회화에서 제스처 추상화란 무엇인가?

제스처 추상화라는 표현은 예술을 만드는 방법을 의미합니다. 이것은 운동이 아니라 과정입니다. 추상 제스처 회화에서 중요한 것은 무엇이 그려지는지가 아니라 어떻게 그려지는가입니다. 제스처 화가들은 통제되고 계획된 방식으로 표면에 페인트를 바르는 대신, 직관적이고 신체적으로 페인트를 바릅니다. 그들은 페인트를 방울로 떨어뜨리거나, 붓거나, 튀기거나, 닦거나, 쏟거나, 분사하거나, 그 외의 방법으로 적용합니다. 사용되는 페인트의 종류는 중요하지 않으며, 페인트 외에 표면에 남는 다른 것들도 중요하지 않습니다. 중요한 것은 신체성, 정직함, 직관, 그리고 깊은 개인적 표현입니다. 추상 제스처 화가들은 그들의 가장 깊은 감정과 원초적인 현실을 탐구하며, 그들은 회화의 물리적 행위 동안 그들 자신을 표현합니다. 회화 자체는 그 행동의 유물이며, 만들어진 제스처의 기록입니다. 그것은 진지하고, 직관적이며, 특이하고 자유로운 무언가의 미학적 잔재입니다.

제스처 추상의 뿌리

창의성은 본질적으로 낙관적이다. 예술가가 독창적인 작품을 만들기 위해 노력하는 것은 개인의 인간적 기여의 가치를 믿는 것을 의미한다. 제스처 추상화는 독창성과 낙관성이 모두 긴장된 시기에 등장했다. 20세기 초 몇십 년 동안, 일련의 혁명, 불황, 기근과 전쟁이 세계를 사회적 붕괴의 위기로 몰아넣었다. 1940년대 중반까지 여러 나라가 인류 문명을 끝낼 수 있을 만큼 강력한 무기를 보유하게 되었다. 삶이 신성하지 않다는 전망에 직면하여, 존재론적 위기가 집단 문화에 휘감겼다.

동시에 수십 년간의 강렬한 예술 실험은 독창성을 도전적으로 만들었다. 그러나 여러 예술가들은 두 가지 도전의 해결책이 동일하다는 것을 발견했다: 내면으로 향하는 것, 즉 그들의 잠재의식으로. 그곳에서 그들은 독특하게 개인적이고 따라서 독창적인 방식으로 존재적 불안을 연결할 수 있었다. 그 내면의 진실을 전달하기 위해 그들은 본능을 방해하지 않도록 방해받지 않고 그림을 그릴 수 있는 기술을 개발했다. 그들은 주제를 포기했다. 그들의 주제는 그림 그리기 자체였다. 미술 비평가 해롤드 로젠버그가 말했듯이: “어떤 순간에 캔버스는 한 미국 화가 후 한 미국 화가에게 행동할 수 있는 무대로 보이기 시작했다 - 실제 또는 상상된 객체를 재현하거나 재설계하거나 분석하거나 표현하는 공간이 아니라. 캔버스에 무엇이 올라갈지는 그림이 아니라 사건이었다.”

Willem de Kooning - Woman I, 1950–2. Oil and metallic paint on canvas. 6' 3 7/8" x 58" (192.7 x 147.3 cm). MoMA Collection. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Left) and Willem de Kooning - Willem Woman, 1949. Enamel and oil on canvas. 152.4 x 121.6 cm. Private Collection. © 2019 The Willem de Kooning Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York (Right)

제스처 추상의 선구자들

잭슨 폴록은 가장 유명한 추상 제스처 화가입니다. 1936년, 폴록은 뉴욕시에서 유명한 멕시코 벽화가 다비드 알파로 시케이로스가 이끄는 워크숍에 참석했습니다. 시케이로스는 젊은 예술가들에게 현대 시대를 표현하기 위해 페인트를 던지거나 방울 떨어뜨리는 것과 같은 비정상적인 매체와 새로운 기법을 사용할 것을 권장했습니다. 폴록은 그 조언을 바탕으로 다음 10년 동안 작업했습니다. 그는 자동 드로잉을 탐구하고 캔버스 표면에 접촉하지 않고 페인트를 적용하는 제스처 기법을 개발했습니다. 그는 자신의 내면 감정, 제스처, 매체 및 표면 간의 통제된 협력 상태를 달성하고, 제스처 추상화와 현재 연관된 상징적인 미학을 창조했습니다.

다른 제스처 화법의 작품들, 예를 들어 Willem de Kooning, Lee Krasner 및 Franz Kline는 전통적인 도구인 붓을 계속 사용하며 캔버스와의 물리적 접촉을 유지했지만, 그들의 작품에 극적이고 직관적이며 신체적인 제스처를 통합했습니다. 이 예술가들은 그들의 흔적의 거칠고 즉각적인 특성을 바탕으로 개인적인 시각 언어를 발전시켰습니다. 그들의 제스처 붓질을 통해 그들은 감정 상태의 드라마와 신체적 움직임의 강도를 전달했습니다.

Jackson Pollock - Number 32, 1950. Enamel on canvas. 457.5 x 269 cm. Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen, Düsseldorf, Germany. © The Pollock-Krasner Foundation

현대 제스처 회화

오늘날 많은 화가들이 제스처 회화 전통을 계속 확장하고 있습니다. Joanne Freeman은 제스처 기법을 활용하여 그녀의 축소적이고, 하드 엣지 추상화를 창조하며, 그녀의 시각 언어의 전면에 그녀의 과정의 직접적인 물리성을 가져옵니다. Margaret Neill은 그녀의 제스처 회화에서 서정적 추상화를 참조합니다. 그녀의 과정은 그래파이트, 색연필, 페인트와 같은 다양한 매체로 직관적인 흔적을 남기는 것으로, 구불구불한 제스처 선으로 이루어진 층이 있는 차원적 구성으로 이어집니다. 프랜신 틴트는 현대 추상 표현주의 제스처 화가들 중에서 선두주자입니다. 그녀는 경력을 통해 제스처 추상을 지속적으로 발전시켜 왔으며, 이 세대를 위해 그것을 업데이트하고 있습니다.

트렌드와 관계없이, 이러한 많은 아티스트들은 제스처 추상화를 탐구합니다. 이는 그들이 자신을 표현하는 진지하고 정직하며 감정적인 방법이기 때문입니다. 그들은 이 예술 창작 과정과 관련된 기술이 유행을 타고 사라질 수 있지만, 그 미적 매력은 항상 강하게 남아 있을 것이라는 것을 이해합니다. 이는 아티스트와 관객 모두에게 전달되는 고유한 감정적 깊이와 힘 때문입니다.

Francine Tint - Male Muse, 2016. Acrylic on canvas. © Francine Tint

특집 이미지: Lee 크래스너 - 야행성 생물, 1965. 아크릴, 종이에. 30 x 42 1/2 인치 (76.2 x 108 cm). 로버트와 사라 W. Miller의 기증, Lee 크래스너를 기리며, 1995. 1995.595. 메트로폴리탄 미술관 소장. © 2019 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 브라시오