하드 엣지 회화와 추상 질서의 미학

하드 엣지 회화 속으로 들어가 보고 싶으신가요? 다음에 라스베이거스에 가시면 코스모폴리탄 호텔과 카지노에 들러 보세요. 거리 수준에는 스타벅스 커피숍이 있습니다. 그 안으로 들어가 벽을 올려다보세요. 여러 표면과 시설물에 원색의 밝은 색조가 칠해져 있는 것을 발견할 수 있을 것입니다. 그 벽 중 하나에는 이 색조를 칠한 사람의 서명이 있습니다. 바로 프랑스의 예술가이자 사진작가인 조르주 루스(Georges Rousse)입니다.

방의 가장 끝으로 걸어가면 바닥에 표시된 자리가 있어 관람객이 그 위에 서도록 초대합니다. 그 한 자리에서만, 그리고 오직 그 자리에서만 루스의 비전이 완성됩니다. 칠해진 표면들은 착시의 일부로, 건축 공간을 차지하는 기하학적 추상화의 삼차원적 실현입니다.

존 맥러플린 - 무제, 1951년, 메이소나이트에 유화, 23 ¾ × 27 ¾ 인치, 반 도렌 왁스터 제공

하드 엣지 회화란 무엇인가?

하드 엣지 회화라는 용어는 1950년대 후반 로스앤젤레스 타임스 신문의 미술 평론가 줄스 랭스너가 처음 사용했습니다. 이 용어는 다양한 추상 미술 양식에서 다시 나타나기 시작한 오래된 경향을 가리키는 말로, 당시 캘리포니아에서 특히 두드러졌습니다. 이 경향은 대담하고 선명한 색상으로 기하학적 형태를 그리고, 서로 단단하고 뚜렷한 경계로 구분하는 것을 포함했습니다. 랭스너가 이 용어를 만들 때 언급한 대표적인 하드 엣지 화가 두 명은 존 맥러플린과 헬렌 룬데버그였습니다.

이러한 유형의 회화는 수세기 전부터 존재해 왔으며, 여러 문화권에서 그 흔적을 남겼습니다. 서양 추상 미술 영역 내에서도 대담한 색상, 명확한 형태, 뚜렷한 경계를 사용하는 경향은 이전에도 나타났는데, 예를 들어 카지미르 말레비치와 피에트 몬드리안의 작품에서 볼 수 있습니다.

하드 엣지 회화의 미학은 1940~50년대에 추상 표현주의자들의 감정적이고 제스처적인 작품이 인기를 끌면서 한동안 유행하지 않았습니다. 현대적으로 사용되는 하드 엣지 회화라는 용어는 특정한 한 가지 스타일이나 운동을 가리키기보다는, 여러 현대 미술가들이 다양한 스타일에서 적용하고 계속 적용하는 경향을 의미합니다.

헬렌 룬데버그 - 블루 플래닛, 1965년, 캔버스에 아크릴, 60 x 60 인치, 마릴린과 칼 토마 컬렉션. © 페이텔슨 아트 재단, 루이스 스턴 파인 아트 제공

카지미르 말레비치 - 붉은 사각형, 1915년, 캔버스에 유화, 21 × 21 인치, 러시아 박물관, 상트페테르부르크

아름다움의 철학

많은 사람들에게 추상 미술의 가장 혼란스러운 요소 중 하나는 그것이 객관적인 아름다움의 정의에 부합하지 않는다는 점입니다. 적어도 서양 세계에서는 수세기 동안 회화의 미적 아름다움은 초상화나 풍경화 같은 자연적이고 구상적인 주제로 정의되었습니다. 추상미술이 등장하기 전에는, 작품이 미적으로 아름답다고 여겨지려면 천사, 역사적 인물, 초원 등 객관적 세계에서 아름답다고 여겨지는 것을 재현하는 것이 일반적이었습니다.

예술가들이 회화의 요소를 해체하기 시작하면서 무엇이 아름다울 수 있는지에 대한 개념에 도전했습니다. 빛의 특성만으로도 아름다울 수 있을까요? 인상파는 그렇게 생각했습니다. 색상만으로도 미적으로 아름다울 수 있을까요? 오르피스트들은 그렇게 믿었습니다. 이후 많은 예술가와 미술 운동은 미적 아름다움이 과연 중요한가에 대한 의문까지 제기했습니다. 예술이 아름다움과 관련이 있어야 할까요?

피에트 몬드리안 - 빨강, 파랑, 노랑의 구성 II, 1930년, 캔버스에 유화, 46 x 46 cm, 메트로폴리탄 미술관

질서의 아름다움

예술가, 평론가, 학자들이 서로 철학적 논쟁을 벌이더라도, 사실 관람객에게 아름다움은 중요합니다. 예술 관람객은 자신을 기분 좋게 만드는 대상과 함께 있기를 원합니다. 그들은 예술이 자신들의 만족 추구에 함께 참여하기를 바랍니다. 전 세계의 모든 미술 평론가가 어떤 작품을 역사적으로 매우 중요하다고 평가해도, 관람객이 그 작품 주변에 머물고 싶어 하지 않으면 그 가치는 당연히 줄어듭니다. 인간이 미적으로 즐거운 것들 곁에 있기를 좋아한다는 근본적인 진리는 많은 추상 미술 운동이 고민해 온 문제이며, 하드 엣지 회화는 많은 관람객이 이를 직면하도록 도왔습니다.

