하드 엣지 회화와 추상 질서의 미학

하드 엣지 페인팅 안으로 들어가고 싶으신가요? 다음에 라스베가스에 가시면 코스모폴리탄 호텔과 카지노에 가보세요. 거리 수준에는 스타벅스 커피 하우스가 있습니다. 그 안으로 들어가서 벽을 올려다보세요. 다양한 표면과 비품에 칠해진 밝은 기본 색상의 패치를 보실 수 있습니다. 벽 중 하나에는 이 색상 패치를 그린 사람의 서명이 있습니다: 프랑스의 예술가이자 사진작가인 조르주 루스.

"방의 끝으로 걸어가면 바닥에 표시된 자리를 볼 수 있습니다. 그 자리에서만, 그리고 그 자리에서만 루소의 비전이 실현됩니다. 그 칠해진 표면들은 환상의 일부로, 건축 공간을 차지하는 기하학적 추상화의 3차원 실현입니다."

존 맥러플린 - 제목 없음, 1951, 유화, 메이슨라이트, 23 ¾ × 27 ¾ 인치, 반 도렌 웍스터 제공

하드 엣지 페인팅이란 무엇인가?

하드 엣지 페인팅이라는 용어는 1950년대 후반 로스앤젤레스 타임스 신문의 미술 작가인 줄스 랭스너에 의해 만들어졌습니다. 이 용어는 다양한 추상 미술 스타일에서 다시 나타나기 시작한 고대 경향을 언급한 것이지만, 당시 캘리포니아에서 특히 두드러졌습니다. 이 경향은 기하학적 형태를 사용하여 대담하고 선명한 색상으로 서로 명확하게 구분된 단단하고 고체의 경계로 그려지는 것을 포함했습니다. 랭스너가 이 용어를 만들 때 언급한 두 명의 주요 하드 엣지 화가는 존 맥클라우린과 헬렌 룬데버그였습니다.

이러한 유형의 그림은 수세기 동안 이전에 그려졌으며, 많은 다양한 문화에서 그 존재를 알렸습니다. 서양 추상 미술의 영역 내에서도 대담한 색상, 잘 정의된 형태 및 날카로운 가장자리로 작업하는 경향이 이전에 나타났으며, 예를 들어 카지미르 말레비치와 피에트 몬드리안의 작품에서 볼 수 있습니다.

하드 엣지 회화의 미학은 1940년대와 50년대에 유행에서 벗어났으며, 이는 부분적으로 추상 표현주의자들이 작업한 감정적이고 제스처적인 작품의 인기가 상승한 덕분이다. 현대적 의미로 사용되면서 하드 엣지 회화라는 용어는 특정한 스타일이나 회화 운동을 지칭하기보다는, 다양한 스타일의 현대 예술가들이 적용하고 계속해서 적용하고 있는 경향을 나타낸다.

헬렌 룬데버그 - 블루 플래닛, 1965, 아크릴화, 60 x 60 인치, 마릴린과 칼 토마 컬렉션. © 페이텔슨 아트 재단, 루이 스턴 파인 아트 제공

카지미르 말레비치 - 붉은 광장, 1915, 유화, 21 × 21 인치, 러시아 박물관, 상트페테르부르크

아름다움의 철학

많은 사람들에게 추상 미술의 가장 혼란스러운 요소 중 하나는 그것이 어떤 객관적인 아름다움의 정의에도 호소하지 않는다는 것입니다. 적어도 서구 세계에서는 수세기 동안 회화에서의 미적 아름다움은 초상화나 풍경과 같은 자연적이고 구상적인 주제로 정의되었습니다. 추상화의 부상 이전에는, 예술 작품이 미적으로 아름답다고 여겨지기 위해서는 일반적으로 객관적인 세계에서 아름답다고 여겨지는 무언가를 복제하는 것이 기대되었습니다. 예를 들어, 천사나 역사적 인물, 또는 초원과 같은 것들입니다.

