 환경 인식에 참여하게 됩니다. 이 예술가들이 보여주듯, 이러한 참여는 기후 참여를 압도적인 절망에서 구조화된 애도, 수동적 관찰에서 집단 치유, 소외에서 재연결로 변화시킬 수 있습니다.

행동주의 추상화는 가능합니다. 어렵고 드물지만, 성취되면 구상화가 따라올 수 없는 환경 증언의 형태를 제공합니다. 기후 위기가 모든 목소리를 요구하는 가운데, 이 예술가들은 추상화가 명확한 메시지 전달에 저항하는 것 때문에가 아니라, 그 저항이 극복되었을 때 가능하게 하는 것들 때문에 필수적인 기여를 한다는 것을 증명합니다.

Jaanika Peerna와 Reiner Heidorn은 IdeelArt에서 대표합니다. 

추천 이미지: Reiner Heidorn의 Wetland (2023)

Francis Berthomier의 작품

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