질서에는 아름다움이 있습니다. 이성에는 아름다움이 있습니다. 색상에는 아름다움이 있습니다. 선에는 아름다움이 있습니다. 순수하고, 오염되지 않고, 깨끗하며 합리적인 것에는 아름다움이 있습니다. 오늘날에도 많은 관람객이 입체파 작품이나 바실리 칸딘스키의 추상화를 처음에는 아름답게 보지 못하지만, 말레비치의 슈프레마티즘 회화와 몬드리안의 데 스틸 회화의 하드 엣지 기하학적 추상에는 혼돈에 대한 미적 해독제로서 매력적이거나 적어도 심리적으로 만족스러운 무언가가 있다는 것은 부인할 수 없습니다.

잭슨 폴록 - 블루 폴스 또는 11번, 1952년, 캔버스에 유리와 함께 에나멜 및 알루미늄 페인트, 83.5 인치 × 192.5 인치, 호주 국립 미술관, 캔버라

취향의 문제

물론 이것이 다른 유형의 추상 미술이 아름답지 않다는 뜻은 아닙니다. 아름다움은 취향의 문제입니다. 예를 들어, 관람객마다 복잡함을 해석하는 능력이 다릅니다. 어떤 이에게 혼돈처럼 보이는 것이 다른 이에게는 목가적으로 보일 수 있습니다. 잭슨 폴록과 윌렘 드 쿠닝 같은 액션 페인터들이 성공할 수 있었던 이유는 많은 관람객이 그들의 작품을 이해하기 쉽고 공감하며 아름답다고 느꼈기 때문입니다. 폴록의 블루 폴스를 엉망이라고 생각하는 관람객도 있지만, 훨씬 더 많은 이들은 그것을 인간의 보편성과 원초적 개인적 진실의 표현으로 봅니다.

하드 엣지 회화가 1950년대에 다시 유행한 이유는 아마도 추상 표현주의가 너무 감정적이었기 때문일 것입니다. 추상 표현주의는 제2차 세계대전과 원자폭탄 시대 이후 인류 역사상 가장 폭력적이고 참혹하며 두려운 시기에 등장했습니다. 매일 밤 뉴스에서 자신의 멸망을 마주하는 관람객들이 결국 내면의 평온과 질서감을 느낄 수 있는 무언가를 원하게 된 것은 당연합니다.

1950~60년대의 하드 엣지 회화는 바로 그런 것을 제공했습니다. 기하학적 추상의 형식적이고 고전적인 특성으로 돌아가는 길을 열었습니다. 우리의 정신 속 공포와 원초적 감정의 혼돈을 바라보기보다는, 하드 엣지 추상은 형태, 색상, 선, 표면만이 중요한 사색적이고 명상적인 공간에서 우리를 피난처로 안내했습니다. 그곳에서 우리는 사물의 기본 구성 요소를 명상하며 적어도 일시적으로는 다른 존재로 변할 수 있었습니다.

도널드 저드 - 콘크리트에 15개의 무제 작품, 1980-1984년, 마르파, 텍사스, 치나티 재단, 마르파

미니멀리즘과 그 이상

형식적이고 하드 엣지 미학으로의 복귀는 20세기 중반 추상 미술의 거대한 창조적 진화를 촉진했습니다. 이는 평면적 표면과 넓은 색면을 사용해 관람객이 초월적 감각을 경험할 수 있는 명상적인 회화를 만든 케네스 놀랜드 같은 색면 회화가 등장하는 데 영감을 주었습니다. 또한 작가의 손길을 감추고 색상, 선, 형태, 표면 같은 형식주의적 특성을 강조하는 포스트 페인터리 추상주의 운동에 영향을 주었습니다. 도널드 저드와 미니멀리즘 관련 작가들의 사고에도 영향을 주어, 감정을 배제한 표현의 정점을 형식주의 미학으로 달성하게 했습니다.

제임스 터렐 - 라에스로 핑크 (코너 프로젝션), 1968년, © 제임스 터렐

더 큰 유산

하드 엣지 회화는 빛과 공간 운동의 예술가들에게도 영감을 주었습니다. 제임스 터렐의 몰입형 작품을 경험해 보았거나, 빛이 통과하도록 표면에 뚫린 ‘조리개’ 같은 하드 엣지 구멍을 활용한 작품을 본 사람은 이 작업과 하드 엣지 회화 사이의 연관성을 분명히 알 수 있습니다.

설치 미술가 로버트 어윈도 그의 빛 작품을 통해 하드 엣지 화가들의 유산과 연결되어 있습니다. 가장 유명한 예는 어윈의 아크릴 설치 작품으로, 투명하고 곡선형의 원형 아크릴 조각이 벽에서 돌출되어 빛을 받아 주변 표면에 선, 기하학적 무늬, 빛과 그림자의 상호작용을 만듭니다. 이 작품들은 하드 엣지 회화의 원리를 삼차원 공간으로 확장하여 관람객이 그 안에 들어갈 수 있게 합니다.

로버트 어윈 - 무제, 1969년, 주조 아크릴에 아크릴 페인트, 지름 137cm, © 2017 로버트 어윈 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕

관점의 문제

하드 엣지 회화가 감정적인 회화 양식보다 더 아름다운지, 혹은 그 반대인지는 전적으로 개인의 의견 문제입니다. 그리고 의견은 변합니다. 라스베이거스의 그 스타벅스로 돌아가 보면, 조르주 루스가 그의 작품으로 전달하려는 진정한 메시지를 알 수 있습니다. 기하학적 형태의 하드 엣지 회화는 우리에게 질서와 명료함을 줄 수 있습니다. 하지만 모든 사람이 질서와 명료함에서 행복을 느끼는 것은 아닙니다. 어떤 사람은 무질서를 좋아하고, 어떤 사람은 혼돈을 즐깁니다. 루스의 하드 엣지 작품의 진정한 아름다움은 어느 방향으로 한 걸음만 옮겨도 경계가 부드러워지고 변한다는 점입니다. 이는 관점이 정말 모든 것임을 증명합니다.

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용되었습니다
필립 Barcio