예술가들이 회화의 요소를 해부하기 시작했을 때, 그들은 아름다움이 무엇인지에 대한 개념에 도전했습니다. 빛의 특성만으로 아름다움으로 간주될 수 있을까요? 인상파 화가들은 그렇게 생각했습니다. 색채만으로 미적으로 아름다움으로 간주될 수 있을까요? 오르피스트들은 그렇게 생각했습니다. 이후 많은 예술가들과 예술 운동들이 미적 아름다움이 과연 관련이 있는지에 대한 개념에 도전했습니다. 예술은 아름다움과 어떤 관련이 있어야 할까요?

피트 몬드리안 - 레드, 블루, 옐로우의 구성 II, 1930, 캔버스에 유채, 46 x 46 cm, 메트로폴리탄 미술관

질서의 아름다움

예술가, 비평가, 학자들이 서로 간에 철학적 게임을 하든 간에, 사실은 아름다움이 관객에게 중요하다는 것이다. 예술 관객들은 그들을 기분 좋게 만드는 객체의 존재 속에 있고 싶어 한다. 그들은 예술이 그들의 만족을 추구하는 과정에 함께 참여하기를 원하며, 그것이 그들에게 의미하는 바가 무엇이든 상관없다. 세계의 모든 미술 비평가가 특정 그림을 엄청난 역사적 중요성을 가진 것으로 간주하더라도, 만약 아무 관객도 그 주위에 있고 싶어 하지 않는다면, 그 가치가 정당하게 감소하는 것이다. 인간이 미적으로 즐거운 것들 주위에 있는 것을 좋아한다는 근본적인 진리는 많은 추상 미술 운동이 씨름해온 것이며, 그것은 하드 엣지 회화가 많은 관객이 직면하도록 도와준 것이다.

질서에는 아름다움이 있다. 합리성에는 아름다움이 있다. 색깔에는 아름다움이 있다. 선에는 아름다움이 있다. 순수하고, 손상되지 않으며, 깨끗하고 합리적인 것에는 아름다움이 있다. 오늘날에도 많은 관람객들이 처음에는 입체파 작품이나 바실리 칸딘스키의 추상화의 아름다움을 보는 데 어려움을 겪지만, 구조에 대한 우리의 욕구에 호소하는 그림에는 매력적이거나 적어도 심리적으로 만족스러운 무언가가 있다는 것은 부인할 수 없다. 말레비치의 수프레마티즘 그림과 몬드리안의 데 스틸 그림의 경계가 뚜렷한 기하학적 추상화는 혼돈에 대한 미적 해독제이기 때문에 아름답다.

잭슨 폴록 - 블루 폴스, 또는 넘버 11, 1952, 에나멜과 알루미늄 페인트와 유리로 캔버스에, 83.5 인치 × 192.5 인치, 호주 국립 미술관, 캔버라

취향의 문제

물론 이러한 말이 다른 종류의 추상 미술이 아름답지 않다는 것을 의미하는 것은 아닙니다. 아름다움은 취향의 문제입니다. 예를 들어, 서로 다른 관객들은 복잡성을 풀어내는 능력이 다릅니다. 한 쌍의 눈에는 혼돈처럼 보이는 것이 다른 쌍의 눈에는 목가적으로 보일 수 있습니다. 잭슨 폴록과 윌렘 드 쿠닝과 같은 액션 화가들이 그렇게 성공할 수 있었던 이유는 많은 관객들이 그들의 작품을 접근 가능하고, 공감할 수 있으며, 아름답다고 느꼈기 때문입니다. 물론 일부 관객들은 폴록의 블루 폴스와 같은 그림을 엉망이라고 생각하지만, 훨씬 더 많은 관객들은 그것을 인간의 보편성과 원초적인 개인적 진실의 표현으로 간주합니다.

하드 엣지 회화가 1950년대에 다시 유행하게 된 이유는 아마도 추상 표현주의가 너무 감정적이었기 때문일 것입니다. 그것은 결국 인류 역사상 가장 폭력적이고 재앙적이며 두려운 시기인 제2차 세계 대전과 원자력 전쟁의 대두 이후에 등장했습니다. 매일 밤 뉴스에서 자신의 멸망을 직면하고 있는 관객들이 내면의 평온과 어떤 질서감을 더 잘 느낄 수 있는 것으로 돌아가고 싶어하는 것은 이해가 됩니다.

