게시글: 기하학적 추상: 말레비치와 몬드리안에 관한 또 다른 영웅담이 아니다
기하학적 추상: 말레비치와 몬드리안에 관한 또 다른 영웅담이 아니다
왜 직선이 여전히 중요한가
기하학적 추상은 모두가 알고 있다고 생각하는 미술사 중 하나입니다. Malevich의 몇 개의 사각형, 원색의 Mondrian, 눈이 아플 정도의 옵아트, 그리고 이야기는 거기서 끝난다고 여겨집니다. 대부분의 박물관 설명과 일반 서적에서는 이것이 선형적이고 영웅적이며 다소 엄격한 서사로 나타납니다: 소수의 개척자들이 일련의 돌파구를 만들고, 각 돌파구가 깔끔하게 다음으로 이어지며, 장이 닫힙니다.
그럼에도 불구하고 현대 회화, 조각, 디지털 작업에서 직선, 격자, 암호화된 구조가 지속되는 것은 다른 무언가를 시사합니다. 기하학은 닫힌 장이 아니라 예술가들이 계속해서 다시 배우고, 논쟁하며, 새로운 목적에 맞게 구부리는 살아있는 언어입니다. 이 선형적 영웅 서사를 다시 이야기하기보다는, 이 글은 20세기 초부터 오늘날까지 기하학적 추상에 흐르는 긴장들—영적 대 합리적, 유토피아 대 아이러니, 손 대 코드—을 따라갑니다.
(기하학적 추상의 기본적이고 솔직히 다소 지루한 이야기를 위해 오신 분들은 이 페이지 하단의 FAQ로 바로 스크롤하셔도 좋습니다: 교과서 버전을 완벽하게 다루고 있습니다!)
영적인 사각형과 비객관적 신앙
20세기 초, 기하학은 오늘날 우리가 생각하는 깨끗하고 세속적인 디자인 도구가 아니었습니다. 그것은 깊이 이상했습니다. Wassily Kandinsky와 Kazimir Malevich 같은 예술가들에게 기하학은 오컬트의 수단이었습니다. 신지학과 "사고 형태"가 보일 수 있다는 생각에 크게 영향을 받아, 그들은 삼각형과 원을 단순한 형태가 아니라 응축된 힘의 드라마로 보았습니다.
Malevich가 그의 Black Square를 그렸을 때, 그것은 형식주의적 연습이 아니었으며, 그는 그것을 새로운 종교를 위한 "맨몸의, 틀 없는 아이콘"이라고 불렀습니다. 그의 헌신은 전면적이었는데, 1935년 그가 사망했을 때, Black Square가 그의 관을 실은 트럭의 후드에 군기처럼 장착되었습니다. 단단한 가장자리가 부드러운 정신을 섬기는 이 계보는 계속 이어지고 있습니다. 이것은 수학이 아니라 호흡에 관한 것입니다.
C63 by Elizabeth Gourlay (2022)
우리는 고 Elizabeth Gourlay(1961–2024)의 작품에서 이 유산을 봅니다. 그녀의 작업은 결코 선의 엄격함에 관한 것이 아니라 그 울림에 관한 것이었습니다. 시각적 음악을 추구한 초기 개척자들처럼, Gourlay의 구성은 악보처럼 기능했습니다. 그러나 Malevich가 급진적인 제로 포인트를 추구한 반면, Gourlay는 미묘한 색상과 톤의 변화를 사용하여 구축된 것이 아니라 자란 듯한 기하학, 청사진이 아닌 "정신 상태의 그래프"를 발견했습니다.
원색과 Concrete Art 속의 유토피아
De Stijl과 구성주의, 그리고 나중의 Concrete Art와 함께 다른 신념이 등장했습니다. 여기서 격자는 영혼을 들여다보는 창이 아니라 더 나은 사회를 위한 모델이었습니다. 결정적인 순간은 Theo van Doesburg가 1930년에 Concrete Art 선언문을 발표하며 "선, 색, 면보다 더 현실적인 것은 없다"고 선언했을 때였습니다. 이 아이디어는 급진적이었는데, 추상화는 현실에서 추상화(예: 단순화된 나무)하지만, 구체화는 그 자체가 현실이라는 것입니다. 그것은 거짓말하지 않습니다.
감정의 혼란에서 벗어난 절대적 명료함의 예술을 추구하는 이 여정은 특정한 종류의 조용한 강렬함을 만들어냈습니다. 이 분위기는 우리가 IdeelArt에서 자주 방문하는 무앙-사르투의 Musée d’Art Concret에서 뚜렷이 느껴집니다. 이 추상화의 특정 형태는 혼란스러운 세상 속에서 논리의 안식처이자 평화의 물리적 경험을 제공한다는 것을 상기시켜줍니다.
