가장 전형적인 추상 미술 기법
모더니즘 추상 미술이 등장하기 전까지, 대부분의 미술 기법은 한 가지 목표를 가지고 발전했습니다: 예술가들이 작품에서 현실을 더 정확하게 모방할 수 있도록 돕는 것이었습니다. 모방에 대한 추구가 점차 중요성을 잃어가면서, 예술가들은 기존 기법에 얽매이지 않게 되었습니다. 그들은 새로운 비구상 미술의 목표를 달성하기 위해 기법을 수정하거나 완전히 버릴 수도 있었습니다. 추상 미술은 자유와 창의성의 원칙에 기반을 두고 있기 때문에 새로운 기법들이 끊임없이 발명되고 있어, 추상 미술 기법의 목록은 결코 완전할 수 없습니다. 하지만 여기 추상 미술가들이 자주 사용하는 여덟 가지 대표적인 모더니즘 미술 기법을 소개합니다.
가장 급진적인 미술 기법 중 하나인 액션 페인팅
액션 페인팅이라는 명칭은 튀기기, 떨어뜨리기, 몸짓으로 그리기 등 여러 경향을 포함합니다. 이 기법은 추상 표현주의자들이 처음 시작했습니다. 액션 페인팅의 목표는 그림 그리는 과정에 즉흥성과 신체성을 불어넣는 것입니다. 일부 평론가들은 액션 페인터들의 작품이 혼란스럽고 통제되지 않았다고 비판하지만, 액션 페인팅의 주요 창시자인 잭슨 폴록과 같은 화가들은 그들의 작품이 혼란스러운 것이 아니라 오히려 직관적이고 이끌림에 따른 것이라고 주장했습니다. 폴록, 빌렘 드 쿠닝, 프란츠 클라인과 같은 액션 페인터들의 상징적인 작품 덕분에 액션 페인팅은 오늘날 가장 흔하고 쉽게 알아볼 수 있는 추상 미술 기법 중 하나입니다.
액션 페인팅 작업 중인 잭슨 폴록
콜라주
대부분의 콜라주는 종이로 만들어지지만, 액체 매체 이외의 여러 재료를 표면에 덧붙여 만든 모든 2차원 작품을 콜라주라고 부를 수 있습니다. 콜라주를 처음으로 작품에 도입한 모더니즘 예술가는 입체파 화가들, 즉 파블로 피카소와 조르주 브라크였습니다. 많은 이들이 그들의 입체파 콜라주를 추상적이라고 여기지만, 그들은 실제로는 마음이 인지하는 대로 현실을 더 정확하게 묘사하려고 객관적 세계의 요소를 이미지에 더한 것이라고 주장합니다. 이후 다다이즘과 추상 표현주의 같은 여러 추상 미술 운동에서도 콜라주가 유명하게 포함되었습니다.
작업 중인 잭슨 폴록
데콜라주
콜라주의 정반대인 데콜라주는 원본 이미지의 일부를 자르거나 찢어내는 미술 기법입니다. 추상 데콜라주에서는 예술가가 먼저 표면에 종이 층을 여러 겹 붙이고, 도구나 손을 사용해 여러 층의 일부를 제거하여 추상 구성을 만듭니다. 사람들이 광고물을 붙이는 공공장소의 표면은 시간이 지나면서 포스터 층이 부식되고 찢겨 나가 데콜라주처럼 보이기도 합니다.
모더니즘 콜라주를 발명한 피카소의 작업실
염색
1950년대 헬렌 프랭켄탈러는 ‘담금 염색’ 기법을 발명했습니다. 이 기법은 바탕칠을 하지 않은 캔버스에 희석한 물감을 직접 부어 색이 자연스럽게 퍼지도록 하는 방법입니다. 바탕칠을 하지 않아 물감이 원래 부은 곳에서 퍼져 나가면서 붓 자국이나 작가의 손길이 남지 않는 유기적인 색면을 만들어 냈습니다. 염색 기법은 곧 모리스 루이스와 케네스 놀랜드 같은 다른 추상 미술가들에게도 채택되었고, 색면화에 영감을 주었습니다.
담금 염색 기법을 완성하는 헬렌 프랭켄탈러의 작업실
제작
무언가를 제작한다는 것은 보통 산업 공정을 통해 그것을 만들어 내는 것을 의미합니다. 미니멀리스트들은 제작을 의도적으로 널리 사용한 가장 유명한 추상 미술가들입니다. 미니멀리즘의 주요 목표 중 하나는 작가의 자아를 배제하는 것이었습니다. 미니멀리스트 예술가들은 미적 대상을 설계한 후, 다른 이들에게 산업 재료로 제작하게 했습니다. 추상 미술의 제작 기법은 예술가가 직접 작품을 만드는 것의 중요성에 대한 질문을 제기합니다.
제작 과정
조립
미술 기법으로서의 조립은 조각과 반대되는 개념으로 여겨집니다. 조각은 나무나 돌을 깎거나, 플라스틱이나 금속을 주조하거나, 점토를 빚어 형태를 만드는 행위입니다. 조립에서는 예술가가 서로 다른 요소들을 결합하여 입체적인 형태를 만듭니다. 조립 기법을 유명하게 사용한 추상 미술가는 로버트 라우센버그로, 그의 유명한 ‘컴바인’ 작품을 만들 때 이 기법을 활용했습니다.
1965년 그의 작업실 ‘더 팩토리’에서 상징적인 실크스크린 작품 ‘꽃들’을 작업 중인 앤디 워홀
판화
판화는 미리 준비된 원판에서 표면으로 옮겨진 모든 2차원 이미지를 말합니다. 판화 제작 방법에는 석판화, 목판화, 에칭, 실크스크린, 디지털 인쇄 등이 있습니다. 판화 기법은 예술가가 미리 이미지를 만들고 여러 장을 복제할 수 있게 합니다. 디지털 판화를 제외한 대부분의 판화 복제본은 원판 표면의 미세한 결함과 변화로 인해 완전히 동일하지 않습니다. 이러한 차이는 서명되고 번호가 매겨진 판화의 개별적 독특함에 중요합니다. 판화와 다른 기계적 과정을 광범위하게 사용한 앤디 워홀에게 이러한 차이는 주요한 미적 관심사였습니다.
프랑스 프랭크 스텔라 예배당에 있는 부조 작품 세 점의 내부 모습
부조
부조 기법은 2차원 표면에서 이미지를 조각하여 작품 표면에서 이미지가 돌출되도록 만드는 것입니다. 때로는 부조에 다른 재료와 요소를 더해 부조와 콜라주가 결합된 복합 부조를 만들기도 합니다. 예술가 프랭크 스텔라는 오랫동안 복합 부조를 그의 다학제적 작업에 포함시켜 왔습니다. 그의 대형 복합 부조 작품 여섯 점은 프랑스 베네트 재단 부지에 영구 야외 설치물인 프랭크 스텔라 예배당에 전시되어 있습니다.
대표 이미지: 1965년 로버트 라우센버그(오른쪽)가 벨 전화 연구소의 전기 기술자 빌리 클뤼버와 함께 라우센버그의 조립 작품 ‘오라클’을 작업하는 모습
모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됨
필립 Barcio 제공