1950년대와 60년대의 하드 엣지 회화는 바로 그것을 제공했습니다. 그것은 기하학적 추상의 형식적이고 고전적인 특성으로의 회귀를 제공했습니다. 우리의 정신의 공포와 원초적 감정에 내재된 혼돈을 바라보는 대신, 하드 엣지 추상화는 형태, 색상, 선, 표면만이 중요했던 사색적이고 명상적인 공간에서 우리에게 피난처를 제공했습니다. 그곳에서 우리는 사물의 기본 구성 요소에 대해 명상하고, 어쩌면 적어도 일시적으로 우리 자신을 다른 것으로 변형할 수 있었습니다.

도널드 저드 - 15개의 제목 없는 콘크리트 작품, 1980-1984, 마르파, TX, 마르파의 치나티 재단

미니멀리즘과 그 이상

형식적이고 날카로운 미학으로의 복귀는 20세기 중반 추상 미술에서 대규모 창조적 진화를 촉발하는 데 도움을 주었습니다. 이는 켄넬 노랜드와 같은 색면 화가들의 부상을 이끌었으며, 이들은 평평한 표면과 넓은 색조를 사용하여 관람객이 초월적인 감각을 경험할 수 있는 명상적인 그림을 창조했습니다. 이는 예술가의 손길을 숨기고 색, 선, 형태 및 표면과 같은 형식적 특성을 강조하는 데 전념하는 운동인 포스트 페인터리 추상(Post-Painterly abstraction)에도 영감을 주었습니다. 또한, 미적 형식주의를 수용하여 감정 없는 표현의 정점에 도달한 도널드 저드와 미니멀리즘과 관련된 예술가들의 사고에도 영감을 주었습니다.

제임스 터렐 - 레트로 핑크 (코너 프로젝션), 1968, © 제임스 터렐

더 큰 유산

하드 엣지 회화는 빛과 공간 운동의 예술가들에게도 영감을 주었습니다. 제임스 터렐의 몰입형 작품 안에 들어가 본 적이 있거나, 빛이 통과할 수 있도록 표면에 잘라낸 "조리개"를 사용하는 그의 작품을 접해본 사람이라면, 이 작품과 하드 엣지 회화 사이의 연관성을 분명히 볼 수 있습니다.

설치 예술가 제임스 어윈조차도 그의 빛 작업을 통해 하드 엣지 화가들의 유산과 연결되어 있습니다. 가장 유명한 예는 어윈의 아크릴 설치 작품으로, 벽에서 바깥쪽으로 확장된 투명하고 곡선형의 원형 아크릴 조각이 빛을 받아 선, 기하학적 패턴, 그리고 주변 표면에 빛과 그림자의 상호작용을 만들어냅니다. 이러한 작품들은 하드 엣지 회화의 원리를 3차원 공간으로 확장시켜 관람객이 그 안에 거주할 수 있도록 합니다.

로버트 어윈 - 제목 없음, 1969년 아크릴 페인트로 주조 아크릴, 지름 137 cm, © 2017 로버트 어윈 / 아티스트 권리 협회 (ARS), 뉴욕  

관점의 문제

하드 엣지 회화가 더 감정적인 스타일의 회화보다 더 아름다운지, 아니면 그 반대인지에 대한 문제는 순전히 의견의 문제입니다. 그리고 의견은 변합니다. 라스베이거스의 그 스타벅스로 돌아가면, 우리는 조르주 루스가 그의 작품으로 전달하려고 하는 메시지의 진정한 본질을 볼 수 있습니다. 기하학적 형태의 하드 엣지 회화는 우리에게 질서와 명료함을 제공합니다. 그러나 모든 사람이 질서와 명료함에서 행복을 찾는 것은 아닙니다. 어떤 사람들은 무질서한 것을 좋아합니다. 어떤 사람들은 혼돈을 즐깁니다. 루스의 하드 엣지 작품의 진정한 아름다움은 어떤 방향으로든 간단한 한 걸음만 내딛으면 가장자리가 부드러워지고 변한다는 것입니다. 그것은 관점이 정말로 모든 것이라는 것을 증명합니다.

모든 이미지는 설명을 위한 용도로만 사용됩니다.
필립 Barcio