XXIV 33 212 (Diptych) by Pierre Muckenstürm (2024)
그 "구체적인" 안정감은 Pierre Muckensturm의 중심입니다. 그는 일시적인 감정을 표현하려는 것이 아니라, 하나의 대상을 구성하고 있습니다. 캔버스를 신중하게 조정된 간격과 무게로 배열함으로써, 그는 불가피하게 느껴지는 정적을 만들어냅니다. 이것은 Concrete의 약속을 현대적으로 이어가는 것으로, 완벽하게 균형 잡힌 이미지가 어쩌면 균형 잡힌 마음을 유도할 수 있다는 것입니다.
격자, 도시, 그리고 기호
세기가 진행됨에 따라 격자는 유토피아적 청사진에서 더 모호한 것으로 이동했습니다. 그것은 감옥의 철창이나 스프레드시트의 레이아웃처럼 보이기 시작했습니다. 1980년대에 Peter Halley와 같은 예술가들이 이끈 네오-지오 운동은 정사를 영적 공허가 아닌 "세포"로 재해석했으며, 이는 생물학적 세포와 감옥의 독방을 모두 참조하며 현대 인프라의 "도관"으로 연결됩니다.
Large Test Pattern 3 by Tom McGlynn (2002)
오늘날 기하학적 예술가는 종종 이 도시 풍경의 해독자로 활동합니다. 우리는 안내 그래픽, 지하철 지도, 경고 표지판에 둘러싸여 있습니다. Tom McGlynn은 이 구어체에서 작업합니다. 그는 도시의 시각적 소음 - 상점 전면, 간판, 로고 - 을 원시 데이터로 취급하며, 상업적 메시지를 제거하고 도시 환경의 골격 구문만 남깁니다.
Enchantment Hurdu by Philippe Halaburda (2020)
마찬가지로, Philippe Halaburda는 다른 종류의 영역을 지도화합니다. 그의 "심리지리학"은 정신없는 교통 지도나 폭발한 회로 기판처럼 보이며, 우리의 삶을 정의하는 보이지 않는 데이터와 움직임의 흐름을 포착합니다. Mondrian이 뉴욕 격자의 부기우기를 그렸다면, 현대 미술가들은 서버 팜의 과부하를 그립니다.
지각: 눈이 글리치할 때
초기 추상이 진지했다면, 중세기는 인간 운영 체제에 대한 "해킹"을 가져왔습니다: 옵 아트. MoMA가 1965년에 "The Responsive Eye" 전시를 열었을 때 반응은 본능적이었습니다: 일부 방문객은 실제로 기절하거나 메스꺼움을 보고했습니다! 작품은 단순히 거기에 있는 것이 아니라 당신에게 영향을 주고 있었습니다. Bridget Riley와 같은 예술가들은 정적인 표면이 마법이 아니라 시각 생리학을 통해 움직임을 생성할 수 있음을 증명했습니다.
Mareas by Cristina Ghetti (2024)
현대 미술가들은 망막에 대한 공격적인 "공격"에서 더 미묘한 진동으로 이동했습니다. Cristina Ghetti는 모아레 효과, 즉 겹치는 격자에서 생성되는 간섭 패턴을 사용하지만 속도를 늦춥니다. 60년대의 어지러운 현기증 대신 그녀의 작품은 촉각적인 윙윙거림, 시각적 주파수를 제공하여 관람자가 초점을 조절하도록 초대합니다. 이는 눈을 속이는 것보다는 한계를 시험하는 것이며, 디지털 글리치가 칠해진 캔버스와 만나는 공간을 만듭니다.
기하학적 조화: 컴퓨터 이전의 알고리즘
생성 AI가 등장하기 훨씬 전부터 기하학 예술가들은 알고리즘을 사용했습니다. Sol LeWitt는 "아이디어가 예술을 만드는 기계가 된다"고 유명하게 썼습니다. 예술가의 임무는 코드를 작성하는 것(규칙); 실행은 부차적이었습니다. 이는 문학의 Oulipo 그룹과 연결됩니다: 엄격한 제약(예: 'e'라는 글자 없이 소설 쓰기)이 더 큰 창의성을 강요한다고 믿는 작가들입니다.
Dawn Light Skew 2 by Debra Ramsay (2023)
오늘날 컴퓨터가 관여하든 아니든 이 "알고리즘" 접근법은 표준입니다. Debra Ramsay는 인간 데이터 기록자로 활동합니다. 그녀는 특정 나무의 1년 동안 변하는 색상 등 자연 환경의 변화를 추적하고 그 데이터를 엄격한 선의 체계로 변환합니다. 그 결과는 추상적으로 보이지만 실제로는 시간과 빛의 특정 데이터 세트인 그림입니다.
Untitled 2023 (Black-Purple) (Left) & Untitled 2023 (Red-White) by Jasper van der Graaf (2023)
Jasper van der Graaf에서도 비슷한 엄격함을 볼 수 있습니다. 그의 작품은 패턴이라는 개념 자체를 해체합니다. 기하학적 모듈을 이동하고 재조합함으로써 우리가 거의 이해할 수 있을 것 같은 언어 같은 시각적 리듬을 만듭니다. 이것이 바로 시스템의 아름다움입니다: 방정식이 숨겨져 있어도 수학이 맞아떨어지는 만족감입니다.
엄격함과 장난기: 격자 깨기
기하학적 예술이 유머가 없다는 오해가 있습니다. 그러나 "기이한 추상"의 오랜 전통이 있습니다. 파이의 숫자를 사용해 자신의 그림 곡선을 결정한 François Morellet이나 의도적으로 아이러니하게 엉성한 격자를 사용하는 Heimo Zobernig을 생각해 보세요. 기하학은 규칙을 깨는 즐거움을 위해 규칙을 설정하는 게임이 될 수 있습니다.
12 Shapes by Dana Gordon (2024)
Dana Gordon Dana Gordon은 조직된 활기찬 영역에서 활동합니다. 그의 그림은 격자에 갇히지 않으면서도 격자를 암시하는 밀집되고 리드미컬한 형태들의 군집으로 구성되어 있습니다. 이는 재즈처럼 구조가 비트를 제공하지만 색상과 마크 메이킹이 자유롭게 즉흥 연주하고 방황하는 기하학적 즉흥 연주의 한 형태입니다. 그 결과는 계산된 것이 아니라 생동감 있고 일관되게 장난기 가득한 "느슨한 기하학"입니다.
Red Frames by Daniel Göttin (2019, 암스테르담, 영구 설치)
3차원 영역에서, Daniel Göttin은 이 장난기를 현실 세계로 가져갑니다. 그는 산업 재료, 테이프, 나무, 금속을 사용해 건축 공간에 개입합니다. 그는 엄격한 규칙을 따르지만 결과는 방의 불규칙성에 의해 결정됩니다: 통풍구, 모서리, 창문. 이는 정방형의 플라톤적 이상과 전시 벽의 어지러운 현실 사이의 대화입니다.
평면을 넘어서: 폭력적인 기하학
"보는 것이 보는 것이다,"라고 Frank Stella는 말하며 그림은 단지 물체일 뿐 창문이 아니라고 주장했습니다. 이로 인해 아티스트들은 직사각형을 완전히 깨뜨렸습니다. 현대 아티스트 Angela de la Cruz는 기하학적 단색화를 가져와 스트레처 바를 부수고 그림을 조각 같은 난파선으로 구깁니다.
Bulge by Holly Miller (2007)
덜 폭력적이지만, 오늘날 많은 아티스트들은 기하학이 평면을 벗어나야 한다는 생각에 똑같이 헌신하고 있습니다. Holly Miller은 그려진 선을 물리적 실로 대체하여 캔버스를 직접 꿰맵니다. "선"은 더 이상 표현이 아니라 실제 그림자를 드리우는 물리적 긴장입니다.
Brand New Day by Tom Henderson (2018)
마찬가지로, Tom Henderson은 플렉시글라스와 오일을 사용해 빛과 반사를 가두는 벽 조각을 만들어 관람객이 움직일 때 변하는 산업 마감 영역으로 나아갑니다. 그리고 Louise Blyton은 형태가 있는 캔버스와 거친 리넨으로 그림의 일반적인 네 모서리에 도전하며, 자연 소재의 질감을 통해 단단한 가장자리를 부드럽게 만듭니다. 이들은 기하학이 단순한 정신적 개념이 아니라 무게, 질감, 결과를 가진 세상의 실체임을 상기시켜줍니다.
Inside and Outside by Louise Blyton (2020)
결론: 시스템과 함께 살기
우리는 선택하지 않은 기하학에 둘러싸여 살아갑니다: 도시 계획, 인터페이스, 물류 네트워크. 기하학적 추상은 단순히 이러한 시스템을 반영하는 것이 아니라, 그것들을 검토하고, 속도를 늦추거나 대안을 상상할 수 있는 공간을 제공합니다.
Elizabeth Gourlay의 명상적인 악보든 Tom McGlynn의 도시 해독이든, 이 아티스트들은 기하학이 감옥이 아니라 언어임을 증명합니다. 그리고 지금의 도전은 정경을 반복하는 것이 아니라, 기하학이 우리의 서식지이자 제약이 된 세상에서 이 형태들이 어떻게 여전히 말을 할 수 있는지 보는 것입니다.
